Déplacé:


Le baroque est tout de même moins varié que le 19è ou le 20è, du moins à mes oreilles.
Et pour l'instant je n'aime à peu près rien en baroque.

Bach?

C'est sur qu'au niveau de la diversité, il n'y a pas mieux que le vingtième, mais je trouve le baroque plus varié que le classique

Pas d'accord pour pas mal de trucs. La musique sérielle se différentie souvent de la musique atonale par le devellopement. La musique répétitive c'est clairement identifiable comme telle. La musique électronique aussi, mais c'est vrai qu'on pourrait faire un rapprochement avec la musique concréte, en tout cas les deux se différentie clairement à l'écoute du reste, c'est pas forcément fait de notes mais lus de bruits, non? Si on prend Ligeti ou Xenakis, le développement de manière massique est radicalement différent de celui de la musique classique, romantique... Non je trouve ça plus flagrant quand même.

PS : je m'adresse à Vartan

Chers auditeurs, c'était le billet d'humeur de Vartan, que vous retrouverez comme chaque nuit sur votre forum préféré. En attendant, faites de beaux rêves et à bientôt sur nos ondes.

- Beethoven n'est pas baroque en même temp... Debussy ou Varèse son modernes, comme tous les exemples que j'ai cité qui se sont déroulés en une décénie en gros (à part le prélude à l'après midi d'un faune un peu avant, c'est vrai).
- L'époque Baroque est l'une des plus riches pour moi, même si je ne suis pas fan. Je la trouve plus riche que l'époque romantique ou classique. Mais moins que le XXème. Et puis c'est tout, na!

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Je commence par préciser que je suis assez impressionné par la démonstration de Vartan, j'y reviendrai peut-être plus tard.

Il est vrai que la période du tournant XVIe-XVIIe est l'une des plus fécondes qui aient jamais été en termes d'inventivité formelle.

Mais si on fait une comparaison XVIIe-XVIIIe face à XIXe-XXe :

vartan a écrit:

Et puis le XIX et XX°, on a le nez collé dessus, c'est varié de près, de loin (dans quelque siècles) cette variété aura été aplanie, comme la période classique ou baroque pour nous, ce qui n'enlève rien à la qualité de l'inspiration de l'une ou l'autre.

Il est vrai que le XVIIe-XVIIIe est bien plus varié que ne laisse penser une lointaine fréquentation.

Néanmoins, il est évident qu'en terme de formes, de sujets, d'écriture musicale, la diversité est plus grande au XIXe-XXe.


Le culte de l'innovation

Mettons-le tout de suite de côté, il ne s'agit pas de verser dans ce travers.

On a tendance à juger un compositeur à l'aune de ce qu'il crée d'inédit, aujourd'hui - d'où les problèmes en musique contemporaine et particulièrement à l'opéra, je n'y reviens pas.
Un compositeur qui serait novateur et moyen (John Cage ou Pierre Henry par exemple) est considéré avec plus de déférence que le plus habile maître d'une forme préexistante (prenons Czerny, Marschner, Borgstrøm...).

Or, la différence entre deux opéras seria du XVIIIe est inférieure à celle entre deux grands opéras ou même entre deux opéras du même Massenet, du même Strauss.
La variété des livrets, des structures, des langages est supérieure avec le passage du temps et l'arrivée du dogme de la nouveauté.
Du coup, si l'on applique ce dogme, il est évident que les compositeurs du XIXe sont plus géniaux que leurs prédécesseurs, Bach excepté.

Il ne s'agit là que du constat des réflexes courants. D'ailleurs, on cherche souvent à justifier le goût pour Mozart par une position de novateur. "Oh, la Fantaisie, personne ne faisait aussi audacieux à son époque !" "Oh, Don Giovanni, c'est déjà de l'opéra romantique." Etc.


L'épreuve de la comparaison

Avec Massenet, c'est déjà trop facile. Si l'on compare les harmonies archaïsantes de Panurge, le babil de ses cordes, ses petites fanfares pseudo-renaissantes, avec les chatoyances orientalisantes de Thaïs ou l'atmosphère pesante de Thérèse, c'est évident.

Je vais aller plus loin. Mettons côte à côte les partitions, mettons, de Panurge et d'Hérodiade. La vue globale des partition présente plus de différences qu'entre Griselda d'A. Scarlatti et Lucio Silla de Mozart. Parce que dans le second cas, on a des ritournelles, des récitatifs secs, des da capo, un orchestre traité de façon plus proche que dans dans le premier, où le style, le caractère, le genre même varient du tout au tout.
Encore une fois, il s'agit de constat, pas de hiérarchie.

Quelqu'un qui ne sait pas lire la musique notera une différence qu'il ne saisira pas forcément entre deux oeuvres romantiques, bien plus aisément qu'entre deux oeuvres baroques. Ne serait-ce que par la liberté du poème symphonique ! L'orchestration, en revanche, n'est pas forcément si homogène que ça, en comparant les deux périodes - même s'il y a avantage au XIXe sur le premier XVIIIe.


J'avais réalisé ce petit exercice que je vous livre :

Petite démonstration. J'ai pris ce qu'il y avait en ligne.

Comparaison entre récitatifs. Agrippina et Idomeneo. Don Carlo et Ariadne auf Naxos.

J'ai essayé de prendre les passages qui "avantageaient" le plus la position de Vartan. C'est-à-dire les récitatifs les plus nus (si je prends ce qui précède Dio che nell'alma infondere...).


AGRIPPINA


Seule la basse est notée. L'harmonie (très consonnante) est sous-entendue et l'accompagnement improvisé. Intervalles standard pour la déclamation récitative.

IDOMENEO


Seule la basse est notée. L'harmonie (très consonnante) est sous-entendue et l'accompagnement improvisé. Intervalles standard pour la déclamation récitative.


Allez, un premier bonus :

DIDO AND AENEAS


Ici, tout est noté, l'orchestre accompagne, à la façon de la tragédie lyrique, et il y a des aspérités, des interventions expressives de l'orchestre, avec des rythmiques variées. Moins de repos harmonique. Cependant, on reste dans le domaine de l'accord et, vocalement, d'une certaine psalmodie. Vers la fin du passage, on bascule vers l'arioso.
Il y a des différences notables, mais la parenté est patente. [Là, on fait un écart d'un siècle, tout de même, ce qui n'était pas notre objet, initialement.]




DON CARLO


Peu d'accompagnement, mais des interventions lyriques aux bois seuls. Beaucoup de notes répétés, mais aussi des épanchement en forme d'arioso, en ponctuation. Alternance d'accord et de formes plus développées à l'orchestre. Change d'une partie à l'autre de l'oeuvre.


ARIADNE AUF NAXOS


Très proche de la voix parlée, rythmes bancals. Harmonies imaginatives. Faux archaïsme. Effectif réduit pour imiter le temps ancien.



Allez, un bonus, dans le style italien :

LA BOHEME


Ceci est censé être le récitatif qui précède l'air. Pourtant, il s'agit d'un espèce d'air ouvert, où la mélodie est très affirmée, où l'orchestre s'épanche. On est même au delà de l'arioso. Et pourtant, tout va vite, courtes répliques, on fait avancer l'action.


Et un dans le style allemand :

DAS RHEINGOLD


Grande diversité de modes d'accompagnement, avec des rythmiques élaborées. Utilisation de motifs qui parcourent l'oeuvre. Les récits ne reposent pas nécessairement sur des positions harmoniques stables. Orchestre très entrecoupé, qui scande ou évoque, tour à tour.

Dans tout cela, peu de liens forts. Si, à la rigueur le Puccini et le Verdi, mais dans des dispositions rythmiques et harmoniques tout à fait différentes. Il faut dire que la part improvisée ne laisse pas non plus toute latitude pour rétablir la diversité du genre seria. Néanmoins, la partie vocale est beaucoup plus homogène.




Honnêtement, très indépendamment du goût que l'on a pour tel ou tel répertoire, je vois mal comment on peut soutenir le contraire.


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Je précise que j'aime toutes ces périodes, il ne s'agit pas de dire que l'une est meilleure sous prétexte qu'elle innove. Le fait d'approfondir une norme est tout aussi intéressant.
Simplement, cette comparaison est récurrente et il me semblait intéressant de s'y attarder.


P.S. : Xavier, tu ne voudrais pas créer un fil avec tout ça ? Ca va devenir illisible.

Oui Xavier, créé un Thread David l'érudit