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Je suis à vous tout de suite

Benedictus a écrit:

Parsifal a écrit:

Par contre est-ce que quelqu'un a vu D'Après une histoire vraie?

Ça compte, si on a juste regardé la moitié?

Parsifal a écrit:

c'est aussi catastrophique qu'on le dit?

La première moitié, oui.

OK je garderais ça pour un moment de masochisme alors !

Pour Amalric c'est vrai mais ça ne m'avais jamais frappé, plus précisément c'est quand Amalric se travestis que la ressemblance devient vraiment troublante on pense beaucoup au Locataire !

The Spirit of Saint Louis

Christophe Honoré : Ma mère        2004


Adaptation (assez libre, me semble-t-il) du roman homonyme (et inachevé) de Georges Bataille, ce film est assez étrange - et aussi assez mauvais, je trouve. Je n'ai pas lu le roman de Bataille mais il me semble que le film ne lui rend pas tellement justice : on sent qu'il veut mettre des images sur cet état-limite entre la passion folle qu'il voue à sa mère (enfin, à la mère en général, il semblerait - en témoignent les multiples séquences mystiques) et sa vie normale mais le film est finalement assez laborieux, assez cringe aussi et devient de plus en plus grotesque - cela dit, avec Huppert dans le rôle de la mère, ça devient presque comique. Le film comporte beaucoup de prises de vue en caméra à l'épaule, comme s'il était un peu inconfortable de la question de l'esthétisation de ces images : on a le droit parfois à des plans assez moches, à des séquences aux raccords un peu étranges ; le cut très brutal de la fin est un peu la cerise sur le gâteau... Bref, ce film ne m'aura vraiment pas intéressé, il ne raconte pas grand-chose d'intéressant et en plus, il dure tout de même une heure cinquante.

Zombieland Double Tap

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A Foreign Affair

Jean-Louis Bertuccelli : Docteur Françoise Gailland        1976

 
Un petit (et vraiment pas très bon) film dans la filmographie de Huppert, qui a d'ailleurs assez mal vieilli et qui est assez confus : Annie Girardot campe un rôle de médecin de renom au sein d'un hôpital dont le travail occupe une place complètement majeure dans sa vie, si bien qu'elle commence à être complètement épuisée mais ne veut pas le montrer ; au milieu du film, elle apprend qu'elle est atteinte d'un début de cancer du poumon - vous avez saisi ? un médecin qui est malade... En fait, ce film est complètement confus car d'un côté, il semble un peu vouloir nous faire comprendre que "être une femme libérée, c'est pas si facile" (l'enfer), que son cancer du poumon est certainement lié à sa grande consommation de cigarettes (et donc à son stress, et donc à sa vie presque complètement consacrée au travail - alors qu'elle ne peut pas consacrer de temps à sa famille, terrible !) mais à la fois, certaines scènes du film sont moins réac' et misogynes ; enfin, ce qu'il en résulte du coup, c'est qu'on ne comprend pas où le film veut en venir et sa logique dramatique est vraiment mauvaise : allez, hop, quelques scènes larmoyantes, puis le coup du cancer en climax mais après la scène d'entrée en salle d'opération du personnage de Girardot (c'est la dernière scène), on te met un épilogue en voix-off qui dit "en fait, tout s'est bien passé : il faut toujours avoir de l'espoir".

Werner Schroeter : Malina        1991


Adaptation du roman homonyme de la poétesse allemande Ingeborg Bachmann, c'est le premier film de Schroeter que je vois et ça m'a beaucoup surpris : je ne sais pas si c'est le cas dans ses autres films mais il a une vision de la dramaturgie assez originale puisqu'elle est ici plus ponctuelle que jamais, alors qu'ordinairement, l'intensité particulière d'une scène provient de son rapport avec les scènes précédentes - par exemple, la scène finale de L'humanité de Dumont est complètement banale mais pourtant déchirante quand on la met en perspective du reste du film - mais également de son rapport avec le paysage culturel ambiant - si la fin du Sacrifice est si bouleversante, c'est parce que Tarkovski habituellement plein de pessimisme fait à son fils une déclaration pleine d'espoir ; ici, Schroeter rompt complètement avec le premier aspect et cela lui permet quasiment de faire un film exclusivement composé de moments très intense - et c'est peut-être ce qui peut repousser le plus car il veut ouvertement ne pas construire d'histoire au sens classique. Cette volonté de s'affranchir du film se voit également dans la manière qu'il a de traiter la représentation : il y a toutes ces scènes de chant, d'abord clairement définies puis à un moment, le personnage de Huppert se confond complètement avec la chanteuse : le film devient alors non orientable et la distinction (par exemple) entre Malina et le personnage de Huppert n'est plus claire du tout. La performance de Huppert est vraiment somptueuse, elle arrive à faire passer ce trop-plein, cette outrance volontaire mais à la fois, toujours avec une pointe comique. Le film parle évidemment aussi de Bachmann elle-même, notamment son rapport au nazisme - et si les flammes finales réalisent le paysage psychologique du personnage de Huppert, il y a à mon avis une évocation de la mort de Bachmann - d'ailleurs, c'est curieux car ce film et Barton fink abordent tous deux le thème du nazisme et de l'entreprise artistique, sont sortis la même année et utilisent tous deux ce motif du feu. J'ai en tout cas hâte de découvrir le roman dont le film est adapté pour voir à quoi il ressemble tant ce film sort des sentiers battus.

Sunset Boulevard

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The Emperor Waltz

Bavo Defurne : Souvenir        2016

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Il s'agit du second film du réalisateur flamand Bavo Defurne dont je n'avais jamais entendu parler. Le film semble être pensé comme un feel-good movie, presque un film de Noël (le film est sorti le 21 décembre 2016, ce n'est sans doute pas un hasard) ; tout est très simple, symétrique et presque archétypal : on a deux personnages, le premier (interprété par Isabelle Huppert) est une ex-chanteuse ayant connu un succès assez éphémère à présent employée dans une usine de fabrication de pâté (qui semble vraiment d'une lissité/régularité abyssalement ennuyeuse), le second (interprété par Kévin Azaïs) est un boxeur émergent, travaillant lui aussi dans cette même usine. Le rapport entre les deux personnages est extrêmement symétrique : celui de Huppert est un personnage assez pessimiste qui a déjà eu une vie et qui fonctionne maintenant sur un mode végétatif alors que celui d'Azaïs est celui qui est à l'orée de sa vie potentielle (et assez optimiste) puisqu'il va disputer un combat face à un boxeur assez important, dans une compétition. Le boxeur-en-devenir va faire remonter l'ex-chanteuse sur scène, devenir son manager et elle va ainsi participer à une sorte de concours télévisé ; le film met vraiment en exergue la symétrie de cette relation, notamment dans son évolution qui semble régie selon un principe de vases-communicants (il l'aide à redevenir chanteuse mais met la boxe sur le côté). En fait, cet aspect extrêmement dépouillé et cette construction extrêmement symétrique va aussi jouer contre le film puisqu'il devient assez lisse et pas forcément passionnant : il tombe dans cette contrée assez nébuleuse des films plaisants. Cependant, on a le droit à de nombreuses scènes de chant de la part de Huppert, ce qui vaut quand même le coup d'oeil - et qui nous rappelle (assez) lointainement 8 femmes.

The Major and the minor



Mais comment ce filou de Wilder faisait-il pour berner la censure, dès ses premiers films??

Nina Companeez : Faustine et le bel été        1972


Il s'agit du film dans lequel Isabelle Huppert fait sa première apparition au cinéma, elle joue un petit rôle. Le film raconte l'histoire d'une adolescente qui passe ses vacances d'été dans la ferme de ses grand-parents et qui se plait à observer les voisins : le film commence plutôt bien, d'influence très rohmérienne (certains plans font beaucoup penser à La collectionneuse et surtout au Genou de Claire) mais se singularise par beaucoup de séquences très rêveuses qui sont d'ailleurs assez réussies et résonnent avec le caractère pastoral un peu berçant ; en plus, le film est assez singulier car c'est Faustine qui mène la/les danse(s). Malheureusement, le film accumule les scènes un peu rêveuses jusque-là charmantes et devient carrément lénifiant, ne racontant alors plus grand-chose mais aussi (et surtout), il bascule largement dans le cringe avec Faustine qui croise un quadragénaire lorsqu'elle se repose nue après la baignade, qui vient bien sûr la voir et elle s'imagine ensuite des scènes avec ce dernier ; c'est dommage.

Ce n’est pas aussi un des tout premiers films d’Isabelle Adjani? Personnellement, je n’ai jamais osé le regarder, celui-là (à vue de nez, ça m’a toujours fait l’effet d’une espèce de daube davidhamiltonienne - et apparemment, je n’étais pas tombé tellement loin, si?)

Benedictus a écrit:

Ce n’est pas aussi un des tout premiers films d’Isabelle Adjani? Personnellement, je n’ai jamais osé le regarder, celui-là (à vue de nez, ça m’a toujours fait l’effet d’une espèce de daube davidhamiltonienne - et apparemment, je n’étais pas tombé tellement loin, si?)

Oui, c'est son second rôle au cinéma. Je ne connais pas les films de David Hamilton et je ne dirais pas que c'est une daube car certaines choses sont intéressantes mais ce n'est pas très bon et la deuxième moitié est par contre vraiment pas bonne : c'est sûr que Huppert et Adjani ont tourné dans des meilleurs films. 

Pour David Hamilton c'est vraiment l'affiche qui y fait pensé, entre le flou artistique un peu baveux et la pose érotique de cette femme nu aux traits un peu trop juvéniles...
(je ne savais pas qu'il avait fait des films en revanche, cela dit je n'ai pas très envie de savoir a quoi ça ressemble).

Emeryck a écrit:

Je ne connais pas les films de David Hamilton

À vrai dire, moi non plus: en fait, je crois que, pour ma génération, David Hamilton était surtout connu comme photographe - créateur d’un style de photographie érotique particulièrement tarte (et prétendant assez au raffinement pour pouvoir être qualifié de vulgaire), à base de flous, de contre-jours, de tons pastels, de décors champêtres et d’accessoires rétro et, surtout, de modèles féminins très, très, très jeunes (je crois même me souvenir que les à-côtés de ses séances de pose avaient fini par le rattraper à la fin de sa vie.) Je me souviens que dans les années fin 70- début 80, ce style était même devenu, dans la publicité, une espèce de lieu commun de ce qu’on n’appelait pas encore le porno-chic.

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

Je ne connais pas les films de David Hamilton

À vrai dire, moi non plus: en fait, je crois que, pour ma génération, David Hamilton était surtout connu comme photographe - créateur d’un style de photographie érotique particulièrement tarte (et prétendant assez au raffinement pour pouvoir être qualifié de vulgaire), à base de flous, de contre-jours, de tons pastels, de décors champêtres et d’accessoires rétro et, surtout, de modèles féminins très, très, très jeunes (je crois même me souvenir que les à-côtés de ses séances de pose avaient fini par le rattraper à la fin de sa vie.) Je me souviens que dans les années fin 70- début 80, ce style était même devenu, dans la publicité, une espèce de lieu commun de ce qu’on n’appelait pas encore le porno-chic.

Ça l'a même tellement rattrapé qu'il s'est suicidé, probablement en raison des nombreux témoignages de femmes abusées par lui lorsqu'elles étaient plus jeune

(bien d'accord pour l'aspect tarte et vulgaire de ses photos).

Family plot

Mauvaise graine

Márta Mészáros : Les héritières        1980

 +
Une rencontre entre Mészáros et Huppert, je devais absolument voir ça - c'est d'ailleurs assez curieux d'entendre Huppert doublée, je ne sais pas s'il y a d'autres cas comme celui-ci dans sa filmographie. Ce film se passe en Hongrie pendant les années trente et quarante, on y suit un couple de bourgeois qui essaie d'avoir un enfant mais la femme est infertile, celle-ci décide donc de faire appel à une de ses amies qui va porter son enfant ; cependant, son mari va s'enticher de son amie et en plus, l'antisémitisme commence à monter alors que son amie est juive. Le film sort des sentiers battus (il me semble) en abordant le thème de l'infertilité, et surtout en ne l'abordant pas d'un angle un peu réactionnaire du style "ahlàlà, c'est contre-nature" qui renverrait la question du lien à quelque chose de profondément lié à celle qui accouche du bébé - et donc, indirectement, donnerait à l'accouchement un sorte de primat identitaire inaliénable : ici, même si le personnage de Huppert est peinée de donner l'enfant, il n'est pas question de cela et le problème provient surtout de la relation naissante entre son mari et son amie qui complique les choses. La conclusion est assez étonnante pour un film de Mészáros puisqu'en fait (spoiler), la femme dénonce son mari et son amie : la seconde se faisant arrêter parce qu'elle est juive et le premier se faisant arrêter pour traîtrise.  C'est le troisième film en couleurs de la réalisatrice que je vois et je trouve que sa photographie est beaucoup moins vieillie que pour les autres - peut-être est-ce l'effet "film d'époque" malgré tout, j'ai trouvé la musique trop redondante et la réalisation moins rugueuse que dans ses films précédents.

The Purple Rose of Cairo

Philippe Faucon
La désintégration

La radicalisation comme effet de désintégrations et comme désintégration. Vu avec finesse, mais autant les fractures mises à jour au sein du milieu social ou familial (qui seront à mon avis dévoilées de façon encore plus probante dans Fatima) et exacerbées par le parcours de Rachid semblent justes, autant le point de bascule qui le conduit à cette rupture semble éludé et traité comme un avant-après un peu figé.

Alain Levent : Le bar de la fourche        1972


Seul et unique film pour le cinéma du fameux directeur de la photographie Alain Levent (il a notamment fait la photo de Cléo de 5 à 7 de Varda), ce film raconte l'histoire d'un espèce de marginal/tricheur au début du siècle au Canada qui ruine tous ses adversaires en trichant au poker pour vivre et qui, lorsqu'il gagne un bateau, décide d'aller voir une femme qu'il connaissait au bar de la fourche ; avec son acolyte, ils vont alors tomber sur une jeune femme (interprétée par Isabelle Huppert) qui va essayer de les séduire tous les deux - c'est d'ailleurs parfois un peu cringe, notamment avec le personnage de Jacques Brel. En fait, dans ce film, Jacques Brel est en roue-libre totale et c'est un peu l'attraction de foire du film dont l'intrigue ne va vraiment nulle part : entre le tribunal local complètement loufoque devant lequel le personnage de Huppert veut se marier, l'espèce de flic qui semble complètement perdu, etc. Non, vraiment, c'est assez oubliable dans la filmographie de Huppert.

Danielle Arbid : Passion simple        2020

 + / 
Adaptation du roman homonyme d'Annie Ernaux et cinquième film de la réalisatrice libanaise Danielle Arbid ; je ne sais pas si cela provient du livre d'Ernaux mais j'ai trouvé que le film ne racontait pas grand-chose, se vautrait beaucoup trop dans la facilité de ne développer (de manière assez banale, en plus) la question de l'obsession : en fait, dans le film, Laetitia Dosch joue le rôle d'une maîtresse de conférence en lettres à l'université, elle travaille spécifiquement sur les écrivaines et on sait grâce à une scène au cinéma où elle voit Hiroshima mon amour de Resnais qu'elle semble féministe (même si ces scènes informatives ne s'intègrent vraiment pas bien au reste), parallèlement, elle voit un homme marié et russe qui travaille à l'ambassade de Russie. Leur relation n'est pas très intéressante puisque la plupart du temps, ils font l'amour ; on sait juste qu'elle lui est totalement soumise : dès qu'il appelle pour dire qu'il est là elle rapplique ; cela donne donc une impression assez désagréable sur l'engagement féministe du personnage principal, comme si le film nous disait "ah, elle est féministe à la ville mais sinon..." ; en plus, les scènes de sexe sont assez amusantes car lorsqu'elles essaient de rompre leur propre monotonie, comme s'il fallait faire un peu destroy, le gars met une fessée à la femme. C'est pour moi vraiment décevant, je suis curieux de lire le livre pour voir s'il est déjà mauvais comme ça ; la seule chose un peu intéressante dans ce film, c'est peut-être la manière de filmer : il y a une attention particulière portée aux petits gestes et les scènes nocturnes sont assez jolies également - bon, après, ce n'est pas la photographie du siècle non plus.

Farid Bentoumi : Rouge        2020


Un peu déçu par ce film : il aurait pu avoir beaucoup de choses à raconter mais les proportions sont à mon avis mal gérées - la fin est expédiée à une vitesse record. Le film s'inspire de faits réels (sans surprise) et met en scène Nour, ancienne infirmière à l'hôpital, à présent engagée dans l'entreprise de traitement de bauxite (pour faire de l'aluminium, donc) où travaille son père ; elle y prend le poste d'infirmière et surveille les dossiers des travailleurs. Très vite, elle découvre que certains employés ne sont plus suivis depuis plusieurs années, qu'aucune donnée n'est disponible sur l'éventuelle toxicité des rejets et que tout les administratifs font comme si tout allait bien et prolonge le droit de rejet de l'entreprise (sous un parc naturel régional !) pendant dix ans - sachant qu'elle a déjà détruit un lac - dont on parle comme appartenant à une époque quasiment préhistorique dans le film. Le point intéressant est que le film rend assez bien la complexité de la chose : bien sûr, il faut faire quelque chose car la santé de tous les ouvriers est gravement menacé (certains ont des débuts de cancer des poumons) mais c'est délicat car faire quelque chose, c'est peu ou prou aboutir à la fermeture de l'usine et donc à la mise sur le carreau de tas d'employés. C'est dommage que le film s'engage ensuite sur un terrain plus personnel avec un drame familial dont on se serait bien passé et n'aille pas au bout de toutes les pistes lancées (la récupération populiste par l'extrême droite, utilisation de la texture) et la fin est vraiment complètement bousculée... Malgré tout, c'est un film agréable, les personnages sont assez amusants et convaincants, pas trop caricaturaux - même si l'ouvrier qui s'appelle Paulo, bon...

J'invente rien



A boire

Pascal Bonitzer : Tout de suite maintenant        2016


Ce film a à peu près tous les défauts et les qualités des autres films de Bonitzer que j'ai pu voir. Tout d'abord, il n'est pas subtil : ici, il fait un portrait du monde de la finance complètement convenu (qui n'est pas illégitime mais on n'attendrait peut-être un peu de renouveau et/ou plus de subtilité), à savoir un monde de requins où tout le monde se tire dans les pattes, etc. Ensuite, le scénario est à tiroir et on ne comprend pas tellement où il va : le film se détourne finalement assez vite du monde de la haute-finance pour parler d'un conflit familial puisque le père du personnage d'Agathe Bonitzer (qui vient juste de rejoindre l'entreprise) connaît en fait le patron de celle-ci et sa femme puisqu'ils se sont fréquentés lorsqu'ils étaient jeunes ; s'ensuivent toute une série de méandres scénaristiques dont on peine un peu à voir l'intérêt et comme Bonitzer n'arrive pas à nous arrimer véritablement au film, on s'ennuie tout de même un peu, d'autant plus que le côté ironique du film (parfois un peu suffisant et carrément peu subtil) est un peu agaçant. C'est dommage car la manière dont le film est filmé est assez intéressante, notamment les lumières, la façon de capter la répartition de l'espace dans les bâtiments et certain(e)s acteurs/trices sont plutôt bons - dommage que les premiers rôles (Agathe Bonitzer, Vincent Lacoste) soit un peu faibles ; c'est curieusement les seconds rôles qui sont plaisants (Isabelle Huppert, Jean-Pierre Bacri mais aussi Wilson et Greggory qui sont pas mal même s'ils ont tout de même des rôles assez importants).

Hibernatus

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"Foutez-moi le camp ou j'te tape!"

If I had a million

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Benoît Jacquot : Les ailes de la colombe        1981

 +
J'avais été un peu déçu par Pas de scandale et de manière générale, je ne sais jamais trop à quoi m'attendre avec Jacquot, mais ici, il s'agit seulement de son troisième long-métrage et j'ai ouï-dire que ses premiers films étaient un peu bressonniens - ce qu'il a fermement démenti. Ce film est une adaptation du roman homonyme d'Henry James (pas lu un livre de cet auteur), l'histoire est vraiment très sommaire : elle se passe à Venise, une femme décide de marier son petit-ami avec une femme malade et riche ; les issues ne sont pas extrêmement surprenantes - il va tomber amoureux de cette dernière, même si du côté de cette femme, il y a une petite surprise ; en fait, l'histoire n'est pas tellement ce qui m'a intéressé dans ce film, ce que j'y ai vraiment aimé, c'est l'ambiance. J'ai trouvé que le film arrivait à installer une ambiance très belle et assez prenante : Jacquot a vraiment une manière de filmer l'absence (que ce soit visuelle ou sonore) qui est très simple mais très belle, à base de légers mouvements de caméra et d'errance des personnages ; j'ai trouvé que la ville de Venise se prêtait assez bien à ce jeu (peut-être notamment parce que c'est une ville cinématographiquement spectrale). En plus, les voix d'Isabelle Huppert et de Dominique Sanda se complètent et, par le dépouillement des dialogues, viennent entretenir cette ambiance par leur timbre. J'ai été vraiment agréablement surpris par l'atmosphère de ce film.

Netchaïev est de retour - Jacques Deray, 1991 - [Yves Montand, Vincent Lindon, Miou-Miou, Patrick Chesnais]

**

The Birds

+

Serge Bozon : Tip top        2013

 /   +
Il s'agit du deuxième long-métrage de Serge Bozon, apparemment tout aussi atypique que le premier (La France). On y suit une inspectrice de l'IGPN assez excentrique (interprétée par Isabelle Huppert) et sa nouvelle collègue, beaucoup plus timorée (interprétée par Sandrine Kiberlain) ; elles doivent enquêter sur la mort d'un indic' algérien - en fait, l'histoire n'est pas absolument cruciale. Comme je le disais, le film est véritablement étrange : il est clairement dans l'absurde et le burlesque mais à la fois, d'une manière assez nouvelle, je trouve - il va à mon avis beaucoup plus loin dans cette idée que des cinéastes comme Dupieux, même si c'est peut-être un peu au prix de la lisibilité. Le film repose sur son trio de tête (Huppert, Kiberlain et Damiens) organisé comme si les deux inspectrices étaient les bords et que le personnage de Damiens était un électron libre (ce n'est pas une blague en référence au film suivant de Bozon...) entre elles, son personnage est vraiment complètement imprévisible, et dès son entrée, on ne le cerne pas. Je n'ai pas trouvé ce film vraiment mauvais mais je l'ai trouvé quand même un peu décevant notamment parce que finalement, hormis son approche un peu nouvelle de l'absurde et du burlesque et sa drôlerie, il ne donne pas tellement de choses à se mettre sous la dent ; en plus, il est parfois assez maladroit sur sa façon de faire de l'humour - je pense notamment au personnage de Huppert.

Chantal Akerman
Golden Eighties

Un Demy sous acide.
Pour la petite histoire : Lio y joue, et n'y chante pas. Et Sonia Wieder-Artherton joue une des parties de violoncelle

Some like it hot

• Daniel Alfredson: trilogie Intrigo: Death of an Author, Dear Agnes, Samaria

Attention, gros foirage et films très ennuyeux. (Si ça avait été en salle, je crois que je serais sorti avant la fin.) Il s’agit donc de trois thrillers psychologiques reposant sur des effets de plot twist final et dont une scène-clef se déroule dans un café nommé Intrigo. Ce que ces films ont aussi en commun, c’est leur capacité à produire assez vite chez le spectateur une sensation de désintérêt et d’à-quoi-bon à partir du genre de structure narrative avec lesquels des gars comme De Palma, Soderbergh, Fincher (ou même Polanski dans ses bons films mineurs comme ce Ghost Writer dont je parlais l’autre jour) sont capables de vous tenir scotché.

Comment expliquer un tel naufrage? Déjà il apparaît vite que, si ces films sont à ce point vendus sur l’intrigue, sur leur narration tortueuse à double-fond, dont le fin mot n’est donné que dans le retournement final, c’est que leur scénario n’a strictement rien d’autre à faire valoir: les personnages sont totalement creux et stéréotypés et évoluent dans un pur décor, comme un univers de publicité ou de roman sentimental, radicalement dépourvu de toute inscription dans le réel, de toute épaisseur psychologique, de toute profondeur sociale ou historique... Ce ne sont que des écrivains, des journalistes, des patrons de start-up, des femmes oisives, des universitaires comme détachés de toute contingence, vivant dans des quartiers résidentiels de villes d’Europe du Nord aussi opulents qu’impersonnels, ou alors dans des espaces naturels de carte postale (Alpes autrichiennes, campagne de Hollande ou de Scanie, îles grecques.) À la limite, c’est tellement factice qu’on se dit qu’il faudrait juste un peu de distance et/ou de folie (et de talent, bien sûr) pour qu’on puisse verser dans une forme d’abstraction à la Marienbad-Antonioni ou dans un univers à la Lynch.

Ce caractère factice, inconsistant, qui tend à une espèce d’évidement des enjeux, est en outre renforcé par un type de photographie hyper léchée et retravaillée (style Instagram-Netflix) et un jeu d’acteurs extrêmement stéréotypé (et très médiocrement exécuté), entre faux-naturel lisse et affects surjoués, qui fait un peu penser aux séries françaises d’après-JT (seule exception, le cabotinage de Ben Kingsley dans le premier volet, qui semble s’auto-parodier dans le registre méphistophélique.) La mise en scène est elle aussi extrêmement médiocre: lente et poussive, sans point de vue (au point parfois d’embrouiller inutilement la narration) et erratique (avec des scènes arbitrairement soulignées par de gros effets et la plupart du temps un côté «pilotage automatique.»)

Au total, des films non seulement mauvais mais dont on peine à saisir la finalité, fût-elle purement commerciale (je me demande en fait à quel public ça s’adresse.)

Ryūsuke Hamaguchi : Drive my car        2021


J'avais beaucoup entendu parler de ce film de manière extrêmement et assez uniformément élogieuse ; la grosse déception de Onoda, 10000 nuits dans la jungle de Harari (le seul qui ait provoqué un engouement aussi uniforme et vif dans les échos que j'en ai eu) me restait encore en tête - de plus, il s'agissait aussi d'un film de quasiment trois heures ; or, Onoda n'est pas un bon film et celui-ci est un chef d'oeuvre. Ce film m'a véritablement pris au corps car je n'en attendais pas grand-chose, n'étant habituellement pas fan des films de Hamaguchi : j'avais bien aimé Asako I & II qui avait une espèce de folie douce assez belle qui menait à certaines fulgurances (en restant toutefois assez bancal) mais Passion n'était vraiment pas très intéressant ni très subtil ; ici, Drive my car prend les meilleures caractéristiques de Asako I & II mais est nettement plus solide si bien que je n'ai perçu aucune longueur durant l'intégralité des trois heures qui constituent le film. ; mieux encore : il n'y a pas de motif-parasite ou de thème abandonné en cours de route, toutes les thématiques sont filées jusqu'à la fin.


Le film adapte la nouvelle homonyme (traduite par Des hommes sans femmes en français - et par son équivalent en anglais) de l'écrivain japonais Haruki Murakami, je ne connais pas son contenu mais ici, le film met en scène (!) un metteur en scène de théâtre qui cherche à mettre en scène Oncle Vania de Tchékov, il cherche donc des acteurs/trices pour jouer la pièce ; on lui présente alors une série de personnes mais ils ne parlent pas tous la même langue : l'un d'eux parle japonais, l'autre parle mandarin et une autre parle la langue des signes coréenne. Ici se dessine alors une des questions majeures du film (déjà entamée subrepticement lors de la première représentation que l'on voit) : comment jouer une pièce lorsque l'on ne parle pas tous/tes la même langue - bien sûr, chacun connaît le texte dans sa langue et peut partir à la fin de la réplique précédente mais parfois, il y a les pauses, etc. - ? avec cette idée (simple mais superbe) de la langue des signes, la question va encore plus loin puisqu'en fait l'espace d'expression de cette langue entre de facto en conflit avec l'espace des gestes mais ce qui est intéressant c'est que cette interférence est à la fois constructive car ça permet de coder les gestes mais également destructive par l'aspect contraignant. 


De manière plus globale, le film pose la question (peut-être banale comme ça, mais filée tout au long du film) de la manière de raconter une histoire : tout d'abord du point de vue de ce que l'on raconte proprement dit (cf. la scène d'ouverture du film et le long monologue du jeune homme engagé pour jouer le rôle de Vania) mais également du point de vue vraiment technique (toute la question sur "comment faire passer quelque chose ?", "comment approcher un texte ?" avec toutes les séances de lecture du texte). Le film parle aussi énormément de trajectoires assez diverses (le deuil, la rivalité, la fuite) et met souvent l'accent sur la rencontre (un peu liée au hasard, en fait) avec notamment cette très belle relation qui se noue entre le metteur en scène et sa chauffeuse - cette occurrence de la rencontre est vraiment centrale dans le film : il y a cette relation bien sûr, mais aussi la rencontre prématurée entre le futur acteur de Vania, la femme du metteur en scène et le metteur en scène, cette idée de rencontre se retrouve aussi à travers la rencontre de ces différents langages, il y a aussi la rencontre avec le texte, etc. 
Un des éléments principaux pour parler de ces trajectoires de rencontre (en fait, presque des devenirs dans certains cas tellement elles sont transformatives pour l'un(e) et pour l'autre), c'est l'utilisation de cette Saab 900 Turbo (première génération) qui est tellement pertinente pour réaliser le personnage du metteur en scène (en fait, (spoiler), sa femme meurt au début du film (enfin, au bout de quarante minutes environ, quoi)) et du coup, le film parle beaucoup de deuil (et notamment de la notion de culpabilité face à ça) et cette Saab représente un peu cela : le film se passe de nos jours et les nombreuses scènes où la Saab est mise en valeur, ce qu'on remarque d'emblée, c'est ce que c'est une voiture d'un autre temps (dans la scène sur le parking du supermarché à la fin, c'est particulièrement criant) mais à la fois, elle a cette même ubiquité qui anime le metteur en scène : elle est restée dans un autre temps (produite en 78, quand même - et l'accent est mis sur ça notamment avec la mise en exergue des différents bruits notamment les grincement des portières) mais elle est pourtant actuelle (pour sa gamme de destination, c'était une voiture assez moderne) ; l'utilisation de la voiture permet d'illustrer brillamment (mais tout en simplicité les revirement affectifs des personnages - le fait que le réalisateur se fasse conduire, le fait que la voiture soit ensuite garée prête à la sortie, le fait que le metteur en scène passe sur le siège passager après le long monologue de l'acteur qui joue Vania). 


Il y a des tas de petits détails tellement signifiants (et simples !) dans ce film, un dernier pour la route : à la fin, les personnages se déplacent en Corée du sud et le seul indice est le changement des plaques minéralogiques de la Saab ; la mise en scène est tellement efficace. Enfin, comme dans Asako I & II, il y a des scènes extrêmement fortes (notamment celle du retour au lieu d'enfance de la chauffeuse du metteur en scène et toute la fin, absolument bouleversante) avec un grand sens de l'utilisation de la réplique - en plus, étant donné la longue durée du film, toutes les interférences chargent toutes ces scènes d'une force émotionnelle incroyable ; Hamaguchi a en plus une idée assez surprenante, deux des points de basculement du film font appel à des longs (je n'ai pas regardé mais le premier doit faire facilement une quinzaine de minutes) monologues et ils sont filmés de manière très théâtrale (plan fixe, assez rapproché du visage du/de la comédien(ne)) et font presque penser à des tirades ; ça permet à la fois de les asseoir davantage dans les thématiques du film mais aussi de considérablement les singulariser. Il y a également des motifs qui circulent dans le film, notamment le rapport très intime (mais pudiquement retranscrit) du metteur en scène au personnage de Vania - notamment à travers ces longs trajets en voiture à répéter ses répliques à l'aide d'une cassette pré-enregistrée alors même qu'il ne joue pas dans la pièce. La scène finale a également une saveur toute particulière car elle a été tournée pendant le Covid-19 et tout le monde porte des masques dans un magasin, une fois sortie, elle retire son masque : c'est la première fois que je vois un film qui représente directement cette crise.


J'imagine qu'il y a également beaucoup de choses à dire sur le rapport à Tchekov (notamment le fait que Oncle Vania ait été choisi, que le pistolet soit lié à un point de bascule du film) et aussi sur le rapport au théâtre. Personnellement, c'est très nettement le meilleur film que j'ai vu cette année - alors que j'en ai vu environ 300 -, il m'a vraiment bouleversé : l'histoire est très simple, malgré son aspect pas complètement linéaire, elle est facile à suivre, il y a des pivots dramatiques très clairs et la mise en scène, en étant d'apparence très simple et classique, est tellement signifiante et efficace - oui, je l'ai déjà dit 3641616 fois mais ça m'a vraiment bouleversé. Il n'a clairement pas volé son prix du scénario à Cannes ; pour moi, c'est vraiment un immense film.

Diane Kurys : Après l'amour        1992


J'avais découvert Kurys avec Diabolo menthe, un teen movie très intelligent et qui m'avait assez surpris ; ici, on retrouve peut-être de faire le portrait d'une génération (toutes proportions gardées) mais ça sort nettement moins des sentiers battus et c'est clairement moins réussi - sans être d'une nullité extrême. Le film montre une espèce de ronde d'amour où le/la suivant(e) est en couple avec la/le précédent(e) et le film montre notamment (et surtout) les tensions qui en résultent ; parallèlement, on suit tout de même le personnage d'écrivaine que campe Isabelle Huppert mais ça n'a pas suffit à relever considérablement mon intérêt : pour moi, le film ne raconte pas grand-chose de véritablement neuf, que ce soit sur les questions d'écriture ou (c'est peut-être un peu moins vrai) sur les relations amoureuses et les formes qu'elles peuvent prendre.

Aujourd'hui, du très très lourd - dans tous les sens du terme :

Benjamin Euvrard : Attention au départ !        2021

+ (c'est peut-être même un peu beaucoup.)
Bon, je crois que ça ne surprendra personne si je dis que c'est mauvais. Je me suis dit qu'à défaut d'être assez drôle, ça ne serait pas problématique ; c'était peut-être un peu naïf. Bon, d'abord, le point pénible, c'est le scénario puisqu'il ne fonctionne que selon un seul principe : en fait, on ajoute un truc totalement improbable (à la fin, ça devient vraiment n'importe quoi : les enfants mélangent des détergents assez peu différents pour faire un liquide assez volatil qui produit du gaz hilarant...) pour faire continuer l'histoire sans que ça n'ait aucun sens (c'est vraiment le seul principe de ce scénario - excepté peut-être la fameuse happy end, évidemment ; je tiens à préciser que cinq personnes se sont mises à l'écriture de ce scénario, quand même - en plus, même au-delà du procédé, c'est encore répétitif, notamment toutes les confrontations autour du contrôleur un peu fantasque. Sinon, le scénario prend vraiment les enfants pour des débiles puisqu'en fait la seule chose par laquelle ils sont animés c'est l'envie de faire des conneries (subtil !) ; sans parler des question de discipline, etc. Bref, il n'y a à mon avis vraiment rien à sauver dans ce film ; les acteurs/trices sont en plus globalement mauvais - surtout Jérôme Commandeur qui est d'une expressivité vraiment impossible : Dussolier est plutôt un peu dans le haut du panier mais il n'a pas grand-chose à faire à part jouer le rôle de papy trop délingo ; je me demande d'ailleurs comment il s'est retrouvé dans ce bourbier...

Cédric Jimenez : BAC Nord        2021


Lors de la conférence de presse suivant la projection du film à Cannes, un journaliste irlandais déclare à l'équipe du film qu'"après avoir vu ce film, il a envie de voter Le Pen en 2022" et ajoute que dans le film, les quartiers nord de Marseille sont véritablement dépeintes comme des zones de non-droit ; l'équipe du film rit un peu jaune, mais le journaliste ne flanche pas et va au bout de sa question/remarque ; le réalisateur lui fait ensuite une réponse un peu tarte-à-la-crème à base de généralités et heureusement que Gilles Lellouche est là pour mettre la cerise sur le gâteau : il ajoute que le film est inspiré de faits réels mais n'est pas proprement réel - et ajoute quelques banalités. En fait, c'est aussi ce que je craignais assez fort mais j'ai décidé de voir le film tout de même ; sans véritable surprise, il s'agit exactement de ça. On suit une équipe de trois policiers (François Civil, Karim Leklou et Gilles Lellouche) de la BAC Nord à Marseille, bien violents comme il faut, ils décident au bout du premier tiers du film de démanteler un gros réseau de trafic de drogue mais pour cela, ils doivent se procurer suffisamment de drogue pour payer l'informatrice. Ce qui est insupportable, tout d'abord, c'est évidemment la manière dont sont dépeintes les cités : les policiers ne peuvent jamais y rentrer, et tout est véritablement montré de telle sorte que les policiers agissent la plupart du temps en "légitime défense" alors que pour les gens de la cité, pas du tout, évidemment. En fait, le traitement des policiers est contextualisé (ils doivent faire du chiffre, les différents délits donnant plus ou moins de points - mais évidemment, cette contextualisation n'est pas du tout intéressante car elle reste au stade "ohlàlà, la hiérarchie, ce sont des méchants, pauvre policiers" au lieu de présenter des mécanismes, des réactions, etc.) alors que du côté des cités, il n'y a absolument aucun contexte ; pire encore : il y a le personnage de l'informatrice que j'ai perçu un peu comme un personnage qui était là pour dire qu'il y avait des gens gentils dans la cité - et du coup, encore plus condamner les autres. Plus généralement, tout tend vers le ouin-ouin généralisé à la faveur des trois policiers : les inspecteurs planqués de l'IGPN qui ne connaissent pas grand-chose au terrain, les supérieurs qui mentent éhontément, les conditions horribles de détention ; bien sûr, ces trois choses sont des problèmes qui existent véritablement et qui sont de taille mais quand c'est pour dire "pauvre policiers !!!", je trouve ça assez dégueulasse - par exemple, au début, on voit des gens entassés dans une cellule mais ça, aucun problème. Il y a également une scène complètement improbable (à quel moment ils se sont dit que ça passerait ??) : un jeune adolescent qui a entre douze et quatorze ans se fait arrêter car il verse un truc sur une voiture (??), il est embarqué dans la voiture et vocifère toutes les insultes possibles et là... le personnage de Leklou met du JuL a la radio et d'un coup, le jeune adolescent se calme et est en mode "vous êtes mes gars sûrs" - en plus, la scène est assez sérieuse. Sinon, au-delà de ça, on ne s'ennuie pas vraiment car le film aligne un peu les scènes spectaculaires de poursuite, d'intervention, avec quelques raccords émotifs à la truelle (non, en vrai, j'exagère un peu, ça passe) ; par contre, si on avait pu rendre Gilles Lellouche muet pour le film, ça aurait été pas mal, il en fait toujours des caisses alors que Leklou et Civil sont beaucoup plus mesurés - en plus, le personnage de Civil est assez amusant et presque attachant avec son chien.

Emeryck a écrit:

on ne s'ennuie pas vraiment car le film aligne un peu les scènes spectaculaires de poursuite

Pourtant, s’il y a bien un truc que je trouve structurellement ennuyeux au cinéma... (Jamais pu regarder un Mission impossible en entier, en tout cas pas en une seule fois.)

Bancs publics

+

Avanti!

Bertrand Tavernier : Des enfants gâtés        1977

 +
Un film qui inaugure un nouveau sillon dans la filmographie de Tavernier : celui des films un peu plus narrativement diffus, celui des films qui embrassent plus immédiatement des thématiques sociales, celui des films dont la proximité avec son réalisateur semble la plus grande. Malgré ses défauts, j'ai trouvé ce film assez beau : tout d'abord, il y a cette dédicace très personnelle à la fin du générique ("À Colo, parce que c'est normal..."), il y a ensuite ce spleen un peu lent qui cerne le film de part et d'autre (relayé par le personnage du réalisateur qui peine à écrire son film, l'ambiance un peu nocturne et le temps couvert, les personnages un peu esseulés - malgré tout, il y a le contraste avec la force fédératrice du comité des locataires) ; j'ai beaucoup aimé cette ambiance. Par ailleurs, contrairement à d'autres films qui parlent de la vie en immeuble dans les (proches) banlieues, celui-ci est nettement plus fouillé - et surtout, il montre le combat des locataires - ; cependant, il est tout de même parfois un peu laborieux dans sa démonstration - qui est aussi parfois un peu datée. En fait, ce film est un peu frustrant car il y a pas mal de bonnes choses mais sans doute trop de thématiques abordées (le logement dans les immeubles, les enfants, l'écriture d'un film et même des thèmes plus étonnants comme cette séquence où le personnage de Christine Pascal parle du plaisir féminin pendant le sexe - et ce n'est même pas cringe, en fait), ce qui donne l'impression d'un film inachevé, un peu confus. Piccoli est vraiment bon dans le rôle du réalisateur en panne d'inspiration (d'ailleurs, le film évite un peu les banalités sur ce sujet, le traitement est assez dynamique) qui est certainement un alter-ego de Tavernier lui-même - c'est amusant, dans le film, il a réalisé un film qui s'appelle La mort en direct, ce sera en fait le prochain film de Tavernier, sorti trois ans plus tard. Par contre, ce qui est scandaleux, c'est que Huppert ne soit pas créditée au générique ! - comment ça, elle ne fait qu'une petite figuration ?

Emeryck a écrit:

parfois un peu laborieux dans sa démonstration - qui est aussi parfois un peu datée [...] pas mal de bonnes choses mais sans doute trop de thématiques abordées

Voilà: c’est exactement le souvenir que j’en gardais (mais je ne l’ai vu qu’une fois il y a longtemps.)

Carnal Knowledge

The Ruins

Christian Vincent : La séparation        1994

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Je ne connaissais le cinéma de Christian Vincent que de nom (notamment par son premier long-métrage, La discrète qui a propulsé la carrière de Fabrice Luchini), il s'agit ici de l'adaptation du roman homonyme de Dan Franck. Le film est vraiment très simple - mais semble sonner assez juste - : on suit simplement la désagrégation d'un couple, avec tous ses mouvements hésitants d'aller-retour. En fait, ce que j'ai aimé, c'est la manière de dépeindre l'évolution du couple, à travers la mise en scène - notamment la gestion de l'espace (notamment avec l'éventuel nouveau petit ami du personnage de Huppert qui ouvre un peu l'espace du film) - et sans renfort à coup d'engueulades hystériques toutes les cinq minutes : il y a quelque chose de délicat dans ce film, d'autant plus que Huppert et Auteuil sont tous les deux très bons.

Pal Joey



Amazon women on the moon

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