Andrei Yakovlevich Eshpai (15 Mai 1925 – 8 Novembre 2015 )

Un compositeur russo-soviétique, mort le 8 novembre passé. Sa musique reste très marginalisée dans les salles de concert en Occident, victime comme tant d'autres du Star-System ambiant. Il existe peu de disques disponibles, ce qui rend sa découverte encore plus difficile auprès des mélomanes. Du côté de la Russie, c'est à peine mieux grâce aux commémorations de son anniversaire dans la capitale de la république Marii Ioshkar-Ola et dans sa ville natale Kozmodemiansk, au bord des rives de la Haute-Volga.

Je souhaiterais rendre justice à ce grand compositeur en créant ce topic qui, je l'espère, pourra guider quelque peu les curieux qui s'aventurent dans la musique silencieuse ("Allons-nous offrir aujourd'hui le goulag du silence à ce qui a survécu hier au goulag de la pensée ?", citation de Frans Lemaire dans La musique du XXème siècle en Russie et dans les anciennes Républiques soviétiques, Librairie Arthème Fayard, 1994 (p. 369)).

Commençons d'abord par un peu de biographie :

Andreï Eshpaï naquit le 15 mai 1925 dans l'ancienne cité de Kozmodemiansk, à l'intérieur de la république autonome Marii au sein de la RSFSR (République Socialiste Fédérative Soviétique de Russie). Son père, Yakov Andreïevitch Eshpaï (1890-1963), était l'un des premiers compositeurs professionnels mariis. Il était aussi chef de chœur, folkloriste et éducateur. Il composa la première œuvre purement instrumentale mariie, collectait des chants folkloriques de sa région natale et, pendant de nombreuses années, enseignait à l'institut national marii du langage, de la littérature et de l'histoire dans la capitale Ioshkar-Ola. La maison de la famille Eshpaï était un lieu très fréquenté par les musiciens, les artistes, les écrivains ainsi que par d'autres intellectuels. C'était dans cet environnement enrichissant que le jeune Andreï put grandir artistiquement.

La famille Eshpaï s'installa à Moscou en 1928, où le père Yakov entra au Conservatoire. Pendant ce temps, Valentina Konstantinova, la mère d'Andreï, étudiait à l'institut pédagogique de Moscou. Valentin Eshpaï, le fils aîné, reçut ses premières leçons de musique. Peu après, son frère cadet montrait rapidement des prédispositions pour l'art d'Euterpe.

Trois ans plus tard, toute la famille retourna à Ioshkar-Ola, ce qui les sauva indirectement de l'ethnocide culturel de la capitale soviétique. Les réunions musicales étaient fréquentes, à cette époque, dans la maison des Eshpaï.

Trois grands musiciens leur rendirent visite au cours de l'année 1935 : Marian Koval (1907-1971) et Victor Bely (1904-1983), deux compositeurs russes, dont l'un était un fervent activiste socialiste, ont eu une profonde influence sur le développement de la musique soviétique dans les années 1940-1950. Ils étaient membres de l'association russe de la musique prolétarienne dans les années 1920, avant la création de la monolithique Union des Compositeurs Soviétiques. Le troisième visiteur était Ferenc Szabo (1902-1969). Compositeur hongrois d'origine mais communiste dans l'âme, il dut émigrer en URSS en 1932 à cause de ses convictions politiques. Il devint une figure respectée de la vie musicale soviétique dans les années 1940.

Ces visites marquèrent l'esprit du jeune Eshpaï et le poussèrent à parfaire ses connaissances musicales à l'institut pédagogique Gnessine à Moscou, de 1934 à 1941, avec notamment Valeria Listova pour le piano.

La Seconde Guerre Mondiale interrompit ses études musicales et le jeune homme décida de servir dans l'armée soviétique entre 1943 et 1946 (il participa à l'entrée de l'armée rouge à Berlin). De retour à Moscou, entre 1946 et 1948, il étudia le piano avec R. Chervina. Parallèlement, Eshpaï étudia la composition de manière autodidacte.

Il entra finalement au Conservatoire de Moscou en automne 1948, où son professeur de composition n'était autre que l'illustre Nikolaï Yakovlevitch Miaskovsky (1881-1950), figure majeure de la symphonie soviétique. En classe d'orchestration, il eut comme professeur Nikolaï Petrovitch Rakov (1908-1990).

Dix-sept ans auparavant, Rakov composa une Suite Marii pour orchestre basée sur des chants folkloriques recueillis par Yakov Eshpaï. Nikolaï Petrovitch était sincèrement touché par la musique du peuple Marii et était fortement ravi d'avoir le fils Eshpaï dans sa classe. En retour, Andreï fut un étudiant dévoué. C'était durant ces années passées avec Rakov qu'Eshpaï écrivait sa Suite pour clarinette et des Pièces Faciles pour piano sur des thèmes folkloriques des peuples de la région de la Volga. Dans la classe de Miaskovsky, il produisit sa première œuvre symphonique importante, les Danses Symphoniques sur des thèmes mariis (1950).

Après la mort de son vénérable professeur, Eshpaï acheva ses études de composition dans la classe d'Evguéni Golubev (1910-1988), futur professeur d'Alfred Schnittke. Pendant cette période, Eshpaï composa une Passacaille à la mémoire de N. Y. Miaskovsky pour orgue (1951). Il poursuivit en parallèle ses études de piano auprès de l'illustre pianiste russe Vladimir Sofronitsky (1901-1961). Ses œuvres pour piano seul, écrites durant ses études pianistiques poussées, nécessitent une technique instrumentale relativement exigente, à l'image de la Première Sonate en ré mineur (1950).

Deux ans plus tard, peu avant la fin de ses études musicales supérieures, Andreï Eshpaï devint membre de l'Union des Compositeurs Soviétiques. Il reçut son diplôme de composition au Conservatoire de Moscou l'année suivante et fut admis en classe de perfectionnement chez Aram Ilitch Khachaturian (1903-1978).

C'était sous l'influence de ce dernier qu'Eshpaï compléta ses premières œuvres personnelles, attachées principalement à l'esthétisme français (couleurs orchestrales subtiles et raffinement du discours musical), le Premier Concerto pour piano à la mémoire de Maurice Ravel (1954) et le Premier Concerto pour violon en sol mineur (1956).

Dans un article de presse paru au début des années 1970, Khachaturian fit l'éloge de son ancien disciple désormais devenu une figure importante des compositeurs de la jeune génération en URSS :

Tout grand compositeur soviétique sérieux se doit d'apporter au public, d'obédiance socialiste de préférance, une symphonie. Eshpaï ne dérogea pas à la règle sacrosainte et créa sa Première Symphonie en mi bémol mineur à la fin des années 1950. L'œuvre reçut une réception enthousiaste lors de sa première performance le 10 novembre 1959, sous la direction de Gennady Rozhdestvensky. Dmitri Chostakovitch était présent dans la salle et jugea positivement l'œuvre du jeune compositeur. L'année suivante, Eshpaï fut nommé secrétaire de l'Union des Compositeurs Soviétiques, à l'instar de son collègue plus jeune Rodion Chtchédrine. Deux ans plus tard, sa Deuxième Symphonie en la majeur "Éloge de la lumière" fut exécutée en première mondiale sous la baguette de Konstantin Ivanov, chef d'orchestre et compositeur soviétique hélas trop méconnu en Occident.

Avec un début de carrière aussi prometteur, Andreï Eshpaï ne pouvait qu'être aux anges. Malheureusement, son père mourut en 1963. Attristé par la disparition subite de son parent le plus cher, le compositeur encore trentenaire rendit un dernier hommage en édifiant sa Troisième Symphonie (1964) à sa mémoire. Véritable requiem instrumental, cette oeuvre aux épisodes très contrastés démontre une fois encore le génie orchestrateur qu'était Eshpaï. La première de l'œuvre fut donnée par l'orchestre de la radio belge (sa musique ne connaissait donc aucune frontière) sous la direction de son fidèle ami Konstantin Ivanov.

Au milieu des années 1960, Eshpaï voyagea en Hongrie et rencontra le célèbre compositeur et pédagogue Zoltan Kodaly (1882-1967). Kodaly appréciait énormément sa Deuxième Symphonie et invita le jeune compositeur à passer du temps en sa modeste compagnie. Ils échangèrent longuement leurs idées. Auparavant, Kodaly s'était déjà familiarisé avec le folklore et les chants du peuple Marii. Il les avaient soigneusement notés dans ses esquisses lors de ses quelques visites chez Yakov Eshpaï. Kodaly était un grand ami de la famille et suivait la carrière de son fils avec beaucoup d'intérêt.

Andreï Eshpaï retourna ensuite à Moscou et, de 1965 à 1970, il enseignait la composition au Conservatoire de la ville. À cette période, il composa les Variations sur un thème de Miaskovsky (1966), son fameux Concerto Grosso pour piano, trompette, vibraphone, contrebasse et orchestre (1967), surtout connu à l'étranger (grand succès mondial à l'époque). Eshpaï fit quelques incursions dans le domaine de la musique légère vers la fin des années 1960 et début 1970. Il produisit l'opérette "Personne n'est plus heureux que moi" (1968), ainsi que la comédie musicale "L'Amour est interdit" (1973). Il s'intéressa de même au jazz et à la variété (Bossa-nova "Alexandria" (1966) et les Trois Mélodies de Jazz (1969) pour piano seul).  

Avec son Deuxième Concerto pour piano et orchestre (1972), Eshpaï consolidait son statut de concertiste professionnel en l'interprétant en tant que soliste avec l'orchestre symphonique de l'état de l'URSS sous la direction de Evguéni Svetlanov (que l'on surnomme à raison le "Karajan russe").  

Alors que la vie musicale devenait de plus en plus difficile en Russie, après la destruction étatique de l'URSS par Boris Eltsine, Eshpaï continuait à se produire dans des récitals à travers tout le pays, en programmant ses propres œuvres. Le compositeur-concertiste recevait toujours les applaudissements d'une audience enthousiaste. Cependant, son travail créatif languissait quelque peu et sa production musicale devenait moins importante à partir des années 1990. À l'occasion de son septantième anniversaire, le maire de Moscou, Yuri Luzhkov, récompensa son Concerto pour flûte et orchestre (1992) du Prix de la Cité pour l'art, la musique et la littérature. À la fin de l'année 1995, Andreï Eshpaï fut élu président de la société des auteurs russes.

Maintenant, parlons un peu de l'oeuvre du compositeur :


Andreï Eshpaï est l'auteur de neuf symphonies, quatre concertos pour violon, deux concertos pour piano, un concerto grosso, des concertos pour flûte, hautbois, clarinette, basson, cor, trompette, saxophone-soprano, tuba, alto, violoncelle et contrebasse, deux ballets, une comédie musicale, une opérette, des poèmes symphoniques, des ouvertures, des suites, des musiques de film, des musiques chorales, trois sonates pour violon et piano (dont une transcription pour violoncelle et piano), deux quatuors à cordes, un quintette à cuivres, des suites pour clarinette, violon et piano, un sextuor pour clarinette, guitare et quatuor à cordes, diverses pièces pour instrument solo, deux sonates pour piano, des sonatines pour piano, des préludes pour piano, des variations pour piano, des études pour piano ainsi que divers cycles pédagogiques.

Pour Eshpaï, la sincérité est le principe fondamental de l'expression artistique. Son discours musical, profondément enraciné dans la musique folklorique de sa région natale et les travaux ethnomusicologiques de son père, marie sans cesse l'écriture tonale, modale et atonale dans un contexte de tonalité élargie, à l'instar des représentants de l'école française du début XXème dont il se dit lui-même être leur successeur spirituel. Le jeune compositeur était fasciné par l'œuvre de Debussy et rendit hommage à Ravel dans son Premier Concerto pour piano. Son admiration pour le compositeur français sera telle qu'il citera La Valse dans le prologue de son ballet "Le Cercle - Apocalypse" (1980), sa plus grande réussite dans le domaine scénique.

Cependant, depuis le début de sa carrière de compositeur, Eshpaï s'efforçait de plaire au régime de l'Union des Compositeurs en écrivant des œuvres symphoniques solennelles et déclamatoires, dans la lignée des grandes personnalités musicales soviétiques telles que Chostakovitch, Prokofiev, Miaskovsky et Khachaturian.

C'était dans ce contexte tendu et sans alternative que le compositeur synthétisa dans son langage les influences folkloriques, la subtilité de l'harmonie et de l'orchestration à la française et le symphonisme soviétique ambiant. Ce qui donna un résultat assez spectaculaire, certes en accord avec les fondements du réalisme socialiste tout en apportant un rafraîchissement à l'institution symphonique poststalinienne. Cela lui a permis de se détacher de ses collègues conservateurs beaucoup trop conformistes à son goût. Mais, par la suite, il ne se convertira jamais complètement au postmodernisme d'un Chtchédrine ou d'un Tichtchenko, tout en s'imprégnant de l'atmosphère globale de la production artistique de ses collègues plus jeunes. Eshpaï restera toujours en marge des principaux courants d'arrière-garde et d'avant-garde, à l'instar d'un Dutilleux en France ou d'un Britten en Angleterre.

À partir des années 1960, d'autres influences ont enrichi la palette sonore du compositeur, celles du jazz et de la musique de variété. En composant des musiques de film, Eshpaï s'était familiarisé avec le jazz (alors musique interdite en URSS dans sa forme originelle américaine) et ne trouvait aucune contradiction avec son univers compositionnel (Debussy et Ravel ont eux aussi été séduits par le charme du blues de la Nouvelle-Orléans).

L'une des premières contributions à l'hybridation du monde classique avec celui du jazz dans la musique soviétique fut son Concerto Grosso de 1966. À la même époque, Chtchédrine composa son Second Concerto pour piano (1966) dans lequel il inséra un ensemble de jazz (vibraphone, cymbale frappée à la baguette, contrebasse solo aux cordes pincées, "piano-bar" du soliste) dans le mouvement final "Contrastes". Eshpaï a ainsi participé à la modernisation du langage symphonique soviétique. Khrennikov a salué ce geste au sein de l'instance officielle (Eshpaï jouait un rôle modérateur en tant que l'un des secrétaires de l'Union des Compositeurs). Il deviendra une figure incontournable, comme Chtchédrine, de la modernité acceptée par les autorités soviétiques, sorte "d'avant-garde" contrôlée par l'Etat.

La production du compositeur peut être définie en trois grandes périodes. La première phase de création commençait pendant ses années d'études au Conservatoire de Moscou et s'achevait à l'époque de la Deuxième Symphonie (1948-1962). Cette période est principalement caractérisée par un style d'écriture fortement marqué par l'influence de ses professeurs (Miaskovsky et Khachaturian en particuliers) ainsi que par son engouement pour le folklore marii et la musique française.

On peut considérer sa Deuxième Symphonie comme son premier chef-d'œuvre. L'œuvre présente une maturité incontestable dans sa structure tripartite et sa beauté instrumentale est admirable, tout semble couler de source. D'ailleurs, au fil des années, le compositeur prendra l'habitude, dans ses grandes œuvres symphoniques et concertantes, de citer certains fragments de la symphonie (Concerto pour violon No. 2, Concerto pour contrebasse et orchestre à cordes, Symphonies Nos. 5 & 8, etc...).

La seconde phase traversait l'époque de la stagnation brejnévienne ainsi qu'une partie de l'ère gorbatchévienne (1964-1987). Celle-ci représente la quintessence de la production d'Eshpaï. C'est durant cette période que le compositeur créa ses plus grands chefs-d'œuvre : les Symphonies Nos. 3 à 5 (1964 ; 1981 ; 1987), les ballets "Angara" (1976) et "Le Cercle - Apocalypse", les Concertos pour violon (No. 2, 1977), hautbois (1982), saxophone-soprano (1985) et alto (1987).

De plus, ses œuvres manifestent un équilibre formel de plus en plus palpable et ses influences se cristallisent pour constituer un style inimitable (les chants folkloriques mariis, le symphonisme soviétique, la subtilité harmonique de la musique française, la frénésie du jazz et la sagesse du postmodernisme que, cependant, Andreï Yakovlevitch n'assumera pas complètement).  

Enfin, la troisième phase débutait à la fin des années 1980. Eshpaï écrira encore de grandes œuvres dans les années 1990, telles que la Septième Symphonie (1991-92), les Concertos pour violon Nos. 3 & 4 (1990 ; 1993), le Quatuor à cordes "Accord-Discord" (1995) et le Concerto pour contrebasse et orchestre à cordes (1995).

Les œuvres ultimes nous présentent un compositeur au crépuscule de son art, la dissolution totale de l'idéologie socialiste aidant à la désillusion de toute une génération d'artistes russes.