Sorties CD en musique du XXIè siècle

Merci pour ta contribution, j’aime beaucoup ce disque. Ce compositeur aussi d’ailleurs, je dois même dire que j’ai déjà songé à ouvrir un sujet sur lui sur ce forum. En découvrant ce disque, j’avais été frappée par l’évidence d’une œuvre d’une telle complexité et d’une telle longueur. Ce sentiment d’évidence c’est quelque chose que je retrouve avec la plupart des œuvres de Mahnkopf. Tout est d’une complexité inouïe mais semble aller de soi comme si ça devait être ainsi et n’avait pas de raison d’être autrement. Fascinée par son écriture rythmique notamment.
En fait, si je devais être mauvaise langue, je dirais que l’intelligibilité vient en bonne partie d’éléments qui sont pour ainsi dire en-deçà de la complexité du discours. En fait ça fait bien longtemps en musique moderne qu’on s’est mis à placer çà et là des éléments très simples comme autant de balises... vous savez, ce sont les notes répétées, les trilles, ou tels harmoniques, etc., ou bien on joue des notes à toute vitesse, ou au contraire très lentement, etc. Rien de vraiment nouveau en fait, on ne fait pas autre chose quand dans la musique classique on commence un thème de fugue par une note redoublée, ou qu’on l’achève par une trille, etc. Il y a des choses équivalentes chez Mahnkopf. Une chose aussi, c’est cette façon de repasser plusieurs fois sur les mêmes notes, technique bien connue dans la tradition postsérielle et qui donne de la cohérence.
Dans le cas particulier des œuvres présentées ici, il s’agit surtout de contrastes marqués à l’extrême. Dans Kurtág-Duo, les deux guitaristes, qui ne jouent jamais en même temps, interprètent chacun un personnage très différent. La première guitare a une scordatura très particulière où les six cordes font entendre six notes très proches les unes des autres, elle joue lentement, pianissimo, fait frotter ses sixièmes et huitièmes de ton. À l’inverse la seconde est en quarts de ton mais joue des choses beaucoup plus éclatées, violentes, des chocs brusques etc. Hommage à György Kurtág double le dispositif puisque s’ajoute une alternance entre l’orchestre et le guitariste, ce qui je suppose laisse le temps à ce dernier de changer de guitare puisqu’il est désormais seul à prendre tour à tour les deux rôles. Du côté de l’orchestre on retrouvera le même genre de contrastes très marqués (qui sont aussi des contrastes de timbres).
Ensuite ce qu’il faut dire aussi c’est que depuis les années 2000 environ la musique de Mahnkopf devient de plus en plus sinon figurative au moins « à programme ». C’est ce dont tu parles je crois avec cette comparaison avec le cinéma, que je trouve très pertinente. C’est sans doute aussi parce qu’elle s’est fortement diversifiée depuis les années 80... on y trouve désormais des textures et climats qu’on n’attend pas a priori d’une musique « complexiste », formaliste à l’extrême etc. Je trouve que Mahnkopf a su élargir considérablement le spectre de ces paradigmes là, y compris jusque des choses qu’on pensait « non quantifiable ». Il n’est pas d’ailleurs anodin que parmi la série d’hommage, on trouve Klaus Huber, et donc György Kurtág.

Si ce Mahnkopf là te plait je te conseille vivement le récent Hommage à Daniel Liebeskind (pour sextuor, 2002–2012) dont NEOS a publié un enregistrement studio.

Ca fait plaisir de te lire lulu, merci !
Je prends bien note de tes recommandations.
...


Sinon j'ai réécouté ça cette semaine :


UMBRAE
Bôłt records (2016)

Andrzej Kwieciński (1984-)
Umbrae (2004) pour quintette à cordes*
Luci nella notte V (2014) pour quatre quatuors à cordes
Contregambilles (2014) pour quatuor à cordes
mural (2008-2010) pour quintette à cordes*

Royal String Quartet
*Tomasz Januchta, contrebasse

Andrzej Kwieciński est un jeune compositeur polonais très prometteur, installé au Pays-Bas depuis 2005. Sa musique est tendue et habitée. Je retiens en particulier Gérard Grisey et Helmut Lachenmann parmis ses influences.
Il a travaillé par ailleurs dans le domaine de la musique baroque en tant que contre-ténor.
Kwieciński emploie souvent ici des formes et des mélodies empruntées à des compositeurs tels que Rameau, Gesualdo, Buxtehude … Des bribes en apparaissent plus ou moins en filigrane.

Pour découvrir ce compositeur je recommande d'écouter « super [P|PE(s)] demo » diffusé dans l'émission Alla Breve. C'est une sorte de fantaisie imaginée à partir de la musique du jeu vidéo « Super Mario Bros. » :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/alla-breve-l-integrale/super-p-pe-s-demo-pour-violon-solo-et-dix-musiciens-de-andrzej-kwiecinski-diffusion-integrale-et-portrait-34947
Je ne suis pas sûr que cela soit représentatif de son travail, mais on y entend bien son savoir-faire et son imagination.
C'est coul.

→ https://andrzejkwiecinski.wordpress.com/

→ http://www.clicmusique.com/andrzej-kwiecinski-umbrae-portrait-compositeur-januchta-royal-string-quartet-p-98098.html

Un petit label anglais dédié à la musique contemporaine vient d'être fondé : « All That Dust » .
Il propose des choses intéressantes de Nono, Babbitt, Feldman …
Je vais leur commander le CD « Inconnaissance » de Séverine Ballon. C'est une excellente musicienne.

Et quelqu'un connaît Matthew Shlomowitz ? Quand j'ai écouté l'extrait je suis tombé ma chaise ...

→ https://allthatdust.com/releases/

KAIROS (2003)

Misato Mochizuki [望月京] (1969-)
Si bleu, si calme (1997) pour ensemble
All that is including me (1996) pour flûte basse, clarinette et violon
Chimera (2000) pour ensemble
Intermezzi I (1998) pour flûte et piano
La chambre claire (1998) pour ensemble

Klangforum Wien
dirigé par Johannes Kalitzke
Eva Furrer (flûte basse, flûte), Bernhard Zachhuber (clarinette), Sophie Schafleitner (violon), Marino Formenti (piano)
à Vienne, en août 2001 et février 2002.

Benedictus en playlist (118) a écrit:

Une musique très séduisante, et très «française» (dans le sens de Murail ou du dernier Boulez). Des sonorités instrumentales très claires et un beau travail sur les textures, mais sans que ça tourne jamais aux jolis aplats coloristes planants qui sont un peu le péché mignon des compositeurs japonais (Hosokawa, Fujikura): il y a toujours quelque chose de très mobile et de très vif, les progressions sont très articulées et les persistances rythmiques assez nettes, et la dissonance n’y est jamais atténuée.

lulu a écrit:

je n’avais pas beaucoup aimé ce cd (ni d’autres choses d’elle)... je réessaierai peut-être.

Benedictus a écrit:

Pas sûr que des réécoutes y changeraient grand-chose: je crois qu'il faut un minimum d'affinités avec l'univers ravélo-debussyste pour aimer cette musique.

→ http://www.clicmusique.com/mochizuki-oeuvres-instrumentales-p-1447.html

Ce qu'a écrit Benedictus correspond plutôt bien à cet autre disque que j'ai écouté :



Etheric Blueprint
NEOS (2014)

Gagaku, d'avant le Xᵉ siècle :
Banshikicho no choshi - "l'hiver, l'eau, le nord et le noir"
Sojo no choshi - "le printemps, le bois, l'est et le bleu"
interprétées au shô par Mayumi Miyata

Misato Mochizuki [望月京] (1969-)
Etheric Blueprint Trilogy :
4D (2003) pour 9 musiciens
Wise Water (2002) pour 9 musiciens et instruments à eau
Etheric Blueprint (2005-2006) pour 9 musiciens et électronique*

mdi ensemble
dirigé par Yoichi Sugiyama
Sonia Formenti (flûtes), Paolo Casiraghi (clarinettes), Francesco Mazzoleni (trombone), Nahom Kuya & Thierry Miroglio (percussions), Luca Ieracitano (piano), Paolo Fumagalli (alto), Giorgio Casati (violoncelle), Nicola Barbieri (contrebasse)
*Christophe Mazella, électronique

Misato Mochizuki vit au Japon. Elle a étudié quelques années à Paris, au CNSM et à l'IRCAM avec Tristan Murail.
Mais ici son esthétique ne me semble pas franchement caractérisée, pas plus "française" qu'autre chose. Si ce n'était pas péjoratif je dirais ça fait "international". Mais sa démarche me semble bien assumée alors ça ne me gêne pas. Je préfère ça à de mauvaises caricatures. Elle a tout de même un solide métier, fait de jolies trouvailles, et je prends du plaisir à écouter sa musique.

La notice par la compositrice est aussi très suggestive. Elle n'y parle presque pas de musique.

Un portrait de Misato Mochizuki par le photographe Philippe Gontier :

On peut encore écouter la création de son quatuor à cordes « Brains » par les Diotima :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/le-concert-du-soir/en-direct-du-festival-presences-le-quatuor-diotima-le-clarinettiste-kari-krikku-et-la-pianiste-tuija-hakkila-31811
(entre la 27ᵉ et la 37ᵉ minute sur le lecteur)

→ http://fr.misato-mochizuki.com/

Après lulu et docteur mabuse, j’ai donc écouté:


• Claus-Steffen MAHNKOPF: Hommage à György Kurtág (2000-01) pour guitare et orchestre de chambre
Jürgen Ruck (guitare), Johannes Kalitzke / œnm . österreichisches ensemble für neue musik
En public, Salzbourg, VIII.2003
Neos

Peu de chose à rajouter à ceci:

docteur mabuse a écrit:

Ici, je dirais qu'on a une oeuvre très cinématographique. [...] Une belle errance énigmatique où chaque chose mène à une autre. Tout y est parfaitement soigné et construit.

lulu a écrit:

Du côté de l’orchestre on retrouvera le même genre de contrastes très marqués (qui sont aussi des contrastes de timbres).
Ensuite ce qu’il faut dire aussi c’est que depuis les années 2000 environ la musique de Mahnkopf devient de plus en plus sinon figurative au moins « à programme ». C’est ce dont tu parles je crois avec cette comparaison avec le cinéma, que je trouve très pertinente. C’est sans doute aussi parce qu’elle s’est fortement diversifiée depuis les années 80... on y trouve désormais des textures et climats qu’on n’attend pas a priori d’une musique « complexiste », formaliste à l’extrême etc.

Si ce n’est tout de même pour nuancer l’idée de docteur mabuse selon laquelle «chaque chose mène à une autre.» Il me semble que ces «passages» d’une moment à un autre prennent tantôt la forme (du moins dans le premier tiers de l’œuvre) d’une espèce de flottement, d’affaissement brusque de l’énergie cinétique: en même temps ralentissement du rythme, affaiblissement des contrastes de dynamique et dissolution de la tension harmonique (ce qui peut en effet correspondre à ces plans fixes qui se «vident» de leurs éléments narratifs et même figuratifs chez Wenders ou chez Antonioni) - mais que je n’ai pas trop aimés; tantôt (et plutôt dans le deuxième tiers) par des sortes de bifurcations brusques soit dans la perspective sonore des textures (ici, je pense plutôt aux effets de focale dans Deserto rosso) soit par des contrastes de timbres inattendus (plutôt comme des plans de coupe non fonctionnels comme chez Godard) - et là, j’ai trouvé cela totalement magnifique.

D’une manière générale, l’œuvre brasse un matériau probablement trop hétérogène sur une trop longue durée pour que je puisse y adhérer de manière constante - mais il y a dans certains tuilages de contrastes timbraux (en particulier entre les sons de guitare, presque luthés, et les agrégats de l’harmonie aux couleurs très contrastés) quelque chose de très, très prenant. Malgré donc une adhésion en dents de scie, j’ai vraiment été sensible à la matérialité de cette musique et à l’intelligibilité de son architecture «erratique» (alors que jusqu’ici, j’étais resté un peu extérieur à ce que j’avais entendu de Mahnkopf - en fait, le seul disque Void lui aussi chez Neos; que du coup je vais peut-être retenter.)

-

Bruno Luong a écrit:

docteur mabuse a écrit:

Bruno Luong a écrit:

Aaron Jay Kernis (1960-) concerto pour violon
James Newton Howard (1951-) concerto pour violon
Bramwell Tovey (1953-) Stream of Timelight

James Ehnes
Ludovic Morlot
OS de Seattle

J'aime beaucoup James Ehnes. Si tu pouvais dire un mot du disque, ce serait très bienvenu Bruno.

Bonjour doc,

Je n'ai pas beaucoup de commentaires sur James Ehnes qui est irréprochable je trouve. Il y a quelques passages vraiment pierreux et on le sent négocié de manière brio, comme par exemple l’ouverture du concerto de Kernis avec une série de double-cordes.

Dans mes écoutes je me concentre plutôt sur l'œuvre et parmi les deux concertos, celui de Kernis sorte nettement en tête. Son concerto est très classique dans la forme en 3 mouvements, le 1er est long est à lui tout seul domine l'œuvre (comme ceux de LvB, Brahms). C'est de l'harmonie assez classique mais qui fait le tour du genre 20e siècle, c’est un patchwork à un moment je me disais, c’est qu’il regarde vers Bartok, puis ça dérive vers du Walton, puis du Szymanowski, et ça bascule vers Adams ; puis Berg … et assez chahuté. Le 2e mouvement commence comme un mouvement lent mais bascule encore rapidement dans une atmosphère oppressante. Quelques moments spéciaux de traitement percussions violon assez délicieux, et puis il glisse à quelques endroits un peu du Jazz. Bref un œuvre très riche. J’ai dû mal à dire si j’aime ou non, mais ce que je peux dire c’est que j’arrête pas d’explorer depuis quelques jours et je compte bien acquérir le CD pour ce concerto.
Le concerto de Howard est très cinématique du genre Copland. Ehnes encore une fois est irréprochable mais j’avoue l’œuvre me parle moins je n’écoute qu’une seule fois.
Pour moi ce disque est l’un des grands disques violon de cette année, par le répertoire avec un grand archet.
Donc oui, je pense que tu devrais jeter un œil là dessus.

Merci Bruno. J'apprécie toujours tes commentaires !
Je me procurerai le disque dès que possible.

Ah, je ne traine pas souvent dans cette section du forum. Je suis souvent focus sur les concerts ! Mais c'est l'endroit parfait pour vous parler de Florent Nagel compositeur et pianiste qui vient de sortir un disque intitulé Livre pour piano.



J'ai beaucoup aimé ce disque. Contrairement à ce que la jaquette montre, cette musique bouge beaucoup !

Je vous invite à lire mon entretien avec le compositeur sur mon blog, voici le lien: http://andika.fr/2018/09/florent-nagel-la-vraie-musique-ne-s-ecrit-pas.html

• David Philip HEFTI: Gegenklang (2010), concerto pour violoncelle et orchestre (a). Klangbogen (2009), musique pour orchestre (b)
Thomas Grossenbacher (violoncelle), David Zinman / Tonhalle Orchester Zurich (a). Michael Sanderling / Luzerner Sinfonieorchester (b)
Zürich (a), Lucerne (b), III.2011
Neos

Vraiment du tout-à-fait-pour-moi, comme l’avait laissé entendre lulu: on est en effet quelque part entre Rihm et Holliger.

De Rihm (dont il a été l’élève) et dont il conserve le langage le plus avant-gardiste, Hefti a manifestement gardé le sens du geste discursif hyper-expressif qui permet d’articuler de l’hétérogène (qu’il s’agisse des strates orchestrales orchestrales, des modes de jeu du violoncelle solo dans Gegenklang, des séquences rythmiques, des ruptures dans l’énonciation…) - ainsi que quelques textures instrumentales assez typiques (les cuivres en sourdine, les traits aux anches, les percussions boisées, certains traits des cordes graves…) auxquelles il semble superposer des couleurs plus «françaises» (certaines irisations de cordes, l’usage pointilliste des percussions métalliques.) En revanche, à la différence de Rihm (et en cela beaucoup plus proche de Holliger), Hefti évite les longues séquences pulsés et les grands tutti éruptifs leur préfère des tuilages de climats plus «chambristes» et ténus. De la très, très belle musique contemporaine, au langage sans concession mais qu’un art très poétique de l’écriture instrumentale et une grande richesse de moyens expressifs rend très immédiatement prenant.

Je vais essayer les œuvres de musique de chambre qui figurent sur ce disque.

En Playlist, Benedictus a écrit:

• Jérôme COMBIER: Respirer l’ombre (2005) pour flûte, clarinette, guitare, percussions, piano, alto et violoncelle
Guillaume Bourgogne / Ensemble Cairn
Paris, II & III.2007
æon
Une découverte. En dialogue avec l’installation de Penone, une brève mais très belle œuvre contemporaine, qui exalte la matérialité bruissante des vents et des cordes (c’est une musique de textures et de gestes: frottements, souffles…), tantôt très incarnée (la prégnance rythmique presque jazzy de la section centrale) tantôt au contraire en suspension, proche du silence.

Je vais tâcher d'écouter assez vite la totalité de ce disque, l'autre monographie æon (Gone), et celle parue chez Motus (Pays de vent) que lulu semblait avoir beaucoup aimée.

Drôle de coïncidence ! J'avais justement prévu de dire un mot de ce disque de Jérôme Combier que j'ai écouté cette semaine.
J'ai beaucoup aimé moi aussi. Les influences sont assez hétérogènes mais le tout se tient très bien. Je trouvais que la photo sur la pochette illustrait bien la musique : quelque chose d'un peu nocturne, bleuté, plutôt sensuel, mystérieux, presque abstrait.

Pour information, Jérôme Combier sera l'invité d'Arnaud Merlin mercredi soir prochain après la diffusion de Bérénice de Michael Jarrell :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/le-concert-du-soir/berenice-de-michael-jarrell-67044

(Je mets souvent des liens pour francemusique.fr, alors je précise juste à d'éventuels mauvais esprits que je n'ai aucune action chez eux et que je n'y connais personne. Je ne suis qu'un simple auditeur de la station.)

• Jérôme COMBIER: Vies silencieuses
Ensemble Cairn / Guillaume Bourgogne
Paris, II & III.2007
æon

L’écoute de l’intégralité du cycle confirme mon excellente impression de Respirer l’ombre - et je suis bien d’accord avec la description de docteur mabuse.

En effet, une musique qui pourrait sembler assez hétérogène dans les matériaux et les langages qu’elle convoque (on se rapproche parfois d’atmosphères relevant d’un free jazz exigeant mais intimiste - je pense à Afternoon of a Georgia Faun de Marion Brown - mais aussi bien à la «musique concrète instrumentale» de Lachenmann ou aux miniatures de Kurtág, ou à de pures études électroacoustiques) mais qui parvient en fait à les faire tenir ensemble dans des formes brèves et surtout dans une sorte d’unité poétique. On entend ici, malgré son caractère évasif, un musique qui déploie tout un univers de bruissements, de scintillements et de souffles, de phrases et de couleurs ténues. (Une mention toute particulière pour Essere neve - les textures et les timbres du trio clarinette-guitare-violoncelle sont d’une beauté...)

Sur le site de l'éditeur Gérard Billaudot, il est inscrit sur la page de Guillaume Connesson qu'un CD chez DGG est en préparation avec Les cités de Lovecraft pour orchestre, A kind of Trane pour saxophone et orchestre, et Les horizons perdus pour violon et orchestre, par Timothy McAllister (saxophone), Renaud Capuçon (violon), et le Brussels Philharmonic, sous la direction de Stéphane Denève. Avez-vous des informations à ce sujet ? Je suis vraiment impatient de découvrir le CD, notamment Les cités de Lovecraft... J'aimerai beaucoup entendre en CD Cythère, concerto pour quatre percussionnistes et orchestre que j'ai entendu à Lyon en janvier 2018, d'une très grande fraicheur. Je crois d'ailleurs que Connesson a reçu le prix de la SACEM pour cette oeuvre.

• Brice PAUSET: Neuf Canons (2004-10) pour piano. Sept Canons (2010) pour piano
Nicolas Hodges (piano)
Cologne, VIII.2016
Wergo

lulu avait montré ce disque en dressant un portrait fort pertinent de Pauset (en effet, un compositeur essentiel, je le crois aussi.)

Les Neuf Canons de 2004-10 sont fascinants. La richesse de ce qui se passe dans ces pièces brèves (moins d’une minute et demie chacune) est incroyable: c’est d’une grande virtuosité dans l’accumulation de traits et d’agrégats sonores mais en même temps on a le sentiment que la musique suit une logique rigoureuse (à la fois en termes de construction formelle mais aussi de geste expressif: rien qui sonne moins gratuit que cette musique) - et surtout la façon de jouer sur les modes de résonance fait qu’on a dans chaque pièce l’impression de voir s’ouvrir différents espaces de profondeur. Les Sept Canons de 2010 poursuivent encore ces recherches sur la résonance - mais de manière plus elliptique et évasive: cette fois, on a l’impression que la résonance se déploie à partir de frappes pianistiques laissées en suspens, décalées, incomplètes - comme des phrases inachevées dont l’écho apporterait comme d’hypothétiques résolutions.

Vraiment du très grand art - avec cette évidente dimension à la fois «matérialiste» et spéculative où l’on sent bien en Pauset un héritier des certaines préoccupations des compositeurs de la renaissance, du Bach de L’Art de la fugue ou de Webern. Je vais écouter les deux autres cycles un peu antérieurs, ainsi qu’à Perspectivæ Sintagma I (avec électronique.)

(Je serais aussi curieux de savoir ce qu’en pense Emeryck…)

Oh, ça fait bien dix ans que je n'ai pas écouté du Pauset (et j'aime bien).

Le format court et fugué me tente assez !

Ah oui, je te le conseille, ça pourrait vraiment te plaire!

Si ça se trouve en flux, je l'essaierai demain midi.

Benedictus a écrit:

• Brice PAUSET: Neuf Canons (2004-10) pour piano. Sept Canons (2010) pour piano
Nicolas Hodges (piano)
Cologne, VIII.2016
Wergo

lulu avait montré ce disque en dressant un portrait fort pertinent de Pauset (en effet, un compositeur essentiel, je le crois aussi.)

Les Neuf Canons de 2004-10 sont fascinants. La richesse de ce qui se passe dans ces pièces brèves (moins d’une minute et demie chacune) est incroyable: c’est d’une grande virtuosité dans l’accumulation de traits et d’agrégats sonores mais en même temps on a le sentiment que la musique suit une logique rigoureuse (à la fois en termes de construction formelle mais aussi de geste expressif: rien qui sonne moins gratuit que cette musique) - et surtout la façon de jouer sur les modes de résonance fait qu’on a dans chaque pièce l’impression de voir s’ouvrir différents espaces de profondeur. Les Sept Canons de 2010 poursuivent encore ces recherches sur la résonance - mais de manière plus elliptique et évasive: cette fois, on a l’impression que la résonance se déploie à partir de frappes pianistiques laissées en suspens, décalées, incomplètes - comme des phrases inachevées dont l’écho apporterait comme d’hypothétiques résolutions.

C'est assez sympa, il y a des sortes de flux-vagues comme dans les Rivers d'Ann Southam, dans des esthétiques absolument pas comparables évidemment.

Pour Perspectivæ Sintagma I, c'est plutôt l'ambiance harmonique qui est chouette.

La limite étant, pour moi, que je n'y capte rien : je ne vois pas trop quelle logique le sous-tend, et même si le résultat diffracté en est joli, j'ai la frustration d'entendre des groupes sonores plus qu'un discours – alors qu'il y a des pièces atonales qui y parviennent plus nettement.

Mais c'est sympa.

Je me plonge dans le dernier Pierluigi Billone chez Kairos. Billone, c’est un compositeur que je connais depuis bizarrement longtemps, ça doit remonter à 2013, j’avais découvert son œuvre pour deux clarinettes basses sur Youtube puis avait emprunté le cd, avant de poursuivre l’exploration. C’est un compositeur auquel je reste très attachée bien qu’il m’arrive fréquemment de rester extérieure à sa musique. J’ai toujours des difficultés à trouver les mots pour la décrire, elle est pourtant très identifiable, sinon quelque onomatopée comme dzoooing. Pour me répéter, laconiquement : « élève de Sciarrino et de Lachenmann, ce qui en dit déjà beaucoup, mais pas assez, car il a un univers sonore très personnel qui ne ressemble en rien à ceux de ses maitres. » Une musique tout en courbes, ondulations et distorsions, qu’on reconnait aussi par ses couleurs spectrales et son traitement particulier du temps.
Une pièce de 80 minutes pour deux guitares électriques (l’on pourra s’amuser à apprécier la distance qui la sépare du Salut de Lachenmann...), il y avait de quoi être effrayée, mais après mon expérience très positive d’une parution précédente — dont j’encourage toujours l’écoute — dédiée à trois œuvres pour guitare électrique seule, une bonne vingtaine de minutes chacune, j’avais de quoi être enthousiaste. Et je n’ai pas été déçue. Je me contenterai de citer le livret : « Le compositeur lui-même est sceptique à propos des explications verbales, et son point de vue que plus une pièce est longue moins elle nécessite d’explication peut sembler à première vue contradictoire, mais n’a en fait rien d’un paradoxe. De même que l’océan ou les montagnes ne demandent pas de justification à leur existence, une longue pièce de musique développe son propre cosmos sonore qui s’abstrait peu à peu du contexte qui demande le raisonnement. » Ah oui j’ai oublié de préciser que la composition de l’œuvre (OM ON) est datée en 2015 ; interprétée ici par Yaron Deutsch et Tom Pauwels en février de cette année.

Pauset, Canons:

DavidLeMarrec a écrit:

La limite étant, pour moi, que je n'y capte rien : je ne vois pas trop quelle logique le sous-tend, et même si le résultat diffracté en est joli, j'ai la frustration d'entendre des groupes sonores plus qu'un discours – alors qu'il y a des pièces atonales qui y parviennent plus nettement.

Ah, au contraire, moi ça m’a donné à l’inverse l’impression d’une musique qui suit des progressions très rigoureuses, pas du tout gratuites (même si c’est à l’oreille: je serais incapable d’expliquer techniquement comment ça marche.)

Billone

lulu a écrit:

Une musique tout en courbes, ondulations et distorsions, qu’on reconnait aussi par ses couleurs spectrales et son traitement particulier du temps.

Ça correspond tout à fait à mon souvenir de 1+1=1 (une œuvre de 70 minutes pour deux clarinettes basses - parfait pour David) - mais j’ai vraiment du mal à y trouver mes repères (comme chez Romitelli, d’ailleurs.)

Sinon,

en Playlist, Benedictus a écrit:

• York HÖLLER: Sphären (2001-06) pour grand orchestre
Semyon Bychkov / WDR Sinfonieorchester Köln
Cologne, IV.2008
Neos
Une œuvre immense! Une musique atonale mais très polarisée, intensément évocatrice et expressive (qui fait souvent penser aux grandes œuvres du premier XXᵉ - des quasi-citations.) Les richesses de textures et de couleurs des spectraux, mais avec quelque chose de très directionnel et «cinétique», et un sens architectural ou sculptural de la forme qui fait qu’on se repère avec aisance dans ce qui ce vaste déploiement.
Je recommande très chaudement.

Effectivement, ça semblait fait pour toi.

*

À peu près au même moment où Greg l’a signalé, j’avais moi aussi essayé ARCHE, mais même pas assez pour avoir le temps de trouver ça de mauvais gout en fait, juste ça m’a soulé au bout de dix minutes, je me suis rendu compte que j’avais pas du tout envie d’écouter une telle œuvre. Donc voilà, désolée de n’avoir rien intéressant à dire dessus.

Par contre j’ai écouté celui-ci :



Polyphone Schatten (Lichtstudie II) pour alto, clarinette et groupes d’orchestre (2001)
La pièce suit globalement une suite de crescendo de plus en plus rapide. Les deux solistes, d’abord un à un puis ensemble, jouent d’abord quelques motifs bruités (tendez l’oreille) qui deviennent peu à peu des gestes de plus en plus vifs et implicitement polyphoniques. L’écriture orchestrale est très variée, dans les moments les plus calmes on entend à peine l’un ou l’autre instrument, une ponctuation ou un bout de contrepoint çà et là, et à l’autre extrême vers la fin de l’œuvre l’orchestre fonctionne de plus en plus par nappes jusqu’à un gigantesque accord spectral, avant que le dernier crescendo prenne la forme d’un grand mouvement ascendant en canon avec là encore un souci harmonique évident. Sinon beaucoup de choses caractéristiques de Widmann (bien qu’on reconnaisse aisément l’influence de Rihm), et sa courte durée (13 minutes) ainsi que sa forme en font une pièce facilement appréhendable.

Drittes Labyrinth pour soprano et groupe d’orchestre (2013/14)
Je n’ai pas réécouté cette œuvre pour écrire ce bref commentaire mais il m’a semble qu’après Zweites Labyrinth qu’on avait entendu à Donaueschingen en 2006, on tient là un des cycles les plus complexes et les moins séducteurs de Widmann.

Benedictus a écrit:

Sinon,

en Playlist, Benedictus a écrit:

• York HÖLLER: Sphären (2001-06) pour grand orchestre
Semyon Bychkov / WDR Sinfonieorchester Köln
Cologne, IV.2008
Neos
Une œuvre immense! Une musique atonale mais très polarisée, intensément évocatrice et expressive (qui fait souvent penser aux grandes œuvres du premier XXᵉ - des quasi-citations.) Les richesses de textures et de couleurs des spectraux, mais avec quelque chose de très directionnel et «cinétique», et un sens architectural ou sculptural de la forme qui fait qu’on se repère avec aisance dans ce qui ce vaste déploiement.
Je recommande très chaudement.

Il y a même une vraie citation de la Jeune fille et la mort de Schubert dans le dernier mouvement.

Sinon je vais dans ton sens, c'est inventif et évocateur, c'est bien fait, je ne trouve pas ça extrêmement marquant à première écoute, je ne sais pas ce que j'en retiendrai, mais c'est vraiment pas mal sinon.
Sinon, "très polarisée", de loin quand même, et les repères, idem… pourtant, on ne se sent pas trop perdu, c'est vrai.

Xavier a écrit:

Sinon, "très polarisée", de loin quand même, et les repères, idem… pourtant, on ne se sent pas trop perdu, c'est vrai.

Ben, par rapport à ce que j'écoute le plus souvent en musique contemporaines, si, c'est très polarisé - et même j'ai eu l'impression de mieux suivre les progressions, les logiques que dans beaucoup d'œuvres de langage disons «tonal très élargi» ou «atonal libre.»

IT
NoMadMusic (2017)

Francesco Filidei (1973-) > Dormo molto amore (2012) version pour chœur de chambre a cappella (2016)
Marco Stroppa (1959-) > Perchè non riusciamo a vederla ? (2008 - rev. 2013) cris, appels et clameurs pour chœur a cappella avec alto*
Luca Francesconi (1956-) > Let Me Bleed (2001) pour triple choeur à 36 parties
Mauro Lanza (1975-) > Ludus de morte regis (2013-2015) pour chœur mixte, objets sonores manipulés par les chanteurs et bande électronique**

Les Cris de Paris
Geoffroy Jourdain, direction
*Christophe Desjardins, alto
**Manuel Poletti, réalisation informatique musicale

C'est bien la première fois que je suis si enthousiasmé par de la musique chorale a cappella ! Je suis complètement séduit par Les Cris de Paris. Outre leur virtuosité et leur engagement, il se dégage une entente chaleureuse des chanteurs. D'ailleurs quand on les voit sur la photo de la pochette, on se dit qu'ils doivent être bien sympathiques.

Quatre compositeurs italiens.
Les œuvres proposées ont pour thématique l'engagement politique et social, ce qui donne une réelle profondeur au projet. Ça change des chants de Noël !

Celles de Filidei et Francesconi sont particulièrement poignantes. Les deux compositeurs nous habituent souvent à des partis-pris esthétiques beaucoup plus forts. Ici on trouve un certain dépouillement, pas franchement caractérisé "musique contemporaine" ou autre chose, ce qui donne un sentiment d'intemporalité. Ils confirment encore le grand bien que je pense d'eux.

Marco Stroppa emploie des éléments beaucoup plus disparates, « des cris de la rue d'un vendeur niçois de 1939 aux clameurs ritualisées des Tomarahô, des jeux de gorge inuits aux appels de chasse des pygmées Aka, des interjections vocales du théâtre nô aux kecak indonésiens ». Le tout se structurent autour d'intermèdes joués à l'alto.
Stroppa : "Le texte est fondé uniquement sur des graffiti italiens contemporains, symboles de protestation et de résistance aux tons multiples, merveilleusement inventifs dans leurs choix acoustiques, l'économie de leurs moyens expressifs, l'intelligence ironique de la critique sociale ou politique qu'ils représentent, résumée en quelques éclairs verbaux d'une indéniable génialité."
Il énumère et explique chacun des slogans dans le livret :

Spoiler:

L’œuvre est très aboutie, et vous imaginez bien, assez réjouissante !

Sur un deuxième CD, on trouve la pièce de Mauro Lanza qui fait une large place à l'électronique. Ça ressemble bizarrement à du Filidei avec les bruitages et les cassures. C'est coul.
Les textes choisis donnent une certaine idée de ce qu'on entend :
- un extrait de l'évangile selon Luc
- un « billet de la folie » de Friedrich Nietzsche
- un extrait de l'Apocolocyntosis, ou Transformation de l'empereur Claude en citrouille, de Sénèque.

Je recommande chaudement le tout.

→ https://nomadmusic.fr/fr/label/it

Cette nuit, trois recommandations de lulu:


• Enno POPPE: Speicher I (2010), Speicher II (2013) pour grand ensemble
Enno Poppe / Klangforum Wien
Donaueschingen, X.2013
Neos

C’est assez bluffant!

J’aime beaucoup le matériau sonore extrêmement typé et assez rugueux que Poppe conjoint à chaque fois (et en particulier son usage d’instruments marqués par les musiques populaires - ici le saxophone et l’accordéon) et, à partir de quelque chose d’assez bordélique et volontiers «sale», parvient à construire des formes de dérivations musicales à la fois complexes et très identifiables, lisibles, avec toujours quelque chose de très expressif, de très direct et une grande prégnance rythmique (ici, comme déjà dans Altbau, je trouve qu’il passe quelque chose de free jazz - mais en beaucoup plus construit.) Je tâcherai d’en dire davantage dans le fil Poppe quand j’aurai achevé le cycle.



• Jörg WIDMANN: Versuch über die Fuge (2005), 5ᵉ quatuor à cordes avec soprano
Claron McFadden (soprano), Quatuor Minguet: Ulrich Isfort (violon I), Anette Reisinger (violon II), Aroa Sorin (alto), Matthias Diener (violoncelle)
Cologne, I & IV.2014
Wergo

Ce que j’ai le plus aimé de Widmann jusqu’ici - mais c’est vraiment très grand (et assez idéalement calibré pour me plaire.)

Un discours particulièrement intense qui semble se déployer sur deux niveaux, s’interpénétrant et se relançant sans cesse (comme une mise en abîme du principe de la fugue): d’une part, un discours à l’écriture rihmienne très tendu, avec des éclats très intenses (mais aussi des couleurs et des textures plus lachenmanniennes de «musique concrète instrumentale»: bruits d’archets, souffle de la chanteuse); de l’autre des fragments de fugues baroques (dont certains manifestement de L’Art de la Fugue) retravaillés dans différents sens (tantôt densification par surcharge presque décadente-expressionniste, avec bifurcations harmoniques et intensification rythmique et dynamique; tantôt au contraire dissémination avec des dérivations graduelles vers des intervalles de plus en plus disjoints aboutissant une atonalité «pointilliste», une distorsion rythmique produisant des effets de temps lissé et un «trouage» par le silence.) Le quatuor comme la soprano (qui chante des versets de l’Ecclésiaste en latin) étant impliqués par ces allers-retours langagiers.

Une œuvre impressionnante qui articule de façon convaincante enfin la tension, apparemment fondatrice chez Widmann, entre tradition et exigence de modernité - mais sans les facilités pénibles qui abondent dans d’autres de ses compositions, et sans l’impression de «donner des gages» (aux esthétiques néo comme à un certain avant-gardisme.) En tout cas, je vais écouter avec beaucoup d’intérêt les quatre quatuors précédents.



• Chaya CZERNOWIN: Winter Songs III (2003-04) pour 10 instruments et électronique
Titus Engel / ensemble courage, Ipke Starke (électronique live), Eric Daubresse (assistant musical)
Hellerau, V.2004
Wergo

Là, en revanche,  

Contre toute attente, ce n’est pas moche du tout - au contraire, il y a des effets de textures et de couleurs que je trouve très beaux (et sobres.) En revanche, je n’arrive absolument à percevoir comment tout cela fonctionne. Au contraire de Widmann et de Poppe, je ne trouve rien à quoi me raccrocher: ni flux, ni métamorphoses, ni ruptures, ni articulations discursives. C’est très déconcertant - d’autant que c’est une musique très peu agressive (elle a même quelque chose d’assez contemplatif, je trouve.) Peut-être devrais-je écouter d’autres œuvres - le cycle Shifting Gravity sur ce même disque ou bien tout le cycle des Winter Songs chez Kairos, mais la présence d’un contre-ténor m’y fait franchement peur...

Benedictus a écrit:

le cycle Shifting Gravity sur ce même disque

essaie au moins, peut-être, la première piste du disque (Anea Crystal: Seed I).
sans t’attendre à un truc calibré pour te plaire hein.

lulu a écrit:

essaie au moins, peut-être, la première piste du disque (Anea Crystal: Seed I).

C'est prévu, de toute façon (j'ai aussi sous le coude le disque d'œuvres pour orchestre The Quiet, mais je crois que tu étais moins convaincue, non?)

lulu a écrit:

sans t’attendre à un truc calibré pour te plaire hein.

Certes, mais à écouter ça ne m'a pas non plus semblé si éloigné de ce que je peux aimer que, mettons, Billone ou Lang (et je ne parle évidemment pas des métalleux autrichiens à platine©.)

Effectivement, il m’avait semblé que le côté rugueux/abrupt/batârd de ce genre de langage (dont on ne trouve pas beaucoup d’équivalents dans la génération de Czernowin me semble-t-il, mais beaucoup plus après elle) se diluait dans l’orchestre sans réussir à combler de façon convainquante le fossé entre le détail et l’écriture globale.

Il y a une œuvre qui m’avait beaucoup plu c’est Slow Summer Stay, qu’on a pu entendre au festival de Witten en 2015, qui à la manière d’Anea Crystal (qui fonctionne comme l’octuor de Milhaud) est un double octuor : deux pièces indépendantes qui sont deux points de vue sur le même matériau et peuvent être jouées simultanément pour former la troisième pièce du cycle.

lulu a écrit:

Effectivement, il m’avait semblé que le côté rugueux/abrupt/batârd de ce genre de langage (dont on ne trouve pas beaucoup d’équivalents dans la génération de Czernowin me semble-t-il, mais beaucoup plus après elle) se diluait dans l’orchestre sans réussir à combler de façon convainquante le fossé entre le détail et l’écriture globale.

En fait, ça ne m'a pas paru si rugueux ou abrupt que ça. En revanche, bâtard dans le sens où ça paraît multiplier les expérimentations sans jamais se stabiliser (notamment dans le rapport entre électronique et ensemble), oui; et bien sûr, j'ai ressenti très fort le fossé entre détail et écriture globale (l'impression d'entendre une série de détails sans parvenir à saisir de schéma d'ensemble.)

toujours sur le même disque écoute Sahaf, tu comprendras sans doute mieux de quoi je parle en disant ça.

Infra
label Potlatch (2017)

Pascale Criton (1954-)
Bothsways (2014) pour violon et violoncelle
Process (2013) pour guitare, flûte, trombone, violon et violoncelle
Steppings (2013) pour guitare, flûte, trombone, violon et violoncelle
Pasale Criton & Deborah Walker :
Chaoscaccia (2014) pour violoncelle

Ensemble Dedalus
Didier Aschour (guitare), Amélie Berson (flûte), Thierry Madiot (trombone), Silvia Tarozzi (violon) et Deborah Walker (violoncelle)

Il s'agit ici de musique microtonale :
→ https://classik.forumactif.com/general-f1/compositeurs-microtonaux-du-debut-du-siecle-t972.htm

Très difficile pour moi de mettre des mots sur cette musique ... Ce qui n'est sûrement pas un mauvais signe !
Pascale Criton, pour moi, c'est un peu comme avec la musique de Chaya Czernowin : c'est ardu mais je ne peux pas m'empêcher d'y revenir souvent. J'ai le même plaisir à m'y égarer parce que je n'ai pas l'impression d'y tourner en rond. Il y a beaucoup de richesse et de profondeur dans cette musique.
Je suis plus particulièrement sensible aux oeuvres pour petit ensemble : « L’accord microtonal des cordes associé aux multiphoniques des instruments à vent rend possible des variations sonores très fines, à la frontière du timbre, du son et du bruit. »
Je suis aussi frappé par les similitudes avec le travail de Doina Rotaru. Elles partagent le même univers, une sorte de spectralisme "roots".

Je renvoie à la courte notice de la compositrice qui s'explique très bien sur ses œuvres:
→ http://www.potlatch.fr/

On trouve aussi pas mal de choses sur Pascale Criton sur francemusique.fr :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/le-portrait-contemporain/le-portrait-contemporain-du-mercredi-02-mai-2018-60891


→ http://www.pascalecriton.com/

J'avais commandé sans problème le CD sur le site du label Potlatch.
C'est une musique qui nécessite un minimum de condition d'écoute. Sur Youtube je pense que ça va pas le faire.

MFA / Radio France (1999)

Xu Yi (1963-)
Le Plein du Vide (1997) pour 14 musiciens et électronique
Wang (1993) pour flûte, trio à cordes et percussions
Yi (1992) pour trio à cordes
Echo de la terre profonde (1997) pour 5 percussions
Gu Yin (1995) pour flûte et percussions
Xiao Yao You (1996) pour 12 instruments et électronique

Cécile Daroux, flûte - François Verly, percussions
Ensemble Orchestral Contemporain, direction : Daniel Kawka
Ensemble 2e2m
Percussions Claviers de Lyon

Il ne s'agit donc pas à proprement parlé de musique du XXIᵉ siècle, mais la démarche de la compositrice est suffisamment prospectrice pour justifier la présence de ce disque dans ce fil. De toute façon ce sont les seuls enregistrements de son œuvre que j'ai trouvé, et son intérêt mérite vraiment d'être évoqué. J'imagine qu'une femme chinoise expatriée en France qui compose une musique "contemporaine" ambitieuse et exigeante s'expose forcément à quelques a priori. Alors si Xu Yi s'inspire beaucoup de la philosophie et des musiques traditionnelles chinoises, je précise tout de suite qu'il n'y a aucun exotisme de pacotille ici. Et que son assimilation des codes et des modes de jeu occidentaux est magistrale.
Je cite le livret :
"Dans toute sa musique, Xu Yi recherche le mystère, l'instable, le "poétique", dit-elle, les mouvements à la limite permanente du déséquilibre. Elle aspire à une musique d'énergies en flux et reflux, en mutation constante, évoluant entre un certain lyrisme et une séduisante poésie sonore."
Il en résulte des œuvres au climat éthéré, très colorées, jamais démonstratives malgré un instrumentarium qui en impose (les percussions, les cuivres). Comme elle a bien connu Gérard Grisey, il serait tentant de la rapprocher du mouvement spectral, mais je pense que ça serait encore trop réducteur. Son univers reste très singulier. Indubitablement celui d'une grande compositrice.

Un disque très précieux pour moi.

Elle avait été l'invitée de l'émission Le Portrait Contemporain sur France Musique :
→  https://www.francemusique.fr/emissions/le-portrait-contemporain/le-portrait-contemporain-du-mercredi-22-mars-2017-32669

Son site internet :
→  http://xuyi.fr/

Moi aussi j'ai de jolies pochettes de musique slovène pour Mélomaniac.


coffret 4 CD des oeuvres de Nina Šenk (1982-)
RTV Slovenjia - ZKP (2017)


CD1 - Art


Spoiler:

 

CD2 - Dreamcatcher

Spoiler:



CD3 - Quadrum


Spoiler:

CD4 - Dialogi in krogi / Dialogues and Circles

Spoiler:

Nina Šenk est donc une jeune compositrice qui vient de Slovénie. Elle y a fait ses études, ainsi qu'en Allemagne, et est aujourd'hui installée à Ljubljana. Elle est en particulier soutenue par Matthias Pintscher et semble avoir une carrière assez dynamique.
J'ai beaucoup aimé sa musique ! Quelque chose de très moderne sans être particulièrement radical. C'est un univers souvent poétique et toujours très inspiré. Elle fait montre d'un grand esprit d'assimilation et de synthèse de très divers courants musicaux pour créer au bout du compte des oeuvres qui lui sont propres. Elle a aussi toujours un certain goût pour la virtuosité instrumentale. Je retiens en particulier l'influence du jazz et des musiques traditionnelles dans les modes de jeu, tout du moins pour les oeuvres les plus anciennes.
Tout est assez réjouissant dans le coffret. On ne s'ennuie pas d'autant que les formes musicales employées sont très variées. C'est aussi très intéressant de suivre l'évolution du travail de la compositrice sur une dizaine d'années.

Son site internet est très bien :
→ https://www.ninasenk.net/

On trouve d'autres oeuvres d'elle sur francemusique.fr :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/creation-mondiale-l-integrale/t-e-r-r-a-pour-flute-violoncelle-et-harpe-de-nina-senk-diff-integrale-et-portrait-de-la-compositrice-70645
→ https://www.francemusique.fr/emissions/le-concert-du-soir/feminin-pluriel-68455

J'ai commandé sans difficulté le coffret directement sur le site de la Radio-Télévision Slovène

Une nouveauté Kairos que j'ai achetée un peu au hasard …


Noch sind wir ein Wort…
KAIROS (2018)

Eva Reiter (1976-)
Noch sind wir ein Wort… (2016) pour flûte à bec basse, contrebasse et électronique
Masque de Fer (2017) pour voix, flûte, dan bau, alto et percussion
Allemande multipliée (2017) pour violon et pedalboard
Irrlicht (2012) pour flûte, trompette, trombone, percussion, violon, alto, violoncelle, contrebasse et électronique
In groben Zügen (2014) pour quatuor à cordes et transducteur
Konter (2009) pour flûte basse et électronique

Klangforum Wien

Eva Reiter a une carrière plutôt originale puisqu'en plus de son travail de compositrice, elle est très active comme gambiste et flûtiste à bec.
Elle a fondé l'ensemble Unidas avec la soprano Theresa Dlouhy et le luthiste Christopher Dickie.
Leur répertoire va de la musique de la Renaissance à celle du 21ième siècle.

Spoiler:

Comme compositrice, je trouve son travail sympathique mais quand même très bruyant  
Cela correspond peut-être bien à ce que lulu et Benedictus appellent les métalleux autrichiens à platines.

→ http://www.clicmusique.com/eva-reiter-noch-sind-wir-ein-wort-portrait-compositrice-klangforum-wien-p-101439.html

→ http://www.evareiter.com/

Ah, et puis au fait ...:

docteur mabuse a écrit:

Cela correspond peut-être bien à ce que lulu et Benedictus appellent les métalleux autrichiens à platines.

Je ne sais pas.
En fait, ce que nous appelons les métalleux autrichiens à platine, ce serait des gens comme Wolfgang Mitterer (au mieux) ou Bernhard Gander (au pire), qui produisent une musique qui fait en effet beaucoup de bruit, et qui, tout en donnant des gages d'avant-gardisme (en gros: c'est atonal), réintroduisent en fait dans leur langage beaucoup de polarités mais selon des schémas issus des musiques populaires - jazz, metal, pop, techno... (à la différence des Manoury, Rihm & Co. qui le font à partir de schémas issus de la modernité du premier XXᵉ, voire du postromantisme) et, de manière sans doute plus directement perceptible, introduisent beaucoup de «marqueurs» de ces musiques (gros riffs de basses grasses chez Gander; turntablism et recyclage de gestes du free jazz chez Mitterer...)

Bon, et puis cette semaine j'ai moi aussi écouté deux monographies Kairos recommandées par lulu - celle d'Agata Zubel et la trilogie Sgorgo pour guitare électrique de Billone, que j'ai beaucoup aimés (contre toute attente, pour le Billone), il faudra que je trouve le temps d'en toucher un mot.

Donc:


• Agata ZUBEL: Aforyzmy na Miłosza (2011) pour voix et ensemble instrumental¹. NOT I (2010) pour voix, ensemble instrumental et électronique²
Agata Zubel (soprano), Clement Power / Klangforum Wien
Cracovie, IX.2011¹, IX.2012²
Kairos

Un univers très singulier et que j’ai beaucoup aimé. La compositrice est aussi soprano et interprète ici ses propres œuvres. La recherche sur la voix est donc centrale: on a l’impression que la chanteuse-compositrice cherche explorer toutes les potentialité de l’expression vocale; dans chacune des deux œuvres, elle multiplie ainsi les postures phonatoires, les techniques d’émission lyrique, les styles d’écriture vocale (ça passe d’un Sprechgesang très éclaté à une sorte de «belcanto atonal» façon Pli selon pli, en passant par des modes d’écriture travaillant sur un parlando murmuré et suspendu...)

On pourrait craindre que ça aboutisse à une forme de virtuosité à la versatilité un peu gratuite: en fait il n’en est rien. D’abord, parce que cette écriture vocale se plie à chaque fois aux contenus expressif des textes: l’écriture disséminée et très intense des Aphorismes d’après Miłosz correspond bien à l’esthétique de l’éclat fragmentaire du poète polonais (Czesłav); tandis que celle, plus erratique, plus volontiers itérative et suspendue, de NOT I répond assez exactement à la manière verbale de Beckett. Ensuite, parce que Agata Zubel réalise une sorte d’intégration très poussée des parties vocales dans des dispositifs instrumentaux (et électroniques dans NOT I) assez sophistiqués qui ne sont pas que de pur accompagnement: le résultat aboutit plutôt à une sorte de trame concertante où les textures sonore des instruments et de le voix se répondent selon des procédures elles aussi très variées de réponses, d’anticipations, d’expansions réciproques jouant beaucoup sur les effets de textures.



• Pierluigi BILLONE: Sgorgo Y (2012), Sgorgo N (2013)¹, Sgorgo oO (2013)² pour guitare électrique
Yaron Deutsch (guitare électrique)
Berne, IX.2015¹, V.2016²
Kairos

Alors que j’étais resté très extérieur 1 + 1 = 1 pour deux clarinettes basses, j’ai totalement pris par ce triptyque pour guitare électrique. Billone a certes été l’élève de Sciarrino et de Lachenmann (et ça sent, aussi bien pour le côté radical de son langage harmonique que pour l’espèce de complexité compacte, abrupte venue du premier et pour la dimension «musique concrète instrumentale» du second), mais j’ai surtout ressenti ici quelque chose d’assez sensiblement post-spectral dans l’écriture: une façon d’utiliser la guitare électrique dans toute l’étendue de ses possibilités sonores pour produire une musique toute en strates, en jeux de textures, en courbures du son - avec beaucoup de jeux sur les distorsions, l’ondulation, les résonances (une autre référence revendiquée, c’est Nono pour Sgorgo N - où les jeux d’échos suspendus rappellent assez irrésistiblement ... sofferte onde serene...). Une musique assez insaisissable, mouvante, mais qui impose avec une espèce d’évidence une sorte de présence très physique - résistant par là même à l’analyse.

Vraiment une œuvre fascinante, presque une «expérience immersive»: on se sent comme happé à l’intérieur des courbures et des granulation du son qui se déploient ici.

J'avais entendu des choses à la radio d'Agata Zubel :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/le-portrait-contemporain/agata-zubel-compositrice-et-soprano-en-residence-2019-serie-de-concerts-de-l-ensemble-2e2m-68462
Je me souviens d'un univers un peu doux dingue qui m'évoquait Frank Zappa ou bien un certain rock progressif.
Ce n'est pas trop mon truc, mais je ne suis pas surpris qu'il y en ait qui aiment ça !

Le disque de Billone, je ne me suis pas encore trop attardé dessus. Ca m'avait bien décontenancé à la première écoute.
Ton commentaire est très juste. Et ça me donne envie d'y revenir

docteur mabuse a écrit:

J'avais entendu des choses à la radio d'Agata Zubel :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/le-portrait-contemporain/agata-zubel-compositrice-et-soprano-en-residence-2019-serie-de-concerts-de-l-ensemble-2e2m-68462

avant Benedictus, lulu a abondamment posté sur elle par le passé, mais en playlist uniquement, si je me souviens bien.

On trouve plusieurs oeuvres d'Agata Zubel sur yt, dont, parmi les dernières, Bildbeschreibung, créée il y a quelques mois : /watch?v=qeAvXqAY-k4



et d'autres interprétations par elle, comme celle du beau 6ème Programme pour soprano et quatuor à cordes d'Andrej Krzanowski : /watch?v=aoHSc5CbLAg

on the edges
mode (2016)

Gerald Eckert (1960-)
An den Rändern des Maßes (2005–11) pour deux groupes instrumentaux
Bruchstücke... erstarrtes Lot (1998–99) pour ensemble
Sopra di noi... (niente) (2014) pour petit orchestre

ensemble reflexion K, direction Gerald Eckert

Lulu et Benedictus ont déjà parlé de Gerald Eckert plus haut.
C'est un compositeur allemand, également violoncelliste et peintre.
A la réécoute, j'ai beaucoup apprécié ce disque. Sans être génial, c'est très réussi.
Je trouve l'illustration pour la pochette bien choisie, et c'est aussi les tableaux de Pierre Soulages qui me viennent à l'esprit quand j'écoute cette musique. Quelque chose de très noir donc, mais sans jamais être monotone.
C'est surtout l'oeuvre la plus tardive Sopra di noi... (niente) qui m'a le plus impressionné avec toutes ses nuances et modulations étonnantes. Une grande réussite  

Je vais poursuivre ma découverte du compositeur  

→ http://www.clicmusique.com/gerald-eckert-the-edges-ensemble-reflexion-p-96786.html

Le ciel retrouvé
Intrada (2014)

Jacques Lenot (1945-)
Intégrale des sept quatuors à cordes (1998 à 2013)
par le Quatuor Tana : Antoine Maisonhaute, Chikako Hosoda, Maxime Desert et Jeanne Maisonhaute.

Lulu en a déjà très bien parlé précédemment :

J'ai beaucoup écouté ça ces derniers temps. C'est une magnifique découverte pour moi. Les oeuvres sont d'une grâce et d'une subtilité peu communes. J'ai en particulier été fasciné par le 7ième quatuor. L'inspiration et le talent du compositeur y paraissent inépuisables. L'oeuvre est dédiée au Quatuor Tana et les interprètes y atteignent un tel degré de plénitude que je n'arrive même plus à envisager d'autres personnes pouvant jouer cette musique. Cette sorte d'osmose entre des interprètes et une oeuvre m'émeut aussi particulièrement.

Le disque est devenu difficile à trouver. J'ai pu l'avoir directement par Antoine Maisonhaute en lui demandant après un concert. Il ne faut pas hésiter à joindre les musiciens via leur site internet pour leur commander des disques. Ils font ça très bien et en plus ça a l'air de leur faire très plaisir.
→  https://www.quatuortana.net/

Il est aussi possible de commander les disques de Jacques Lenot sur son site internet.
Ca sera une bonne occasion pour moi de poursuivre ma découverte du compositeur.
→  https://boutique.jacqueslenot.net/

Michael Quell - Chamber Music
Ensemble Aventure / Jürgen Ruck, guitare / Olivia Steimel, accordéon
NEOS (2011)

Michael Quell (1960-) est un compositeur allemand qui fait une musique gentiment dissonante et bruitiste. C'est assez sympathique à écouter.
Je signale aux amateurs de guitare et d'accordéon la pièce Achronon (2008/09) qui a plus particulièrement retenue mon attention.
On peut l'écouter sur le site du compositeur :
 http://www.michael-quell.de/english/mp3.htm
Les timbres des deux instruments s'accordent vraiment très bien, même si malheureusement le volume sonore de l'accordéon écrase un peu trop celui de la guitare.

  D'après Michael Quell, des espaces sonores tout à fait insolites sont ici ouverts à l'accordéon, d'une façon aussi fascinante qu'à la guitare à d'autres endroits.
Le titre de l'oeuvre est le concept-clé du philosophe de la culture Jean Gebser et signifie « liberté à l'égard du temps », c'est à dire l'effectivité simultanée de plusieurs niveaux de conscience temporelle, ce qui n'est pas sans rappeler l'image de la forme sphérique du temps (Bernd Alois Zimmermann).
Voilà encore un concept qui va plaire à Xoph, tiens

L'oeuvre se termine morendo, « en mourant ». On ne saurait mieux dire  

Chez JPC, je signale qu'il y a un gros déstockage sur les disques Kairos ...
A 4€ l'album, franchement, c'est cadeau !


J'en ai pris une bonne douzaine  

J'ai découvert récemment le travail de la jeune compositrice lituanienne installée en France Justina Repečkaitė.


 http://www.justinarepeckaite.eu

On ne trouve pas grand chose au disque d'elle, mais j'ai eu un coup de coeur pour sa pièce entendue à la radio : « Encierro » par le quatuor de saxhorn Opus 333.
Une formation atypique qui montre des possibilités musicales très séduisantes. Dans « Encierro », la subtilité des polyphonies est remarquable. J'apprécie particulièrement leur façon de couvrir un très large spectre de fréquences sonores, du très grave au très aigu.

« Encierro est liée dans l'esprit de la jeune compositrice à l'image de l'enfermement de taureau dans l'espace clos des arènes.
 L'enfermement est ici à prendre dans son sens métaphorique : la musique de Justina Repečkaitė est très construite (structure de la pièce, relations harmoniques...) et c'est aux musiciens d'Opus 33 de trouver des interstices de liberté à l'intérieur des contraintes... »

https://www.francemusique.fr/emissions/creation-mondiale-l-integrale/encierro-de-justina-repeckaite-diffusion-integrale-et-portrait-de-la-compositrice-75308

FLOCK - Karin Hellqvist (violon)
LAWO (2019)

Carola Bauckholt (*1959) → Doppelbelichtung (2016)
Jan Martin Smørdal (*1978) → Flock Foam Fume (2016)
Henrik Strindberg (*1954) → Femte Strängen (2009)
Malin Bång (*1974) → ... När Korpen Vitnar (2003)
Natasha Barrett (*1972) → Sagittarius A* (2017)

De la musique pour violon et électronique qui donne plutôt une impression de sérénité.
Les oeuvres sont assez variées et bien fichues.

Un chouette disque : docteur mabuse approved  

verso:

Tachitipo
New Focus Recordings (2019)

Une sympathique monographie consacrée à l'oeuvre de la compositrice canadienne Zosha Di Castri (1985-) :

 http://www.zoshadicastri.com/

Une musique très New York Arty je dirais, à la fois fun et sophistiquée. Avec quelques échos Free aussi.
J'apprécie particulièrement la qualité des interprètes. C'est coul d'entendre le JACK Quartet en très grande forme
http://www.newfocusrecordings.com/catalogue/zosha-di-castri-tachitipo