Votre dernier film visionné

Eusèbe a écrit:

C'est vraiment un Bresson ultra-dépouillé, sans aucune concession à quelque séduction que ce soit à l'égard du spectateur.

D'un autre côté, Bresson n'a pas réalisé beaucoup de films franchement racoleurs...

Emeryck, tu as déjà essayé les Bresson en couleur? Lancelot, Une femme douce et L'Argent, ce sont vraiment de grands chefs-d'œuvre (les Quatre Nuits et le Diable, c'est un peu plus spécial - mais si tu aimes Garrel, ça devrait te plaire.)

J'aime énormément le Bresson noir et blanc, mais ses films en couleurs me paraisse un trop aride justement, a part Une Femme douce que j'adore. L'Argent ne convainc pas dans son entièreté et je n'ai pas du tout accroché a Lancelot

Benedictus a écrit:

Eusèbe a écrit:

C'est vraiment un Bresson ultra-dépouillé, sans aucune concession à quelque séduction que ce soit à l'égard du spectateur.

D'un autre côté, Bresson n'a pas réalisé beaucoup de films franchement racoleurs...

Emeryck, tu as déjà essayé les Bresson en couleur? Lancelot, Une femme douce et L'Argent, ce sont vraiment de grands chefs-d'œuvre (les Quatre Nuits et le Diable, c'est un peu plus spécial - mais si tu aimes Garrel, ça devrait te plaire.)

Pas encore, je n'ai que L'argent et les Quatres Nuits en stock - je n'ai pas trouvé les autres en HD. 
Je crois que cette épure me fascine vraiment chez Bresson. 

Le Teckel (Wiener-dog)

Parsifal a écrit:

J'aime énormément le Bresson noir et blanc, mais ses films en couleurs me paraisse un trop aride justement

C'est justement pour cela que je les conseillais à Emeryck...

Parsifal a écrit:

L'Argent ne convainc pas dans son entièreté

Ah oui? Pourquoi? Je le trouve au contraire remarquablement persuasif, avec sa narration très ramassée et sans temps mort.

Parsifal a écrit:

et je n'ai pas du tout accroché a Lancelot

Ah? C'est parce que les paysages naturels de Noirmoutier et la Guenièvre de Laura Duke Condominas, ça t'a paru fade à côté des décors peints de Perceval le Gallois et de la Blanchefleur d'Arielle Dombasle?

Benedictus a écrit:

Parsifal a écrit:

L'Argent ne convainc pas dans son entièreté

Ah oui? Pourquoi? Je le trouve au contraire remarquablement persuasif, avec sa narration très ramassée et sans temps mort.

Parsifal a écrit:

et je n'ai pas du tout accroché a Lancelot

Ah? C'est parce que les paysages naturels de Noirmoutier et la Guenièvre de Laura Duke Condominas, ça t'a paru fade à côté des décors peints de Perceval le Gallois et de la Blanchefleur d'Arielle Dombasle?

Je trouve Lancelot plus intéressant que Perceval de Rohmer, certains parti pris sont fascinants (mais il est évidemment que l'humour involontaire est moins piquant que celui de Rohmer )
En fait ça m’ennuie beaucoup, et c'est tellement aride que je ne retrouve pas la grâce de Pickpocket ou de Mouchette, et puis je trouve quand même, et je fait le même reproche au Rohmer, que l'aventure et l'épique manque dans cette histoires je sais bien que ce n'est pas ce qui intéressait Bresson mais quand même (la bataille finale en partie invisible est cependant mon moment préféré du film)

Un peu pareil pour L'Argent, même si j'aime bien quand même (je l'ai revu plusieurs fois) c'est tellement aride, avec une image volontairement quelconque (et assez moches même si certains plans sont très marquant) et aussi dans ce film, le ton blanc des modèles de Bresson m'agace beaucoup (surtout les deux adolescents du début) ce qui n'est pas le cas dans ses autres films.

Coexister

+

Carol Reed : The third man        1949


J'ai beaucoup aimé. Ces cadres obliques sont amusantes - quoiqu'un peu systématiques au final, mais porteurs de sens. La photographie noir et blanc est très belle, tire assez sur les atmosphères expressionnistes. Très belle scène finale dans les égouts de Vienne, au passage, avec la lumière et les reflets de l'eau.

Mais qui a tué Pamela Rose?

+

Maniac



Faut pas être fou pour regarder ça en pleine nuit...

Xavier a écrit:

Maniac

Ça ne fait pas trop mélo?

Vendredi 13

Benedictus a écrit:

Xavier a écrit:

Maniac

Ça ne fait pas trop mélo?

Je viens de comprendre !

Ronald Neame
The Odessa file / 1975

Clouzot : Quai des Orfèvres



Fleischer : L'étrangleur de Rillington Place

Glaçant J'ai rarement vu un film aussi terrifiant. Des meurtres dans des films … on en a vu des tonnes … on en a vu des très violents … des très nombreux. Ce ne sont pas les pires en la matière dans ce film … mais Fleischer a l'art de montrer ce qu'il y a de plus horrible dans la chose … sans grands effets. Et l'horreur aussi pour le jeune homme joué par John Hurt.
C'est encore une fois du très grand Fleischer.
A regarder … pas n'importe quand

Bon, allons-y pour une longue recension, mais le film en vaut vraiment le coup.


• Francesco Rosi: Cadaveri eccellenti
Avec Lino Ventura, Tino Carraro, Marcel Bozzuffi, Alain Cuny, Fernando Rey, Max von Sydow, Charles Vanel...
Alberto Grimaldi, 1976

Après un second visionnage: c’est un très, très, très grand film - mais fondamentalement différent des autres réussites de Rosi (Le mani sulla città ou Il Caso Mattei.)

C’est déjà très sensible au niveau de l’esthétique visuelle. Là où Le mani et Mattei jouaient sur un noir et blanc anguleux et un montage très serré, Cadaveri eccellenti déploie une manière visuelle beaucoup plus esthétisante, qui fait très souvent penser à Visconti et Antonioni.

Il y a ainsi beaucoup de plans très larges jouant sur une grande profondeur de champ, avec des mouvements de caméra lents et amples ou des effets de montage multipliant les changements d’angles: c’est comme une espèce de scénographie baroque qui joue sur la disproportion entre de grands espaces architecturaux presque vides et des personnages vus de très loin (pour le côté viscontien), et une sorte de multiplication des points de vue qui créent un effet d’ambiguïté - parfois au service d’un suspens - ou d’indétermination (pour le côté antonionien: la scène dans le Musée, à la fin du film est exemplaire de ce point de vue.) Même chose pour la qualité de la photographie en couleur, vraiment magnifique, qui donne une qualité de grain somptueuse - en particulier aux murs lépreux, que ce soit ceux de palais baroques (et là difficile de ne pas penser au Guépard ou à Violence et passion) réaffectés en lieux de pouvoir bureaucratique ou en résidences d’une bourgeoisie décadente, ou bien ceux de ces places publiques siciliennes tantôt quasi désertes tantôt lieux d’impressionnantes scénographies politiques.

Certes, on retrouve certaines caractéristiques habituelles du cinéma de Rosi - en particulier l’insertion d’images d’archives ou de bandes d’actualité ou l’utilisation emblématique d’architectures modernistes encore en construction.

Mais, même là, ça se double d’une ambiguïté à l’opposé des procédés souvent didactiques de Rosi. L’usage des séquences en noir et blanc est à ce titre assez significatif. Il y a là tout un jeu sur la transformation de l’image filmique en image photographique, et inversement (qui fait un peu penser aux photos «live» de nos smartphones): un photographe de la police tire le portrait de notabilités lors d’une messe d’obsèques, les personnages sont alors brièvement filmés en noir et blanc et les photographies ainsi obtenues se retrouvent un peu plus tard figées sur papier entre les mains de Lino Ventura; à l’inverse, plus tard, Lino Ventura a entre les mains une série de clichés en noir et blanc retraçant une affaire de mœurs et de meurtre et alors ces photos s’animent subrepticement. Une autre affaire est traitée sous la forme d’un flash-back sans parole en noir et blanc, et l’image fictionnelle est ainsi présentée de façon frontale - tandis que plus tard de vraies bandes d’archives (manifestations et rafles d’anarchistes) sont elles aussi présentées frontalement mais aussitôt démultipliées sur des écrans de contrôle et entrecoupées d’images appartenant, elles, à la fiction, mais de qualité identique. À la toute fin du film, encore un autre glissement - cette fois entre les images d’actualité en couleur d’une manifestation communiste et les plans d’un grand tableau au siège du PCI de Palerme (drapeaux rouge mais marée humaine en noir blanc.)

Quant aux architectures modernistes, elles sont filmées de la même manière que les espaces baroques dégradés (profondeur de champ, point de vue qui se déplace), de sorte que cela induit un jeu de continuité et de discontinuité des espaces urbains, la discontinuité n’étant marquée que par la couleur (tons glauques des bâtiments de la police / ocres patinés et pierre claire des édifices anciens) - alors que la rupture spatiale est plutôt celle, brièvement présentée, qui sépare la campagne d’une banlieue «tentatculaire», marquée par un viaduc autoroutier (qui devient scène de crime.)

En réalité, on a l’impression que Rosi, à rebours des oppositions dialectiques très tranchées des deux autres films que je citais, construit ici tout un réseau d’enchâssements, de contiguïtés, de glissements, de références et de renvois.

Cette complexité est d’ailleurs en parfaite cohérence avec le récit et sa narration. Fidèlement adapté d’un roman de Sciascia, l’histoire, labyrinthique, est celle d’une enquête policière qui noue d’une part, le récit d’une vengeance qui devient l’itinéraire d’un serial killer de magistrats et d’autre part un vaste complot politique qui renvoie très explicitement aux «années de plomb», et à la dialectique entre «stratégie de la tension» et «compromis historique» (je n’en dis pas davantage pour ne pas spoiler un film que je voudrais vous inciter à regarder.)

La progression du récit repose très largement sur la composition remarquablement persuasive de Lino Ventura - comme toujours à la fois granitique et dynamique.

Mais là aussi, le style narratif ne cesse de bifurquer (et, de fait, c’est peut-être ces plis imprévisibles de la manière narrative qui font la polysémie du titre - comme un jeu de cadavre exquis): tantôt on a l’impression d’être dans un de ces films-enquêtes politico-paranoïaques un peu glacés des années 70, mais tantôt dans quelque chose qui s’apparente davantage aux codes d’un giallo à la Dario Argento (crimes d’un assassin invisible filmés de façon emphatique avec taches de sang rouge vif; portraits-caricatures de grands bourgeois névropathes dans leurs intérieurs chargés, comme Max von Sydow ou Alain Cuny; ou encore la scène du zoo avec faux aveugle et petites filles...) - jusque dans les impressionnants glissements aux lisières du fantastique.

Si je dis «impressionnant», c’est parce qu’il y a vraiment là des choses cinématographiquement très saisissantes, dans un genre inquiétant et grinçant. Deux moments qui m’ont complètement scotché: la scène d’ouverture - dialogue muet de Charles Vanel avec les momies des catacombes des Capucins de Palerme sur fond de Marche funèbre par une fanfare désaccordée - qui possède une puissance visuelle terrifiante; l’exploration, sur fond de tango, de l’intérieur du pharmacien Cres, palazzo bourgeois décrépit, jusqu’à la découverte des photos mutilées.

Bref, un chef d’œuvre labyrinthique, à voir absolument (et qui gagne encore à être revu.) Je crois que je peux vraiment le recommander à tout le monde, ici.

Life during wartime

+

On retrouve le ton toujours grinçant de Solondz dans cette quasi-suite d'Happiness, c'est toujours aussi drôle et horrible.

Elephant de Gus Van Sant

J'ai toujours Gus Van Sant surestimé et c'est pas la revision de sa palme d'or qui va me faire changer d'avis. S'emparant d'un "sujet de société" la fusillade de Columbine Van Sant semble avoir voulu tout faire pour éviter de livrer un film dossier, d'un côté c'est ce qui fait tout l’intérêt de l'entreprise. Il multiplie les pistes d'explications: solitude scolaire, homosexualité refoulé, addiction aux jeux vidéos violent, facilité d’accès aux armes. Aucune de ces pistes n'est développé, et aucune n'explique quoique-ce soit, elle s'enchaine les unes autres comme dans un catalogue de cliché ressassé et un peu ridicule.
Non le sujet des tueries de masse dans les écoles n'est qu'un prétexte a un déchainement des figures de styles assimilés au modernisme cinématographique: narration consciente d'elle même avec plans fixes étendu au delà du raisonnable enregistrant une action sans aucune nécessité narrative (un match de foot, ou équivalent). Long, très long, plan séquence accompagnant les personnages dans des espaces quasi-vide, effet de flou et de ralenti intempestif sans réel motivation (bien qu'ils soient tous soigneusement calculés). Éclatement temporel et narratif avec variation des points de vues et répétition d'une même scène sous des angles différents, découpage en chapitre avec carton indiquant le nom du personnage que nous sommes censé suivre (mais le film ne respecte pas ce découpage s'attache jamais de manière consistante à un seul personnage). Plan sur des personnages silencieux avec un orateur hors champ. Ajoutons a cela que la focalisation est totalement externe et qu'a aucun moment on ne semble nous donné accès a l'intériorité des personnages.
Le film de Gus Van Sant brasse aussi de multiples références, certaines assumé et revendiqué comme Alan Clarke a qui il emprunte un titre (Elephant est un court métrage sur les "troubles" en Irlande du nord) ainsi que les longs travellings d'accompagnement véritable signature stylistique de Clarke. D'autres plus discréte  mais quand même visible: Chantal Akerman sans doute pour l'attention porté aux geste banal et insignifiant toujours observé de l'extérieur sans aucune irruption de la subjectivité des personnages (c'est ce dont je me souviens de Jeanne Dielman) et aussi pour le côté répétitif. Plus inattendu le Kubrick de Shining qu'on retrouve dans les travellings explorant les couloirs du lycée et a travers certains cadrages qui font ressemblé ces lieux a l'Overlook hotel, la cérébralité assumé du film et la perfection technique comme moyen de distanciation, sont de toute façon ouvertement calquée sur Kubrick. Et puis il y a tout les clins d’œil a divers cinéma d'avant garde, avec ces time lapses sur le ciel, ces plans composé de tel manière qu'ils attirent l'attention sur la place de la caméra plutôt que sur ce qui est filmé.
Bref Gus Van Sant cherche a composer un texte filmique réflexif et complexe qui exhibe sa propre modernité le problème est qu'il ne fait pas grand chose d'autres que ce modernisme peine a exister au delà de la référence et du signe clinquant qui attire l'attention sur lui même surtout parce qu'il n'a pas grand chose d'autres a montrer. Passer le jeu d'écho et l’épate stylistique, c'est un objet froid, que l'on peut au mieux qualifié d'hypnotique, mais qui est au final très creux. Le problème du film de Van Sant est qu'il n'est que surface et cela éclate lorsqu'on le compare a ses modèles revendiqué. Je n'aime pas beaucoup Akerman, je n'ai vu que Jeanne Dielman et je trouve ça très chiant, mais son dispositif n'est pas superficiel et il a une vraie consistance poétique, le sens de la durée, la répétition des gestes transmettent une vraie sensation d'aliénation et je peux comprendre que l'on éprouve une certaine fascination pour cette mécanique quotidienne qui dérape progressivement. Chez Van Sant l'attention porté au banal et la répétition sont surtout des gadgets intellectualistes, qui n'apportent rien a la description de la mécanique meurtrière ni ne servent a dépeindre la réalité du milieu scolaire ou s'est déroulé le drame. Les références a Shining superpose l'espace sanglant et criminel de l'hotel overlook sur celui ordinaire de ce lycée dans une tentative une névrose proprement américaine, mais comme elles sont limités a quelques plans on ne peut pas dire que la métaphore soit filé de manière consistante. Quand a Alan Clarke, ses longs travellings stylisés sont toujours un moyen de décrire un milieu: banlieue délaissé de Londres, friches industriel du nord de l'Angleterre, borstal, et s'inscrivent dans un discours politique et social qui est ici totalement absent. Alan Clarke est lui aussi attiré par les espaces désertés, mais ils sont toujours vivant et plus qu'un simple décors ils font partie de toute un arrière plan social et psychologique qui conditionne les agissement des personnages. Les lieux filmés par Van Sant, sont très lisses et apprêtes, leur froideur est esthétisante et lorsqu'il filme l'intérieur d'une maison on a peine a croire qu'il est habité et l'on pense plutôt a ces salons ou ces cuisines mis en démonstration dans les magasin de meuble.
Le problème du film de Van Sant outre l'absence de propos, au delà d'une banale aporie consistant a constaté l'impossibilité de jamais comprendre totalement l'incompréhensible, c'est qu'il est mort, c'est un objet glacée, une installation muséales en hommage aux avants gardes et aux grands auteurs modernistes du passé, c'est un peu court et ça ne mérite pas tous les efforts critiques et universitaires qui lui sont consacré depuis des années...

Merci pour cette impression détaillée ! 
Justement, je voulais m'attaquer un peu à van Sant, notamment avec Good will hunting.

Je ne l'ai pas vue mais il me semble que c'est dans le genre classico-académique de Harvey Milk (pas mal ce dernier d'ailleurs). Il y a vraiment deux tendance chez Van Sant entre le véhicule hollywoodien avec star souvent un biopic ou un film sérieux avec une mise en scéne classique et élégante et la veine moderniste, "expérimental" façon Gerry ou Elephant.
Gerry a le mérite d'être assez radicale en réduisant l'argument au minimum et du coup le film est un peu comme une page blanche que chacun peut remplir a sa façon c'est pas mal.
J'ai plutôt un bon souvenir de My Own Private Idaho, là aussi beaucoup de piste éparse qui se mêle l'une a l'autre: film indépendant plein d'expérimentation, adaptation de Shakespeare et hommage à Orson Welles et à son Falstaff, film gay ou queer, avantage par rapport à ses autres films il y a un certain humour. Il y a des baise de rythme quand même ce qui le rend inégal, mais c'est assez beau et pas prétentieux du tout (contrairement au reste)

P-S: Sinon pour un réalisateur vraiment intéressant ( ), je ne peux que conseiller les films d'Alan Clarke, pas forcément le court métrage Elephant qui a inspiré Gus Van Sant, c'est très intéressant mais on peut légitimement trouver ça "limité" et déplaisant. C'est un film radical mais ça reste trop circonstanciel lié a la situation en Irlande du nord a l'époque du tournage, c'est un film fait pour interpelé et secouer le spectateur. Par contre il faut voir Scum, Made in Britain, The firm, tous d'excellentes radiographies de l'Angleterre thatcherienne (et beaucoup plus que ça) et dans un genre plus léger et paillard Rita, Sue and Bob too ( /watch?v=LXtx6N3ww7Y ) et je crois que ce sont les seuls disponible en France, le reste de son œuvre est inédite puisque ce sont essentiellement des films de réalisé pour la BBC mais ce type était peut être l'un des cinéastes les plus important des années 70 et 80. Pour ceux qui maitrise l'anglais la BBC a édité un coffret DVD/blue ray. Je conseille Penda's Fen qui est un chef d’œuvre absolu, réflexion autour des paysages britanniques abordant les tensions entre christianisme et survivance païenne, et le portrait d'un jeune adolescent conservateur qui voit ses certitudes sur lui même et son identité s'étioler au fur et a mesure. Road se trouve aussi très facilement et c'est un film théâtrale et fascinant!

Parsifal a écrit:

Je ne l'ai pas vue mais il me semble que c'est dans le genre classico-académique de Harvey Milk (pas mal ce dernier d'ailleurs). Il y a vraiment deux tendance chez Van Sant entre le véhicule hollywoodien avec star souvent un biopic ou un film sérieux avec une mise en scéne classique et élégante et la veine moderniste, "expérimental" façon Gerry ou Elephant.
Gerry a le mérite d'être assez radicale en réduisant l'argument au minimum et du coup le film est un peu comme une page blanche que chacun peut remplir a sa façon c'est pas mal.
J'ai plutôt un bon souvenir de My Own Private Idaho, là aussi beaucoup de piste éparse qui se mêle l'une a l'autre: film indépendant plein d'expérimentation, adaptation de Shakespeare et hommage à Orson Welles et à son Falstaff, film gay ou queer, avantage par rapport à ses autres films il y a un certain humour. Il y a des baise de rythme quand même ce qui le rend inégal, mais c'est assez beau et pas prétentieux du tout (contrairement au reste)

P-S: Sinon pour un réalisateur vraiment intéressant ( ), je ne peux que conseiller les films d'Alan Clarke, pas forcément le court métrage Elephant qui a inspiré Gus Van Sant, c'est très intéressant mais on peut légitimement trouver ça "limité" et déplaisant. C'est un film radical mais ça reste trop circonstanciel lié a la situation en Irlande du nord a l'époque du tournage, c'est un film fait pour interpelé et secouer le spectateur. Par contre il faut voir Scum, Made in Britain, The firm, tous d'excellentes radiographies de l'Angleterre thatcherienne (et beaucoup plus que ça) et dans un genre plus léger et paillard Rita, Sue and Bob too ( /watch?v=LXtx6N3ww7Y ) et je crois que ce sont les seuls disponible en France, le reste de son œuvre est inédite puisque ce sont essentiellement des films de réalisé pour la BBC mais ce type était peut être l'un des cinéastes les plus important des années 70 et 80. Pour ceux qui maitrise l'anglais la BBC a édité un coffret DVD/blue ray. Je conseille Penda's Fen qui est un chef d’œuvre absolu, réflexion autour des paysages britanniques abordant les tensions entre christianisme et survivance païenne, et le portrait d'un jeune adolescent conservateur qui voit ses certitudes sur lui même et son identité s'étioler au fur et a mesure. Road se trouve aussi très facilement et c'est un film théâtrale et fascinant!

Merci, je note. 

Chris Marker & Alain Resnais : Les statues meurent aussi        1953

Les commentaires. 

Keane

+

Mission Impossible : Fall Out

Chris Marker : Level five        1997

 +
Très beau, j'ai beaucoup aimé cette incorporation du monde numérique ; Marker est vraiment un cinéaste extraordinaire.

Pier Paolo Pasolini : Il vangelo secondo Matteo        1964


J'ai été surpris : je m'attendais à quelque chose de beaucoup moins littéral dans l'adaptation. La photographie et les cadres sont très simples et très beaux. Il y a quelques loupés au montage, notamment avec la musique. J'ai bien aimé.

Probablement un de mes cinq ou six films préférés.

Tout dépend de ce que tu appelles littéralité de l'adaptation. Pour ce qui est des «dialogues», oui. Mais on pourrait quand même dire qu'à travers la direction d'acteurs et la composition d'Enrique Irazoqui, Pasolini fait déjà un choix - son Jésus est quand même un jeune révolté «du Sud», plus proche de certains personnages du cinema novo brésilien que des bénisseurs à barbe blonde d'une certaine iconographie sulpicienne.

De plus, la mise en images joue constamment sur des références iconographiques, en particulier à la première Renaissance italienne, de sorte que ça semble «littéral» si la représentation qu'on a en tête vient de Piero della Francesca ou Mantegna. Mais même dans ce cadre-là, il y a tant de choses qui relèvent d'une puissance création purement cinématographique (l'Annonciation!)

Il ya aussi des choix qui relèvent d'une intelligence exégétique très fine: par exemple, la façon dont le Sermon sur la montagne est monté en fragments discontinus - c'est exactement ce qu'en dit l'exégèse historico-critique: qu'il s'agit plutôt d'une collection d'apophtègmes que d'un discours proprement dit; or, j'imagine que la plupart des autres vies de Jésus au cinéma en font plutôt une sorte de scène linéaire de grand prêche charismatique en plein air. Donc quand même bien une forme de «prise de position» dans l'adaptation du texte biblique.

Benedictus a écrit:

Probablement un de mes cinq ou six films préférés.

Tout dépend de ce que tu appelles littéralité de l'adaptation. Pour ce qui est des «dialogues», oui. Mais on pourrait quand même dire qu'à travers la direction d'acteurs et la composition d'Enrique Irazoqui, Pasolini fait déjà un choix - son Jésus est quand même un jeune révolté «du Sud», plus proche de certains personnages du cinema novo brésilien que des bénisseurs à barbe blonde d'une certaine iconographie sulpicienne.

De plus, la mise en images joue constamment sur des références iconographiques, en particulier à la première Renaissance italienne, de sorte que ça semble «littéral» si la représentation qu'on a en tête vient de Piero della Francesca ou Mantegna. Mais même dans ce cadre-là, il y a tant de choses qui relèvent d'une puissance création purement cinématographique (l'Annonciation!)

Il ya aussi des choix qui relèvent d'une intelligence exégétique très fine: par exemple, la façon dont le Sermon sur la montagne est monté en fragments discontinus - c'est exactement ce qu'en dit l'exégèse historico-critique: qu'il s'agit plutôt d'une collection d'apophtègmes que d'un discours proprement dit; or, j'imagine que la plupart des autres vies de Jésus au cinéma en font plutôt une sorte de scène linéaire de grand prêche charismatique en plein air. Donc quand même bien une forme de «prise de position» dans l'adaptation du texte biblique.

Oui, je parlais des "dialogues", évidemment.
Oui, c'est certain, mais je m'attendais pas à une si grande proximité des textes. 
En tout cas, chez Pasolini, je préfère Teorema ( ) et Mamma Roma ; mais ce n'est que mon premier visionnage - et j'étais un peu fatigué - donc on verra au prochain visionnage.

C'est une adaptation très personnelle de cet évangile en fait.

Car il suffit de voir sa caméra pour y voir quelque chose qui n'appartient qu'à lui. Par exemple sa très marquante façon de filmer les visages. Et sa façon également d'éviter le pathos inhérent à une telle entreprise (là c'est plus par rapport aux autres adaptations cinéma que par rapport au texte).

Je mets au-dessus Théorème, Médée et Œdipe … mais c'est un chef d'œuvre esthétiquement (et pour ma part cela me suffit à le dire).

Personnellement, si je mets celui-ci au-dessus des autres, c'est bien sûr - et uniquement - parce que celui-ci me parle très personnellement.

Mais mis à part la trilogie Décaméron / Canterbury / Mille et une nuits (et peut-être les Oiseaux) que je place un cran en dessous, et les films-limites vraiment éprouvants (Saló et Porcherie), je crois que j'aime vraiment très fortement tout Pasolini.

Benedictus a écrit:

j'imagine que la plupart des autres vies de Jésus au cinéma en font plutôt une sorte de scène linéaire de grand prêche charismatique en plein air.

/watch?v=RpkWT5voTSE

Sinon c'est aussi mon Pasolini préféré!

Cololi a écrit:

C'est une adaptation très personnelle de cet évangile en fait.

Car il suffit de voir sa caméra pour y voir quelque chose qui n'appartient qu'à lui. Par exemple sa très marquante façon de filmer les visages. Et sa façon également d'éviter le pathos inhérent à une telle entreprise (là c'est plus par rapport aux autres adaptations cinéma que par rapport au texte).

Je mets au-dessus Théorème, Médée et Œdipe … mais c'est un chef d'œuvre esthétiquement (et pour ma part cela me suffit à le dire).

Oui, je suis d'accord.  Sauf que je mettrais Edipo re un peu en dessous, même si je l'aime bien ! 

Benedictus a écrit:

Personnellement, si je mets celui-ci au-dessus des autres, c'est bien sûr - et uniquement - parce que celui-ci me parle très personnellement.

Mais mis à part la trilogie Décaméron / Canterbury / Mille et une nuits (et peut-être les Oiseaux) que je place un cran en dessous, et les films-limites vraiment éprouvants (Saló et Porcherie), je crois que j'aime vraiment très fortement tout Pasolini.

Oui, j'avais compris qu'il te parlait beaucoup. 
Il me reste à creuser la filmographie de Pasolini.

Quelques infos sur les sorties (en plus du coffret Naruse déjà annoncé) :

-> un coffret Vigo dans quelques temps (HD)
-> il se murmure qu'un coffret Ozu se prépare (avec les films présents dans la retrospective récente) en HD cette fois ci.
-> beaucoup de cinéma italien : De Sica (La Ciociara), Monicelli (Les Camarades), Bertolucci (1900), Sollima (La Poursuite implacable), Risi (Pauvres mais beaux + Belles mais pauvres + Pauvres millionnaires) …

Michelangelo Antonioni : Le amiche        1955


Je me suis un peu ennuyé, tout de même. Cela dit, il y a des éléments qui m'ont plu : la façon dont Antonioni désamorce le genre cinématographique au début, l'humour qui parcourt le film et certaines scènes sont très bien.

Cololi a écrit:

-> un coffret Risi (Pauvres mais beaux + Belles mais pauvres + Pauvres millionnaires) …

Ah bin bonne nouvelle, ils sont marrants ces films et je n'ai jamais réussi à voir le premier de la série

Benedictus a écrit:

Personnellement, si je mets celui-ci au-dessus des autres, c'est bien sûr - et uniquement - parce que celui-ci me parle très personnellement.

Ce qui me bouleverse dans ce film est l'alliance entre un parti pris extrêmement stylisé et la profonde humanité du Jésus de Pasolini. Ce n'est ni une biographie historique, ni une hagiographie (si ce terme peut avoir du sens ici), mais une méditation, un regard - on est proche de l'iconographie de Giotto ou de Fra Angelico.

D'ailleurs … Pasolini ira jusqu'à jouer Giotto lui-même dans Le Décaméron.

Xavier Dolan : Mommy        2014


J'ai  beaucoup aimé. D'abord, le jeu avec le format d'image est assez original : l'image carrée donne vraiment une sensation étouffante surtout quand elle est couplée aux gros plans très récurrents chez Dolan. L’émancipation des personnages qui se retranscrit directement dans le format de l'image est une très bonne idée également. Il y a des moments très forts mais on ne reste pas dans un malaise, un pathos constant ; il y a des moments émancipés, virevoltants.

Louis Malle : Lacombe Lucien        1974

 +
J'ai bien aimé. J'ai lu que ce film a conduit à l'exil de Malle aux États-Unis, j'imagine que ç'avait dû faire une sacrée polémique, à l'époque ! Le propos est intéressant, je trouve, que le monde n'est pas partitionné entre les résistants gentils et les collabos, qu'il y a toute cette zone floue dont Lucien Lacombe est le représentant. Il y a des moments tout de même assez drôles - bon, d'accord Malle n'est pas un as de la subtilité, je l'avais déjà remarqué dans Le souffle au coeur.

Georges Franju : Les yeux sans visage        1960


J'ai beaucoup aimé. D'abord, c'est d'une originalité remarquable ; enfin, je veux dire, les films assez "fantastiques" comme ça, ce n'était pas commun en France en 1960. Ensuite, il y a un vrai propos sur le visage et le masque, ce que l'on ne veut pas montrer : cf. le cadavre sous le chapeau au début. En plus, la photographie noir et blanc est étincelante - la restauration en HD ne fait que servir cet aspect ! Petit bémol sur la musique, cela dit.

hier soir

North by Nortwest

Philippe Garrel : Elle a passé tant d'heures sous les sunlights...        1985

 +
Je suis très partagé : il y a des scènes d'une grande beauté : très intimes, silencieuses et pudiques - un ton assez habituel chez Garrel. Mais franchement, il y a des scènes sacrément ennuyeuses.

Jean Renoir : On purge bébé        1931

 

The Naked Spur (1953) d'Anthony Mann
avec James Stewart, Janet Leigh, Robert Ryan, Ralph Meeker, Millard Mitchell

un beau western avec des personnages sombres, tourné entièrement en extérieur dans un technicolor maladif. Un bon Anthony Mann.
     

Westerns sur Arte.

A priori une bonne option pour des soirées d'été, malheureusement gâchée par le choix des œuvres..

George Stevens : L'homme des vallées perdues : traitement académique d'un sujet rebattu - l'antagonisme entre les éleveurs et les paysans - avec un Alan Ladd parfaitement mièvre.

Andrew Mc Laglen : Les prairies de l'honneur -Shenandoah -  autre film académique, avec un James Stewart surjouant le sudiste pacifiste entrainé malgré lui dans le conflit.

Belcore

Voir du Pays (2016) de Delphine et Muriel Cousin
avec Soko, Ariane Labed, Ginger Romàn, Karim Leklou, Alexis Manenti, Sylvain Loreau

Un groupe de soldats français rentre d'Afghanistan en passant par un "sas" à Chypre pour les évaluer psychologiquement et leur faire prendre du repos.
Très bien fichu        

Brocka : Manille

Bon j'avais dit quelques bons mots pour l'autre Brocka que j'avais vu, Insiang, mais il faudrait que j'insiste un peu plus : les deux Brocka sortis par Carlotta sont à voir ! Cette espèce faux documentaire, mélo … un peu comme Pasolini pervertit les codes néo-réalistes dans Accatone ou Mama Roma … mais en couleur (et quelles couleurs !) … et dans le contexte tout autre d'un bidonville philippain.
Ce pays a beaucoup produit de films … nous avons accès à très peu. C'est une occasion à ne pas rater. Il y a quelques mots de Scorsese avant Manille.



Sirk : Ecrit sur du vent

Cololi a écrit:

Ce pays a beaucoup produit de films … nous avons accès à très peu. C'est une occasion à ne pas rater.

Franchement, j'avais vu un film de Brillante Mendoza (Ma Rosa) au cinéma ; c'était vraiment pas terrible.

Ca je ne peux pas te dire !

Cololi a écrit:

Ca je ne peux pas te dire !

Mais je vais me renseigner sur ce réalisateur.