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La bonne année - Claude Lelouch - 1973

Un Lelouch regardable, avec Françoise Fabian et Lino Ventura - à l'encontre de ce qu'il fait souvent le réalisateur ne s'égare pas dans des digressions foutraques, si bien que le film, sans etre génial, est regardable jusqu'à la fin.

Belcore

Un Scorsese long et chaotique.

Emeryck a écrit:

Jacques Demy : Model shop        1969
 + / 
Un film assez curieux dans la filmographie de Demy. Outre le fait que ce ne soit pas tourné en français ni en France, l'atmosphère est beaucoup plus sérieuse qu'à l'accoutumée. On dirait que Demy essaie de faire allusion à plusieurs de ses films - dont l'allusion à Lola qui est particulièrement nette, si nette que l'on pourrait dire que c'en est une sorte de suite

Oui, c'est une sorte de suite, puisque Demy reprend le personnage de Lola de façon très explicite ; dans la scène où elle feuillette l'album de photos, elle explique d'ailleurs à George qu'elle  a été abandonnée par l’amour de sa vie (Michel qu'on voit bien sûr dans Lola), qui est parti avec une joueuse de casino (c'est Jackie (jouée par Jeanne Moreau blonde) de La Baie des Anges, fascinant exemple de ces entremêlements de personnages d'un film à l'autre, qui est un peu le reste d'un projet de Comédie Humaine balzacienne que Demy n'a pu vraiment mener à bout, mais dont il reste des traces semées d'un film à l'autre). Elle explique que le couple est maintenant à Las Vegas pour assouvir leur amour du jeu. On apprend aussi que le beau marin qu'on voit dans Lola (Frankie) est mort à la guerre du Vietnam...

Comme tu le dis, c'est vraiment un film à part dans la filmo de Demy, à la fois fiction (avec une unité de temps implacable) et reportage sur Los Angeles, magnifiquement filmée. Pour l'anecdote, c'est Harrison Ford (jeune acteur inconnu à l'époque) qui devait jouer le personnage de George, mais les producteurs ont imposé Gary Lockwood, acteur à la mode en 1969 puisqu'il venait de faire un carton dans le 2001 de Kubrick. La façon dont Demy le filme est aussi très troublante, la caméra ne le quitte pratiquement pas de l'objectif, avec de très gros plans, et on a l'impression qu'il est davantage l'objet du désir que la malheureuse Lola, personnage touchant et sensible, mais complètement à la dérive, réduite à l'exhibition plutôt humiliante du model shop ; elle n'a plus du tout ici l'aura qu'elle avait dans le premier film (et Anouk Aimée joue ce décalage, au bord de la déchéance sans y sombrer jamais, de façon formidable, c'est une actrice vraiment unique)...

Thelonious a écrit:

Un Scorsese long et chaotique.

Clairement un de ses meilleurs films récents (et un de ses meilleurs films tout court d'ailleurs), le côté chaotique est parfaitement justifié narrativement (et l'ensemble est finalement parfaitement cohérent).

Oury : L'As des as



von Trier : Melancholia

Génial !

Tu as vu les autres parties de la trilogie - Melancholia étant la deuxième ? 

Citation :

et l'ensemble est finalement parfaitement cohérent

Je n'ai pas trouvé que c'était cohérent, mais plutôt décousu, juste pour mieux surprendre le spectateur lors du dénouement. Mais les ficelles sont un peu grosses.

Emeryck a écrit:

Tu as vu les autres parties de la trilogie - Melancholia étant la deuxième ? 

non c'est le 1° de ce réalisateur que je vois.

Thelonious a écrit:

Citation :

et l'ensemble est finalement parfaitement cohérent

Je n'ai pas trouvé que c'était cohérent, mais plutôt décousu, juste pour mieux surprendre le spectateur lors du dénouement. Mais les ficelles sont un peu grosses.

C'est que tu n'as pas compris le film alors. Le twist est accessoire, et d'ailleurs même la fin reste ambigu.

(par contre Melancholia... )

Citation :

C'est que tu n'as pas compris le film alors.

Certainement.

C'était un peu abrupt pardonne moi, mais je n'ai pas le temps de développer tout de suite, je le ferais plus tard.

Parsifal a écrit:

C'était un peu abrupt pardonne moi, mais je n'ai pas le temps de développer tout de suite, je le ferais plus tard.

Ne te fatigues pas. On a vu le même film, tu l'as aimé et pas moi; c'est pas très grave.

Il y a plein de choses dans ce film (et des choses intéressantes), mais pour moi l'ensemble ne fait pas sens.
Tu dis que le twist est accessoire, mais je peux t'assurer que c'est ce que retiendra le spectateur lambda. C'est ce genre de fin, très forte, qui font des succès; genre "sixième sens" (j'ai pas aimé non plus ). Je suis pas d'accord, non plus, pour dire que la fin est ambigu; pour ça, il aurait fallu quelques petites choses en moins pour laisser planer le doute.

J'adore Scorsese, mais Shutter... est avec Gangs... sa deuxième collaboration ratée avec DiCaprio.

Amha, bien évidemment .

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Tu as vu les autres parties de la trilogie - Melancholia étant la deuxième ? 

non c'est le 1° de ce réalisateur que je vois.

J'avais préféré Antichrist - qui est par contre particulièrement violent mais c'est joli. Après, pour moi, sa période avant les années 2000 est plus intéressante - notamment la trilogie Element of crime/Epidemic/Europa.

Belcore a écrit:

La bonne année - Claude Lelouch - 1973

Un Lelouch regardable, avec Françoise Fabian et Lino Ventura - à l'encontre de ce qu'il fait souvent le réalisateur ne s'égare pas dans des digressions foutraques, si bien que le film, sans être génial, est regardable jusqu'à la fin.

Belcore

Entièrement d'accord, et Françoise Fabian est merveilleuse dans le film... (Je préfère mille fois ça que les provocations prépubères de Lars Von Truc...)

Elles sont sans doute plus intéressantes que du Lelouch. 

La Bonne année c'est un bon Lelouch, je suis désolé.

Thelonious a écrit:

Il y a plein de choses dans ce film (et des choses intéressantes), mais pour moi l'ensemble ne fait pas sens.
Tu dis que le twist est accessoire, mais je peux t'assurer que c'est ce que retiendra le spectateur lambda. C'est ce genre de fin, très forte, qui font des succès; genre "sixième sens" (j'ai pas aimé non plus ). Je suis pas d'accord, non plus, pour dire que la fin est ambigu; pour ça, il aurait fallu quelques petites choses en moins pour laisser planer le doute.

Sauf que le spectateur lambda c'est une abstraction aussi théorique et flou que la ménagère de moins de cinquante ans il y a quelques années, ce qui m’intéresse c'est le film que j'ai devant les yeux. Et même superficiellement on peut facilement voir ce qui différencie le Scorsese du Shyamalan ou des films a twist de Fincher comme Fight Club ou Gone Girl.
Dans ces films il y a quelque chose du Whodunit a la Agatha Christie (d'ailleurs ABC contre Poirot, Les 10 petits nègres et bien évidemment Le Meurtre de Roger Ackroyd fonctionne autour d'un retournement de situation similaire). Le film de Scorsese reprend cette idée, d'ailleurs au départ c'est une enquête, avec le même aspect ludique de jeu de piste ou l'on balade le spectateur en disséminant indices révélateurs et trompeurs. Sauf que les films comme le sixième sens, ou Fight Club et Gone Girl  reposent sur une intrigue linéaire qui se délite petit a petit mais au fond tout est tendu vers le retournement finale dont l'effet choc se nourrit de l'évidence de ce qui a précédé.
Ici l'évidence ne doit pas durée 20 minutes et toute la mise en scène est construite de manière a appuyé l'artificialité des situations, et la confusion du personnage oscillant constamment entre des effets plus ou moins subtile et d'autres plus ou moins grossiers. Les ficelles sont apparentes mais c'est bien le but, Scorsese les exhibes tout au long de son film et ce dés le début. La linéarité de l'intrigue est assez vite rompu par des coups de théâtres et des incohérences, renforcé par les mises en scènes et les mensonges auxquels se livrent les personnages de l'intrigue. Scorsese tout un jeu de miroir ou flashback et présent, rêve et réalité se mélangent, et comme tout est plus ou moins artificiel on ne fait qu'allez de trompe l’œil en trompe l’œil et les frontières entre ce qui est censé être réel, et ce qui est imaginé, ce qui se déroule dans le présent et ce qui est passé qu'établis le cinéma le plus classique, sont brouillé (sans être forcément abolis j'y reviendrais) d’où cette impression d'assister a quelque chose de décousu et de chaotique qui n'a rien a voir avec un film a twist traditionnel comme le sixième sens.
Ce que fait Scorsese ici est plus proche de ce que Hitchcock faisait dans Vertigo, de manière significative le twist n'intervient pas la toute fin mais un peu avant et le film se poursuit encore un peu ensuite (quitte d'ailleurs a ce que beaucoup de spectateur juge cette conclusion ennuyeuse). Les deux films ont d'ailleurs recours a un motif assez similaire de la manipulation en forme de jeux de rôle, mise en abime de la mise en scène cinématographique, jeux d'écho entre la fiction qu'invente les personnages du film, et ce que fait le labyrinthe tout en glace déformante créée par le réalisateur et le scénariste du film. Shutter Island n'a que l'apparence du thriller hollywoodien classique, une apparence qu'appui les nombreuses références cinéphiliques dont se joue Scorsese, mais il le ronge et le reconfigure de l'intérieur pour livrer quelque chose de complétement différents, ce n'est pas bien différent d'un David Lynch détournant les codes des soap opéra et des séries policière des années 80-90 dans Twin Peaks. En fait Scorsese est plus proche d'un Raoul Ruiz avec ses récits enchâssés jusqu'au vertige ou la fiction semble contaminé la réalité.
Pour l’ambiguïté du final encore une fois c'est comme dans Vertigo jamais l'explication qui nous a été donné n'est mise en doute, a priori la narration est construite de manière à en assurer la véracité mais cette fin pour définitive qu'elle puisse paraitre ne résout rien dans tout les cas le personnage est incapable de sortir de la spirale infernale dont il est le prisonnier, et volontairement ou non tous les retournement de situation qui ont précédés, ajouté a l'invraisemblance de l'explication déteigne sur cette conclusion.  

Je veux bien qu'on reproche au film une dimension d'exercice de style, pourquoi pas, mais c'est un exercice de style dont l'originalité est difficile a nier. J'ajoute d'ailleurs que sans connaitre exactement la nature du twist je savais que je devais m'attendre a ce genre de chose retournement de situation de derniére minute, et je n'avais pas vu le film a cause de ça. hors des whodunits d'agatha christie ou de Gone Girl (qui est une exception) je n'aime pas les films a twist (le sixième sens m’ennuie et je supporte assez peu Fight club) je n'ai vu le film qu'il n'y a quelque mois et j'ai été surpris d'être autant séduit.

Emeryck a écrit:

Après, pour moi, sa période avant les années 2000 est plus intéressante - notamment la trilogie Element of crime/Epidemic/Europa.

Cololi a écrit:

La Bonne année c'est un bon Lelouch, je suis désolé.

Oh, tu sais, mon message avait plus une vocation trollesque qu'autre chose car je n'ai même pas vu ce film. 

Parsifal, tu avais lu le roman de Dennis Lehane, Shutter Island avant de voir le film de Scorcese?

J'ai beaucoup aimé Shutter Island de Scorsese.
Et puis pour une fois qu'on a une BO originale avec des musiques préexistantes bien utilisées!… (Ligeti, Scelsi, Feldman, Penderecki, Adams, Schnittke…)

Benedictus a écrit:

Parsifal, tu avais lu le roman de Dennis Lehane, Shutter Island avant de voir le film de Scorcese?

Pas du tout, j'hésite a le lire on m'a dit que le film était fidèle, tu l'as lu?

Je l'avais lu avant que Scorcese fasse l'adaptation (Lehane est un excellent auteur de polars.) Et c'est un peu le problème que j'ai eu avec ce film: la construction scénaristique n'était plus du tout une surprise; en outre, j'ai eu l'impression que la mise en image ne pouvait que lever les ambiguïtés qui faisaient tout le caractère indécidable (et par là même fascinant) du roman. Du coup, j'ai été un peu déçu (je me suis retrouvé à seulement profiter de l'atmosphère du film - très réussie, et comme le dit Xavier, avec un très bel emploi de la musique), mais sans parvenir à savoir si j'aurais aimé le film si je n'avais pas lu le roman.

Ne connaissant pas l'intrigue j'ai vraiment été pris dans ce labyrinthe d'image et l’indécidabilité était bien là, mais j'essayerais de lire le roman. J'imagine bien qu'en connaissant l'intrigue on perd une partie de l'immersion dans cette psyché troublée, mais même comme un pur exercice intellectuel plus distancié qu'immersif je trouve que ça reste intéressant.

Jacques Deray : Un papillon sur l'épaule        1978


Un film assez intriguant dont on ne saura finalement jamais rien. J'ai aimé le pied-de-nez que Deray fait à notre tendance rationnalisante - en particulier le carton de fin. L'ambiance très étrange et clinique s'installe très bien notamment grâce aux couleurs un peu ternes et aux bâtiments souvent gigantesques qui renforcent la solitude de Ventura qui tient bien son rôle. De plus, les autres personnages à l'allure spectrale, n'étant que de passage forment une sorte de conglomérat contre le personnage joué par Ventura, comme s'il était systématiquement encerclé. On pourrait penser à L'année dernière à Marienbad de Resnais en nettement moins génial car le procédé n'est ici pas véritablement développé et fait du sur-place. Ça reste tout de même un film plaisant.

Robert Bresson : Journal d'un curé de campagne        1951

 +
Il s'agit du troisième film de Bresson - en ne comptant pas le premier qui est de toute façon invisible conformément aux souhaits de Bresson - et l'on est pas encore véritablement dans l'épure la plus totale, la musique accompagne encore beaucoup le récit. C'est cependant un très beau film, très intérieur ; la voix-off du curé et l'écriture sur son journal soutiennent véritablement le récit qui se fait de plus en plus intense. L'écriture sur le journal est à mon avis un très bon témoin dans le film car plus le film avance et plus elle se fait tortueuse, raturée puis même impossible. On sent que c'est une oeuvre profondément habitée mais même en n'étant pas croyant, on est quand même touché par la beauté des trajectoires, des images et la retenue du film. Certaines scènes sont absolument merveilleuses : la forêt dans la nuit et la scène finale   sont parmi les plus marquantes.

évidemment.

Andreï Tarkovski : Andreï Roublev        1966


J'ai beaucoup aimé mais c'est sans doute le film de Tarkovski - à partir de L'enfance d'Ivan et hors Tempo di viaggio - qui me touche le moins. C'est tout de même un très grand film, d'ambition beaucoup plus picturale que ses autres films notamment par son découpage en huit tableaux. On pourrait croire que le film dresse simplement le portrait d'Andreï Roublev, peintre d'icônes mais le film a une portée largement plus générale - et heureusement. Le prologue donne à mon sens vraiment une esquisse formelle globale du film : une ascension un peu délirante ; et le film est en fait un long voyage à travers la Russie à l'aube du XVème siècle, dans toute sa diversité, parsemé de réflexions sur la peinture.

(Spoil):

A Parsifal en spoil, pour arrêter de flooder et de divulguer.

Spoiler:

Emeryck a écrit:

Andreï Tarkovski : Andreï Roublev        1966
J'ai beaucoup aimé mais c'est sans doute le film de Tarkovski (...) qui me touche le moins.

Comme tu t'en doutes, c'est à l'inverse celui qui me touche le plus (mais je les adore tous, en fait...)

Emeryck a écrit:

Le prologue (...) : une ascension un peu délirante (...)

(Spoil):

Pour compléter cette ambiance médiévale hallucinée je vous conseille si vous ne l'avez pas vu Il est difficile d'être un dieu d'Alexei Guerman qui partage quelques similitudes avec le Tarkovsky en plus d'être adapté d'un livre des frères Strugasky, également auteurs de Stalker.

Prosopopus a écrit:

Pour compléter cette ambiance médiévale hallucinée je vous conseille si vous ne l'avez pas vu Il est difficile d'être un dieu d'Alexei Guerman qui partage quelques similitudes avec le Tarkovsky en plus d'être adapté d'un livre des frères Strugasky, également auteurs de Stalker.

Ah tiens, c'est amusant, je l'ai vu passer, récemment.

Thelonious a écrit:

A Parsifal en spoil, pour arrêter de flooder et de divulguer.

Depuis quand parler d'un film dans le topic des films c'est flooder?

Sinon on s'en fiche complétement de la manière dont certains spectateurs reçoivent le film, ce qui est intéressant c'est le film qu'on a vu. Sinon dommage que tu ne réponde pas aux points que j'ai essayer de soulever dans mon message

Spoiler:

. Bref tu avais raison j'aurais du rester sur mes premières réponse inutile d'en discuter puisque de toute façon c'est un film fainéant et prétentieux.

Parsifal a écrit:

Thelonious a écrit:

A Parsifal en spoil, pour arrêter de flooder et de divulguer.

Depuis quand parler d'un film dans le topic des films c'est flooder?

Sinon dommage que tu ne réponde absolument pas aux points que j'ai essayer de soulever dans ma réponse (le plus important étant la dimension référentiel du film, la maniére dont il retravaille de l'intérieur des genres de thriller connus avec les motifs du  trompe l’œil et du jeu de rôles). Bref tu avais raison j'aurais du rester sur mes premières réponses puisque de toute façon c'est un film prétentieux et fainéant, inutile d'en discuter.

A partir du moment où je parle de la fin, le spoil me semble plus judicieux.

Pour parler de références, il faut en avoir beaucoup, ce qui n'est pas mon cas. Mais ce n'est pas parce que je n'ai pas vu des milliers de films que mon avis n'est pas valable ou que je n'ai rien compris.
Après, désolé si ma vision de ce film te heurte .

Thelonious a écrit:

Pour parler de références, il faut en avoir beaucoup, ce qui n'est pas mon cas. Mais ce n'est pas parce que je n'ai pas vu des milliers de films que mon avis n'est pas valable ou que je n'ai rien compris.

Tout a fait mais ça ne veut pas non plus dire que tu a compris pour autant , et les références elles ne sont pas là pour faire jolie elles sont au cœur même du projet de Scorsese. Bref on aurait pu en parler mais...

Thelonious a écrit:

Après, désolé si ma vision de ce film te heurte   .

A partir du moment ou dans ta réponse en  tu ignore la majorité de ce que j'ai écrit concluant que c'est un film fainéant et prétentieux effectivement ça me heurte.

Emeryck a écrit:

Andreï Tarkovski : Andreï Roublev        1966


J'ai beaucoup aimé mais c'est sans doute le film de Tarkovski - à partir de L'enfance d'Ivan et hors Tempo di viaggio - qui me touche le moins. C'est tout de même un très grand film, d'ambition beaucoup plus picturale que ses autres films notamment par son découpage en huit tableaux. On pourrait croire que le film dresse simplement le portrait d'Andreï Roublev, peintre d'icônes mais le film a une portée largement plus générale - et heureusement. Le prologue donne à mon sens vraiment une esquisse formelle globale du film : une ascension un peu délirante ; et le film est en fait un long voyage à travers la Russie à l'aube du XVème siècle, dans toute sa diversité, parsemé de réflexions sur la peinture.

(Spoil):

J'ai beaucoup aimé celui-là. Mais surtout pour la photographie délirante et le voyage Russie du XV°, moins pour le fond (même si ça m'intéresse bien sûr, mais il reste le côté froid de Tarko).
Mais du coup … j'ai bien raison de ne pas voir les autres vu ce que tu dis.

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Andreï Tarkovski : Andreï Roublev        1966

J'ai beaucoup aimé mais c'est sans doute le film de Tarkovski - à partir de L'enfance d'Ivan et hors Tempo di viaggio - qui me touche le moins. C'est tout de même un très grand film, d'ambition beaucoup plus picturale que ses autres films notamment par son découpage en huit tableaux. On pourrait croire que le film dresse simplement le portrait d'Andreï Roublev, peintre d'icônes mais le film a une portée largement plus générale - et heureusement. Le prologue donne à mon sens vraiment une esquisse formelle globale du film : une ascension un peu délirante ; et le film est en fait un long voyage à travers la Russie à l'aube du XVème siècle, dans toute sa diversité, parsemé de réflexions sur la peinture.

(Spoil):

J'ai beaucoup aimé celui-là. Mais surtout pour la photographie délirante et le voyage Russie du XV°, moins pour le fond (même si ça m'intéresse bien sûr, mais il reste le côté froid de Tarko).
Mais du coup … j'ai bien raison de ne pas voir les autres vu ce que tu dis.

Peut-être devrais-tu essayer de regarder Le miroir, je ne trouve pas ce film froid. Mais... je ne dis rien sur les autres excepté le fait que je les préfère à celui-ci !
En fait, je crois que j'ai du mal avec l'époque portée à l'écran.

Billy Wilder : Stalag 17        1953

 +
Un bon Wilder mais qui ne devient jamais absolument génial. Il y a beaucoup d'humour et bien des scènes mémorables - Renoir reprendra la scène d'évasion en traçant une ligne de démarcation dans Le caporal épinglé, d'ailleurs - et Sig Ruman très bon dans son rôle de soldat nazi qui se donne l'air sympathique. L'utilisation de la voix-off est également intéressante puisque Wilder ne la fait pas parler pour le supposé collaborateur mais à un personnage assez en retrait.

Ali Abbasi : Border        2018

 +
Un film assez original qui aborde l'altérité en opérant un brouillage entre le réalisme et le fantastique, c'est-à-dire, essentiellement, entre le vrai et le faux. Le titre prend alors une signification bien nette : il s'agirait d'estomper les frontières - en fait, non ; le titre à par ailleurs un écho plus littéral au métier de Tina qui travaille à la douane. Le film présente un aspect primitif très prégnant à travers l'animalité du personnage de Tina (l'accent est mis sur son intuition hors du commun, matérialisée par des reniflements canins) mais aussi par ses scènes forestières d'une grande beauté, très silencieuses dont la photographie et la bande-son rendent très bien la texture : le lac, les mousses ; il s'agit aussi de l'espace d'expression de Tina où elle se rend toujours seule dans la première partie. Elle rencontre ensuite Vore pour lequel l'attachement se construit petit à petit. Ensuite, un propos sur la dénonciation de la pédophilie est porté à l'écran, parallèlement à la relation entre les freaks que sont Tina et Vore ; c'est bien ça, le problème du film : ces deux directions essaient sans cesse de se rabibocher mais les liens de cohérence sont toujours des bricolages peu convaincants - impossibilité pour Tina d'avoir un enfant - et le propos reste assez superficiel, se résumant grossièrement à "l'être humain est désastreux". En plus, l'idée de brouiller les frontières, c'est-à-dire la différence, ne tient pas vraiment puisque Vore est très semblable à Tina, c'est le seul avec qui elle partage son espace d'expression et ils condamnent tous les deux l'espère humaine - Vore dans une plus grande mesure (cf. la fin). La frontière est donc très nette et je pense qu'il aurait été plus intéressant de passer par une relation hybride comme dans The shape of water de Guillermo del Toro. C'est donc un film qui a un potentiel très clair mais qui est gâché.

Hirokazu Kore-eda : Distance        2001

 +
Troisième long-métrage de Kore-eda et sans doute le moins connu, il s'inscrit parfaitement dans la lignée des deux premiers car il propose une réflexion sur le deuil et dans une moindre mesure sur la famille. Le thème principal de cet opus est le sectarisme en prenant l'exemple de la tuerie par contamination des eaux menée par la secte "Arche de la vérité" à Tokyo. Kore-eda s'intéresse ici aux raisons de l'entrée des différents membres dans la secte : quête d'une vérité alternative, solitude et recherche d'une famille, soin de l'âme...  Ce film est assez inintelligible notamment dans son maniement de la temporalité qui est très fluctuant, les flash-back ne pas toujours clairs mais le personnage rencontré aux abords du lac (le lac encore très signifiant comme dans Maborosi mais plus explicite ici) qui établit une sorte de lien méta-temporel. J'ai bien aimé ce film pour son esthétique flottante - flottante malgré les tremblements de la caméra à l'épaule dans la première partie et les cuts parfois abrupts - qui fait la part belle à des rimes filmiques notamment avec les fleurs et le ponton au bord du lac - et sa montée en puissance dans la très belle fin.

Robert Bresson : Procès de Jeanne d'Arc        1962

 + /   
Un film absolument stupéfiant : une efficacité et une économie de plans remarquables. Bresson fait ici appel à une vérité assez curieuse, il s'agit non pas d'une vérité simplement documentaire (pour faire vrai) puisque les costumes ne sont visiblement pas d'époque - il ne créé pas d'anachronisme violent non plus - mais plutôt une vérité expressive. Ça peut paraître un peu contradictoire mais j'ai l'impression que Bresson essaie de faire passer une émotion authentique en dépit du vrai et du faux, le choix du véritable texte du procès de Jeanne d'Arc (indiqué en incipit) s'impose comme une évidence. Ce qui est également fascinant, c'est que malgré une grande froideur, des dialogues lus de manière quasiment atone, une expression blanche des modèles (comme dirait Barthes), le film est profondément expressif et cela tient à des petites choses : la rigidité et la détermination du personnage de Jeanne d'Arc, les larmes qui s'échappent timidement des yeux de Florence Delay, les plans sur les mains et leur contact, la séquence finale ; en économisant les plans ou en filmant des idées (plans de chaînes, de pieds, de mains, de croix, d'écriture, etc.), Bresson condense, canalise et diffracte le pouvoir expressif du film et le résultat est merveilleux.

, forcément.

Parsifal a écrit:

Thelonious a écrit:

Pour parler de références, il faut en avoir beaucoup, ce qui n'est pas mon cas. Mais ce n'est pas parce que je n'ai pas vu des milliers de films que mon avis n'est pas valable ou que je n'ai rien compris.

Tout a fait mais ça ne veut pas non plus  dire que tu a compris pour autant , et les références elles ne sont pas là pour faire jolie elles sont au cœur même du projet de Scorsese. Bref on aurait pu en parler mais...

Thelonious a écrit:

Après, désolé si ma vision de ce film te heurte   .

A partir du moment ou dans ta réponse en  tu ignore la majorité de ce que j'ai écrit concluant que c'est un film fainéant et prétentieux effectivement ça me heurte.

A la base je n'avais fait qu'un petit commentaire. "Long et chaotique". Visiblement le fait de ne pas partager ton avis faisait de moi, de façon péremptoire et sans que tu n'ailles chercher plus loin... un imbécile heureux:D .

Je n'ai pas ignoré ce que tu as écris et j'ai tout lu avec intérêt. Je ne dis pas qu'il n'y a pas d'idées dans ce film ou que Scorsese est un mauvais réalisateur. J'ai vu presque tous ses films et les ai presque tous aimés voir adorés. J'ai également très bien compris que le côté chaotique était volontaire et faisait la force du film, mais là ou on est pas d'accord, c'est sur le dosage et le traitement de certaines séquences et le plus important sur la cohérence de l'ensemble

Quelques scènes très bien ficelées voire même magnifique ne me suffisent pas si je trouve l'ensemble bancal. A ce propos tu n'as pas non plus répondu sur la fin "lachée" de manière un peu cavalière.

Pour en finir, j'ai dit fainéant et prétentieux, mais j'aurais du dire prétentieux parce que fainéant. Comme tu l'as très bien écrit, ce film offre des scènes très travaillées, fouillées, fortes et très bien filmées, un exercice de style plutôt réussi. Donc pour moi fainéant, car il aurait du s'appliquer à ce que l'ensemble soit, je le répète, cohérent.

Je ne remet en cause, ni tes goûts, ni ton analyse, c'est juste que nos attentes diffèrent.

Emeryck a écrit:

Robert Bresson : Procès de Jeanne d'Arc        1962
 + /   
Ce qui est également fascinant, c'est que malgré une grande froideur, des dialogues lus de manière quasiment atone, une expression blanche des modèles (comme dirait Barthes), le film est profondément expressif et cela tient à des petites choses : la rigidité et la détermination du personnage de Jeanne d'Arc, les larmes qui s'échappent timidement des yeux de Florence Delay, les plans sur les mains et leur contact, la séquence finale ; en économisant les plans ou en filmant des idées (plans de chaînes, de pieds, de mains, de croix, d'écriture, etc.), Bresson condense, canalise et diffracte le pouvoir expressif du film et le résultat est merveilleux.

Oui, tu dis très bien les choses, et c'est vraiment l'essence même du génie de Bresson que cette capacité à faire surgir l'émotion d'un détail infime, à maximiser l'expressivité en montrant si peu de choses... Pour moi, il y a Bresson et tous les autres ; je peux aimer beaucoup de cinéastes, mais le secret fondamental du cinématographe, la source secrète du pouvoir des images et des sons, c'est dans les films de Bresson qu'elle réside ; je ne me lasse pas de revoir Pickpocket par exemple, son film le plus abstrait, le plus géométrique, et en même temps le plus bouleversant... Je suis toujours frappé par la brièveté des films de Bresson (Le Procès de Jeanne d'Arc dure 65 minutes) et leur extraordinaire densité ; là où certains vont mettre trois heures à s'escrimer pour brasser du vent et ne pas faire passer grand chose (on parlait récemment de Lars Von Trier, mais mettons que je n'aie rien dit)...

, non moins forcément.

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Robert Bresson : Procès de Jeanne d'Arc        1962
 + /   
Ce qui est également fascinant, c'est que malgré une grande froideur, des dialogues lus de manière quasiment atone, une expression blanche des modèles (comme dirait Barthes), le film est profondément expressif et cela tient à des petites choses : la rigidité et la détermination du personnage de Jeanne d'Arc, les larmes qui s'échappent timidement des yeux de Florence Delay, les plans sur les mains et leur contact, la séquence finale ; en économisant les plans ou en filmant des idées (plans de chaînes, de pieds, de mains, de croix, d'écriture, etc.), Bresson condense, canalise et diffracte le pouvoir expressif du film et le résultat est merveilleux.

Oui, tu dis très bien les choses, et c'est vraiment l'essence même du génie de Bresson que cette capacité à faire surgir l'émotion d'un détail infime, à maximiser l'expressivité en montrant si peu de choses... Pour moi, il y a Bresson et tous les autres ; je peux aimer beaucoup de cinéastes, mais le secret fondamental du cinématographe, la source secrète du pouvoir des images et des sons, c'est dans les films de Bresson qu'elle réside ; je ne me lasse pas de revoir Pickpocket par exemple, son film le plus abstrait, le plus géométrique, et en même temps le plus bouleversant... Je suis toujours frappé par la brièveté des films de Bresson (Le Procès de Jeanne d'Arc dure 65 minutes) et leur extraordinaire densité ; là où certains vont mettre trois heures à s'escrimer pour brasser du vent et ne pas faire passer grand chose (on parlait récemment de Lars Von Trier, mais mettons que je n'aie rien dit)...

Je crois que Bresson est sans doute le cinéaste qui me fascine le plus mais je ne dirais pas qu'il est au-dessus de tout le monde : je ne vois pas bien comment on peut comparer un Bresson et un Tarkovski, par exemple. Tarkovski est un cinéaste absolument génial mais qui ne recherche jamais l'épure ou la concision comme Bresson.
Oui, c'est sûr que la concision des films de Bresson est assez impressionnante mais ce n'est pas un gage de qualité - enfin, en l'occurrence, ici, chez Bresson, c'est toujours le cas ; il y a des films qui ont besoin de beaucoup de temps, je pense notamment aux films de Haneke ou de Rivette.
Je ne répondrais même pas à la provocation sur von Trier. 

Yasujirō Ozu : Le goût du riz au thé vert        1952

 
Ce qui est impressionnant avec Ozu, c'est que dans sa dernière période, il reprend essentiellement presque toujours les mêmes thèmes (la scission intergénérationnelle, le mariage) mais ça n'est jamais lassant ou redondant. Dans ce film, Ozu s'attaque plus précisément au mariage arrangé au travers d'un couple en dissolution totale, la nièce de la femme refuse son mariage arrangé en voyant l'état du couple. Les thèmes sont peut-être identiques mais le traitement est différent, ce Ozu est assez dépaysant, plutôt extérieur (deux voyages en train, et même un voyage en avion, je n'avais jamais vu ça dans un film d'Ozu), les personnages sont très libres et n'ont pas vraiment envie de se croiser, trouvant sans cesse des excuses pour partir à droite à gauche. Mais surtout, à chaque film d'Ozu, la sérénité et la joie des personnages, peu importe leur condition est extrêmement communicative ; et ça, c'est quand même pas banal.

Emeryck a écrit:

Oui, c'est sûr que la concision des films de Bresson est assez impressionnante mais ce n'est pas un gage de qualité - enfin, en l'occurrence, ici, chez Bresson, c'est toujours le cas ; il y a des films qui ont besoin de beaucoup de temps, je pense notamment aux films de Haneke ou de Rivette.
Je ne répondrais même pas à la provocation sur von Trier. 

Rivette, c'est très intéressant, et ça me plaît beaucoup, mais bon, on n'est pas dans la même grandeur métaphysique (et poétique) de Bresson ; Haneke, c'est peut-être le cinéaste que je déteste le plus ; si je devais citer le film que j'ai trouvé le plus putassier dans toute l'histoire du cinéma, le summum de la jouissance gratuite du metteur en scène tout puissant face à ses personnages (et à ses acteurs), je citerais Funny Games ; je suis sorti honteux de l'avoir vu, et c'est sans doute la seule fois que ça m'est arrivé au cinéma (et en plus, il a redoublé la dose en en faisant un remake américain, comme si on n'avait pas compris la première fois sa sordide et puérile manipulation...).

Anthony Mann

"Men in war"  1957



Toujours l'excellent cycle Anthony Mann de ma cinémathèque.
J'ai trouvé le film déséquilibré; début anthologique (toujours cette prégnance de la nature avec l'homme au milieu chez Mann), mais fin qui verse dans le psychologique, avec un scénario appuyant les effets et un film qui s'étire -un peu- en longueur.

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Oui, c'est sûr que la concision des films de Bresson est assez impressionnante mais ce n'est pas un gage de qualité - enfin, en l'occurrence, ici, chez Bresson, c'est toujours le cas ; il y a des films qui ont besoin de beaucoup de temps, je pense notamment aux films de Haneke ou de Rivette.
Je ne répondrais même pas à la provocation sur von Trier. 

Rivette, c'est très intéressant, et ça me plaît beaucoup, mais bon, on n'est pas dans la même grandeur métaphysique (et poétique) de Bresson ; Haneke, c'est peut-être le cinéaste que je déteste le plus ; si je devais citer le film que j'ai trouvé le plus putassier dans toute l'histoire du cinéma, le summum de la jouissance gratuite du metteur en scène tout puissant face à ses personnages (et à ses acteurs), je citerais Funny Games ; je suis sorti honteux de l'avoir vu, et c'est sans doute la seule fois que ça m'est arrivé au cinéma (et en plus, il a redoublé la dose en en faisant un remake américain, comme si on n'avait pas compris la première fois sa sordide et puérile manipulation...).

Oui, c'est sûr mais ce n'est sans doute pas ce que Rivette recherchait. J'aime bien Haneke, ce qui est intéressant, c'est qu'il tente des choses en dépit du confort du spectateur. Oui, Funny games, c'est sûr que... mais ce n'est pas véritablement gratuit - bon, après, on trouve son message sur la représentation de la violence pertinent ou pas, ça, c'est un autre problème - je n'ai pas détesté ce film mais je ne l'ai pas trouvé formidable non plus. Il y a pourtant de très bons films de Haneke notamment La pianiste ou Le ruban blanc et même Caché. Mais sinon, Haneke adore Bresson et je crois même qu'il a dit (à vérifier) que Au hasard Balthazar était un des plus beaux films jamais réalisés. 
Pour prendre un meilleur exemple que Rivette ou Haneke, prenons l'exemple de Dreyer : il a sans doute la même grandeur poétique et métaphysique que Bresson (La passion de Jeanne d'Arc  ) mais on est loin de la concision de Bresson, je pense notamment à Ordet qui prend bien son temps - sans faire non plus trois heures, cela dit.

Joon-ho Bong : Barking dogs never bite        2000


Premier long-métrage de Bong Joon-ho, une comédie plutôt acide et vraiment absurde. Les grandes lignes du scénario ont de quoi faire sourire et donnent la tonalité du film : un homme est excédé par les aboiements de son chien et décide de s'en débarrasser. J'ai aimé la façon dont le réalisateur créé une sorte de huis-clos dans le film : la cave et le toit de l'immeuble dans lequel vit le personnage principal sont comme identifiés (par la cruauté qu'on inflige aux chiens dans les deux lieux) pourtant ordinairement distingués par une hiérarchie verticale, ici, le réalisateur ne laisse aucune porte de sortie aux personnages ; cette idée est assez proche de la séquence où le personnage principal est enfumé par des pesticides. Le personnage principal est un typique loser, servant de larbin à sa femme (le gimmick du cassage de noix  ), profitant de la mort d'un confrère mort parce qu'il traînait ivre trop près de la bordure du quai du métro pour gagner un poste. Il y a également un aspect géométrique très présent dans le film notamment dans la manière qu'à Bong Joon-ho de filmer l'immeuble ou dans la manière de ranger les billets dans la boîte vers la fin. J'ai assez aimé ce film, qui n'est pas toujours des plus subtils mais qui fonctionne bien.