Votre dernier film visionné

Toujours dans le genre "traversée de l'Amérique d'est en ouest en chariots" il y a Brigham young (l'odyssée des Mormons.) Hathaway / 1940.
...avec la participation de Vincent Price.

• Michel Gondry: Eternal Sunshine of the Spotless Mind
Avec Jim Carey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo...
Focus Features, 2004

Film quasi culte, si j'ai bien compris.

Mais pas du tout pour moi, malheureusement: c'est typiquement le genre de scénario auquel je suis totalement incapable de m'accrocher - de fait, j'ai décroché au bout de 3/4 d'heures. (D'ailleurs, les deux romans de Vian dont le film s'inspire m'étaient pareillement tombés des mains.)

Je pense que ça tient essentiellement à deux choses: d'une part, ce principe de glissements constants entre «imaginaire» et réel et, d'autre part, le registre dans lequel ça s'inscrit, à savoir la comédie romantique américaine - ou, pour le dire autrement: des concepts narratifs à la Mulholland Drive dans l'univers de Nuits blanches à Seattle. Le problème étant que j'ai autant de difficultés à simplement comprendre ce genre de concepts (je pense qu'il n'est pas exagéré de parler de rationalisme borné, dans mon cas) qu'à m'intéresser à ce genre d'univers (hors classiques hollywoodiens des années 30 à 60.)

Ce qui m'a un petit peu intéressé, cela dit, c'est le contre-emploi de Jim Carey (c'est bien la première fois que je le trouve, non seulement supportable, mais même intéressant.)

Benedictus a écrit:

Ce qui m'a un petit peu intéressé, cela dit, c'est le contre-emploi de Jim Carey (c'est bien la première fois que je le trouve, non seulement supportable, mais même intéressant.)

Tu as vu Man on the moon?

Oui, c'est même un des films les plus éprouvants que je me sois forcé à regarder jusqu'au bout: Jim Carey + Miloš Forman, ouille. (Et Danny De Vito en prime, comme si ça ne suffisait pas déjà.)

Bon, oui, je viens relever un peu le niveau :


Cyril Sebas : Le baltringue        2010


Incontestablement un fleuron (français) du septième art : un scénario d'une rare ampleur dramatique, aux enjeux particulièrement fouillés constamment accompagné par un humour des plus fins et parcimonieux. Le baltringue est un flamboiement baroque : le dispositif du réalisateur et de son alter-ego que semble révéler le titre est ici porté à l'infini par toute une série référentielle d'ordre à la fois cinématographique et télévisuel et poussé jusque dans une zone d'indiscernabilité où le réalisateur mène son devenir-baltringue de scène en scène, par des sortes de bouquets d'inanité sans cesse renouvelés ; faux raccords, incohérences : ce film place encercle le spectateur par le spectre de ses propres ornières cinématographiques et ouvre alors la possibilité d'un autre cinéma : d'une société du spectacle à bout de souffle, ce film nous prend par la main et nous emmène dans une zone cinématographique nouvelle : subversion du bon goût que l'on pourrait apparenter à une déterritorialisation du tuning automobile reterritorialisé en cinéma-pur. En somme, Le baltringue peut choquer par son audace mais il est absolument évident qu'il pose les prolégomènes d'une génération de cinéma français - et peut-être même de cinéma tout court, dont l'étendard est porté par le sensationnel Vincent Lagaf.

Vincent Lagaf? Punaise, je crois que je n'en avais pas entendu parler depuis les années 90...

Mais tu as vraiment regardé ce truc? Ou tu as juste trouvé ça comme prétexte à un pastiche (assez hilarant) d'une certaine critique cinématographique?

Le film et l'affiche existent vraiment?

Apparemment, oui.

Non, non, on n'est pas le 1^er avril!

Emeryck a écrit:

Bon, oui, je viens relever un peu le niveau :


Cyril Sebas : Le baltringue        2010


Incontestablement un fleuron (français) du septième art : un scénario d'une rare ampleur dramatique, aux enjeux particulièrement fouillés constamment accompagné par un humour des plus fins et parcimonieux. Le baltringue est un flamboiement baroque : le dispositif du réalisateur et de son alter-ego que semble révéler le titre est ici porté à l'infini par toute une série référentielle d'ordre à la fois cinématographique et télévisuel et poussé jusque dans une zone d'indiscernabilité où le réalisateur mène son devenir-baltringue de scène en scène, par des sortes de bouquets d'inanité sans cesse renouvelés ; faux raccords, incohérences : ce film place encercle le spectateur par le spectre de ses propres ornières cinématographiques et ouvre alors la possibilité d'un autre cinéma : d'une société du spectacle à bout de souffle, ce film nous prend par la main et nous emmène dans une zone cinématographique nouvelle : subversion du bon goût que l'on pourrait apparenter à une déterritorialisation du tuning automobile reterritorialisé en cinéma-pur. En somme, Le baltringue peut choquer par son audace mais il est absolument évident qu'il pose les prolégomènes d'une génération de cinéma français - et peut-être même de cinéma tout court, dont l'étendard est porté par le sensationnel Vincent Lagaf.

Merci pour cette belle découverte, ça a l'air très riche en effet, je pense que je le mettrais au programme du cours d'analyse filmique pour que les étudiants découvre une proposition de cinéma différente, plus libre, plus stimulante et provocatrice que la facilité des produits hollywoodiens formatés!

On n'en pouvait attendre moins de l'auteur de La Zoubida, subtile mais courageuse chanson sociale sur les difficultés quotidienne des jeunes issus de l'immigration: /watch?v=WFd5AsAl_0k

Face à la mondialisation culturelle, consommons local!

Benedictus a écrit:

Vincent Lagaf? Punaise, je crois que je n'en avais pas entendu parler depuis les années 90...

Mais tu as vraiment regardé ce truc? Ou tu as juste trouvé ça comme prétexte à un pastiche (assez hilarant) d'une certaine critique cinématographique?

Oui, il voulait se lancer au cinéma d'après ses déclarations. En fait, pour avoir un peu plus de contexte : le film devait se faire avec un autre réalisateur mais le réalisateur et le premier assistant ont successivement quitté le navire peu avant le début du tournage ; du coup, ils ont mis un réalisateur un peu à l'arrache ; en fait, même Lagaf trouve ce film vraiment très mauvais. 

Oui, je l'ai regardé (et entièrement, en plus - mais avec des amis ; d'ailleurs, ils vont me maudire, maintenant) ; mais je me suis dit que c'était plus drôle d'écrire un truc de ce genre plutôt que parler de tous les défauts du film - qui sont en nombre assez considérable.

Parsifal a écrit:

Emeryck a écrit:

Bon, oui, je viens relever un peu le niveau :


Cyril Sebas : Le baltringue        2010

Incontestablement un fleuron (français) du septième art : un scénario d'une rare ampleur dramatique, aux enjeux particulièrement fouillés constamment accompagné par un humour des plus fins et parcimonieux. Le baltringue est un flamboiement baroque : le dispositif du réalisateur et de son alter-ego que semble révéler le titre est ici porté à l'infini par toute une série référentielle d'ordre à la fois cinématographique et télévisuel et poussé jusque dans une zone d'indiscernabilité où le réalisateur mène son devenir-baltringue de scène en scène, par des sortes de bouquets d'inanité sans cesse renouvelés ; faux raccords, incohérences : ce film place encercle le spectateur par le spectre de ses propres ornières cinématographiques et ouvre alors la possibilité d'un autre cinéma : d'une société du spectacle à bout de souffle, ce film nous prend par la main et nous emmène dans une zone cinématographique nouvelle : subversion du bon goût que l'on pourrait apparenter à une déterritorialisation du tuning automobile reterritorialisé en cinéma-pur. En somme, Le baltringue peut choquer par son audace mais il est absolument évident qu'il pose les prolégomènes d'une génération de cinéma français - et peut-être même de cinéma tout court, dont l'étendard est porté par le sensationnel Vincent Lagaf.

Merci pour cette belle découverte, ça a l'air très riche en effet, je pense que je le mettrais au programme du cours d'analyse filmique pour que les étudiants découvre une proposition de cinéma différente, plus libre, plus stimulante et provocatrice que la facilité des produits hollywoodiens formatés!

On n'en pouvait attendre moins de l'auteur de La Zoubida, subtile mais courageuse chanson sociale sur les difficultés quotidienne des jeunes issus de l'immigration: /watch?v=WFd5AsAl_0k

Face à la mondialisation culturelle, consommons local!

Oui, je pense que c'est de toute façon un film qui va s'imposer naturellement dans ce genre de cours. Vraiment, ce film est très drôle (malgré lui, bien sûr) : l'histoire est simple mais il y a un nombre impressionnant de scènes absolument inutiles, des références qui ne servent à rien, des blagues absolument lourdingues ; il y a aussi un gars qui est sensé être un méchant russe, du coup, il fait un accent russe (enfin, à la française, quoi') mais il ne le fait que dans sa première apparition mais dans les autres, il estime sans doute qu'on a compris et il parle normalement.
Mais le point capital de ce film, c'est qu'on a le droit à Lagaf avec des cheveux !

Pour donner une indication, ce film a 1.7/10 (bah oui, on doit mettre au minimum 1/10) sur Sens Critique et est le film français le plus mal noté de toute la plateforme. 

Karim Moussaoui : Les jours d'avant        2013


J'ai beaucoup aimé la dynamique de ce film. Il se passe durant les années 90 à Alger (c'est-à-dire pendant les années de plomb) et raconte l'histoire d'une adolescente et d'un adolescent qui se rencontrent. Pour moi, la dynamique de ce film (et la façon dont j'y ai été confronté) me rappelle celle de Port authority de Danielle Lessovitz : une dynamique très flottante qui interfère constructivement avec ma fatigue. La force du film, c'est de prendre l'histoire en cours et de ne pas borner le film ; cette sorte d'indiscernabilité relative du temps va de pair avec la volonté de ne pas démontrer mais de simplement montrer ce qu'il se passe - qui est sans doute un écho au duo de personnages qui sont témoin de la violence sans la comprendre et continuent à vivre. En plus, le film est accompagnée par des airs lyriques vocaux qui sont assez beaux, soulignant la beauté nichée dans l'hésitation des personnages. Enfin, ce qui rend à mon avis possible ces indiscernabilités dans le film, c'est le fait que le film soit un moyen métrage (quarante minutes environ) et est donc suffisamment long pour pouvoir installer une ambiance crédible et assez dense mais pas trop long pour s'ennuyer.

Merci pour toutes vos recommandations sur le western, je vais chercher et voir (dans un laps de temps variable) tout ça. 

Claude Chabrol : Nada        1974


Ce film est une adaptation du roman éponyme de Jean-Patrick Manchette, apparemment assez fidèle et auquel il emprunterait son rythme assez nerveux. Je n'ai pas lu le roman mais le film m'a bien plu, notamment dans son ton particulièrement désinvolte et humoristique qui n'attaque pas la forme et le genre du film mais simplement les dialogues et parfois les paramètres visuels (mise en scène, jeu d'acteur, caméra) donc le film conserve une trame et un rythme bien connu aux films policiers classiques ; certains dialogues sont vraiment très drôles. Contrairement à certains films français de ce genre (ou pas) qui ont une composante politique (je pense notamment à Mocky ou à Deray), le propos n'est ici pas caricatural car tout le monde en prend pour son grade.

Titanic (1997) de James Cameron.
Je m'attendais à revoir un navet absolu mais culte. Les blagues sont toujours aussi nulles, les effets spéciaux ont vieilli, certains passages sont mièvres, le propos est caricatural ... Toutefois on ne voit pas le temps passer. Des personnages attachants, quelques bonnes répliques, et un bon sens du rythme en font un film prenant.

Je suis tombé par hasard sur un western mineur sur Arte, The man from Colorado d’Henri Levin. Si la mise en scène est assez classique, le propos en est original, assez anti-belliciste (le personnage joué par Glenn Ford souffre d’un symptôme post traumatique) et élaborant une intéressante opposition entre le droit et la justice. Vraiment chouette

La Peine du talion, en français, c'est bien ça? Il est sur ma liste de westerns à voir... du coup, je vais le remonter de quelques places.

Oui, La peine du talion c'est pas mal du tout, ça mélange plusieurs autres films plus prestigieux (il y a un peu de Duel in the sun de Vidor) mais avec une économie et une énergie typique de la série b. Glenn Ford en fait un peu trop (sous sa couche de maquillage) dans ce rôle torturé mais tout le reste du casting est top. Dans mon souvenir le final paroxystique était pas mal du tout.

Benedictus a écrit:

La Peine du talion, en français, c'est bien ça? Il est sur ma liste de westerns à voir... du coup, je vais le remonter de quelques places.

Tout dépend de ta liste, car ce n'est quand même pas un "incontournable".

Oriane a écrit:

Titanic (1997) de James Cameron.
Je m'attendais à revoir un navet absolu mais culte. Les blagues sont toujours aussi nulles, les effets spéciaux ont vieilli, certains passages sont mièvres, le propos est caricatural ... Toutefois on ne voit pas le temps passer. Des personnages attachants, quelques bonnes répliques, et un bon sens du rythme en font un film prenant.

Tiens moi aussi je suis allez au cinéma le voir, ce n'était pas une découverte j'avais déjà vu le film en DVD et j'en avais pensé a peu prés la même chose que toi sauf qu'a aucun moment je n’ai eut l'impression de regarder un navet c'est quand même impressionnant et absolument brillant d'un strict point de vue spectaculaire et l'histoire est bien menée, mais effectivement propos caricatural et passage mièvre autant dire que pour un film qu'on a présenté comme l'héritier des grand films épiques hollywoodien ou internationaux de Autant en Emporte le Vent a David Lean je n'était pas particulièrement impressionné, ça faisait un peu parent pauvre.
Alors je ne sais pas si c'est l'effet cinéma avec le grand écran, mais je vais être beaucoup plus enthousiaste, je pense que c'est un très grand chef d’œuvre. Le propos sur les classes sociales est caricatural au possible, l'histoire d'amour utilise toutes les cordes déjà utilisé dans le domaine de la romance et ne lésine pas sur les envolées lyriques avec surcharge de glucose (mais je ne pense pas que ça soit bien différents de ce que l'on trouve dans des textes aussi révéré que Roméo et Juliette ou Cyrano de Bergerac), il y a des personnages de méchants très méchants (enfin un surtout) et le film est construit sur des oppositions très simples, basiques même le fameux 'upstairs/downstairs' pour marquer les différences de classes, le ciel et l'océan. Reste que ce film exemplifie pour moi parfaitement ce qu'a dit Umberto Eco a propos du Casablanca de Curtiz: un cliché est kitsch mais cent clichés deviennent sublime (ou quelque chose d'approchant).
Ce film aligne des situations naïves, des personnages sans nuances taillés d'une pièce, une musique sentimental au possible avec Céline Dion qui plus est! Cameron aligne tout ça sans aucune honte et sans la moindre trace de second degré. Mais c'est justement parce qu'il est totalement premier degré, littéral au possible, qu'il est aussi dépourvu de toute prétention parce que c'est totalement sincère, s'il y a naïveté elle est parfaitement authentique et l'émerveillement littéral et enfantin e la caméra, et on le devine de James Cameron (qui est véritablement un auteur complet sur ce qu'il a écrit, réalisé et co-produit) devant la beauté de la mer, le mouvement des vagues, des mouettes et des dauphins auxquels vient se mêler celui de la formidable machine qu'était le Titanic est parfaitement communicatif. Je n'ai pas trouvé que les effets spéciaux avaient si mal vieilli que ça (mais il faut dire aussi les trucages qui se laisse un peu découvrir en tant que tel qu'on sente le factice ne me dérange pas, dans la limite du raisonnable bien sur), au contraire j'ai été plutôt étonné de la facilité avec laquelle le numérique est intégré avec les maquette et décors 'grandeur nature', le naufrage était mon moment préféré lors de mon premier visionnage et je trouve qu'aussi bien en terme de spectacle, l'ébahissement qu'on ressent devant l'énormité de la catastrophe, et d'implication dramatique ça reste absolument inégalé depuis.
La mise en scène de Cameron est quand même formidable de bout en bout, la fluidité avec laquelle il passe d'un espace a l'autre, d'un personnage a l'autre, des scènes de contemplation a l'action dramatique la plus intense, sa capacité a gérer le cadre épique spectaculaire et pour tout écrasant avec sa reconstitution minutieuse et ses grandes scènes d'action et l'intimisme d'une histoire d'amour en maintenant toujours l'équilibre entre les deux est aussi une marque de son très grand talent. Et son obsession pour l'élément liquide (présente dans presque tout ses films) s'épanouit lorsqu'il s'agit de filmer la montée des eaux qui envahissent le navire et s'infiltre dans les couloir et les cabines. Ça compte sans doute au rang des clichés mais j'aime aussi beaucoup la structure en flashback, d’abord parce que j'aime bien les récit dans le récit et la mise en scène des conteurs et du pouvoir des histoires sur les lecteurs/spectateurs/auditeurs, ensuite parce que cette manière de naviguer entre présent et passé de faire renaitre le passé a partir des ruines, des traces qu'il a pu laissé est finalement trés romantique. Et même si c'est hyper sentimental il y a des moments magiques et proprement déchirant: ce fondu enchainé sur le couple bras étendu face au couché de soleil a l'avant du navire laisse la place a l'épave et les deux personnages deviennent deux silhouette fantomatique qui ne survivent que quelques instant en surimpression avant de disparaitre définitivement. Si on est rentré dans le film a ce moment là on a presque oublié le sujet et le destin inévitable du Titanic ce fondu et cette surimpression sont cruelle et dans le même temps très beau.
Bref d'avoir été admis dans un club avec 20 ans de retard, je vois bien ce qui peut gêner dans ce film, mais l'efficacité narrative incontestable du scénario, la sincérité total du propos et le talent de Cameron emporte toutes les réserves que j'ai pu avoir auparavant. Une petite remarque juste j'ai toujours beaucoup aimé Di Caprio, mais ici son côté très juvénile m'a un peu gêner là ou Kate Winslet arrive a donner une certaine maturité à son personnage.

Après l'avoir revu, je n'ai pas du tout pensé que c'était un navet, au contraire ! C'est un très bon film de genre, haletant alors même qu'on connaît l'issue de l'histoire, et émouvant. Je crois que le propos est plus subtil que prévu : de gros méchants, certes, mais qui ne périssent pas tous dans cette sorte de naufrage du patriarcat qu'est le naufrage du Titanic (résultat de la spéculation, de la vantardise et de l'ambition démesurée des hommes, comme on nous le rappelle à plusieurs reprises ; d'ailleurs ainsi qu'on pouvait s'y attendre, ce sont surtout des papas qui coulent avec le navire   ). Ce n'est pas un drame si simpliste que ça, malgré ses grosses ficelles. Et il reste jouissif à regarder.

Oui il y a le propos féministe caractéristique de Cameron (et Rose est un beau personnage), et effectivement il n'y a pas vraiment de rétribution morale. Disons que ce n'est pas l'aspect le plus développé, je me suis un peu demandé ce qu'un Visconti aurait pu tirer du naufrage du Titanic comme métaphore de la fin de monde, le naufrage littéral de la classe dirigeante avant 1914. Cette dimension n'est pas absente du film mais elle reste en filigrane elle n'est pas vraiment traité, mais ce n'est pas très grave Cameron a surtout voulu faire un grand mélodrame romanesque, une sorte de Bildungsroman racontant une émancipation féminine sur fond de catastrophe.
Autre chose que j'ai énormément aimé et que j'ai trouvé très émouvant sans que ça soit vraiment lié au mélodrame de Rose, c'est tout l'amour qui a été visiblement mis dans la reconstitution minutieuse du Titanic et qui doit culminer dans la destruction de ce décors, ça donne aux images spectaculaire de la catastrophe une mélancolie supplémentaire, une sorte de respect funèbre dans la manière filmé qui n'est pas totalement lié au contenu narratif mais plus au sentiment qui ont du traversé toute l'équipe du film au moment de mettre en scène la destruction de tous leurs efforts. Je ne sais pas si tu as ressenti ça aussi, mais moi ça m'a vraiment frappé.
En tout cas jouissif a regarder c'est bien le mot!

Je ne l'ai vu qu'une fois, mais au cinéma, et peu après sa sortie (j'étais jeune, et prêt à beaucoup de concessions.)

Parsifal a écrit:

a aucun moment je n’ai eut l'impression de regarder un navet

Pas pendant tout le film, certes, mais pas non plus à aucun moment, quand même. (Rien que quand Céline Dion se met à chanter, déjà...)

Parsifal a écrit:

effectivement propos caricatural et passage mièvre autant dire que pour un film qu'on a présenté comme l'héritier des grand films épiques hollywoodien ou internationaux de Autant en Emporte le Vent a David Lean je n'était pas particulièrement impressionné

Voilà, tu as exactement résumé ce que j'en avais pensé à l'époque (sauf que j'aurais mis peut-être écrit «passage mièvre» au pluriel.)

oui c'est une faute de ma part, ça devrait être au pluriel.

Non même Céline Dion ça ne tient pas du navet, je n'aime pas la chanteuse mais dans ce cadre, avec ces personnages, cette histoire, cette mise en scène, je trouve que ça fonctionne parfaitement. Ce n'est pas une musique que j'écouterais hors film (contrairement au BO d'un John Williams, d'un Jerry Goldsmith, d'un Bernard Herrmann ou d'un Korngold) c'est sur mais elle convient parfaitement au lyrisme très direct recherché par Cameron, je comprend que l'on adhère pas (Dieu sait que je n'étais pas particuliérement bien disposé a l'égard de la musique d'Hornet et de Celine Dion )
Et non je n'ai aucun moment eut l'impression de regarder un navet, tout est parfaitement cohérent et justifié dramatiquement et esthétiquement, transcendé par une authentique vision de metteur en scène qui arrive a combiner une ampleur épique qui ne parait jamais forcé, et quelque chose de plus intime. Non vraiment je pense que le film mérite tout a fait le qualificatif de chef d'oeuvre, en tout cas de réussite majeure rien que pour sa sincérité absolu et le bonheur de faire du cinéma, émerveillement devant le prodige technique du Titanic, et de sa résurrection cinématographique qui traverse presque chaque plan. Je comprend qu'on puisse être un peu dégouté par l'aspect bluette, mais à côté il y a tellement plus a prendre dans ce film!

Parsifal a écrit:

Non même Céline Dion ça ne tient pas du navet, je n'aime pas la chanteuse mais dans ce cadre, avec ces personnages, cette histoire, cette mise en scène, je trouve que ça fonctionne parfaitement.

Mon intolérance à Céline Dion m'aveugle probablement. (Pour ma part, si je disais «le scénario et la mise en scène fonctionnent très bien avec Céline Dion», ce serait clairement une vacherie.)

Parsifal a écrit:

Ce n'est pas une musique que j'écouterais hors film (contrairement au BO d'un John Williams, d'un Jerry Goldsmith, d'un Bernard Herrmann ou d'un Korngold)

C'est rassurant pour toi.

Parsifal a écrit:

Dieu sait que je n'étais pas particuliérement bien disposé a l'égard de la musique d'Horner

Je ne m'en étais pas avisé, mais après un coup d'œil au palmarès du gars, en effet, c'est du lourd.  
(Il faut dire aussi qu'il semble souvent sollicité pour des films déjà assez boursouflés par eux-mêmes.)

J'ai la B.O. de Titanic, Céline Dion incluse, et je la réécoute de temps en temps.

Je t'aime bien quand même.

Mais c'est vraiment parce que c'est toi.

Chang-dong Lee : Oasis        2002

 +
Dans ce film, le réalisateur prend un ton plus directement social que dans ceux que j'ai vus (Peppermint candy et Burning) en mettant en scène une histoire d'amour entre deux exclus de la société : l'un venant de purger sa peine de prison pour un crime qu'il n'a pas commis et l'autre, handicapée peinant à se déplacer et à communiquer. Je n'ai pas réussi à être touché par cette histoire d'amour qui ne me semblait pas tellement originale et il est alors difficile de trouver de l'intérêt durable à ce film tant cette relation est centrale ; je me suis donc beaucoup ennuyé durant ce film - qui dure en plus plus de deux heures. Il y a bien sûr des belles scènes et des motifs intéressants (l'utilisation de l'arbre devant la maison, comme un imaginaire hostile et sa transformation à la fin) mais je suis resté hermétique à ce film qui semble par ailleurs toucher beaucoup de personnes...

Yórgos Lánthimos : The killing of a sacred deer        2017

 
Ce film est tout de même un peu mieux que Alps notamment grâce à sa mise en scène et ne souffre pas de l'aspect bipartite inégal de The lobster dont la deuxième partie est assez ennuyeuse. J'ai aimé la mise en scène assez étrange (la manière de filmer les gens de très haut dans l'hôpital, utilisation des grands angles, travellings) ; et ce film possède une forme globale un peu plus intelligible que les deux sus-cités : une sorte de tragédie (annoncée au début par la répétition hallucinante des panneau "exit" dans l'hôpital) dévitalisée - le couple vie/mort semble être quelque chose de particulièrement important dans ce film, comme en témoigne déjà le plan d'ouverture du film : une opération à cœur ouvert. Cependant, au fur et à mesure que le film avance, l'impression que j'ai habituellement en regardant un film de Lanthimos revient et l'intrigue peine à soutenir mon intérêt : on enchaîne les escalades dans la violence psychologique et dans la violence physique, mais il y a également un côté transgressif destiné à rendre le film encore plus étrange ; ce qui m'a un peu agacé aussi, c'est l'utilisation totalement inutile de la musique : elle ne fait que souligner les moments de tension présents à l'écran, ça va, on a compris que c'était tendu... C'est vraiment dommage ; j'espère que le réalisateur arrivera à se débarrasser de cette gratuité un peu pénible - on peut l'espérer car The favorite n'en abusait pas.

Aujourd'hui:

The Deer hunter

+

The Hateful eight

Federico Fellini : Roma        1972

 + / 
J'avais énormément aimé Fellini Satyricon dont ce film conserve l'aspect de fresque pour toutefois donner quelque chose de radicalement différent. Ce film est beaucoup plus proche de Fellini, un duo au centre de l'écran : Rome et Fellini, ou plutôt : Fellini dans et sur Rome. Le film est assez remarquable dans sa construction : il montre Rome à différentes époques mais toutes les époques sont profondément liées et en accordant le primat au spectacle (qui est véritablement omniprésent dans le film), le réalisateur parvient à ne pas utiliser les différentes époques de manière cloisonnée - cf. le défilé de mode hilarant d'ecclésiastiques ou l'assassinat de César qui fait appel à de superbes mouvements de caméra. Par son utilisation très perceptible de l'espace, Fellini arrive à donner une véritable épaisseur à sa représentation de Rome (qui permet d'éviter l'immobilité qui pourrait découler de cet aspect historique, comme si Rome était un bloc d'histoire) - cf. le ballet de motos final - mais également à lui donner un aspect macrocosmique  qui est accentué par la variété des personnages représentés, principalement hauts en couleurs ; et ce macrocosme semble d'ailleurs encore inexploré comme en témoigne la scène où l'on creuse sous Rome et on découvre des anciennes fresques - cela permet également de lier les différentes époques et d'éviter l'immobilité. C'est pour moi un grand film, qui peut peut-être déconcerter par son aspect un peu chamboulé mais profondément cohérent et parfois jouissif.

Ah oui, probablement mon Fellini préféré (avec Amarcord)!

Benedictus a écrit:

Ah oui, probablement mon Fellini préféré (avec Amarcord)!

C'est le prochain que je vais voir, je pense ; moi je crois que je préfère Otto e mezzo - quelle originalité - mais en fait, c'est le premier que j'ai vu, en plus c'était dans la salle Langlois de la cinémathèque (c'est-à-dire écran immense), et j'ai été extrêmement surpris car je m'attendais à un truc dans le genre de Ladri di biciclette.

James Whale : Frankenstein        1931


Ce film m'a fait penser à Freaks de Tod Browning bien que le sujet du freak ne soit pas aussi central que dans ce dernier. Ce qui m'a beaucoup étonné, c'est l'instinct que le film a sur les événements qui vont suivre en Allemagne puisqu'il évoque durant la scène de cours à l'université une sorte de sociologie essentialiste et pseudo-scientifique : le professeur déclare que la malformation du cerveau qu'il montre s'explique parce que l'humain en question était un criminel - ce n'est pas sans rappeler la médecine nazie. D'ailleurs, c'est ce cerveau qui sera utilisé pour fabriquer le freak, la scène où il communique avec la petite fille est sans doute la plus réussie du film, presque bouleversante, et elle met en lumière la culture normative et culturellement hostile (qui va d'ailleurs donner lieu à une fin très langienne). Par ailleurs, la photographie noir et blanc est assez belle.

La suite aussi de James Whale, La Fiancée de Frankenstein est excellente également! Plus humoristique mais on accentue encore plus l'opposition entre le monstre et la société, l'oppression de la norme sur tout ce qui "dévie".

Oui, les deux films sont grands, je me demande même si le 2è n'est pas encore plus passionnant.



Evil dead



The Lovers

Parsifal a écrit:

La suite aussi de James Whale, La Fiancée de Frankenstein est excellente également! Plus humoristique mais on accentue encore plus l'opposition entre le monstre et la société, l'oppression de la norme sur tout ce qui "dévie".

D'accord, merci, j'ignorais qu'il y avait une suite ! Il y a d'autres choses bien/intéressantes dans sa filmographie ? car j'ai l'impression d'avoir déjà vu son nom autre part.

Ah oui James Whale c'est fondamental pour le cinéma fantastique! a la Universal il a fait quelques grand film outre Frankenstein, il y a donc sa suite La Fiancée de Frankenstein (et comme Xavier je le trouve encore meilleur), L'Homme invisible, et The Old Dark House.
J'ai un plutôt bon souvenir de son Homme au masque de fer, mais j'avais vu ça enfant (et pas revu depuis) bon ce n'est sans doute pas du même niveau que ses films fantastiques.

Machete



Underwater



Tout simplement noir

+

Jacques Audiard
Sur mes lèvres

J’ai beaucoup aimé ce film.
Emmanuelle Devos : presque transparente, diaphane, dont la blancheur ne se résoudra pas, à éponger les traces de café de son invisibilité, et pourtant si charnelle, en plein corps, en pleines lèvres. Ou encore, gauche, sourde, balourde, gourde, mais savante et femme de « pouvoirs ».
Des gros plans qui reflètent, dans leur confusion, l’impossibilité à saisir mais construisent un récit dont les ellipses ou lacunes reflètent des déficiences (celle de la surdité, et en miroir celle d’un hors-la-loi).
La mise à « découvert » d’un secret qui se retourne en manipulation.
Et finalement quoi ? deux mains qui se touchent … « Je vous dirai du bout des lèvres
"Je vous aime du bout du cœur". Et nous pourrons vivre mon rêve.
Mon rêve » comme le chante Barbara

Jean Grémillon : Pattes blanches        1949


On retrouve dans ce film de Grémillon les lieux de Remorques : le Finistère, le vent sonore et il y a même un escalier comme celui que Jean Gabin gravit par vents et marées. Ce film est cependant nettement moins réussi : le scénario m'a semblé assez maigre ou en tout cas un peu poussif, et c'est peut-être parce que le film se focalise sur trop de personnes à la fois et se perd un peu dans les dynamiques qu'il met en place - j'ai l'impression que Grémillon fonctionne plutôt sur des tous petits groupes, souvent des couples et parfois des trios, bien sûr. Ici, la trame est de nature très sociale avec des jeux systématiques de quiproquos de classe : le personnage de Suzy Delair assez modeste mais qui se prend pour une bourgeoise, le patron du bistrot qui essaie de la faire passer pour sa tante ; et à côté de ça, on a la femme de chambre qui a une relation avec le propriétaire du château (un peu décati) ; enfin, bref, c'est un peu bordélique et ça n'est pas toujours très utile... Je n'ai pas non plus aimé beaucoup la fin qui me semble un peu exagérée. Les personnages féminins sont également assez caricaturaux : on a le droit à la bonne qui a extrêmement internalisé la domination patriarcale qui se rabaisse tout le temps, toute timide (mais qui est montrée positivement) ou sinon, c'est l'exact opposé : une femme très affirmée et assez libre (mais montrée négativement). On n'est clairement pas au niveau des meilleurs Grémillon.

Amen

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L'Ile de la terreur



J'aime bien ce petit film de T.Fisher.

• Robert Altman: Gosford Park
Avec Maggie Smith, Michael Gambon, Kristin Scott Thomas, Kelly Macdonald, Clive Owen, Helen Mirren, Eileen Atkins, Alan Bates, Derek Jacobi, Stephen Fry, Bob Balaban…
USA Films / Capitol Films / The Film Council, 2001

Quel film magnifique!

Où l’on retrouve un peu tous les tropismes habituels d’Altman: la capacité à donner un rythme sans temps morts et une continuité narrative fluide à un récit polyphonique, le sens «thématisé» de la construction spatiale (ici avec cette articulation majeure entre les deux étages qui pose une nette conscience de classes, mais une articulation non binaire, attentive aux passages de l’un à l’autre, et aux circulations à l’intérieur de chaque niveau - on pense beaucoup à La Règle du jeu), la virtuosité sans académisme ni tape-à-l’œil  dans l’usage des mouvements de caméra et du montage, une direction d’acteurs brillante (avec un rendu assez paradoxal: on a l’impression de naviguer sans cesse entre quasi-improvisation et direction au cordeau), le propos social corrosif et l’humour souvent cruel.

Mais ce film possède aussi quelques spécificités qui en font toute la saveur.

Déjà, une qualité esthétique en parfaite adéquation avec son référent: aussi bien les moyens proprement cinématographique (le grain photographique, les éclairages - les contrastes, à l’étage des domestiques, entre les clairs-obscurs et les lumières crues sont particulièrement réussis) que les décors, les costumes et jusqu’aux accessoires saisissent à merveille cet univers d’une country house aristocratique anglaise de l’entre-deux-guerres - mais juste ce qu’il faut, sans jamais donner cette impression d’une esthétisation qui deviendrait son propre but (ce qui m’agace souvent dans les films de James Ivory, par exemple.) À cet égard la scène du repas de chasse me semble particulièrement réussie, en ce qu’elle combine parfaitement le raffinement (le disque de musique de chambre sous la folie) avec les détails triviaux ou brutaux (le nettoyage du verre de jus de tomate brisé au milieu des pas boueux.)

Ensuite, l’intelligence du scénario: là aussi, il y a un équilibre idéal - entre le whodunit à la Agatha Christie et la chronique sociale. D’un côté, l’impératif de réalisme imposé par la seconde empêche la première composante de virer à l’exercice de style luxueux mais artificiel et un peu vain (à la façon des superproductions Hercule Poirot / Peter Ustinov - que je revois toujours avec plaisir, au demeurant.) De l’autre, la composante «agathachristienne» impose sa nécessité narrative à la description sociale, empêchant celle-ci de s’épancher dans un propos didactique fastidieux (ce qui fait que j’ai vite décroché de la série Downtown Abbey, du même scénariste): la description sociale se développe par une série de notations (tantôt explicites, tantôt allusives) sur les différents aspects des rapports de domination de classe qui fonctionnent tous comme autant d’indices de l’intrigue «policière» (et ce, avec d’autant plus d'acuité que le nœud de l’énigme réside finalement dans le hors-champ du film, à savoir la condition ouvrière féminine.)

Enfin, il y a ces fabuleux acteurs britanniques - qu’il faut absolument écouter en VO, tant leurs accents, leurs intonations, leurs phrasés et jusqu’à leurs placements vocaux et leurs timbres participent en profondeur au propos du film: à l’égal de la construction spatiale de l’image et des lumières, le grain de leurs voix déploie, sur la base d’un puissant antagonisme de classes (il y a vraiment deux registres langagiers et vocaux distincts selon les deux étages), tout un feuilletage plus fin de distinctions de classes, de générations ou d’origines géographiques. Par ailleurs, j’ai trouvé particulièrement intéressante, en termes de posture physique, de gestuelle et de regard, la façon différenciée dont les acteurs répondent au dispositif-Altman (deux caméras en même temps et qui bougent, peu de repères scénographiques): d’une part, les acteurs venus du cinéma (surtout les personnages aristocratiques) qui semblent souvent perdus et fébriles (ce côté « papillons dans la lumière » qu’ont souvent les all stars casts d’Altman, comme dans Prêt-à-Porter ou Cookie’s Fortune) et d’autre part l’aplomb des acteurs venus du théâtre (surtout les domestiques.)

Je n’aurais que deux très, très légères réserves à faire.

D’une part, je trouve que les deux personnages américains nuisent un peu au film: d’abord ils nuisent au réalisme, à travers une «réflexivité cinématographique» à grosses ficelles (le name dropping d’acteurs hollywoodiens au téléphone), leur aspect factice à force de caricature (l’accoutrement du producteur lors de la partie de chasse) et l’introduction d’une «tension sexuelle» pas très utile (entre Kristin Scott Thomas et Ryan Phillippe - le seul acteur que j'ai trouvé plutôt mauvais); ensuite, ils sont les vecteurs de notations sociales assez grossières par rapport à la subtilité de l’ensemble, que ce soit en recyclant le vieux topos collet-monté british vs. sans-gêne américain ou en forçant à expliciter lourdement ce qui n’a pas besoin de l’être (quand la femme de chambre dit à l’acteur qui s’est fait passer pour un valet «On ne peut pas être à la fois d’un côté et de l’autre.»)

D’autre part, la musique, sans handicaper le film, n’en est clairement pas le point fort. Côté musique «diégétique», les numéros musicaux d’Ivor Novello (Jeremy Northam) ont tendance à prendre un peu trop de place à mon goût (cinq chanson, ça fait peut-être beaucoup.) Côté musique «extra-diégétique», la partition de Patrick Doyle semble ne jamais trouver son vrai registre (ça hésite entre des ponctuation d’arpèges dramatiques très cinéma-américain-années-2000, des touches de musique classique à l’anglaise et des paraphrases des chansons d’Ivor Novello): elle est suffisamment discrète pour n’être pas gênante, mais on regrette un peu qu’elle ne participe pas plus activement à l’atmosphère du film.

Mais à part ça, j’ai adoré ce film.

La référence à la Règle du jeu se confirme, si les souvenirs de ce film sont bons, par une séquence de chasse.
Pas revu depuis sa sortie en salles, mais tu le donnes envie d’y jeter à nouveau un œil.

François Ozon : Été 85        2020


Dans ce film, Ozon aborde un genre qu'il n'avait (je crois) jamais abordé auparavant : le teen movie. Ce projet cinématographique vient de l'intersection de plusieurs projets plutôt anciens du cinéaste : d'une part, s'approprier le teen movie dans son versant gay qui a été particulièrement important pour lui (notamment Stand by me de Rob Reiner et My own private Idaho de Gus van Sant) et d'autre part, adapter un roman qu'il voulait voir adapté à l'écran depuis longtemps : Dance on my grave d'Adan Chambers.

Malgré cette nouvelle composante de la mosaïque filmique ozonienne, ce film occupe une place assez centrale au sens où l'on retrouve beaucoup d'échos à ses autres films : la relation entre réalité et fiction avec prise sur le récit comme dans Dans la maison - sauf qu'ici, l'histoire est déjà passée (et non pas en cours) mais il s'agit de la raconter au spectateur - ; de manière plus succincte, on retrouve le travestissement d'Une nouvelle amie qui n'est ici aussi pas très loin de l'idée de deuil mais qui donne un aperçu sur l'acceptation des sexualités queer à l'époque --- notamment dans la scène où David dit à Alex qu'il serait sexy dans une robe et ce dernier répond par un refus absolument épidermique ; on retrouve également dans ce film un rapport au temps qui est constant dans la filmographie du réalisateur : bien sûr, déjà, le film se passe en 1985 et puis il y a toujours ce caractère assez spécifique des films estivaux où le temps est comme élastique mais chaque fois fini.

D'ailleurs, même au sein des films estivaux, ce film occupe une place assez différente, je trouve : le film a été tourné au Tréport et hérite de cet aspect non-solaire (même si la pellicule Super16 donne un aspect granuleux profondément organique et qui rappelle aussi les films de l'époque), presque granitique avec ses plages de galets, le ciel voilé et aussi les rues escarpées du village, un peu sombres. L'aspect solaire se présente cependant sous les traits d'une romance flamboyante entre deux adolescents (d'ailleurs portée par un très beau duo d'acteurs formé de Félix Lefebvre et Benjamin Voisin) : l'un tout juste sorti de seconde, seize ans, un peu timoré et l'autre très affirmé, plus extraverti (notamment à travers ses tenues), dix-huit ans. Le film traduit avec beaucoup de naturel des questionnements adolescents notamment cette sorte d'exploration et circonscription (souvent par la mort) des possibles (cela rappelle beaucoup les films de Gregg Araki et surtout ceux du début des années 90) : il y a notamment cette scène où David (le plus âgé) explique à Alex que lorsqu'il roule à moto, il n'a pas l'impression d'aller vite mais aperçoit la vitesse et que son rêve de la rattraper (les scènes de moto sont d'ailleurs très référencées). Il y a également une énorme subjectivité du personnage d'Alex qui cerne la totalité du film : tout d'abord, dans la manière de raconter l'histoire, c'est un peu le chef d'orchestre du récit et puis les questionnements ou répliques sont parfois assez naïves mais sonnent toujours juste dans cette perspective ; l'histoire a d'ailleurs un élan très romantique et un peu pudique/retenu par moments (notamment la scène de sexe évoquée mais où l'on referme la porte devant le spectateur).

Il y a également beaucoup de petits motifs très signifiants qui sont plutôt bien vus : le peigne aux allures de couteau rappelle cette proximité de la mort (d'autant plus que la coiffure du duo central est assez signifiante elle aussi puisqu'elle est calquée sur celle de River Phoenix (qu'Ozon admire beaucoup) dans My own private Idaho et leur définit donc une identité cinématographique) ; il y a également le don du casque de David à Alex qui fait écho à la scène au début du film où David attache le bateau d'Alex au sien.

Ce film est pour moi vraiment une belle réussite d'Ozon et m'a beaucoup touché.

Philippe Garrel : Le sel des larmes        2020

 
Ce film a été une très grande déception - même si ce n'était pas complètement surprenant. Comme je le disais récemment, j'avais bien aimé les derniers films de Philippe Garrel (qui étaient cependant une demie heure plus court, en général). Ici, ce film a bien une trame qui tourne autour du rapport au père mais qui est absolument inintéressante ; de plus, il y a un nombre assez impressionnant de choses malvenues ou dont on ne comprend pas tellement pourquoi elles sont là. Tout d'abord, il y a une voix-off absolument inutile et particulièrement laide (la voix  ne sonne pas) - il y a notamment une scène où c'est extrêmement sensible : la voix-off annonce l'annonce au personnage principal de la mort de son père et vingt seconde après, c'est effectivement ce qu'il se passe. On a également l'impression de quelque chose d'assez artificiel ou de déréalisé : comme si le réalisateur était resté bloqué dans les années 70 - il y notamment cette scène en boîte de nuit pas du tout crédible. Les dialogues sont également complètement quelconques, le montage est plat, la photo est plutôt lisse ; je n'ai même pas retrouvé l'aspect intimiste que j'aime d'ordinaire chez Garrel. En plus, le personnage principal m'a profondément irrité puisqu'il est absolument imbuvable mais personne ne le remet en place - et ce n'est même pas la question de dépeindre un connard qui me pose un problème car certains films le font très bien mais là, c'est juste irritant et plat. Bon, quelques mots pour finir sur le reste : la fin est d'un ridicule sans nom (peut-être le film peut-être vu comme un crescendo de ridicule...) et la musique de Jean-Louis Aubert est vraiment pas terrible : c'est sans aucun doute le plus mauvais Garrel que j'ai vu ; d'ailleurs, l'ambiance dans la salle était particulière, très plaisante et conviviale car on était six ou sept personnes dans la salle et tout le monde riait des énormités du film.

Jan Švankmajer : Survivre à sa vie (théorie et pratique)        2010


Même parmi les films du réalisateur tchèque, ce film tient une place à part : en introduction au film, il nous dit qu'il a utilisé des photographies découpées des acteurs qu'il a animées parce que ça coûtait moins cher - il est très probable qu'il ironise sur les difficultés qu'il rencontre à financer ses derniers films, son dernier film s'est d'ailleurs fait en financement participatif, il ajoute même "les photos ne mangent pas". Le ton du film est alors donné et la trame est assez simple : un homme partage sa vie entre rêve et fiction, avec deux femmes différentes et se niche de plus en plus dans ses rêves ; parallèlement, il consulte une psychanalyste qui dont la pensée est très schématisée (presque exclusivement freudienne) et qui donne au réalisateur une possibilité de railler cette discipline - et de faire faire toutes sortes de trucs à Freud. L'animation est vraiment très dynamique, l'aspect un peu "pantin" sert le ton ironique ; j'ai toutefois regretté que le film soit si long, il aurait été beaucoup mieux restreint à une petite heure ou 1h10.