Votre dernier film visionné

Patrice Leconte : Les bronzés font du ski        1979

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Bon, c'est effectivement mieux que le précédent, moins problématique - même si on a bien sûr quelques scènes homophobes qui nous font bien plaisir... - et, comble du comble, on a même quelques scènes amusantes - bon, après, il faut dire que globalement, je n'ai pas beaucoup ri. Bon, sinon, il n'y a pas grand-chose à dire sur le film puisque c'est un peu toujours aussi décousu que le premier au sens où, bien sûr, il y a une histoire mais pas vraiment de continuité dramatique, on a une succession de saynètes ; on retrouve un peu le même type de personnages que dans l'opus précédent même si certains ont évolué - je pense notamment au personnage de Lhermitte. Bon, sinon, j'aurai appris que la musique du film (très connue) a été composée par Bachelet, c'est vraiment passionnant.

Caroline Deruas : L'indomptée        2016

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Je n'attendais vraiment rien de ce film et en fait, c'est vraiment bien. Il s'agit du premier film de la réalisatrice Caroline Deruas, elle s'est inspirée de l'année qu'elle a passée en résidence à la Villa Médicis : elle raconte l'histoire d'une écrivaine qui obtient un an de résidence à la Villa Médicis pour écrire un livre sur la peintre et sculptrice Lucienne Heuvelmans qui fut la première femme à être reçue à la Villa Médicis (c'était en 1912 alors que l'institution et ce système existent depuis au moins le début du dix-neuvième siècle. Elle s'y rend avec son mari - qui est déjà un écrivain reconnu - ce dernier ne cesse de la rabaisser (notamment en lui disant qu'elle écrit lentement, qu'elle n'y arrivera pas et que si elle est ici, c'est grâce à lui), de l'empêcher de travailler (que ce soit en faisant du bruit, en la dérangeant et va même jusqu'à lui piquer ses idées) ; bien sûr, elle doute mais trouve refuge auprès d'une jeune photographe et se lie d'amitié avec un employé de la Villa. J'ai beaucoup aimé la manière dont l'onirisme s'immisçait dans le film : la réalisatrice filme d'abord énormément l'architecture de la Villa - on pense même à un film d'Eugène Green comme La Sapienza sur ce point, tant la manière de filmer est rigoureuse - et les moments un peu oniriques du film semblent venir naturellement des bâtiments ; j'ai également beaucoup aimé le jeu de personnalités avec la photographe, notamment autour de cette photo avec le miroir. J'ai trouvé que le film avait quelques longueurs dans sa partie centrale - mais reprend du rythme à la fin - mais globalement, c'est très beau, l'ambiance indistincte est plaisante et les acteurs/trices (Jenna Thiam, Clothilde Hesme, Tchéky Karyo, Renato Carpentieri) sont vraiment convaincant(e)s. Curieux de voir les films qui viendront après !

Guillaume Gallienne : Les garçons et Guillaume, à table !        2013

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Ce film est l'adaptation d'un spectacle du même nom donné par Guillaume Gallienne lui-même : il y parle de son enfance, de la relation avec sa mère et les réflexions sur son genre. Le tout est réalisé dans un format que je n'aime pas beaucoup lorsqu'il accompagne une tonalité comique : on alterne les plans "fictionnels" et les confidences du réalisateur au spectateur - ça me rappelle des films comme Le discours de Tirard. Du coup, j'ai trouvé le film assez touchant et j'ai parfois ri mais pas énormément ; j'ai trouvé ça assez décousu et laborieux par moments ; malgré cela, ça aborde quelques thèmes intéressants (de manière assez superficielle, certes) notamment l'homophobie. J'imagine que si on apprécie particulièrement Gallienne (personnellement, je ne connaissais que son nom), on doit passer un très bon moment.

Emmanuel Marre : D'un château l'autre        2018


Ce documentaire d'une quarantaine de minutes reprend le titre d'un roman tardif de Céline et comme dans ce dernier, le réalisateur raconte deux choses en même temps et saute de l'une à l'autre sans crier gare : ici, le documentaire se passe pendant le second tour des élections présidentielles de 2017 en France ; d'un côté, on a des scènes où sont filmés les meetings de chacun des deux candidats et de l'autre, on a cet étudiant logé au pair chez une vieille dame dont il s'occupe. Il me semble que le film essaie d'opposer la théâtralité de ces meetings (l'entrée des candidats est notamment filmée, autrement dit leur manière d'investir l'espace) et l'aspect extrêmement concret des discussions et des échanges entre le jeune homme et la vieille dame ; c'est assez intéressant car ça permet au film de rendre de compte de cette sensation largement partagée des gens qui ne savent pas, qui ne se reconnaissent dans aucun des deux candidats et par la scission entre les deux récits, le film arrive, je crois, à exprimer ce flottement du doute. Malheureusement, j'ai trouvé que le film était trop peu assertif et en juxtaposant ses images un peu crues comme ça, il en reste à la fin une espèce de soupe un peu tiède aux arômes présents mais bien courts.

Stéphane Brizé : La loi du marché        2015


C'est le premier film de Brizé que je vois et j'avoue que ça m'a pas mal plu : tout d'abord, Vincent Lindon est vraiment saisissant, sans fioriture mais ça fonctionne très bien. Il interprète le rôle d'un homme au chômage depuis plusieurs mois, d'une quarantaine/cinquantaine d'années et qui essaie de retrouver un travail ; bien sûr, ce n'est pas une mince affaire - certains entretiens sont d'ailleurs assez amusants dans la technicité à laquelle ils font appel ; un jour, on lui propose un poste de vigile dans un hypermarché : c'est un poste moins pointu que celui qu'il occupait mais il accepte parce qu'il faut bien gagner sa vie. Il est alors confronté à des gens qui "volent" de la nourriture, on leur dit qu'ils peuvent la payer et tout se passera bien mais ne comprennent pas que la personne en question ne vole pas pour économiser dix euros... Ensuite une employée au bord du départ a eu de sacrées remontrances parce qu'elle avait ramassé des coupons de réduction ; elle se suicidera par la suite. Le personnage de Lindon est sans doute le plus intéressant : le film nous montre que celleux que l'on qualifierait de voleurs/ses n'ont aucun profil type et le font souvent par nécessité et ils volent souvent des choses anecdotiques ; le personnage de Lindon connaît un peu ça car il a des problèmes d'argent mais il reste de marbre pendant les scènes où l'on interroge les personnes interpelées - jusqu'au final, évidemment, cela devait bien arriver - : le film met vraiment en avant l'aspect aliénant de ce travail. Ce que je reprocherais au film, c'est de jouer un peu parfois la carte de la surenchère, je pense notamment au fait d'avoir ajouté au personnage de Lindon un fils sévèrement handicapé - heureusement, c'est traité de manière assez positive et il n'est pas vu et traité comme un problème ; son montage très primitif (mais non sans humour, parfois) et son utilisation des répétitions renforce aussi parfois cette idée mais globalement, je trouve que le film parle plutôt bien de choses auxquelles on ne donne pas autant d'importance.

José Giovanni : Deux hommes dans la ville        1973


Je n'avais pas complètement accroché à Dernier domicile connu, le premier film de Giovanni que j'avais vu ; ici, j'ai trouvé ça bien meilleur : sans doute parce que le film va un peu plus loin qu'une simple petite histoire de flic et de voyou car ici (et ça m'a pas mal surpris) le film propose un plaidoyer contre la peine de mort et rend également compte de la difficulté de réinsertion des prisonniers. Delon joue le rôle d'un détenu fraîchement sorti de prison où il séjournait pour un braquage de banque ; en prison, il a fait connaissance avec un éducateur social (interprété par Gabin) qui a réussi à le faire sortir avec deux ans d'avance ; seulement, un policier (Michel Bouquet, très bon) reste absolument persuadé (de manière complètement infondée, bien sûr) qu'il fallait le laisser en prison. Le tandem Gabin/Delon fonctionne vraiment bien, les deux acteurs sont très bons : Gabin n'est pas en pilotage automatique et Delon n'en fait pas des caisses ; la démonstration de Giovanni manque peut-être un peu de subtilité (certains moments sont bien rapides pour arriver à ce que le réalisateur veut et certaines scènes sont un peu extractrices de larmes : la fin, notamment) et le personnage de Bouquet manque peut-être un peu d'ancrage, on dirait qu'il se fait juste un délire paranoïaque tout seul. J'ai également bien aimé la musique de Philippe Sarde.

Alex Joffé : Les cracks        1968


Avant toute chose, je tiens à prévenir qu'il s'agit ici d'un flim sur le cyclimse ; merci de votre compréhension. Il y a longtemps que je n'avais pas vu un film de Joffé (il faut dire qu'il n'a pas réalisé énormément de films), il me semble que le dernier en date était Fortunat que j'avais trouvé assez lisse mais pas mauvais pour autant, ça fonctionnait. Ici, la tonalité est bien différente : on a affaire à un film qui joue dans la cour du comique à moitié burlesque - qui semble d'ailleurs assez inspiré par le muet, ne serait-ce que par sa partie introductive qui est muette avec des cartons intertitres pour les paroles et explications complémentaires mais aussi par son aspect très dynamique. L'idée de départ du film n'est pas mal : un homme invente un vélo révolutionnaire et veut le faire essayer à son beau-frère sur le célèbre Paris - San Remo ; sauf qu'il a aussi pas mal de dettes et les huissiers lui courent après : il se retrouve alors contraint de fuir sur son vélo et participe lui-même à la course. Le film met vraiment l'accent sur ces concours de circonstances complètement improbables mais c'est à mon avis la seule idée (qui n'est pas non plus inédite, mais qui (au moins) fonctionne) que le film met en place, et c'est un peu court pour un film d'une heure quarante... En plus de cela, le film est vraiment fatiguant, que ce soit auditivement ou visuellement : on a le droit à des costumes kitsch, à des acteurs qui en font des tonnes pour pas grand-chose, des scènes comiques éventées ; tout ceci pourrait mener à un film complètement déjanté mais il est trop convenu dans son excentricité et ne lui permet pas d'être plaisants comme peuvent l'être des films comme Le miraculé de Mocky, par exemple.

Howard Hawks : To have and have not        1944


Ce film est une adaptation du livre homonyme d'Ernest Hemingway, que ce dernier considérait alors comme son plus mauvais roman - l'on raconte d'ailleurs que l'idée de ce film serait né d'un défi entre le cinéaste et le romancier. J'avoue que le récit ne m'a pas passionné outre mesure : on suit les aventures d'un homme qui loue régulièrement son bateau et cela va le mener à la lutte entre la résistance française et le régime de Vichy qui avait pris le contrôle de la Martinique depuis 1940 ; j'ai trouvé que l'histoire était assez brumeuse et lente, mais sans que ça joue à son avantage - même si ça reste un récit correct, entendons-nous. Je crois que ce que j'ai préféré dans ce film, c'est son noir et blanc (la scène de mer avec la brume !), ses lumières et sa logique motivique (l'allumette, les scènes avec le pianiste) qui permettent de maintenir régulièrement l'attention du spectateur. Ce film est également connu pour être le premier film dans lequel apparaît Lauren Bacall - à tout juste dix-neuf ans alors que dans le film, elle vit une romance avec Humphrey Bogart qui a vingt-cinq ans de plus qu'elle...

@Emeryck : C'est en te lisant que je découvre qu'en fait contrairement aux Passagers de la nuit je ne connaissais pas le titre original du Le port de l'angoisse.    (Genre d'impasse que je ne fais plus aujourd'hui mais je l'ai vu il y a tellement longtemps...). Je me suis d'abord dit "tiens, il y un 5è Bacall/Bogart que je ne connaissais pas ?"

Sinon je vois que l'affiche de Deux hommes dans la ville se limite au binôme de stars, que le nom de Michel Bouquet n'y apparaît pas alors que pour moi il est pour beaucoup dans la réussite de ce film (même si je partage ton avis plutôt positif sur Delon et Gabin ici.)

Iskender a écrit:

Sinon je vois que l'affiche de Deux hommes dans la ville se limite au binôme de stars, que le nom de Michel Bouquet n'y apparaît pas alors que pour moi il est pour beaucoup dans la réussite de ce film (même si je partage ton avis plutôt positif sur Delon et Gabin ici.)

C'est un film avec Delon, quoi.   Je pense qu'il a eu la main-mise sur pas mal de choses - c'est classique avec lui, mais le générique initial se termine sur "Un film produit par Alain Delon" en énorme alors qu'il me semble qu'on avait déjà vu passer "Adel production" (sa société de production). Sinon, je suis d'accord, Bouquet est vraiment bon et a bien sûr un rôle essentiel dans le film mais je trouve que le personnage n'est peut-être pas suffisamment bien écrit pour que Bouquet puisse déployer quelque chose de plus complexe - je crois que dans Un condé de Boisset, il peut par exemple le faire.

J'éditais mon post pendant que tu postais pour le compléter. Je développe mon propos par rapport à Bouquet et même Giovanni :

Emeryck a écrit:

(...) seulement, un policier (Michel Bouquet, très bon) reste absolument persuadé (de manière complètement infondée, bien sûr) qu'il fallait le laisser en prison. (...) Le personnage de Bouquet manque peut-être un peu d'ancrage, on dirait qu'il se fait juste un délire paranoïaque tout seul. (...)

Pour moi c'est plus que ça : Bouquet ne fait pas qu'une fixation sur ce dossier-là en particulier, ce n'est pas qu'une question de ne pas approuver la libération du personnage de Delon. Il considère que la rédemption et le rachat d'un voyou sont impossibles, que l'homme ne peut pas changer. Dès lors, voulant utiliser la situation pour étayer son propos, il pratique un harcèlement visant à lui donner raison in fine. Cela se confond avec l'inhumanité d'une machine administrative. Je trouve que Giovanni sort de son registre habituel en étant dans la dénonciation qu'il poussera jusqu'à cette scène finale où il livre un regard sans concession sur la peine capitale. Dans tout cela je trouve que Bouquet est central, et tout cela élève vraiment le propos de ce film.

Et en réponse à ton nouveau post, pour le coup je trouve que dans Un condé le bouchon est poussé un peu loin. C'est du Boisset... Je trouve plus de sens, de réalisme dans Deux hommes dans la ville pour les raisons que je viens dd développer. Mais tout ça est une question de perception personnelle bien sûr.

Vendredi soir en avant première : Arthur Rambo de Laurent Cantet avec Rabah Naït Oufella (Karim D / sous pseudo Arthur Rambo sur twitter). C'est un beau film bien réalisé et avec un jeune et bel acteur très émouvant dans le rôle principal. S'il y en a qui doutent encore de la violence des réseaux sociaux il faut voir ce film ; il est inspiré de fait réels puisque Cantet s'est basé sur l'histoire de Medhi Meklat (sous pseudo Marcellin Deschamps sur twitter). Lors du débat qui a suivi la diffusion Laurent Cantet a répondu à une question sur Meklat : il sait que Cantet a réalisé un film sur son histoire et il l'a vu mais n'a pas encore réagi

Iskender a écrit:

J'éditais mon post pendant que tu postais pour le compléter. Je développe mon propos par rapport à Bouquet et même Giovanni :

Emeryck a écrit:

(...) seulement, un policier (Michel Bouquet, très bon) reste absolument persuadé (de manière complètement infondée, bien sûr) qu'il fallait le laisser en prison. (...) Le personnage de Bouquet manque peut-être un peu d'ancrage, on dirait qu'il se fait juste un délire paranoïaque tout seul. (...)

Pour moi c'est plus que ça : Bouquet ne fait pas qu'une fixation sur ce dossier-là en particulier, ce n'est pas qu'une question de ne pas approuver la libération du personnage de Delon. Il considère que la rédemption et le rachat d'un voyou sont impossibles, que l'homme ne peut pas changer. Dès lors, voulant utiliser la situation pour étayer son propos, il pratique un harcèlement visant à lui donner raison in fine. Cela se confond avec l'inhumanité d'une machine administrative. Je trouve que Giovanni sort de son registre habituel en étant dans la dénonciation qu'il poussera jusqu'à cette scène finale où il livre un regard sans concession sur la peine capitale. Dans tout cela je trouve que Bouquet est central, et tout cela élève vraiment le propos de ce film.

Et en réponse à ton nouveau post, pour le coup je trouve que dans Un condé le bouchon est poussé un peu loin. C'est du Boisset... Je trouve plus de sens, de réalisme dans Deux hommes dans la ville pour les raisons que je viens dd développer. Mais tout ça est une question de perception personnelle bien sûr.

Oui oui, je suis tout à fait d'accord avec ce que tu dis mais j'ai l'impression que ce personnage n'a pas vraiment d'assise - après, on peut dire que ça sert le propos car ça pourrait être n'importe quel policier de responsabilité - et je trouve que du coup, le fait que ce soit vraiment un comportement structurel est un peu masqué derrière le seul personnage de Bouquet - si ç'avait été un quidam, ok, mais là, c'est un gradé de police ; enfin, je chipote peut-être un peu et c'est vrai que j'ai été également surpris de voir quelque chose d'aussi virulent de la part de Giovanni - et, oui, c'est clair que Bouquet est central, bien sûr. 

Mais c'est bien, Boisset   (même s'il y a parfois du moins bon, c'est vrai...)  ; bon, c'est vrai que c'est pas (toujours) un champion de la subtilité mais je trouve qu'en poussant les choses loin, il arrive à des choses auxquelles les cinéastes français de cette époque - en tout cas, pour ce que j'ai vu jusque-là - n'arrivent pas ; et il a même de la pertinence, je trouve.

Le film d'ouverture du Poitiers Film Festival a été diffusé en avant première vendredi soir : Arthur Rambo nous met face à nos responsabilités quand nous allons sur les réseaux sociaux. Qu'il s'agisse de facebook ou de twitter entre autres. Laurent Cantet réalise un film poignant et très fort, interprété avec brio par le tout jeune et brillant Rebah Naït Oufella.

https://autresarts.blogspot.com/2021/11/laurent-cantet-sinspire-de-faits-reels.html

Luc Moullet : Brigitte et Brigitte        1966

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C'est le premier film de Luc Moullet que je vois, je connaissais déjà le personnage, et notamment son humour (cf. ses mémoires fraîchement sorties chez Capricci intitulées Mémoires d'une savonnette indocile ou un de ses coffrets de courts-métrages intitulé "Luc Moullet en short" avec une photo du réalisateur en short sur la pochette) ; j'ai en fait été un petit peu déçu. À la fois, j'y ai trouvé une véritable fraîcheur et l'humour habituel de Moullet ; le film raconte l'histoire de deux jeunes femmes qui se rencontrent pas hasard dans une gare parisienne, elles se rendent comptent qu'elles se ressemblent comme deux gouttes d'eau : Brigitte et Brigitte ; elles commencent toutes deux des études à la Sorbonne. Ce film est vraiment très ancré (de manière assez critique) dans son époque : on a beaucoup de caméos de cinéastes de l'époque (Claude Chabrol, Éric Rohmer, André Téchiné, Samuel Fuller) et une fustigation d'une certaine cinéphilie de l'époque, parfois pénible de grandiloquence (par exemple F. T.), notamment ce jeune homme dont le rêve serait de "mourir en projection" ou un autre qui dit que "le film était si merveilleux que j'ai pris treize pages de notes" ; il y a également une scène très drôle où un jeune homme arrive avec sa caméra et les Brigitte s'écrient "Attention, cinéaste !" ; au-delà de cet aspect, à travers cette ressemblance entre les deux jeunes femmes, Moullet rapporte une certaine uniformisation stylistique : elles n'ont en fait fait que suivre la mode de l'époque. il y a également tous les classements un peu ridicules sur les cinéastes américains - ou ceux qui prétendent que le cinéma américain pervertit ; cela dit, les piques de Moullet semblent toujours assez bienveillantes. Le film renvoie également une ambiance assez curieux par son économie de moyens : les scènes supposément tournées au restaurant sont vraiment faites avec trois bouts de ficelles : une table, deux chaises, et hop, on y va. Malgré cet humour enchanteur, j'ai trouvé que le film traînait en longueur et ces citations du cours (technique) du professeur Schérer répétées comme un mantra deviennent un peu fatigantes et prennent trop de place à mon goût ; peut-être qu'en raccourcissant le film d'une vingtaine de minutes, on aurait eu un film très bien, même si le résultat reste pas mal !

Virgil Vernier : Mercuriales        2014

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Il s'agit de l'avant-dernier long-métrage en date réalisé par Virgil Vernier, on retrouve les thématiques qu'il a l'habitude d'explorer : la topographie urbaine, le rapport au mythe et surtout, un certain flou narratif. Encore une fois, le film est très lié à un lieu, particulièrement marqué d'un point de vue socio-historique (comme ses autres films, en fait) : il s'agit ici des deux tours Mercuriales qui ont été construites dans les années soixante-dix à Bagnolet, pour contrebalancer un peu le pôle de la Défense ; on voit que ça n'a pas très bien marché. Malgré ce flou narratif certainement volontaire - ou pour être plus exact, ce n'est à mon avis pas ce qui intéresse Vernier ici -, le film est vraiment saisissant (comme tous les films de Vernier que j'ai vus, en fait) car il instaure immédiatement une ambiance très prenante et inhabituelle : sa manière de filmer est très naturaliste mais il insère parfois des éléments un peu mystiques sans crier gare ; la narration elliptique lui permet de procéder de façon très pointilliste ; c'est vraiment un cinéma qui vaut le détour, "ça ne laisse pas indifférent" comme dirait l'autre. On suit deux jeunes femmes employées dans les Mercuriales, qui vont subitement se lier d'amitié ; il y a également un fond assez inquiétant, très violent - à mon avis pas sans lien avec la nationalité moldave de l'une d'entre elles - et Vernier met vraiment cette histoire de violence en arrière plan, c'est vraiment bien vu ; de manière générale, au-delà des deux jeunes filles qui semblent permanentes, tout le reste ne semble que de passage ; c'est vraiment une impression très curieuse et assez difficilement descriptible.

Regardé hier soir sur la 5 Monsieur, film un peu hagiographique de Laurent Delahousse et  Julie Le Minor consacré à  Jean d'Ormesson.Bref c'était sympa,ce petit monde bourgeois et intellectuel,un peu en marge, mais comme souvent dans ce genre de films, c'est ce qui est derrière qui est le plus souvent interessant .Loin de moi ,l'idée de vouloir dire du mal du célèbre écrivain, mais tout ce qu'il cite de ses propres écrits ,est assez affligeant et il s'en sort le plus souvent avec des citations des autres,ce qui le fait toujours passer pour quelqu'un d' intelligent et fin, ce qu'il est, sans nul doute.
Sa réception de parrainage de Finkelfraut à l'Académie Française est assez éloquente et reste un témoignage d'un certain décalage social de notre époque .Bref ,comme il le dit lui-même, les plus grands écrivains n'en faisaient pas partie de la fameuse Académie.
Sa réception chez Antoine Gallimard, pour sûrement la mise en Plèïade de ses oeuvres complètes, pose vraiment des questions ,sur le fait ,qu'il y soit entré,d'abord de son vivant, ce qui est très rare et entré tout court,et est-ce qu'il le méritait vraiment? J'en sais rien,mais pour quelqu'un d'extérieur comme moi ,on a un peu l'impression d'un monde à la Fillon,ou tout vous est dû.
Ses dédicaces ,comme toutes les dédicaces de livres sont aussi intèressantes et comme le dit une intervenante ,son lectorat se situerait principalement dans la jeunesse, j'ai un peu tendance à en douter ,mais c'est vrai qu'il vend, pourquoi pas,après tout ?
Le réalisateur revient souvent sur ses mains vieillies ,comme du vieux cuir et son visage parcheminé,c'est vrai que c'est touchant et émouvant, cette période ou l'on ne peut plus  qu'assister ,qu'à son propre déclin,dont il est d'ailleurs très lucide .Bref quelques réflexions rapides, sur un auteur disparu et un monde tout aussi en disparition.

Jacqueline Audry : Huis-clos        1954

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Il s'agit d'une adaptation de la pièce de théâtre homonyme de Jean-Paul Sartre, j'ai cru comprendre que l'adaptation était assez libre, notamment en terme de nombre de personnages et en brisant le huis-clos. J'ai trouvé le film assez drôle, les acteurs sont plutôt bons - notamment Yves Deniaud très drôle en domestique ; mais je l'ai tout de même trouvé un peu long, les procédés étant un peu répétitif. Dans le film, trois personnes assez différentes sont dans un même salon après leur mort où l'on va passer en revue leur vie - avec des incrustations d'image du plus bel effet... - : ils sont alors confronté au jugement des deux autres personnes, etc. Je n'ai pas lu la pièce mais je n'imaginais pas quelque chose de si comique. Encore une fois, Audry a de l'audace : elle ne gomme pas l'homosexualité du personnage d'Inès Serrano et ne la traite pas de manière dépréciative.

Luis Buñuel : El bruto        1953

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Ce film fait partie de la période mexicaine de Buñuel, il partage avec les films de cette période un aspect social très marqué. Ici, le film commence sur un propriétaire qui veut expulser des locataires de son immeubles, ces dernier(e)s ne se laissent pas faire et le propriétaire décide de payer un homme assez fort pour intimider et/ou tuer les propriétaires ; il envoie l'un d'eux à l'hôpital puis tombe amoureux d'une jeune femme, sans savoir qu'il s'agit de la fille de ce dernier... Ici, ça ne surprendra personne, Buñuel s'attaque à la propriété privée - ou plutôt à l'auto-proclamée toute-puissance de certains propriétaires - ; il parle bien sûr de l'exploitation puisque le propriétaire ment complètement à l'homme qu'il engage. Malgré cela, j'ai trouvé que d'un point de vue social, le film était moins fouillé qu'un film comme Los olvidados (pour prendre un autre film de sa période mexicaine) et il est peut-être sans cesse en hésitation entre l'aspect social et l'aspect purement "film noir", malgré tout, ça reste un film qui se suit très bien, qui est assez bon, les acteurs/trices sont vraiment convaincant(e)s et j'ai beaucoup aimé le noir et blanc.

Édouard Molinaro : Oscar        1967

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Il s'agit de la première collaboration entre de Funès et Molinaro, qui va sans doute séduire les convaincu(e)s et irriter les autres : de Funès est vraiment au sommet du cabotinage, c'est assez impressionnant. Je pense d'ailleurs que c'est à peu près le seul intérêt du film car le scénario est très systématique : c'est une succession de quiproquos - bon, j'ai trouvé tout de même ça assez drôle par moments. Pour l'aspect proprement cinématographique, bah, c'est du Molinaro, quoi ; en plus, le film est l'adaptation d'une pièce de théâtre et ça se sent pas mal.

Francis Veber : Le placard        2001

 
À la base, je pensais voir Le dîner de cons mais finalement, je me suis rendu compte qu'il s'agissait en fait de ce film : quel désastre... Je ne sais pas très bien ce que ce film a essayé de faire mais c'est en tout cas très raté : j'ai l'impression que le film essaye de tourner en dérision et de dénoncer les comportements homophobes - notamment à travers le personnage de Gérard Depardieu - mais en fait, je trouve que le film est contradictoire de ce point de vue - ou peut-être que je lui prête juste de bonnes intentions à tort. Dans le film, un comptable travaillant dans une boîte de préservatif est sur le point d'être renvoyé et du coup, il va se faire passer pour homosexuel - ah bah 'fallait être près, ça commence à bloc ! Bon, déjà là, très sympa pour les personnes qui ont beaucoup souffert de leur homosexualité à cause de l'homophobie ambiante, de celles qui se sont suicidé, de celles qui ont été agressées/tuées, sans parler du fait de se dire spontanément "tiens, je vais essayer d'être homosexuel" ; ensuite, il y a cette espèce satire de ce que certain(e)s appellent "le politiquement correct" (sous-entendu : "bah oui, ils peuvent pas virer un homosexuel car ça la foutrait mal") qui est également insupportable. Je ne parle même pas de tous les clichés sur les hommes homosexuels (ce sont des folles) et toujours relié à quelque chose de sexuel (la façon dont les employé(e)s découvrent la prétendue-homosexualité de leur collègue est par la réception d'une photo où ce dernier (enfin, pas lui, du coup : c'est un montage) participe à une soirée BDSM) et bien sûr, toujours lié au BDSM (on ne parlera même pas de l'image implicite du BDSM comme sommet de la déviance et du coup l'association systématique de l'homosexualité à la déviance) ; comme si les relations homosexuelles n'étaient pas amoureuses... Laissez les concerné(e)s s'exprimer, je sais pas... surtout si c'est pour faire des merdes pareilles.

Le Poitiers Films Festival s'est terminé tout à l'heure avec la diffusion en avant première de La vraie famille de Fabien Gorgeart (sortie prévue le 16 février 2022). Ce fut une semaine riche en émotions avec deux de mes coups de coeur récompensés lors de la remise des prix (Masel tov cocktail (qui a même reçu deux prix) et Neurim).

https://autresarts.blogspot.com/2021/12/mon-poitiers-film-festival-entre-court.html

Charlie Chaplin : Modern times        1936


J'avais vu ce film au cinéma lorsque j'étais en seconde mais n'en avais pas véritablement gardé de souvenir hormis les scènes les plus connues du film ; j'ai décidé de le revoir maintenant que le cinéma est quelque chose qui m'intéresse. Je crois que c'est (pour l'instant) l'un de mes Chaplin préférés : bien sûr, il est vraiment drôle mais son ampleur politique est plus grande que dans les autres Chaplin que j'ai pu voir auparavant ; on retrouve ici bien sûr le thème de la marge mais il y a également le thème de la domination normative ou de l'aliénation au travail - qui donne lieu aux scènes que l'on connaît bien, de l'homme aux clefs à molette. La fois dernière, j'avais été un peu déçu par City lights dont le scénario me paraissait assez répétitif ; ici, au contraire, je l'ai trouvé très dynamique, jouant sur les quiproquos mais en gardant à chaque fois une pertinence : ça lance vraiment autre chose à chaque fois. Enfin - et c'est assez logique chez Chaplin quand on connaît son rapport au parlant - le film est assez intéressant pour son rapport au cinéma parlant : c'est un hybride entre un film muet (on a pas mal de cartons intertitres pour les dialogues ou explications complémentaires) et un film parlant (on a des voix) ; d'ailleurs, on peut remarquer que, la scène de danse de Chaplin exceptée, les séquences parlantes sont souvent des voix retransmises ou des voix d'autorité (le patron ou l'inspecteur des travaux finis, par exemple) et sont utilisées de manière assez railleuses. La scène de danse, quant à elle, est également intéressante car il me semble que c'est la seule fois où le personnage de Chaplin utilise sa voix ; c'est une séquence où il doit danser et chanter une chanson dont il est supposé avoir les paroles écrites sur ses poignets pour ne pas sécher mais il s'avère que non, du coup, il ne parle pas, se contente de danser puis invente une chanson qui n'a absolument aucun sens.

[…]séquence où il doit danser et chanter une chanson dont il est supposé avoir les paroles écrits sur ses poignets pour ne pas sécher mais il s'avère que non, du coup, il ne parle pas, se contente de danser puis invente une chanson qui n'a absolument aucun sens.

Séquence formidable, mais si tu ne le sais pas Chaplin emprunte en fait le thème musical (la chanson sera reprise par Montand "je cherche après titine", pour la reprise plus connue) à Léo Daniderff (qui lui fera - et gagnera - un procès). Pour une fois Chaplin n'est pas le compositeur, il est juste génial.

xoph a écrit:

[…]séquence où il doit danser et chanter une chanson dont il est supposé avoir les paroles écrits sur ses poignets pour ne pas sécher mais il s'avère que non, du coup, il ne parle pas, se contente de danser puis invente une chanson qui n'a absolument aucun sens.

Séquence formidable, mais si tu ne le sais pas Chaplin emprunte en fait le thème musical (la chanson sera reprise par Montand "je cherche après titine", pour la reprise plus connue) à Léo Daniderff (qui lui fera - et gagnera - un procès). Pour une fois Chaplin n'est pas le compositeur, il est juste génial.

Cet air me disait quelque chose.

Tony Gatlif : Tom Medina        2021

 +
J'allais déjà un peu à reculons devant ce film : connaissant Gatlif, voyant que le film parle de la Camargue, des taureaux, etc. et j'avoue que je n'avais pas tout-à-fait tort. Le film nous raconte l'histoire d'un jeune homme fraîchement sorti d'un centre éducatif à la suite de vols répétés, s'inventant alors une autre identité et étant pris en charge par une famille qui s'occupe de chevaux ; il essaie de se réinsérer mais est à chaque fois rattrapé par son ancienne identité. Parallèlement (et ça rend le film assez drôle malgré lui), il a des sortes de visions projectives où il voit des taureaux qui courent ; j'ai trouvé que toute cette partie était assez grotesque tant c'était grandiloquent, notamment la séquence où il se rend dans une église ou la séquence à la fin où il demande à l'homme qui l'a recueilli comment ça s'appelle quand on voit des choses que les autres ne voient pas. En plus de cela, j'ai trouvé que le scénario n'allait pas vraiment quelque part : il y a bien sûr la trajectoire sociale de ce jeune homme qui est au centre (et les préoccupations habituelles de Gatlif : les légendes et l'exil - qui sont ici développées de manière très risible et/ou superficielles) mais au fond, tout ce qui est autour semble complètement arbitraire - et n'est pas passionnant du tout, en plus - du coup, je me suis pas mal ennuyé ; à peu de choses près, la très belle photographie (et les beaux paysages de la Camargue qui vont avec) est la seule chose que l'on puisse retenir du film.

Peter Dourountzis : Vaurien        2020

 +
Il s'agit du premier long-métrage de Dourountzis dont le personnage principal reprend le personnage principal d'un de ses courts-métrages. Le film est assez curieux car il n'y a pas véritablement d'histoire très stricte : le personnage principal semble le seul maître de l'histoire, il nous raconte son histoire peut-être malgré lui, ça ne semble vraiment répondre à aucune logique dramatique. On suit (à la première personne) un homme prénommé Djé dont on sait simplement qu'il sort de prison (sans doute pour agression sexuelle, ou quelque chose de ce genre : ce n'est pas extrêmement explicite), il erre alors dans Paris, rencontre des gens, se lie avec eux mais en tue d'autres. Globalement, le film témoigne d'une certaine acuité sociale (le réalisateur a travaillé au SAMU social) notamment à travers les séquences de maraude et la manière dont il parle des gens sans domicile fixe mais également dans l'oppression systémique contre les femmes - beaucoup moins bien intégré que l'aspect précédent, cela dit - mais on a parfois du mal à voir où il nous amène et ce qu'il veut raconter globalement (il est sans doute trop épars). Je pense que le réalisateur, en nous imposant le point de vue de son personnage principal (les autres sont trop fugaces pour qu'on puisse vraiment adopter leur point de vue), veut peut-être nous interroger sur l'identification au cinéma (et va sans doute aussi à rebours de cette représentation mystifiante du meurtrier) - d'autant plus que le personnage principal est très ambivalent : parfois sympathique mais il a tout de même au moins tué une femme et sans doute violé d'autres femmes. J'ai regretté que le film ne soit pas plus développé et se contente de rester dans quelque chose de l'ordre presque du témoignage ; malgré tout, les acteurs/trices sont suffisamment bon(ne)s pour que le film prenne un peu : en tête, Pierre Deladonchamps dans le rôle principal mais aussi Ophélie Bau.

Je ne mettrai que les longs métrages que j'ai vu depuis le 26 novembre.

26 novembre : Arthur Rambo de Laurent Cantet vu en avant première lors de l'ouverture du Poitiers Films Festival. Je ne reviendrai pas sur le danger que représentent les réseaux sociaux lorsque des gens écrivant sous pseudo les utilisent à mauvais escient.

29 novembre : Swagger de Olivier Babinet. Babinet a suivi pendant un an des collégiens d'une cité alors qu'il était en résidence d'artiste dans l'établissement ou ces jeunes étaient scolarisés.

29 novembre : La cour de babel de Julie Bertucelli. Bertucelli a suivi une classe d'accueil. Ceux qui sont enseignants savent peut-être ce qu'est une classe d'accueil : ces classes particulières accueillent des jeunes étrangers arrivés depuis peu en France pour leur permettre d'apprendre le français tout en suivant une scolarité aussi normale que possible

30 novembre : Adolescentes de Sébastien Lifschitz. Ce réalisateur a suivi deux jeunes filles, deux copines, pendant 5 ans de 13 à 18 ans. On les voit évoluer, grandir, mûrir, vivre leurs premiers émois amoureux tout en allant au collège puis au lycée. Lifschitz a tourné au moment des attentats de Charlie puis du bataclan en 2015 et deux ans plus tard elles ont été témoins de l'élection de Manu 1er.

2 décembre : Nous princesses de Clève de Régis Sauder. Sauder a suivi le quotidien d'une classe de terminale L avec l'option littérature. L'un des livres de l'année était La princesse de Clève de Madame de Lafayette et l'évolution de ces jeunes, notamment au niveaux amoureux trouve un écho dans le livre de madame de Lafayette.

3 décembre : Wallace et Gromit, le mystère du lapin Garou de Nick Park. Un film d'animation que les parents du forum ont dû voir avec leurs  gosses. Un moment de détente bienvenu après une semaine très dense.

Sur les six longs métrages que j'ai vu cette semaine quatre entraient dans une catégorie nouvelle du Poitiers Film Festival intitulée "Filmer l'adolescence"

Ça fait déjà plusieurs mois que j'ai envie de voir le Lifshitz, et malgré tout, je suis assez curieux à propos des autres.

Jean-Gabriel Périot : Retour à Reims (fragments)        2021

 + / 
Il s'agit d'une adaptation (partielle) du livre homonyme de Didier Eribon, dans lequel il revient sur son enfance et sa famille en posant (notamment) la question suivante : comment se fait-il que l'électorat ouvrier du parti communiste des années cinquante/soixante ait quasi-systématiquement rejoint le Front National ? Bien sûr, Eribon y émet des hypothèses et cette thématique de la création d'une véritable pensée de gauche (notamment à travers la pensée critique) est au centre de l'œuvre d'Eribon. Pour celleux qui veulent voir le documentaire, il est encore disponible (gratuitement) sur le site internet d'Arte. J'avoue que j'avais une certaine appréhension à propos de cette adaptation parce que le livre m'est très proche ; le résultat n'est finalement pas si mal même si les réserve que j'avais a priori ont été effectivement confirmées : la partie sur l'homophobie (qui est tout de même très importante dans le livre car c'est sans doute une part importante de son départ et d'un point de vue politique) et la manière dont Eribon s'est approprié son orientation sexuelle est complètement absente du documentaire et je trouve ça extrêmement regrettable ; je me demande d'ailleurs ce qu'en pense Eribon et je me demande pourquoi ce choix a été fait - cette canonisation de la lutte prolétarienne en évinçant la lutte contre l'homophobie (délibérée puisque c'est dans le livre) n'annonce rien de bon - d'ailleurs, des questions très intéressantes ont été aussi évacuées (mais c'est sans doute parce que le réalisateur ne connaît pas bien Reims ou ne l'a pas vraiment bien étudiée pour faire le long-métrage) notamment toutes les questions liées à l'urbanisme qui est très marqué socialement - c'est mentionné dans le film, mais de manière générique. Concernant le film lui-même, je l'ai donc apprécié mais une grande partie de mon appréciation, comme vous l'avez compris, vient de mon appréciation du roman mais je dois reconnaître que le film a tout de même, dans une certaine mesure, une pertinence propre notamment sur le plan du montage : le film adopte une structure assez similaire au roman et le texte est lu en voix-off par Adèle Haenel ; par dessus, Périot a ajouté des images d'archives assez diverses et quelques extraits de film - je trouve l'alliage intéressant parce que ça rend compte des représentations de l'époque (parfois minoritaires sur certains choix) - ; j'ai trouvé que la linéarité (surtout quand on connaît déjà le livre) était un peu ennuyeuse, parfois mais heureusement, quelques séquences (où la voix-off était absente et le film ne se sentait pas dans l'obligation d'illustrer le texte à la lettre) vont un peu plus loin et nous montrent des enfants parler de choses et d'autres ou des ouvriers se détendre à la pêche. Du coup, malgré le fait que j'ai apprécié, j'en ressors un peu déçu - et négativement interloqué.

Pas lu le bouquin, que je le lirai vraisemblablement.
Vu sur Arte (de mémoire), étant entendu que ce n'est pas une adaptation collée au livre, et que certaines questions son absentes (la place de l'homosexualité pour Eribon particulièrement).
J'ai trouvé tout le début vraiment remarquable (l'usage des extraits d'archive,…), par contre "la question suivante : comment se fait-il que l'électorat ouvrier du parti communiste des années cinquante/soixante ait quasi-systématiquement rejoint le Front National ?" m'a semblé être traitée un peu à la va vite. Mais dans l'ensemble très intéressant dans la façon dont sont posées les questions (classe/solidarités) sans en masquer les contradictions (place des femmes, des étrangers,…)
M'a en tout cas donné envie de lire le livre.

Le vent de la plaine / John Huston /1960 / Western

Huston n'aimait pas ce film, moi je le trouve très fort, pendant les 3/4 du film et la fin vient pour moi,un peu contredire le message de paix et d'antiracisme,voulu au départ.
D'abord merveilleuse Audrey Hepburn et formidable ,comme toujours Burt Lancaster.On sent dès le départ un amour presqu'incestueux inconscient entre le frère et la soeur,dont on apprendra par la suite qu'elle a été volé à des indiens.C'est vrai que ce sont  des indiens pas très courants qu'on voit dans ce film.Ils viennent en paix ,à trois et en restant devant la maison, réclamer la soeur qui leur a été volé.D'ailleurs, le frère est très beau physiquement, ce qui tranche avec la presque nullité physique des autres personnages ,sauf justement un autre indien embauché comme cow-boy,qui joue du couteau,qui est lui aussi un très beau personnage assez énigmatique (il arrive à calmer par la douceur un cheval sauvage)
Dès que tout le monde sait que Rachel est une indienne , le racisme reprend ses droits et c'est là que les choses se gâtent.Le personnage extravagant et mystèrieux de l'homme au sabre n'est pas peu dans l'intèrêt de ce film non plus.
Tout ça finira mal et là on retourne au western classique avec des indiens qui tombent tués,comme des mouches ,à croire que les indiens dans les westerns ne savent que pousser des hurlements ou se faire dézinguer comme des pigeons à la foire. Bref comme on dit souvent ,on tue souvent ce qu'on aime et même ,si la scène du baiser ,démontre qu'il y a un amour possible entre Ben et Rachel, peut on ensuite vraiment être heureux ,après avoir tué son frère ?
Quelques réflexions rapides et mal faites sur ce film d'hier soir,sur Arte et qui mériterait mieux .

Les spécialistes du western t'en diront peut-être plus ou mieux que moi, mais, à ma connaissance, si Huston n'aimait pas le film, c'est que, n'ayant pas eu, comme classiquement à Hollywood, le final cut sur son film, celui-ci avait été amputé, selon ses dires, du développement du personnage du métis Johnny Portugal/John Saxon, soulignant, comme amorcé dans le montage final, l'ambigüité du personnage de Rachel/Audrey Hepburn et éclairant plus subtilement, d'autre part, le rapport de Rachel, Ben et la famille Zachary avec l'indianité. Le film est adapté, comme The Searchers/La Prisonnière du Désert de John Ford, d'un roman d'Alan Le May et on y retrouve la même violence brute dans les relations entre colons et natifs autochtones, ce qui lui valut, d'ailleurs, d'être taxé de racisme à sa sortie.

J'ai regardé le docu sur John Huston après le film et aux USA ,principalement ,mais pas que là,Huston a souvent eu des problèmes avec ses producteurs.C'est vrai qu'il choisissait des sujets pas toujours faciles et à contre-courant de l'époque .Il a vécu 25 ans en Irlande et on le voit vraiment heureux que là-bas, en regardant les courses de chevaux, en buvant etcc  .
Bref un épicurien et  aussi un observateur lucide de son temps.
Un truc curieux dans ce docu, il semble avoir rencontré le célèbre écrivain B.Traven dont on ne sait rien du tout et dont on a pas de photo.Celui qui s'est présenté sur le tournage de son film Le trésor de la Sierra,au nom de l'écrivain semble bien d'après Huston ,être Traven.
Pour en revenir au western, c'est vrai que le personnage de Portugal ne semble pas complet, par exemple, il demande toujours à être payé,avant chaque travail .
Enfin on est loin de John Wayne lol,qui n'aimait pas beaucoup les indiens paraît il ? Je ne sais si c'est vrai.

Alexandre Aja : Oxygène        2021


C'est le premier film d'Alexandre Aja que je vois, c'est également son dernier film en date, sorti pendant le confinement du printemps 2021. J'avoue que j'y suis principalement allé pour la présence (seulement vocale) de Mathieu Amalric, j'en suis ressorti assez déçu. Mélanie Laurent joue une jeune femme qui se retrouve amnésique dans une unité de cryogénie au détail près que sa réserve d'oxygène s'épuise rapidement ; du coup, je suppose que le film est censé créer une tension à partir de ça puisque l'on voit régulièrement le décompte du temps à partir duquel la jeune femme n'aura plus du tout d'oxygène ; en fait, j'ai trouvé que ça ne marchait pas du tout, notamment à cause de l'idiotie de la voix de l'intelligence artificielle gouvernant l'unité qui est parfois assez comique - et dont la critique est parfois un peu fatigante. En plus, les plans où la jeune femme essaie de se souvenir de sa vie sont parfois vraiment un calque de The tree of life de Malick, et empêchent encore plus la tension de prendre véritablement ; je ne parle même pas des détours tous plus invraisemblables et inutiles les uns que les autres que prend le scénario - qui est sans doute le gros point faible de ce film. Peut-être que je devrais essayer des films pour lesquels il est le plus reconnu comme Haute tension qui l'a fait connaître - le casting a l'air en plus improbable pour un film d'horreur.

Patrick Imbert : Le sommet des dieux        2021

 + / 
Ce film d'animation est l'adaptation d'une série de cinq mangas écrits par de Jiro Taniguchi (elle-même adaptée d'un roman) racontant l'histoire d'un photographe alpiniste à la recherche de la première personne avoir gravi l'Everest. Ce film n'avait rien de particulier pour me plaire mais je l'ai trouvé d'un équilibre remarquable, entre l'aspect technique de l'alpinisme et la dramaturgie proprement dite ; le film manie également avec beaucoup d'adresse le parallélisme des trois temporalités (celle de l'alpiniste disparu, celle de l'autre et celle du photographe), avec une fluidité impressionnante. Je crois que ce que j'ai le plus aimé, c'est le parallèle entre l'alpinisme et le journalisme (enfin, qui est ici plutôt un travail d'archive - avec, du coup, tout un propos sur ce que permet la photographie) : l'usage de temporalités parallèles permet notamment d'établir un parallèle sur le fait de procéder "par voies" - en alpinisme (ou en escalade de manière générale), plusieurs chemins (aux caractéristiques toutes différentes) sont possibles et le film montre (ou plutôt suggère car rien n'est complètement explicite, le film diffuse, à travers la recherche effrénée et multidirectionnelle du photographe, cette manière de procéder ; c'est à mon avis la grande trouvaille de ce film. Au niveau de l'animation, elle est plutôt classique même si vers la fin, on a quelques séquences assez sublimes. C'est vraiment une très belle surprise pour moi, d'autant plus que je n'ai aucune affinité particulière avec le sujet du film.

Jean-Charles Paugam : La bataille du rail        2021

 + / 
J'ai été assez surpris en lançant ce film, notamment parce que j'avais oublié le synopsis et avais seulement l'affiche en tête ; j'imaginais quelque chose de très "cinéma du réel" + "monde de la nuit et marginalité" mais en fait, ce film est une comédie - et du coup, le titre le confirme parce que bien sûr, le rail n'est plus celui de René Clément (enfin, peut-être qui sait...) mais plutôt le rail de cocaïne. Au cours de ce film, on suit un homme qui veut temporairement habiter chez un de ses amis car il a été mis à la porte par sa copine ; son ami vend habituellement de la cocaïne mais entre à l'hôpital pour une opération de l'appendicite et lui propose donc de le remplacer - ce dernier n'a bien sûr aucune expérience dans le milieu : la comédie est lancée. On va alors suivre la soirée du livreur en herbe (enfin, du coup, non), la galerie de personnages qu'il va rencontrer ; j'ai trouvé ça assez diversifié et drôle. Je pense qu'il y a déjà eu des comédies tournant autour de ce principe et/ou de ce sujet mais ici, c'est assez bien informé et crédible donc ça se singularise beaucoup par rapport au reste ; en plus, j'ai trouvé que les lumières étaient assez belle et surtout, que la dramaturgie était bien gérée - notamment la fin (peut-être un peu brutale) mais qui a vraiment un écho sur le reste du film.

Anne Fontaine : Présidents        2021


J'étais peut-être un peu optimiste à propos de ce film : je savais que ça n'allait pas être un chef d'oeuvre mais je pensais au moins un peu rire et/ou me divertir mais en fait, ce film est vraiment mauvais à tous point de vue ; pour vous donner une idée du truc : le meilleur (seul ?) point du film, c'est l'imitation de Nicolas Sarkozy par Jean Dujardin - que j'ai trouvé plutôt pas mal, contre toute attente. Dans ce film, Sarkozy et Hollande deviennent amis et ont pour projet de se présenter ensemble aux prochaines présidentielles ; en plus, d'être complètement improbable (ce qui aurait pu amener à quelque chose de très drôle), le film nous ressert les clichés habituels sur Hollande et Sarkozy et puis parle bien sûr de l'ascension de Marine Le Pen mais sans jamais rien dire quoi que ce soit d'intéressant dessus ; j'ai trouvé le film profondément débile, en fait - je ne parle même pas des blagues qui dont le niveau tend vers zéro. En fait, tout est mauvais : scénario, dialogue, l'imitation de Hollande est assez catastrophique, et j'ai même trouvé que pas mal de plans étaient sous-exposés. Ce que je trouve le plus dingue, c'est de faire un film aussi vide et bête sur un sujet qui offre tellement de possibilités - et avec la situation actuelle, il y aurait moyen de raconter plein de choses.

Robert Hossein : Toi, le venin        1959


Il me semble qu'il s'agit du premier film réalisé par Robert Hossein que je vois ; ça m'a un peu surpris : il s'agit d'un film noir au scénario assez minimaliste, qui fait un peu penser à Accident de Joseph Losey, en moins bien, cependant. Dans ce film, Hossein campe le rôle d'un homme qui se fait aborder sur le bord d'une route par une femme blonde au visage masqué qui a ensuite voulu l'écraser ; il décide alors de la retrouver, mais trouve alors deux femmes extrêmement ressemblantes (Marina Vlady et Odile Versois) qui sont comme duales : l'une est hyper-mobile avec sa voiture et l'autre est en fauteuil roulant ; le film joue sur cela pour le "dénouement" mais honnêtement, le film préfère s'engouffrer dans ce jeu (un peu pénible) sur la dualité, voguant sur la figure de la femme fatale, mystérieuse, etc. Du coup, ce n'est pas extrêmement passionnant mais l'ambiance est plutôt crédible et la photo n'est pas si mal.

Emmanuel Mouret : Vénus et Fleur        2004


J'avais découvert Mouret en salles avec son dernier film en date (Les choses qu'on dit, les choses qu'on dit) que j'avais trouvé vraiment réussi et beau, porté par de très bon(ne)s acteurs/trices. Ici, je suis remonté bien loin dans le temps puisqu'il s'agit seulement du deuxième long-métrage de Mouret et j'ai trouvé ça nettement moins bon - et même peut-être un poil gênant, pour être honnête. Aux alentours de Marseille, une adolescente en rencontre une autre : la première est d'ici, assez timide, maladroite ; la seconde lui semble assez opposées : elle vit à Saint-Petersbourg, elle est extravertie et aventureuses ; le film marche alors sur les pas de Rohmer (en moins bien, hélas) : à travers les rencontres qu'elles vont faire, elles vont mieux se connaître elles-mêmes - et le film aborde quelque chose d'intéressant ici, à savoir l'aspect réflexif de la rencontre : pourquoi veulent-elles qu'on les aime ? Bien sûr, le film ne va pas beaucoup plus loin, mais ce que j'ai trouvé gênant, c'est que le fait qu'elles veulent rencontrer des garçons soit si souvent accentué/rappelé - c'est à peu près leur seule motivation - surtout lorsque l'on sait que le scénario est écrit par un homme trentenaire. En restant bloqué dans cette obsession, j'ai trouvé que le film devenait lourd et refusait de traiter beaucoup de questions intéressantes - notamment celle sur la réflexivité des relations, en allant plus loin que "bah on veut qu'on nous aime pour booster notre ego" et cela aurait pu être intéressant notamment avec ce duo de personnage (que l'on qualifierait usuellement de "introverti" et "extraverti"), pour déconstruire tout ce que l'on peut raconter autour de la timidité, comme s'il s'agissait d'un trait de caractère intrinsèque, pas tellement socialement façonné.

Je suis d'accord avec toi pour Les choses qu'on dit, les choses qu'on dit. Celui que tu pointes ici, je ne le connais pas, mais j'ai vraiment beaucoup aimé Changement d'adresse (qui m'a fait découvrir le réalisateur).

Cololi a écrit:

Je suis d'accord avec toi pour Les choses qu'on dit, les choses qu'on dit. Celui que tu pointes ici, je ne le connais pas, mais j'ai vraiment beaucoup aimé Changement d'adresse (qui m'a fait découvrir le réalisateur).

Je crois que Xavier aime particulièrement ce réalisateur, mais peut-être que celui-ci est un peu à part (même si l'espèce de maladresse (volontaire) drôlatique des dialogues semble être assez caractéristique de certains de ses films ultérieurs - en tout cas, c'est l'idée que je me fais de ces films). De toute manière, j'ai envie de les voir et j'en ai pas mal en stock (merci Arte !), ça tombe bien.

Oui c'était grâce à Arte ! (une fois de plus) Ils avaient diffusé un bon paquet de ses films.

Enfin j'avoue que je n'ai absolument pas le temps de suivre les films diffusés par Arte ... c'est pléthorique ... alors que j'ai toujours plus de disques en stock à voir, alors ...

Claude Chabrol : Les biches        1968

 +
Il s'agit de l'unique collaboration entre Jean-Louis Trintignant et Claude Chabrol, j'avais vraiment envie de voir ça ; le résultat n'est pas si mal - même s'il ne figure pas parmi les plus grandes réussites de Chabrol - mais Trintignant n'a clairement pas un rôle passionnant, même assez prévisible. Il joue le rôle d'un architecte qui rencontre deux femmes lors d'une soirée ; ces dernières se sont rencontrées sur le pont des arts à Paris où l'une d'entre elles (Jacqueline Sassard) dessinait - l'autre (Stéphane Audran, très convaincante) joue le rôle d'une bourgeoise lascive - ; s'ensuit alors un trio amoureux (à ceci près qu'ici, chacun est amoureux de l'autre), la bourgeoise envoie deux de ses connaissances  espionner la jeune femme ; j'ai trouvé que le récit n'avait pas beaucoup d'intérêt en lui-même notamment parce qu'il était pas très original - même si la version bisexuelle du trio amoureux change un peu, mais bon... J'ai par contre été très agréablement surpris par les rôles de Dominique Zardi (souvent cantonné aux très petits rôles) et Henri Attal qui forment un duo de pseudo-révolutionnaires complètement loufoque et drôle. J'ai également trouvé que certaines scènes fonctionnaient très bien, notamment les scènes dans les appartements où Chabrol exploite très bien l'étroitesse de ce dernier et les stries du décor (notamment le motif récurrent du miroir en carrés côte à côte) ; la musique est aussi pas mal, arrive à installer une ambiance crédible ; dommage que le scénario soit aussi paresseux...

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Je suis d'accord avec toi pour Les choses qu'on dit, les choses qu'on dit. Celui que tu pointes ici, je ne le connais pas, mais j'ai vraiment beaucoup aimé Changement d'adresse (qui m'a fait découvrir le réalisateur).

Je crois que Xavier aime particulièrement ce réalisateur, mais peut-être que celui-ci est un peu à part

En tout cas c'est le seul que je n'ai pas encore vu.

Sinon, je déteste Rhomer, pour le peu que j'en connais, ce qui veut pas forcément dire que ça n'a rien à voir bien sûr.
Mais il me semble que le ton des dialogues est quand même bien différent.

Xavier a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Je suis d'accord avec toi pour Les choses qu'on dit, les choses qu'on dit. Celui que tu pointes ici, je ne le connais pas, mais j'ai vraiment beaucoup aimé Changement d'adresse (qui m'a fait découvrir le réalisateur).

Je crois que Xavier aime particulièrement ce réalisateur, mais peut-être que celui-ci est un peu à part

En tout cas c'est le seul que je n'ai pas encore vu.

Sinon, je déteste Rhomer, pour le peu que j'en connais, ce qui veut pas forcément dire que ça n'a rien à voir bien sûr.
Mais il me semble que le ton des dialogues est quand même bien différent.

Oui oui, mais dans celui-ci, j'ai trouvé que les situations étaient très rohmériennes - je dirais même qu'ici, c'est du sous-Rohmer.   Mais je crois que celui-ci est un peu différent.

Valdimar Jóhannsson : Lamb        2021


Il s'agit du premier long-métrage du réalisateur islandais Valdimar Jóhannsson et il est étonnant à bien des égards. C'est un film très simple, assez épuré et c'est à mon avis cette épure qui va rendre l'atmosphère si crédible ; le film raconte l'histoire d'un coup d'éleveurs islandais qui ont perdu leur fille ; un jour, ils découvrent une créature mi-mouton mi-homme ; ils décident alors de l'adopter et de s'en occuper comme s'il s'agissait de quelqu'un de complètement humain. Le film va alors jouer avec cet aspect duel de la créature et avec la divergence des points de vue, notamment à travers le frère du mari qui décide de traiter la créature comme un animal - cf. la scène où il lui donne de l'herbe à manger et refuse qu'il l'attrape avec ses mains mais veut qu'il la broute comme le ferait un mouton. Ce que j'ai aimé dans ce film, c'est qu'il ne soit pas du tout grandiloquent : la créature intervient naturellement dans l'histoire, le couple l'adopte sans ciller, et même les scènes tendues avec le frère sont en sourdine - ce qui ne les empêche pas d'être prenantes. Malgré tout, je pense que le film aurait peut-être gagné à être écourté d'une vingtaine de minutes et à raconter un peu plus de choses mais ça reste tout de même un bon film, assez atypique, traitant le surnaturel avec beaucoup de sobriété - et pourtant, c'est une production A24 !

Tony Scott : The hunger        1983

 + / 
Il s'agit du premier long-métrage du réalisateur britanno-américain Tony Scott (frère de Ridley) et il a déjà réussi à décrocher un casting assez invraisemblable : Catherine Deneuve et David Bowie. Deneuve joue le rôle d'une femme-vampire, âgée de plus de mille ans, ayant obtenu l'immortalité grâce à une amulette égyptienne qui lui permet, en échange de sang humain, de devenir immortelle ; elle peut également transmettre l'immortalité à ses partenaires. Tout d'abord, j'imagine que le film a dû donner des boutons à certains tant il est kitsch mais j'ai trouvé cette surcharge esthétique (aspect elliptique exagéré, lumières bleutées, grand contraste - et certaines scènes sont quasiment grandguingolesques, notamment la fin) assez séduisante ; je trouve que le film a un côté suranné, fané d'avance (surtout avec son approche assez technique, assez caractéristique de ces années-là) et cela correspond très bien au traitement déceptif de l'immortalité qui est proposé ici (cf. la scène qui conduit à l'épilogue) qui prend le contrepied du sentiment de quasi-transcendance : ici, c'est comme si tout croulait sous l'idée que la vie n'ait pas de fin ; il en découle alors une sorte de nostalgie que l'esthétique du film rend assez bien - cela dit, je reconnais que le film ne raconte pas grand-chose de plus.

Sur le site d'Arte: Il était une fois en Anatolie de Nuri Bilge Ceylan.

https://www.arte.tv/fr/videos/049465-000-A/il-etait-une-fois-en-anatolie/

Disponible jusqu'à fin mai 2022.

Emeryck a écrit:

Robert Hossein : Toi, le venin        1959


Il me semble qu'il s'agit du premier film réalisé par Robert Hossein que je vois ; ça m'a un peu surpris : il s'agit d'un film noir au scénario assez minimaliste, qui fait un peu penser à Accident de Joseph Losey, en moins bien, cependant. Dans ce film, Hossein campe le rôle d'un homme qui se fait aborder sur le bord d'une route par une femme blonde au visage masqué qui a ensuite voulu l'écraser ; il décide alors de la retrouver, mais trouve alors deux femmes extrêmement ressemblantes (Marina Vlady et Héléna Manson) qui sont comme duales : l'une est hyper-mobile avec sa voiture et l'autre est en fauteuil roulant ; le film joue sur cela pour le "dénouement" mais honnêtement, le film préfère s'engouffrer dans ce jeu (un peu pénible) sur la dualité, voguant sur la figure de la femme fatale, mystérieuse, etc. Du coup, ce n'est pas extrêmement passionnant mais l'ambiance est plutôt crédible et la photo n'est pas si mal.

Je n'ai pas vu le film, mais tu es sûr que ce ne sont pas plutôt Odile Versois et Marina Vlady qu'on prend l'une pour l'autre ? Elles étaient aussi soeurs dans la vie.