Votre dernier film visionné

● Vu cette semaine L'Homme n'est pas un oiseau (1965), film yougoslave de Dušan Makavejev : on y entend le quatrième mouvement de la 9e de Beethov' chanté en serbe ! Peut-être des spectateurs plus attentifs que moi auront pu relever le nom des interprètes (au générique d'ouverture). Film du reste plein de qualités : son cadre d'abord, le bassin minier de Bor, à l'est de la Serbie, les ouvriers qui y travaillent et la petite ville qui s'y rattache. Sa manière ensuite : un film de la Nouvelle vague, qui mêle d'une manière très libre les aventures d'une jeune coiffeuse avec un chef de chantier de passage dans la ville et un jeune conducteur de camion, les ennuis conjugaux, burlesques, d'un ouvrier, le passage en ville d'un hypnotiseur et d'une troupe de cirque. La composante documentaire est très présente. C'est filmé d'une caméra alerte et mobile, et monté avec une égale fantaisie.


● Pour finir 2021 et commencer 2022, j'ai profité de la rétrospective Plein les yeux ! à la Cinémathèque, qui proposait plusieurs films projetés en 70mm : dans l'ordre Spartacus (Stanley Kubrick), Aliens, le retour (James Cameron) et Lawrence d'Arabie (David Lean). Je les découvrais tous les trois. Je passe rapidement sur Aliens, le premier film de la franchise que je vois, extrêmement bruyant, assommant. (enfin, non, j'ai tout de même vu Prometheus à sa sortie.)

Spartacus : dans l'ensemble ça m'a paru bien académique, et la mise en scène fonctionnelle. Il faut se contenter des numéros d'acteurs de Peter Ustinov, Charles Laughton et Laurence Olivier, le premier surtout est d'une grande drôlerie dans son rôle d'éleveur de gladiateurs cupide et obséquieux. Le personnage de Spartacus est monolithique, pas grand chose à en tirer pour Kirk Douglas, d'autant que l'ensemble des scènes avec Jean Simmons est ridicule. Il y a tout de même quelques beaux moments (la révolte des esclaves, non concertée et qu'une simple étincelle déclenche ; le déploiement des troupes romaines dans la plaine et la défaite de l'armée des esclaves). Et on imagine que Kubrick a engrangé une précieuse expérience sur le tournage.

Lawrence d'Arabie : échaudé par les deux précédents pensums, j'hésitais à aller voir cet opus de presque quatre heures. Et j'avais tort : c'est immense. La plupart d'entre vous le connaissent certainement déjà, inutile de le résumer. Mais j'ai été frappé par le souffle qui traverse le film : c'est mille détails et mille inventions, une générosité permanente dans le travail de l'image (il faut voir ça sur grand écran, a-t-on jamais aussi bien filmé le désert ?) et le dessin des personnages. La deuxième partie m'a intéressé, après une première exaltante, comme un rêve de cinéma : le récit se fait hoqueteux, malaisé, parfois arrêté, entravé par des vicissitudes diverses. Je ne connais pas assez le personnage historique de Lawrence pour avoir un avis sur la manière dont il est représenté, mais politiquement ça m'a semblé assez juste : le cynisme de la politique britannique, l'invention occidentale d'une identité et d'un nationalisme arabes. Autrement dit le film comporte l'antidote à la célébration de la puissance britannique, dont l'odyssée de Lawrence est un épisode flamboyant. Impossible toutefois de rester insensible à la reconstitution de l'appareil administratif et militaire british.


(pour en rester au 70mm, le dernier film de Paul Thomas Anderson est projeté en ce moment à l'Arlequin, à Paris, en pellicule. Il a été filmé en 35mm donc je ne comprends pas bien ce format, mais bref.)

(et pardon pour mon incorrigible parisianisme !)

Je mentionne ici également (et cela ne surprendra personne) la rétrospective Jacques Rivette qui se tient en ce moment à la cinémathèque. 

mickt a écrit:

Je passe rapidement sur Aliens, le premier film de la franchise que je vois, extrêmement bruyant, assommant.

J'aime beaucoup quand même, mais tout le monde te dira la même chose: il faut voir le premier en priorité, le meilleur, le plus flippant, le plus original. (et la musique!...)

Emeryck a écrit:

Fritz Lang : The woman in the window        1944

 +
Je dois dire que j'ai été assez déçu par ce Lang, peut-être pas autant que par The secret beyond the door mais j'ai trouvé la même préséance de la psychanalyse - ne serait-ce que par le bref cours sur Freud donné par le personnage principal (très bien interprété par Edward G. Robinson) qui ouvre le film. Je dois par contre reconnaître que le film est d'une clarté et d'une efficacité assez remarquables (Lang, quoi !) : en trois séquences, tout est déjà installé ; j'ai également beaucoup aimé la scène-pivot (avec les ciseaux, qui bénéficient d'un rôle presque absolu - comme le couteau de L'étranger) et la manière dont sont gérées les ombres de manière générale. On retrouve la thématique de la culpabilité (et du jugement), centrale chez Lang, mais qui semble plutôt être ici comme une clôture thématique et non traitée de manière centrale comme dans d'autres de ses films. Le film est plutôt plaisant : un professeur d'université est captivé par le portrait d'une jeune femme (Joan Bennett), exposé dans une boutique ; lorsqu'il le regarde une seconde fois, celle-ci se trouve être juste à côté de lui, ils décident de partir ensemble, sauf que l'amant de celle-ci rentre pendant qu'ils sont ensemble ; il gifle son amante et le professeur le poignarde alors avec une paire de ciseaux. Il s'agit donc d'un film noir mais un peu inhabituel puisqu'on connaît ici immédiatement le coupable et tout le film va reposer sur un mouvement inverse au mouvement ordinaire du film noir : il va s'agir d'aller du coupable vers les policiers et non l'inverse ; la fin est par contre véritablement décevante (même pirouette que dans Spellbound de Hitchcock...) - peut-être est-ce un pied-de-nez au film noir classique. Par ailleurs, la manière dont le film représente la traditionnelle femme fatale du film noir est ici assez ironique : dans le film noir classique (à quelques exceptions près), il s'agit souvent d'un faire-valoir et j'ai l'impression qu'en la faisant exister sous forme de portrait - c'est-à-dire image figée - et de manière assez fonctionnelle dans le récit (cf. lorsqu'elle fournit la paire de ciseaux), on dirait qu'il se moque de cette représentation usuelle - en tout cas, ça ne serait pas absurde, mais je ne sais pas si c'est délibéré. Malgré ces points intéressants, on a simplement un film noir bien fait (un peu mordant, certes), mais j'ai eu du mal à être complètement passionné par ce film.

Je crois qu'au contraire, il y a eu une galerie stupéfiante de femmes fatales dans le Film Noir et que le genre a été un laboratoire très riche en ce qui concerne l'écriture des rôles féminins. Il y a beaucoup d'écrits universitaires sur ce thème et un autre collectif sur la question (enfin, plus largement sur la répartition des rôles entre les deux genres et leur subversion) doit sortir cette année. D'accord en revanche sur ce que tu dis à propos de l'usage qu'en fait Lang, tout en rajoutant que l'usage du portrait fait aussi partie, dans une certaine mesure, des conventions faussement romantiques du genre (voir Laura, bien sûr, mais pas que).

Yves Robert : Signé Arsène Lupin        1959

 + / 
J'avais récemment été un peu déçu par Les hommes ne pensent qu'à ça... qui était un peu sommaire en terme de scénario mais qui, par contre, avait des idées narratives intéressantes - un peu comme Les copains, en fait, même si ce dernier se tient mieux notamment parce que le recours à une bande de copains donne plus de pertinence à ce mode narratif par saynètes. Ici, le film s'inspire bien sûr de la série de romans initiale de Maurice Leblanc et je crois qu'il y a aussi un lien avec le film Les aventures d'Arsène Lupin de Jacques Becker ; Robert Lamoureux tient ici le rôle de Lupin (avec une double casquette de lieutenant) ; je l'ai trouvé vraiment bon et notamment dans tous les scènes où Arsène Lupin balade les enquêteurs (notamment à la fin où il demande la présence du président du conseil et qu'il s'enfuit entre temps). Hormis les scènes de pied-de-nez, il y a d'autres scènes assez drôles notamment la scène où il décrypte le mystère de la toison d'or. C'est aussi amusant de voir que, finalement, même si l'histoire s'articule sur une opposition entre Lupin et les enquêteurs, il y a finalement un motif commun où l'on remet les morceaux ensemble et on essaie de décrypter quelque chose - et il y a évidemment ce jeu de retards qui est très plaisant et dont Yves Robert arrive à tirer tout le potentiel comique.

Adam McKay : Don't Look Up (2021)


Une comète va s'écraser sur la terre, des scientifiques sonnent le tocsin et une partie de la population se réfugie dans un déni que rien ne vient rationnellement soutenir.

Terriblement actuel.

J'ai détesté.

Philippe Fourastié : La bande à Bonnot        1968


Il s'agit du second (et dernier) film de Fourastié, disparu prématurément à cause d'une tumeur au cerveau ; son tournage est un tout petit peu raconté dans Un an après d'Anne Wiazemsky - qui joue dans ce film. J'ai été très déçu par le film car le sujet m'intéressait et n'avait (à ma connaissance) jamais été abordé dans un film mais contre toute attente, je me suis pas mal ennuyé, notamment à cause de la réalisation qui est d'une platitude assez phénoménale et à la photographie très terne. Le film raconte l'histoire de la bande à Bonnot, une bande d'anarchistes active dans les années dix, commettant principalement à braquer des banques mais n'hésitant pas à éliminer tout obstacle sur son passage. Le film parle un peu (et superficiellement...) du contexte idéologique (notamment la scission entre les théoriciens et ceux qui veulent passer aux actes - très fin !) puis de le place à part (et assez solitaire) qu'a Jules Bonnot au sein de la bande : il a rejoint la bande un peu après les autres et c'est celui qui va en prendre la tête, malgré tout. J'ai vraiment été déçu par la monotonie de la réalisation et surtout la superficialité du propos - et puis j'avoue que Brel est un peu pénible en Raymond la science.

Xavier a écrit:

mickt a écrit:

Je passe rapidement sur Aliens, le premier film de la franchise que je vois, extrêmement bruyant, assommant.

J'aime beaucoup quand même, mais tout le monde te dira la même chose: il faut voir le premier en priorité, le meilleur, le plus flippant, le plus original. (et la musique!...)

Oui, j'ai prévu de voir le premier quand l'occasion se présentera. Mais comme je suis rétif au genre (Aliens c'est une suite de scènes d'action qui me lasse vite), la liste de films de science-fiction qui me plaisent se limite principalement à quelques classiques (Blade Runner, 2001, Cronenberg, Verhoeven...).

Emeryck a écrit:

Je mentionne ici également (et cela ne surprendra personne) la rétrospective Jacques Rivette qui se tient en ce moment à la cinémathèque. 

Je vais essayer d'en voir quelques-uns. (et il y a la rétrospective Losey aussi !)

Valérie Donzelli : Notre dame        2019

 + / 
Il s'agit du dernier film de Donzelli en date et c'est le premier film de cette réalisatrice que je vois ; je ne savais pas trop à quoi m'attendre et j'ai au final été assez enjoué, c'est vraiment très enlevé et rafraîchissant. Le film raconte l'histoire d'une architecte qui travaille dans un cabinet et dont la maquette se retrouve par miracle (c'est le mot) dans une compétition pour un appel d'offre lancé par la mairie de Paris pour moderniser le parvis de la cathédrale Notre-Dame et qui est ensuite un peu prise malgré elle dans ce projet. Le film est assez drôle, parle de tout un tas de choses notamment l'aspect spontanément réactionnaire des gens dès que l'on touche de près ou de loin aux monuments historiques mais également le patron qui vient récupérer son employée (jusque-là méprisée) quand il voit qu'elle a le vent en poupe ou même le personnage de Thomas Scimeca qui se fait entretenir par Maud ; le film n'est pas d'une finesse incroyable mais je trouve que ça fonctionne plutôt et notamment aussi grâce aux acteurs/trices (Donzelli, Lanners, Scimeca, Deladonchamps, Ledoyen, Katerine) qui arrivent tous à donner corps à des personnages assez divers et cette diversité des personnages s'accorde très bien avec la diversité stylistique du film : on a le droit à une séquence dans le style muet, à des parties plus dans le genre d'une comédie romantique et d'autres scènes assez suspendues (notamment les scènes surnaturelles) ; curieux de voir ce que donne le reste de la filmographie de Donzelli.

Francesco a écrit:

J'ai détesté.

Qu'est-ce que tu n'as pas aimé ? le côté gros sabots ?

Emeryck a écrit:

Valérie Donzelli : Notre dame        2019

 + / 
Il s'agit du dernier film de Donzelli en date et c'est le premier film de cette réalisatrice que je vois ; je ne savais pas trop à quoi m'attendre et j'ai au final été assez enjoué, c'est vraiment très enlevé et rafraîchissant. Le film raconte l'histoire d'une architecte qui travaille dans un cabinet et dont la maquette se retrouve par miracle (c'est le mot) dans une compétition pour un appel d'offre lancé par la mairie de Paris pour moderniser le parvis de la cathédrale Notre-Dame et qui est ensuite un peu prise malgré elle dans ce projet. Le film est assez drôle, parle de tout un tas de choses notamment l'aspect spontanément réactionnaire des gens dès que l'on touche de près ou de loin aux monuments historiques mais également le patron qui vient récupérer son employée (jusque-là méprisée) quand il voit qu'elle a le vent en poupe ou même le personnage de Thomas Scimeca qui se fait entretenir par Maud ; le film n'est pas d'une finesse incroyable mais je trouve que ça fonctionne plutôt et notamment aussi grâce aux acteurs/trices (Donzelli, Lanners, Scimeca, Deladonchamps, Ledoyen, Katerine) qui arrivent tous à donner corps à des personnages assez divers et cette diversité des personnages s'accorde très bien avec la diversité stylistique du film : on a le droit à une séquence dans le style muet, à des parties plus dans le genre d'une comédie romantique et d'autres scènes assez suspendues (notamment les scènes surnaturelles) ; curieux de voir ce que donne le reste de la filmographie de Donzelli.

Sa série Nona et ses filles disponible sur Arte, est assez délicieusement loufoque

Eusèbe a écrit:

Emeryck a écrit:

Valérie Donzelli : Notre dame        2019
 + / 
Il s'agit du dernier film de Donzelli en date et c'est le premier film de cette réalisatrice que je vois ; je ne savais pas trop à quoi m'attendre et j'ai au final été assez enjoué, c'est vraiment très enlevé et rafraîchissant. Le film raconte l'histoire d'une architecte qui travaille dans un cabinet et dont la maquette se retrouve par miracle (c'est le mot) dans une compétition pour un appel d'offre lancé par la mairie de Paris pour moderniser le parvis de la cathédrale Notre-Dame et qui est ensuite un peu prise malgré elle dans ce projet. Le film est assez drôle, parle de tout un tas de choses notamment l'aspect spontanément réactionnaire des gens dès que l'on touche de près ou de loin aux monuments historiques mais également le patron qui vient récupérer son employée (jusque-là méprisée) quand il voit qu'elle a le vent en poupe ou même le personnage de Thomas Scimeca qui se fait entretenir par Maud ; le film n'est pas d'une finesse incroyable mais je trouve que ça fonctionne plutôt et notamment aussi grâce aux acteurs/trices (Donzelli, Lanners, Scimeca, Deladonchamps, Ledoyen, Katerine) qui arrivent tous à donner corps à des personnages assez divers et cette diversité des personnages s'accorde très bien avec la diversité stylistique du film : on a le droit à une séquence dans le style muet, à des parties plus dans le genre d'une comédie romantique et d'autres scènes assez suspendues (notamment les scènes surnaturelles) ; curieux de voir ce que donne le reste de la filmographie de Donzelli.

Sa série Nona et ses filles disponible sur Arte, est assez délicieusement loufoque

Merci, je vais jeter un coup d'œil à ça ! 

Marie-Claude Treilhou : Simone Barbès ou la vertu        1980


Il s'agit du premier film de Marie-Claude Treilhou (dont je ne connaissais jusque-là pas le nom) et également son premier film, il s'agit d'un film assez singulier par ce qu'il montre (des lieux qui n'existent quasiment plus  ou qui ont rarement été filmés comme les cinémas consacrés aux films pornographiques ou les clubs parisiens des années quatre-vingts). Le personnage principal se nomme Simone Barbès, elle est ouvreuse dans un cinéma (comme la réalisatrice) porno à Paris où elle a toutes sortes de clients ; le film est divisé en trois parties : la première se déroule en soirée dans le cinéma puis vient une partie dans une boîte de nuit lesbienne où travaille son amie puis le film se finit dans une voiture où Simone raccompagne un homme seul croisé sur le chemin. J'ai beaucoup aimé l'ambiance globale du film, notamment la manière dont il raconte (sans être très démonstratif) la solitude des personnages ; par exemple, dans la troisième partie où Simone discute avec l'homme solitaire puis sort de sa voiture pour rentrer chez elle avant que le jour ne se lève, comme s'il fallait fuir le monde diurne, ne pas être percuté(e) par les questions et être ramené à sa solitude - en plus, je trouve que la teinte bleutée de cette troisième partie la rend encore plus belle. Dans la manière de filmer et de raconter, j'ai trouvé que ça ressemblait assez à du Vecchiali, ça donne parfois un aspect un peu gauche au film - je n'entends ici pas ça comme un défaut. J'ai également beaucoup aimé les vues du Paris nocturne des années quatre-vingts ; je regrette par contre le fait que les trois scènes soient aussi immobiles et longues. J'aimerais bien voir plus de films de cette réalisatrice, ne serait-ce que pour voir à quoi ça peut bien ressembler.

arnaud bellemontagne a écrit:

Francesco a écrit:

J'ai détesté.

Qu'est-ce que tu n'as pas aimé ? le côté gros sabots ?

Oui, voilà, en fait. Je n'ai pas réussi à trouver ça drôle, je trouve le sujet trop vrai, trop grave en fait et les blagues étaient soit énormes et déconnectées, soit mauvaises. Je ne sais pas ... faire une satire sur la mort annoncée de la planète ... je n'ai pas pu. Et puis pas vraiment de personnages ou alors tous odieux (du coup, comment se soucier d'eux ? Si j'étais Dieu, je me dirais "ouais bon, on va tout recommencer au début" ... sauf qu'en effet, je reconnais que la séquence du repas m'a ému). Je ne comprenais qui ça pouvait viser (les décérébrés sceptiques ne vont pas voir le problème, les autres sont déjà affolés) ... mais ça a été un énorme succès donc bon ! Je dois m'être trompé.

François Ozon : Ricky        2009

 + / 
Ce film d'Ozon a été assez mal reçu et si ce n'est sans doute pas le meilleur de son réalisateur, j'ai trouvé que ce n'était tout de même pas si mal et assez drôle. Le film raconte l'histoire de Katie, une femme avec une petite fille qui travaille sur une chaîne dans une usine de fabrication de produit chimiques ; elle y rencontre Paco dont elle se rapproche et avec qui elle a un enfant mais on se rend progressivement compte que cet enfant a des ailes qui poussent dans son dos. C'est sans doute la première irruption aussi franche d'Ozon dans le genre fantastique et le film peut peut-être décevoir parce qu'il aborde pas mal de sujets (expositions des travailleurs/ses aux produits chimiques, jalousie, sensationnalisme journalistique) sans véritablement les creuser très profondément mais les scènes avec les journalistes sont tout de même assez drôles ; j'ai également trouvé que les réactions du personnage de la petite fille concernant la jalousie (puisque du coup, le petit Ricky est l'objet de toutes les attentions) sont très bien rendues, sans grandiloquence et puis le personnage de Ricky est intéressant en lui-même puisqu'il est plutôt allégorique : s'il divise d'abord un peu, il permet au final de rabibocher un peu tout le monde et d'ailleurs, il n'est pas vraiment une finalité comme le montre la dernière scène du film. Pour moi, c'est un film intéressant et plaisant, peut-être un peu casse-gueule par moments mais on le lui pardonne.

Julien Duvivier : Le petit roi        1933


Inspiré du roman homonyme de Lichtenberger, ce Duvivier ne restera à mon avis pas vivement dans les mémoires, si ce n'est par son sujet un peu original - mais à peine effleuré, cela n'aide pas de tourner trois films la même année... Le film se déroule dans un pays fictif, une monarchie censée se trouver en Europe centrale dont le roi est un garçon d'une dizaine d'année et qui est en proie à des tensions politiques notamment à un régent qui convoite vivement le trône. Il y a quelque chose d'intéressant sur le fait que ce soit finalement la famille et l'entourage de l'enfant qui entretienne ce régime tyrannique alors que l'enfant veut simplement retrouver sa mère (qu'on lui a annoncé comme morte), ce qui va d'ailleurs donner lieu à la seconde partie du film, sans doute plus lisse et convenue et techniquement plus balisée alors que la première partie était assez vive d'un point de vue technique. C'était apparemment un Duvivier perdu et récemment retrouvé.

Portrait décapant d'un réalisateur hors-pair.Sur Arte en ce moment .

Friedkin Uncut - William Friedkin, cinéaste sans filtre
De "L’exorciste" à "Bug" en passant par "French Connection" et "Police fédérale, Los Angeles", le réalisateur de légende du Nouvel Hollywood revisite sa filmographie controversée. Un passionnant portrait de William Friedkin, entre triomphes et déboires.

Il y a d'ailleurs également un joli documentaire sur Alice Guy - qui, pour le coup, a véritablement subi la cancel culture. Il y a également un documentaire sur Darrieux mais je ne l'ai pas encore vu.

Ming-liang Tsaï : Goodbye, dragon inn        2003


Ce film résonnera de manière un peu particulière pour les cinéphiles actuels puisqu'il filme un cinéma lors de la projection du dernier film avant sa fermeture définitive - il me semble que le film a été un peu pensé sur le vif -, le film étant Dragon gate inn de King Hu. Le film est bien sûr très beau, d'une part parce que c'est la chronique d'une fin annoncée mais également grâce aux trajectoires des personnages qui, comme toujours chez ce réalisateur, se manquent : l'ouvreuse aimerait rencontrer le projectionniste qu'elle n'a jamais eu l'occasion de voir et part à sa recherche dans ce cinéma bientôt désert et Tsaï Ming-liang a toujours l'art de filmer, à l'aide de plans très longs, ces personnages très proches mais qui ne se rencontrent jamais. Parallèlement à ce couple de personnage, on trouve ce jeune homme japonais qui entre dans la salle pour se protéger de la pluie et qui croit reconnaître les acteurs du film dans la salle ; il y a vraiment quelque chose autour de la persistance du cinéma d'assez beau notamment avec la scène de fin, sans doute la plus belle du film, où deux des acteurs du film de King Hu se regardent à l'issue de la projection qui aura sans doute réactivé des souvenirs en eux. Ce film est également assez curieux (notamment dans sa première heure) parce qu'il semble être un peu l'aboutissement de ce réalisateur notamment sur la parole (qu'il utilise toujours pertinemment et avec une extrême parcimonie) qui est ici (durant la première heure, quelques mots sont échangés à l'issue de la projection) totalement absente puisque les seuls mots que l'on entend sont ceux du film ; mais paradoxalement, je pense que c'est l'un des films de Ming-liang Tsaï les plus accessibles - notamment parce qu'il est pas très long et sa beauté est assez immédiate - ; moi, de toute façon, ces personnages qui n'arrivent pas à se rencontrer, ce rythme lent et cette parcimonie du dialogue, ça me séduit toujours beaucoup dans les films de ce réalisateur.

Emeryck a écrit:

Ming-liang Tsaï : Goodbye, dragon inn        2003

Ce film résonnera de manière un peu particulière pour les cinéphiles actuels puisqu'il filme un cinéma lors de la projection du dernier film avant sa fermeture définitive - il me semble que le film a été un peu pensé sur le vif -, le film étant Dragon gate inn de King Hu. Le film est bien sûr très beau, d'une part parce que c'est la chronique d'une fin annoncée mais également grâce aux trajectoires des personnages qui, comme toujours chez ce réalisateur, se manquent : l'ouvreuse aimerait rencontrer le projectionniste qu'elle n'a jamais eu l'occasion de voir et part à sa recherche dans ce cinéma bientôt désert et Tsaï Ming-liang a toujours l'art de filmer, à l'aide de plans très longs, ces personnages très proches mais qui ne se rencontrent jamais. Parallèlement à ce couple de personnage, on trouve ce jeune homme japonais qui entre dans la salle pour se protéger de la pluie et qui croit reconnaître les acteurs du film dans la salle ; il y a vraiment quelque chose autour de la persistance du cinéma d'assez beau notamment avec la scène de fin, sans doute la plus belle du film, où deux des acteurs du film de King Hu se regardent à l'issue de la projection qui aura sans doute réactivé des souvenirs en eux. Ce film est également assez curieux (notamment dans sa première heure) parce qu'il semble être un peu l'aboutissement de ce réalisateur notamment sur la parole (qu'il utilise toujours pertinemment et avec une extrême parcimonie) qui est ici (durant la première heure, quelques mots sont échangés à l'issue de la projection) totalement absente puisque les seuls mots que l'on entend sont ceux du film ; mais paradoxalement, je pense que c'est l'un des films de Ming-liang Tsaï les plus accessibles - notamment parce qu'il est pas très long et sa beauté est assez immédiate - ; moi, de toute façon, ces personnages qui n'arrivent pas à se rencontrer, ce rythme lent et cette parcimonie du dialogue, ça me séduit toujours beaucoup dans les films de ce réalisateur.

J'ai beaucoup aimé ce film aussi. Il y a une dimension que tu ne soulignes pas et qui me semble également présente : c'est l'humour un peu lunaire. J'avais trouvé ça assez drôle ... tout en étant assez tragique (la solitude des personnages).

Les Méchants



Présidents

+

Anaxagore a écrit:

Emeryck a écrit:

Ming-liang Tsaï : Goodbye, dragon inn        2003

Ce film résonnera de manière un peu particulière pour les cinéphiles actuels puisqu'il filme un cinéma lors de la projection du dernier film avant sa fermeture définitive - il me semble que le film a été un peu pensé sur le vif -, le film étant Dragon gate inn de King Hu. Le film est bien sûr très beau, d'une part parce que c'est la chronique d'une fin annoncée mais également grâce aux trajectoires des personnages qui, comme toujours chez ce réalisateur, se manquent : l'ouvreuse aimerait rencontrer le projectionniste qu'elle n'a jamais eu l'occasion de voir et part à sa recherche dans ce cinéma bientôt désert et Tsaï Ming-liang a toujours l'art de filmer, à l'aide de plans très longs, ces personnages très proches mais qui ne se rencontrent jamais. Parallèlement à ce couple de personnage, on trouve ce jeune homme japonais qui entre dans la salle pour se protéger de la pluie et qui croit reconnaître les acteurs du film dans la salle ; il y a vraiment quelque chose autour de la persistance du cinéma d'assez beau notamment avec la scène de fin, sans doute la plus belle du film, où deux des acteurs du film de King Hu se regardent à l'issue de la projection qui aura sans doute réactivé des souvenirs en eux. Ce film est également assez curieux (notamment dans sa première heure) parce qu'il semble être un peu l'aboutissement de ce réalisateur notamment sur la parole (qu'il utilise toujours pertinemment et avec une extrême parcimonie) qui est ici (durant la première heure, quelques mots sont échangés à l'issue de la projection) totalement absente puisque les seuls mots que l'on entend sont ceux du film ; mais paradoxalement, je pense que c'est l'un des films de Ming-liang Tsaï les plus accessibles - notamment parce qu'il est pas très long et sa beauté est assez immédiate - ; moi, de toute façon, ces personnages qui n'arrivent pas à se rencontrer, ce rythme lent et cette parcimonie du dialogue, ça me séduit toujours beaucoup dans les films de ce réalisateur.

J'ai beaucoup aimé ce film aussi. Il y a une dimension que tu ne soulignes pas et qui me semble également présente : c'est l'humour un peu lunaire. J'avais trouvé ça assez drôle ... tout en étant assez tragique (la solitude des personnages).

Ah ? tu trouves ?

Jacques Besnard : C'est pas parce qu'on a rien à dire qu'il faut fermer sa gueule...        1975

 +
Avec un titre pareil, un casting pareil (Michel Serrault et Bernard Blier en tête mais également Jean Lefebvre qui est bon dans les rôles totalement loufoques) et une réalisation signée Jacques Besnard, le résultat ne peut être qu'un grand film. En fait, il y a tout de même pas mal de comédies françaises complètement débiles (notamment chez Molinaro, chez Grospierre ou même chez Girault) mais avec Besnard on sait immédiatement que l'ambition est définitivement enterrée et du coup, c'est souvent la part belle à tout et n'importe et notamment aux cabotinages superlatifs des acteurs/trices ; c'est pour ça que je trouve que Besnard a une petite touche spéciale. Ici, on est effectivement sur un scénario qui tient en une ligne et qui ne raconte rien du tout (une bande de deux exécutants/bras cassés (Serrault/Lefebvre) vivant de combines est mis sur un gros coup par un troisième homme (qui n'est pas Orson Welles mais Bernard Blier), il s'agit de voler la caisse de retraite des cheminots (alors là, tou(te)s celleux qui nous rebattent les oreilles avec "ce film, on ne pourrait plus le faire aujourd'hui" eh bien, là, oui, pour des raisons matérielles : ils seraient tombés sur un coffre vide !) en passant par les toilettes de la gare de l'est. La majorité du film se déroule donc dans les toilettes de la gare de l'est et on assiste à un défilé de personnages tous plus improbables et caricaturaux les uns que les autres puisque les trois compères se relaient pour creuser le mur des toilettes ; j'ai trouvé ça vraiment débile et inintéressant mais ça m'a pas mal fait rire ; on se serait par contre bien passé des quelques scènes homophobes. J'ai été par ailleurs assez surpris de voir quelques membres du splendid dans la distribution.

Je ne l'ai jamais vu, mais là, je dois avouer que tu m'as donné envie!

Emeryck a écrit:

on se serait par contre bien passé des quelques scènes homophobes.

D'un autre côté, pour une comédie française débile tournée en 1970 et qui se passe toute entière dans des toilettes pour hommes, c'est presque méritoire s'il n'y a que quelques scènes homophobes.

Emeryck a écrit:

Anaxagore a écrit:

Emeryck a écrit:

Ming-liang Tsaï : Goodbye, dragon inn        2003

Ce film résonnera de manière un peu particulière pour les cinéphiles actuels puisqu'il filme un cinéma lors de la projection du dernier film avant sa fermeture définitive - il me semble que le film a été un peu pensé sur le vif -, le film étant Dragon gate inn de King Hu. Le film est bien sûr très beau, d'une part parce que c'est la chronique d'une fin annoncée mais également grâce aux trajectoires des personnages qui, comme toujours chez ce réalisateur, se manquent : l'ouvreuse aimerait rencontrer le projectionniste qu'elle n'a jamais eu l'occasion de voir et part à sa recherche dans ce cinéma bientôt désert et Tsaï Ming-liang a toujours l'art de filmer, à l'aide de plans très longs, ces personnages très proches mais qui ne se rencontrent jamais. Parallèlement à ce couple de personnage, on trouve ce jeune homme japonais qui entre dans la salle pour se protéger de la pluie et qui croit reconnaître les acteurs du film dans la salle ; il y a vraiment quelque chose autour de la persistance du cinéma d'assez beau notamment avec la scène de fin, sans doute la plus belle du film, où deux des acteurs du film de King Hu se regardent à l'issue de la projection qui aura sans doute réactivé des souvenirs en eux. Ce film est également assez curieux (notamment dans sa première heure) parce qu'il semble être un peu l'aboutissement de ce réalisateur notamment sur la parole (qu'il utilise toujours pertinemment et avec une extrême parcimonie) qui est ici (durant la première heure, quelques mots sont échangés à l'issue de la projection) totalement absente puisque les seuls mots que l'on entend sont ceux du film ; mais paradoxalement, je pense que c'est l'un des films de Ming-liang Tsaï les plus accessibles - notamment parce qu'il est pas très long et sa beauté est assez immédiate - ; moi, de toute façon, ces personnages qui n'arrivent pas à se rencontrer, ce rythme lent et cette parcimonie du dialogue, ça me séduit toujours beaucoup dans les films de ce réalisateur.

J'ai beaucoup aimé ce film aussi. Il y a une dimension que tu ne soulignes pas et qui me semble également présente : c'est l'humour un peu lunaire. J'avais trouvé ça assez drôle ... tout en étant assez tragique (la solitude des personnages).

Ah ? tu trouves ?

Quand je parle d'humour, il ne s'agit évidemment pas de rire aux éclats. Mais j'ai le souvenir que le film montrait toute une série de situations cocasses ou à tout le moins saugrenues. Notamment quand il montre les spectateurs de face en train de regarder le film (la fille qui croque des pistaches, le spectateur qui pose ses pieds nus sur le dossier du siège etc.) ou dans les urinoirs. Bon, cela fait fort longtemps que je n'ai pas revu le film et il est possible que le souvenir de ces scènes ait pris une importance disproportionnée par rapport à l'ensemble ... Il faudrait que je le revoie pour mieux expliquer ce que je veux dire. En tout cas, je suis d'accord avec toi pour dire que c'est un beau film, plutôt émouvant.

Alain Guiraudie : Tout droit jusqu'au matin        1994

 +
On est ici encore dans la période où Guiraudie avance un peu à tâtons, on est encore du côté Les héros sont immortels avec cette ambiance nocturne un peu lunaire mais on trouve déjà à la fois l'importance de la parole (qui porte véritablement le récit) de La force des choses ; on trouve également le côté un peu social de réalisations comme Ce vieux rêve qui bouge. Ici, on poursuit un homme qui veut repeindre les murs en rouge, on suit un gardien de nuit qui est un peu condamné à ça pour des raisons alimentaires, il nous parle de sa vie. J'avoue que j'ai été un peu déçu par le fait que ça soit aussi axé sur la parole - d'autant plus que le son de ma copie n'était pas excellent - et je trouve de manière générale que le format court ne fonctionne pas très bien avec Guiraudie.

Agnès Varda : Les 3 boutons        2015


Ce film est le dixième film de la série "Miumiu women's tales" dont le principe est de commander deux films par an à des réalisatrices pour accompagner la présentation de la nouvelle collection. Ici, on suit les aventures d'une jeune fille de quatorze ans vivant dans une ferme et recevant une robe beaucoup trop grande pour elle mais qui va lui permettre d'accéder à un autre monde qui paradoxalement n'est pas un monde fantastique mais un monde tout-à-fait commun, c'est le point sur lequel joue le film mais honnêtement, je n'ai pas trouvé ça très intéressant et c'est même parfois un peu gênant notamment à cause des dialogues qui sont d'une naïveté assez superlative.

Ida Lupino : The bigamist        1953


J'avais été assez secoué par ma découverte de Lupino en salle avec Outrage et mes attentes étaient forcément assez hautes envers les autres films de la réalisatrice américaine. Ici, elle s'inspire (sans doute seulement en tant que point de départ) de son histoire et notamment de sa relation avec le producteur Collier Young qui était marié avec elle puis s'est marié avec l'actrice Joan Fontaine - ce sont d'ailleurs elles qui jouent les rôles des deux femmes, ici. On retrouve dans ce film des thématiques jamais abordées (je crois) dans le cinéma américain jusqu'alors notamment la question de l'adoption et de l'infertilité (sans avoir des explications douteuses), mais ce ne sont pas les points centraux du film : le film raconte l'histoire d'un homme qui voyage entre San-Francisco et Los Angeles pour voir ses deux femmes (aucune n'est au courant de l'existence de l'autre) mais aussi de la solitude de ces dernières. Le scénario ne m'a pas tellement intéressé en tant que tel mais j'ai par contre bien aimé la manière dont l'histoire était racontée : le milieu du film est un espèce de grand flash-back dans lequel l'homme raconte son histoire ; sans surprise, on a donc le droit à pas mal de séquences en voix-off mais j'ai trouvé qu'il y avait un effort sur le fait que la voix-off ne soit pas juste un doublage de ce qui est montré à l'écran, elle donne vraiment un portrait psychologique des personnages en question - je pense notamment au début du flash-back où Harry marche seul et la voix-off parvient très bien à nous faire comprendre sa solitude et il y a également une séquence assez étonnante où il écrit une lettre où l'on entend d'abord réfléchir au texte de sa lettre puis après la voix-off, il l'écrit (alors qu'usuellement, on aurait lu la lettre pendant qu'il l'écrivait). Je regrette que la fin ait été autant affadi, avec ce procès fait à Harry qui arrive de manière vraiment très artificielle - ç'a sans doute été imposé par le producteur.

FGKO : Voyoucratie        2018


FGKO est composée de deux réalisateurs qui se sont rencontrés dans une école de cinéma ; il s'agit ici de leur premier long-métrage, qui ne s'est pas fait sans difficulté. Le film raconte l'histoire d'un homme fraîchement sorti de prison, essayant de se réinsérer dans la vie active, vivant ensuite de petites combines puis jouant l'indic pour un policier. Le film n'est pas extrêmement passionnant mais je trouve qu'il est un peu à part dans sa manière de la réinsertion puisqu'on ne retrouve pas aussi forte cette polarité entre la police : le film montre beaucoup la vie du personnage principal, le contexte dans lequel il évolue mais est peut-être un peu redondant sur le tiraillement du personnage : d'un côté, il est pris dans cette spirale délictueuse et de l'autre, son fils est la seule chose qui le maintient hors de ça ; de plus, la manière de filmer est très naturaliste (énormément de caméra à l'épaule) et m'a semblé parfois un peu lassante. Enfin, ça donne quand même une représentation un peu différente des représentations usuelles et ça me semble déjà bien tant ce sujet donne lieu à des représentations tordues et pénibles (zones de non-droit, etc.).

John Carpenter : The fog        1980


J'ai pas mal aimé ce Carpenter, même si je dois avouer qu'il est un peu inégal mais j'ai trouvé qu'il arrivait à installer de manière très crédible une ambiance : le film commence par une introduction autour d'un feu de camp avec un grand-père qui raconte une histoire de fantômes. On apprend ensuite que les fondateurs de la ville d'Antionio Bay (là où se déroule l'action) ont sciemment pillé et coulé un bateau de lépreux, dégoûtés par le fait que des lépreux puissent s'installer ici ; ils fondent ensuite la ville et son église avec l'argent pillé ; le sous-texte politique est très clair - même si le fait que ce soient des lépreux est un peu maladroit. Les victimes reviennent alors sous la forme d'un épais brouillard, menaçant la ville entière ; j'ai beaucoup aimé l'utilisation du brouillard, ça permet pas mal de choses - et ça donne de très belles choses d'un point de vue des lumières. Plus généralement, d'un point de vue de la composition des plans, de la photo et des lumières, j'ai trouvé ça vraiment bien et j'ai trouvé que les scènes où la femme tenant une radio locale (interprétée par Adrienne Barbeau) qui est comme coupée de tout fonctionnent bien en terme d'ambiance. C'est sans doute à l'heure actuelle (après The thing, peut-être) mon Carpenter favori même s'il y a tout de même une perte de vitesse après la première demi-heure du film.

Sophie Letourneur : La vie au ranch        2009

 /   +
Il s'agit du premier long-métrage de la réalisatrice Sophie Letourneur, on retrouvera le même format dans les réalisations qui suivront (notamment Le marin masqué et surtout Les coquillettes), mais heureusement, elle s'en éloignera un peu pour Gaby baby doll et le résultat est déjà nettement plus intéressant - je n'ai pas encore vu Énorme mais rien qu'en voyant le sujet du film, ça laisse présager du pire ; on verra bien d'ici-là. Dans La vie au ranch, on suit plusieurs étudiantes vivant à Paris, leurs soirées, leurs discussions autour d'un café, leurs aventures et tout cela se fait de manière très discontinue (encore plus que dans les deux autres sus-cités), sans qu'il n'y ait véritablement de fil directeur ; du coup, ça devient assez vite ennuyeux, surtout que le volume sonore est constamment assez élevé. Le seul point intéressant dans ce film, à mon sens, c'est qu'il n'est pas caricatural lorsqu'il représente des soirées étudiantes, il arrive vraiment à saisir quelque chose mais ça fait tout de même un intérêt assez mince, au final ; difficile de tenir jusqu'au bout - le film ne dure pourtant qu'une heure et demi.

Jean-Claude Biette : Le théâtre des matières        1977

 +
Je découvre Biette avec ce film - qui est d'ailleurs son premier film - et j'ai trouvé ça vraiment singulier et intéressant ; c'est d'ailleurs à l'heure actuelle le film (co)produit par Diagonale que j'ai trouvé le plus intéressant. On suit les aventures d'une troupe de théâtre (appelé le théâtre des matières) et notamment de son chef de troupe et d'une des comédiennes ; tous deux sont d'anciens instrumentistes et ont de nombreuses discussions sur Furtwängler et Désormière et notamment sur leur rapport au texte - qui est une thématique importante au théâtre mais également au cinéma. C'est peut-être un peu littéral mais j'ai eu l'impression que les personnages étaient ici comme des instruments, et le discours du film est vraiment d'ordre musical : il n'est pas rare que plusieurs personnages parlent simultanément et parfois, l'on met l'un en relief puis l'autre mais sans que cela réponde à une logique véritablement dramatique ; il y a également ça dans la profondeur de champ et de la composition des plans ; j'ai trouvé ce parallélisme véritablement abouti, notamment dans l'utilisation de ce plan de pleine lune comme un tacet orchestral. J'ai également trouvé les dialogues assez drôles ; ce que je regrette un peu, c'est que le film ne parle du coup pas de grand-chose de plus que ces considérations sur la recherche d'un nouveau langage cinématographique - qui est assez saisissant, bien sûr. Hâte de découvrir d'autres films de Biette pour voir s'il réutilise ce langage d'inspiration musicale.

C'est le seul film de Biette que j'ai vu mais je me souviens l'avoir adoré!

(C'est sur MUBI que tu l'as trouvé?)

Benedictus a écrit:

C'est le seul film de Biette que j'ai vu mais je me souviens l'avoir adoré!

(C'est sur MUBI que tu l'as trouvé?)

Non, réserve personnelle.   Ça avait été mis en ligne temporairement par la Cinémathèque - ils avaient aussi mis en ligne Le champignon des Carpathes.

J'ai quelques autres Biette en stock, en espérant que ce soit aussi bien.

Margaux Bonhomme : Marche ou crève        2018


Il s'agit du premier long-métrage de la réalisatrice et directrice de la photographie Margaux Bonhomme, il est inspiré de son enfant et notamment de sa relation avec sa sœur. On suit Élisa, dix-sept ans, vivant avec sa famille dans le Vercors que sa mère à quittée, elle est donc avec son père et sa sœur polyhandicapée ; le film comporte deux pôles : l'un avec la vie en dehors de la maison d'Élisa et l'autre avec sa vie à la maison. Le film nous parle donc de la vie avec une personne polyhandicapée (sans que ce soit "c'est horrible !!!" ni que ce soit un truc bien cringe comme dans certaines comédies françaises où c'est presque "bah ça n'a finalement aucune répercussion que tu sois (poly)handicapé(e)"), la vision est assez contrastée et il est bien sûr également question des structures d'accueil et le film porte un regard assez critique dessus, notamment sur le fait que ce soit trop générique et pas assez adapté aux personnes ; le film a quelques beaux moments mais j'ai globalement trouvé ça assez bancal car tout le pôle autour de la vie d'Élisa semble être là de manière très artificielle (et pour créer cette tension du "va-t-elle laisser tomber sa sœur pour sa vie ??"), comme si c'était un contrepoint obligé à la vie à la maison ; en plus, quasiment aucune trajectoire intéressante ne s'y dessine et la façon assez naturaliste de filmer rend ce pôle encore plus anecdotique.

En hommage à Gaspard Ulliel :

F3 rediffuse en ce moment Un long dimanche de fiançailles

Vendredi 21 à 21 heures : Juste la fin du monde sur ARTE

dimanche 23 à 21 heures : Sybill sur F2

luisa miller a écrit:

En hommage à Gaspard Ulliel :

F3 rediffuse en ce moment Un long dimanche de fiançailles

Vendredi 21 à 21 heures : Juste la fin du monde sur ARTE

dimanche 23 à 21 heures : Sybill sur F2

Dommage qu'ils ne passent pas Saint Laurent de Bonello qui est un très très grand film.

@Emeryck
Tu vois combien de films dans l'année?

Emeryck a écrit:

Dommage qu'ils ne passent pas Saint Laurent de Bonello qui est un très très grand film.

Ah oui? Mieux que l'autre biopic sur Saint Laurent?

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

Dommage qu'ils ne passent pas Saint Laurent de Bonello qui est un très très grand film.

Ah oui? Mieux que l'autre biopic sur Saint Laurent?

Je ne l'ai pas vu mais c'est apparemment clairement plus inspiré et le point de vue n'est pas du tout le même : il me semble que le film de Lespert est plutôt un biopic conventionnel alors que le film de Bonello est assez libre, les costumes sont superbes et j'adore (peut-être que ça te gonflera, je ne sais pas) la manière dont il dépeint la trajectoire de Saint-Laurent qui devient Saint Laurent (  ), qui s'extrait un peu au monde, comparé à Bergé qui est plus dans les procédures, etc. Résumé comme ça, cela peut sembler cliché (au sens l'artiste-génie qui transcende toute existence matérielle pour devenir un pur esprit) mais en fait, je trouve que c'est fait sans lourdeur et avec beaucoup d'idées visuelles. De manière générale, je trouve que Bonello est de toute façon un des réalisateurs français les plus intéressants à l'heure actuelle - en tout cas parmi ceux que je connais. Il me semble que tu avais bien aimé L'Apollonide : souvenirs de la maison close, non ?

Rubato a écrit:

@Emeryck
Tu vois combien de films dans l'année?

Ça dépend des années, ça traîne toujours entre 400 et 500.

Emmanuelle Cuau : Pris de court        2017

 +
Ce film semble assez mal aimé - en tout cas assez mal noté - mais personnellement, je ne l'ai pas trouvé si mauvais. Virginie Efira joue le rôle d'une bijoutière qui a fraîchement quitté le Canada pour la France après s'être séparée de son mari, elle arrive donc à Paris avec ses deux enfants ; un poste dans une bijouterie lui passe sous le nez ; pour gagner tout de même sa vie, elle accepte un poste de serveuse mais ne le dis pas à ses enfants et le plus grand va le remarquer et le film va raconter l'histoire d'un engrenage indéfectible. Je pense que le film est assez mal aimé parce que son scénario est parfois assez improbable mais j'ai trouvé que l'indéfectibilité de l'engrenage avait une prise très concrète sur le récit qui était comme coupé de sa prise avec la vraisemblance pour ne devenir que tension, et de ce point de vue, je trouve le film assez réussi et assez prenant ; j'ai aussi aimé le jeu d'Efira (et sa coupe à la Gena Rowlands en peut-être moins capilairement volumineux) et la symétrie initiale entre l'aîné et la mère.

Emeryck a écrit:

(peut-être que ça te gonflera, je ne sais pas)

Possible, mais comme tu en dis du bien, je vais au moins essayer celui-là.

Emeryck a écrit:

Il me semble que tu avais bien aimé L'Apollonide : souvenirs de la maison close, non ?

Disons que j'avais été très agréablement surpris.

Emeryck a écrit:

Rubato a écrit:

@Emeryck
Tu vois combien de films dans l'année?

Ça dépend des années, ça traîne toujours entre 400 et 500.

Ah oui!

Il n'y a pas longtemps j'en regardais plus de 300...en fait c'était pratiquement 1 par jour.

Emeryck a écrit:

luisa miller a écrit:

En hommage à Gaspard Ulliel :

F3 rediffuse en ce moment Un long dimanche de fiançailles

Vendredi 21 à 21 heures : Juste la fin du monde sur ARTE

dimanche 23 à 21 heures : Sybill sur F2

Dommage qu'ils ne passent pas Saint Laurent de Bonello qui est un très très grand film.

En effet c'est dommage, mais c'est ainsi. Cela étant dit, j'ai apprécié de revoir ce beau film qu'est Un long dimanche de fiançailles ; même si j'aurais préféré le revoir dans d'autres circonstances

Benoît Jacquot : Eva        2018

 
Ce film prend pour point de départ le même roman que Eva de Losey, simplement le premier fait un film d'une rare nullité là où le second réussit à pondre un film un peu cliché et pas formidable mais qui est certainement moins un raté que le Jacquot. Ici - comme à son habitude, finalement - Jacquot dépouille complètement l'histoire, ce qui fait qu'il ne reste plus rien d'intéressant et ce qu'il reste ne va absolument nulle part, les dialogues sont complètement insignifiants ; pour donner une idée du degré de ratage : des acteurs de la trempe de Huppert et de Ulliel n'arrivent même pas à rendre le truc passable. Je ne parle même pas des thématiques (outrageusement cliché) qui ressortent du film : Ulliel joue le rôle d'un écrivain sans inspiration (original !) qui a volé une pièce à un de ses clients mort chez lui, Huppert campe le rôle d'une prostituée froide/mystérieuse/femme-fatale (des personnages complètement inédits, en somme !) et ils vont entamer une relation ; le film est vraiment en mode "trop mystérieuse cette femme... violence en sourdine..." et ça devient vite pénible, assez problématique également et puis la subtilité, je crois qu'elle est morte dès le premier plan avec le client du personnage d'Ulliel ; de loin le pire film de Jacquot.

Rubato a écrit:

Emeryck a écrit:

Rubato a écrit:

@Emeryck
Tu vois combien de films dans l'année?

Ça dépend des années, ça traîne toujours entre 400 et 500.

Ah oui!

Il n'y a pas longtemps j'en regardais plus de 300...en fait c'était pratiquement 1 par jour.

Oui, je me souviens que tu postais des fois dans ce fil. Ça ne te plaît plus ? ou peut-être n'as-tu plus le temps.

Revu (ou vu pour les Témoins) quelques Téchiné ces temps derniers

> Hôtel des Amériques
Autant aimé que la première fois. Emeryck, de mémoire, avait insisté sur la prégnance des lieux. Pour être un peu pompeux, on pourrait aussi dire l'impossibilité de prendre place (jamais là où il faut, entre lieux rendus inhabitables, de passage ou fantasmés). Vraiment fort, Techiné bizarrement ne semble n'avoir rien à en dire dans le "bonus" (j'avais envie de réunir Deneuve et Dewaere…)
> Les témoins
Beau film, et Michel Blanc remarquable. Les débuts du Sida, sans complaisance.
> Ma saison préférée
Je sais pas quoi en penser.
> Les roseaux sauvages
Certaines opposition frontales (la cellule du PC comme cible ratée de l'attentat du jeune sympathisant OAS, et pourtant l'amour qui en éclot), m'avaient moins marqué à première vision. Mais Téchiné va vraiment au delà et donne une vraie profondeur à ces conflits. Les déchirures en ces lieux filmés souvent de façon radieuse, la vie "à fleur" de ces adolescent·e·s, en font toujours pour moi un film vraiment superbe.