Votre dernier film visionné

Claude Zidi : La course à l'échalote        1975

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Ce film marque la deuxième collaboration entre Pierre Richard et Claude Zidi - après La moutarde me monte au nez -, rien de très surprenant : il joue le rôle d'un employé de banque qui se retrouve à remplacer le directeur ; dans les coffres de la banque, un homme vient déposer un contrat de vente à blanc qui est ensuite subtilisé par une femme prétextant accéder à son coffre, tout le film va ensuite se construire sur la recherche de la valise contenant le fameux document. Comme on s'en doute, le film n'est pas extrêmement passionnant mais je l'ai trouvé assez drôle et dynamique, j'ai aussi trouvé que la scène avant la fin était assez drôle et bien ficelée : le personnage de Pierre Richard se retrouve dans un théâtre pour récupérer la fameuse mallette qui se trouve dans l'une des colonnes antiques du décor, du coup, il décide de toutes les casser une par une et les gens croient que ca fait partie du spectacle : ils envoient ensuite tour à tour des policiers puis le diable, c'est assez amusant.

lulu a écrit:

xoph a écrit:

Sinon, tu es passé en mode iconoclaste ?

quelque chose me dit que tu as une extension qui bloque les traqueurs externes (ici bing).

c'est un long long chemin…
je me suis peut-être emmêlé les pinceaux (mais rien de très nouveau, je me les emmêle souvent, non je voulais dire Firefox+Ublock, et récemment duckduckgo comme moteur de recherche par défaut). Je regarde, merci.

PS : La course à l’échalote est bien imagée

Emeryck a écrit:

xoph a écrit:

Emeryck a écrit:

Léa Mysius : Ava        2017
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[…] Il s'agit du premier long-métrage de la réalisatrice Léa Mysius […]

J'avais aussi aimé ce film, tu en conseilles d'autres ?
Sinon, tu es passé en mode iconoclaste ?

En fait, elle n'a pour l'instant réalisé que deux films : son dernier film (Les cinq diables) est actuellement en salles. Sinon, elle a participé au scénario de Les olympiades de Jacques Audiard - avec Céline Sciamma et le réalisateur - ; je pense que tu aimerais ce film, je ne sais pas si tu l'as déjà vu.

C'est noté
Les Olympiades sont au programme d'autant plus que je suis presque "pays".

Carine Tardieu : Du vent dans mes mollets        2012

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Je ne connaissais pas du tout cette réalisatrice et je me suis procuré ce film un peu au hasard - sans doute en raison du casting : Jaoui, Podalydès. En fait, il s'agit d'un film dont les personnages principaux sont des enfants ; le début est assez déconcertant puisqu'il nous confronte d'emblée à des parents assez angoissés ; ensuite, le film devient plus paisible et détendu, parfois même bien drôle. La relation entre les deux filles est assez touchante ; la mise en scène est également bien dynamique et plutôt inventive ; cela dit, j'ai trouvé que le film se perdait un peu, car finalement, même s'il est assez joli et émouvant, rien n'est vraiment poussé à fond - c'est à mon avis parce qu'il lance trente-six-mille sujets à la fois.

Emeryck a écrit:

Carine Tardieu : Du vent dans mes mollets        2012

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Je ne connaissais pas du tout cette réalisatrice et je me suis procuré ce film un peu au hasard - sans doute en raison du casting : Jaoui, Podalydès. En fait, il s'agit d'un film dont les personnages principaux sont des enfants ; le début est assez déconcertant puisqu'il nous confronte d'emblée à des parents assez angoissés ; ensuite, le film devient plus paisible et détendu, parfois même bien drôle. La relation entre les deux filles est assez touchante ; la mise en scène est également bien dynamique et plutôt inventive ; cela dit, j'ai trouvé que le film se perdait un peu, car finalement, même s'il est assez joli et émouvant, rien n'est vraiment poussé à fond - c'est à mon avis parce qu'il lance trente-six-mille sujets à la fois.

J'en garde de mon côté un très bon souvenir (un peu flou, il est vrai)

Pawel Pawlikowski
Cold War

Magnifique. La musique tient un rôle essentiel, pas simplement l'aria des Goldberg, ici bienvenue (Gould 81), dans ces redites d'amour en boucle. Mais plus sûrement encore dans la permanence et mutation, de l'est à l'ouest à l'est, et au fil du temps, du matériau folklorique (ou "Fakelore" selon Pawlikowski - on pense à l'ethnomusicologie de Bartók au début*, jusqu'à la variètoche), qui traverse cette "guerre froide".
Beaucoup de points communs avec Ida, d'un point de vue de formel (noir et blanc, 4X3, cadrage oppressant en frange basse de l'écran), ou mises en perspective (la Pologne après-guerre, et une façon parfois elliptique et pourtant très parlante de nous faire entrer dans l'histoire) ; tout aussi fort.

* Les scènes d'enregistrement sur le vif de chants populaires "authentiques"

xoph a écrit:

Pawel Pawlikowski
Cold War

Magnifique. La musique tient un rôle essentiel, pas simplement l'aria des Goldberg, ici bienvenue (Gould 81), dans ces redites d'amour en boucle. Mais plus sûrement encore dans la permanence et mutation, de l'est à l'ouest à l'est, et au fil du temps, du matériau folklorique (ou "Fakelore" selon Pawlikowski - on pense à l'ethnomusicologie de Bartók au début*, jusqu'à la variètoche), qui traverse cette "guerre froide".
Beaucoup de points communs avec Ida, d'un point de vue de formel (noir et blanc, 4X3, cadrage oppressant en frange basse de l'écran), ou mises en perspective (la Pologne après-guerre, et une façon parfois elliptique et pourtant très parlante de nous faire entrer dans l'histoire) ; tout aussi fort.

* Les scènes d'enregistrement sur le vif de chants populaires "authentiques"

Je préfère assez nettement ce film à Ida : je trouve que ce film est beaucoup plus emporté (presque lacunaire) et c'est vraiment beau.

Martin Scorsese : The king of comedy        1982


Ce film vient juste après Raging bull dans la filmographie de Scorsese, autrement dit : rien à voir. De manière générale, ce film n'a à peu près rien à voir avec les films qui le précèdent (et a d'ailleurs été un échec cuisant à sa sortie) - à ceci près que de Niro joue le personnage principal. Il joue ici le rôle d'un homme monomaniaque qui aimerait absolument percer dans le milieu de la télé ; un jour, alors qu'il a réussi à s'introduire dans la voiture d'un présentateur de talk-show très reconnu (interprété par Jerry Lewis), il lui soumet ses velléités auxquelles le présentateur répond par un blabla assez générique mais qui suffit à faire croire au gars que le présentateur veut le faire passer dans son émission, etc. ; il va donc harceler ses secrétaires puis aller jusqu'à kidnapper le présentateur avec une fanatique bien cringe ; cela rappelle bien sûr Joker de Todd Philips - où de Niro joue d'ailleurs le rôle du présentateur connu - mais j'ai préféré le film de Scorsese dont la tonalité est moins empesée. En fait, j'ai bien aimé la tonalité à la fois comique et grinçante mais en restant à la fois assez léger : je pense que cela repose pas mal sur le fait que les différents espaces du film ne soient pas très cloisonnés - que ce soient les espaces physiques ou les espaces mentaux - et on passe du coup d'un espace à l'autre de manière très mobile ; le jeu des acteurices est vraiment très convaincant - de Niro en tête - et certaines scènes sont vraiment belles. Je crois qu'on a rarement fait un personnage aussi pathétique au cinéma : il est complètement obsédé par lui-même, croit être hyper drôle alors que non, il a des costumes improbables, il ne se rend compte de rien - alors que a contrario, même la femme qui est fan du présentateur se rend compte qu'il délire -, il vit encore chez sa mère et surtout personne ne le respecte : un des gimmick du film repose sur le fait que tout le monde écorche son nom de famille et personne ne sait qui il est. Je trouve dommage que ce film soit éclipsé derrière les films de mafieux lorsque l'on évoque la filmographie de Scorsese.

Emeryck a écrit:

xoph a écrit:

Pawel Pawlikowski
Cold War

Je préfère assez nettement ce film à Ida : je trouve que ce film est beaucoup plus emporté (presque lacunaire) et c'est vraiment beau.

Je sais pas. J'ai beaucoup aimé Ida aussi : le personnage de la tante ; l'histoire sombre de la Pologne en guerre en filigrane, et des persécutions à l’égard des juifs ; la mémoire en construction d'Ida et ses pulsions de vie en regard du dénouement. Et formellement, sans doute plus strict et presque raide mais très fort : il a vraiment une façon particulière de filmer les personnages en bas du cadre, visée au milieu, presque pas de déformation des perspectives architecturales qui rendent un côté à la fois monumental, oppressant et paradoxalement font entrer un "ailleurs" dans le cadre ; ou les blancs-gris d'Ida (Pawlikowski dit que pour Cold War, il a un peu poussé les noirs et blancs pour les scènes parisiennes, et je trouve que ça se voit un peu, au risque de devenir spectaculaire ou admirable, c'est selon).
Mais en tout cas ces deux films sont très prenants et aboutis, et me donnent très envie de poursuivre dans sa filmographie (en couleur pour les autres films je crois)

PS :

City Hall - Harold Becker - 1996



Pas le pire du genre.

Jeanne Balibar : Merveilles à Montfermeil        2019


Il s'agit du premier film réalisé par Jeanne Balibar jusque-là connue comme actrice - elle avait déjà coréalisé un film sur le théâtre avec un homme mais c'est tout ; le film a mis sept ans à se monter et le résultat est pour le moins… déconcertant : le film prend le contrepied de tout ce que l'on pourrait attendre puisqu'il part de situations génératrices de problèmes (qui seront alors à résoudre et feront plus ou moins l'objet du film) qui sont ici la gestion d'une commune avec plusieurs quartiers laissés un peu à l'abandon et aussi un divorce tout frais (en cours ?) entre deux personnes travaillant à la mairie ; cela pourrait être intéressant mais cela pose immédiatement une difficulté : comment faire avancer le film ? On pourrait opposer à la logique causale de résolution des problèmes un principe selon lequel on se focalise sur l'événement pris comme un point singulier - un peu comme un énoncé à la Foucault - et on en fait un traitement presque combinatoire en usant de la variation ; ici, c'est un peu ce qu'il se passe sauf que le film ne traite pas les évènements : ils s'amoncèlent, dessinent leur propre logique (cf. les différentes journées établies au début du film qui lui servent presque d'axiomes) mais on ne comprend (forcément) vraiment pas grand-chose d'un point de vue global et on se pose donc nécessairement des questions sur la longueur du film - pourquoi s'arrêter là ; il y a également quelques tentatives d'esquisse de différents temps  - qui ne soient pas d'essence dramatique, donc - notamment à travers les scènes chorégraphiées ou les scènes presque immobiles. La distribution est un peu à l'image du film : Balibar, Amalric, Béart, Ramzy, Katerine, Bajon, Ogier, Loiret-Caille. En tout cas, je trouve la tentative du film assez intéressante (même si elle n'est pas très réussie) et trouve dommage le lynchage qu'a subi le film - avec un peu de misogynie au passage parfois du genre "ah oui, c'est le premier film de Balibar bah j'espère que ce sera le dernier" - moi, je ne me suis pas ennuyé et n'ai pas trouvé le film désagréable même si je n'y ai pas compris vraiment grand-chose.

Tony Richardson
Un goût de miel

J'ai beaucoup aimé tout le début du film et son côté burlesque (les réparties acides, la vivacité du ton, la musique comme ponctuation), malgré la misère crasse, qui fait penser au cinéma muet et à Chaplin. Moins la seconde partie : le lien entre l'ami homosexuel, figure maternelle, et cette jeune femme désemparée d'être fille, d'être mère, fille-mère comme on disait (qui plus est d'un enfant métis - on est autour de 1960), a du mal à prendre forme. Le retour de la mère comme figure de protection et d'enfermement (où l'histoire se rejoue presque à l'identique entre mère et fille, sans échappatoire) est terrifiante.
Très beau film néanmoins (même si c'est pas pour moi le choc de la solitude du coureur de fond). La présence de l’univers industriel d'après-guerre est particulièrement prégnante, sans être jamais démonstrative.

http://www.lebleudumiroir.fr/critique-un-gout-de-miel-richardson/

Oui un très beau film, je préfère d'assez loin les œuvres de Reisz, Richardson, et Anderson, et, même s'il est un peu à part, Schlessinger* à celle de la nouvelle vague française à la même époque. Formellement c'est nettement plus sage, mais il y a justement une poésie très émouvante qui surgit dans ce cadre plus classique mais surtout beaucoup durement et concrètement réaliste.
De Richardson le plus beau pour moi c'est La Solitude du coureur de fond!


* Un réalisateur qui a fait quelques classiques américains mais qu'on cite assez peu comme un "auteur" alors qu'il me parait tout a fait remarquable avec un ton bien distinctif, Billy le menteur est un chef d’œuvre, A Kind of Loving et Darling sont très beau aussi mais peut être un cran en dessous. Sa carrière américaine, au début, est quand même meilleure que celle de Richardson (entre autre) et il a au moins fait un autre très grand film (Sunday Bloody Sunday). Ses dernières œuvres sont plutôt conventionnel dans leur classicisme, mais je recommande pour ceux qui peuvent se passer de sous-titre le téléfilm A Question of Attribution, sur Anthony Blunt (James Fox) historien de l'art éminent et agent double soviétique, et notamment son dialogue a double sens avec la reine (Prunella Scales), merveille  d'ironie, ou toutes la question est de savoir si la reine est au courant ou non de la trahison de Blunt. Pas un chef d’œuvre mais pour les acteurs et l'écriture c'est à voir.

Oui d'accord pour la "poésie très émouvante qui surgit dans ce cadre plus classique" (et d'accord pour la solitude du coureur de fond)

Comme tu connais très bien ce cinéma visiblement, je serais curieux de savoir ce que tu penses de Bill Douglas (dont j'ai l'impression que l'on pourrait le rattacher à ce "free cinéma", que je connais peu ceci dit, ou un peu mieux par son legs - je pense à Andrea Arnold, dont j'imagine mal qu'elle n'aurait pas été s'y nourrir, et Ken Loach bien sûr)

Yves Robert : Courage fuyons        1979

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Dans la filmographie d'Yves Robert, ce film vient juste après son diptyque de la bande de copains et s'il chasse la multiplication des personnages principaux - enfin, relativement car le personnage interprété par Rochefort est toujours plus au centre du film que les autres -, il en reprend finalement peut-être d'une certaine manière un peu la tonalité : Rochefort joue ici le rôle d'un pharmacien qui, après mai 68, trompe sa femme avec une chanteuse (interprétée par Catherine Deneuve) qu'il a rencontré au détour d'une manifestation dans laquelle il a été pris malgré lui ; il s'invente une vie d'auteur de roman policier et la suit à Amsterdam où elle est en résidence pour trois mois dans un hôtel. Ce qui ressort le plus du personnage de Rochefort, c'est le fait que ce soit un peureux pas très courageux (cela amène parfois à des situations assez amusantes, notamment durant les scènes à moto) mais je crois que ce que j'ai aimé le plus, ce sont les concours de circonstances (qui sont les principaux moteurs du récit - et quasiment les seuls) et j'ai trouvé les dialogues assez bien écrits ; en plus, les scènes nocturnes dans les rues d'Amsterdam sont assez belles - c'est presque un pendant moderne aux scènes nocturnes de Le notti bianche de Visconti. Je regrette cependant un peu que le type de rôle que joue Rochefort ressemble beaucoup à celui/ceux qu'il joue dans les deux films précédents - jusque dans l'utilisation de la voix-off plutôt ironique ; cela dit, mention spéciale pour le blouson en cuir qu'il porte : une tête de tigre aux dents roses cousue dans le dos, c'est quand même bien improbable.

Judd Apatow : The king of staten island        2020

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J'avais jusque-là entendu parler d'Apatow dans le film 2 automnes, 3 hivers de Sébastien Betbeder, je n'avais pas encore vu un seul de ses films ; celui-ci est le dernier en date, d'une tonalité apparemment un peu différente du reste de sa production. J'ai trouvé ce film pas mal : il ne fait pas appel à beaucoup de personnages ni à énormément de thèmes, cela lui évite de se perdre en chemin et je trouve que cela fonctionne bien car les personnages sont tous assez singuliers et équilibrés ; parfois difficile à aimer au début (surtout le personnage du nouveau copain de la mère) mais finalement, on y vient ; en fait, j'ai aimé l'évolution des différents personnages - qui est assez lente mais l'aboutissement est beau : le modèle derrière lequel la mère essayait de cacher le père (pompier irréprochable ayant péri en héros) a sans doute mené à une grande pression sur le fils (ne pas être aussi exemplaire que son père, modèle difficile à atteindre, etc.) et tous les personnages interagissent. J'ai également aimé le rôle important que jouait le tatouage dans le film : le fils veut ouvrir un bar-salon-de-tatouage, passe son temps à tatouer ses amis (même s'il n'est pas très bon), veut percer dans le milieu - et à la fin, assez contrastée (à la fois un peu solennelle parce qu'elle marque le rapprochement entre le fils et le nouveau copain de sa mère mais également comique parce que le fils lui a désobéi) ; lui qui ne "sait pas exprimer ce qu'il ressent", cela lui permet de s'exprimer sans parole et d'avoir un impact indélébile - au sens propre : comme s'il s'agissait d'une sorte de journal intime morcelé ; les acteurices sont vraiment pas mal, iels contribuent significativement à rendre l'atmosphère du film crédible ; je regrette par contre que le film soit aussi long (je pense qu'il aurait été possible d'écourter un peu le début - même si l'effet slow-burning aurait peut-être un peu moins bien marché).

Tout comme toi j'avais été appâté par Apatow suite au visionnage de 2 automnes, 3 hivers. J'en ai vus quelques-uns dont The king of staten island, que j'ai malheureusement pas aimé (mieux que Crazy Amy néanmoins). Ce n'est pas le caractère touchant, faible et transgressif du personnage principal qui me choque, mais la morale initiatique, très conformiste, qui sous-tend le film. Autrement dit : "La délicate reconstruction identitaire de son héros" selon Les Échos ou "[le] récit initiatique pudique et émouvant sur un jeune homme qui apprendra peut-être à se réconcilier avec ses proches et, surtout, avec lui-même" selon Marianne, m'ont surtout l'air de mettre à plat toute charge un peu virulente (on n'est pas chez John Waters). Mais je suis peut-être passé à côté, ou suis encombré de visières idéologiques de dinosaure. Prosopus aime bien aussi, il me semble.

PS :

dinosaure:

xoph a écrit:

Tout comme toi j'avais été appâté par Apatow suite au visionnage de 2 automnes, 3 hivers. J'en ai vus quelques-uns dont The king of staten island, que j'ai malheureusement pas aimé (mieux que Crazy Amy néanmoins). Ce n'est pas le caractère touchant, faible et transgressif du personnage principal qui me choque, mais la morale initiatique, très conformiste, qui sous-tend le film. Autrement dit : "La délicate reconstruction identitaire de son héros" selon Les Échos ou "[le] récit initiatique pudique et émouvant sur un jeune homme qui apprendra peut-être à se réconcilier avec ses proches et, surtout, avec lui-même" selon Marianne, m'ont surtout l'air de mettre à plat toute charge un peu virulente (on n'est pas chez John Waters). Mais je suis peut-être passé à côté, ou suis encombré de visières idéologiques de dinosaure. Prosopus aime bien aussi, il me semble.

PS :

dinosaure:

Oui, je me souviens que tu avais vu quelques-uns de ses films il y a plusieurs mois. Concernant The king of staten island, je ne comprends pas quelle est la "morale initiatique, très conformiste, qui sous-tend le film" et ne suis pas d'accord avec les deux commentaires en-dessous : je trouve qu'il n'est pas tellement question de reconstruction puisqu'à la fin, on sait juste qu'il a appris la vérité sur son père et qu'il s'est (plus ou moins) rabiboché avec le copain de sa mère ; justement, le film pourrait être très moralisateur concernant le personnage principal en disant "vous avez vu, c'est un junkie fainéant" et le rendre complètement clean à la fin alors qu'en fait, ce n'est pas la question - en plus, je trouve que l'expression se renconcilier avec lui-même est très vague : il a juste appris à davantage gérer le deuil de son père. Quant à la virulence, oui, c'est sûr mais j'ai eu l'impression que c'était pas tellement l'intention d'Apatow dont le cinéma - mais j'en ai une expérience très partiale - me semble très 90's, peut-être un peu du côté d'une hybridation entre Linklater et Araki, alors que Waters est très late 70's voire 80's.

C'est quand même un peu l'histoire d'une rédemption, et s'il elle n'est pas au son du clairon, elle l'est sous le jet des lances de pompier (bon, j'ai pas beaucoup aimé les scènes de "bizutage" en caserne), et d'adhésion à des saines valeurs collectives (la figure du père en héros-fragile ne faisant d'après moi que conforter cet aspect). J'ai certainement trop vu le film sous l'angle d'une fable allégorique (ce qu'il n'est qu'en partie), alors que tu as été sensible à la façon de faire entrer dans l'intimité de ce personnage attachant. Mais je travaille à ouvrir un peu l'angle de mes œillères…

xoph a écrit:

Oui d'accord pour la "poésie très émouvante qui surgit dans ce cadre plus classique" (et d'accord pour la solitude du coureur de fond)

Comme tu connais très bien ce cinéma visiblement, je serais curieux de savoir ce que tu penses de Bill Douglas (dont j'ai l'impression que l'on pourrait le rattacher à ce "free cinéma", que je connais peu ceci dit, ou un peu mieux par son legs - je pense à Andrea Arnold, dont j'imagine mal qu'elle n'aurait pas été s'y nourrir, et Ken Loach bien sûr)

J'aime beaucoup Bill Douglas!
Je ne sais pas si je le rattacherait complétement au free cinema, cependant, même si ils ont en commun les sujets sociaux. Douglas parle de son enfance directement, là ou les Richardson, Anderson, Reisz sont tous issu de milieu plutôt privilégiés et adaptent souvent des romans ou des pièces de théâtre. Stylistiquement il à un côté "bressonien" (pour le côté dépouillé) qui me parait très différents de la British New Wave et des documentaires du Free Cinema.

Le plus proche de Douglas dans le cinéma britannique ça serait Terence Davies lui aussi auteur d'une trilogie de moyens métrages autobiographiques (mais dans son cas ce n'est pas du tout un cinéma dépouillé en revanche, et si c'est très beau c'est aussi l'une des œuvres les plus déprimante que j'ai jamais vu).

Ken Loach, André Arnold bien sur. Mais Loach c'est aussi surtout indissociable de la TV anglaise, surtout à ses débuts, et de sa vitalité radicale (et même expérimentale) dans les années 60-70.

Merci pour tes infos et éclairages, qui me donnent des pistes.

Sur Bill Douglas, on fait parfois le rapprochement avec François Truffaut, pour des raisons plutôt peu convaincantes (l'enfance, le double du réalisateur : Léaud chez Truffaut, ou Stephen Archibald pour Douglas, le noir et blanc des 400 coups), qui le rapprocherait de la nouvelle vague française à laquelle tu faisais référence. Je me suis promis de voir Comrades, pas facile à trouver (si ce n'est à la médiathèque François Truffaut justement).

La trilogie de Terence Davies "l'une des œuvres les plus déprimantes que j'ai jamais vue", j'attends un peu de me remettre de la trilogie de Douglas

Pour celles ou ceux qui ne connaîtraient pas Bill Douglas : un bon article de Gérad Lefort sur sa trilogie, en 2013 dans Libération
https://www.liberation.fr/cinema/2013/12/17/bill-douglas-le-visage-des-damnes_967208/

extraits:

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Romain Cogitore : L'autre continent        2019

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Comme beaucoup de films de cette année-là, je l'avais découvert par sa bande-annonce - et comme beaucoup de films de cette année-là (mais un peu moins) - je l'avais manqué ; il m'avait pas mal intrigué car je ne connaissais pas le réalisateur, il était distribué par Sophie Dulac et la bande-annonce elle-même m'avait intrigué. En fait, j'ai été assez déçu car le film a clairement des éléments intéressants mais d'autres beaucoup plus lourd et il n'avance finalement pas tellement. Le film commence à Taiwan, une jeune femme d'une trentaine d'années guidant des touristes parlant le français, l'anglais, le néerlandais et le mandarin rencontre par hasard un homme qui guide également des touristes ; sans grande originalité, ils tombent assez rapidement amoureux l'un de l'autre sauf que l'homme tombe gravement malade et devient assez diminué mentalement - il perd notamment un peu la mémoire, qui était quasiment ce qui le définissait lors de son introduction. Ce que j'ai trouvé intéressant, c'est l'effort que faisait le film pour rendre palpable une relation amoureuse (et interpersonnelle de manière générale, en fait) : les personnages parlent tous les deux au moins quatre langues et passent régulièrement (et sans crier gare) d'une langue à l'autre, il en résulte qu'ils créent en quelque sorte leur propre langage comme conglomérat des différents langages qu'ils parlent tous les deux, comme pour mieux transcrire certains états ; il y a également un aspect - sur lequel je suis un peu plus dubitatif, cependant - : le film a des scènes en Asie (Taïwan ? Chine ?) et d'autres en Europe, il y a également des plans qui sont comme des pauses où il n'y a pas de personnages identifiables (parfois des images d'origine médicale et parfois des images urbaines), toutes ces images concourent à la création d'une sorte d'espace absolu de la relation (sur cet aspect, on pense aux films qu'Alain Resnais a tourné jusqu'à la fin des années soixante) ; cet aspect m'a moins convaincu car je le trouve un peu convenu (déplacement d'une intrigue dans des contrées lointaines pour l'universaliser (et pour contrer la censure à certaines époques)  - en plus, je ne trouve pas ce raisonnement terrible) et il ne fait qu'accumuler des éléments au lieu de les déployer, de les articuler les uns avec les autres ; en plus, la logique selon laquelle "l'autre continent" c'est l'Autre (d'où la majuscule) est un peu ronflante - et cringe sur les bords... Malgré tout, il y a quelques belles séquences, la photo est assez soignée et j'ai aimé certaines séquences avec la voix-off : à défaut de réussir à construire un espace d'intimité, le film parvient tout de même à nous faire voir quelques moments d'intimité ; j'ai plutôt apprécié regarder ce film. Ce n'est qu'un deuxième film, on peut espérer mieux pour le prochain.

Céline Devaux : Tout le monde aime Jeanne        2022

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Il s'agit du premier long-métrage de Céline Devaux, il bénéficie déjà d'une tête d'affiche très attrayante : Blanche Gardin et Laurent Lafitte. Gardin y joue le rôle de Jeanne, une auto-entrepreneuse qui a inventé un dispositif permettant de capturer les micro-plastiques dans les océans ; grâce aux médias, elle devient assez populaire mais sauf qu'au moment de la mise en place, c'est un échec qui est largement relayé sur les médias ; il en résulte l'endettement de Jeanne et son entrée en dépression. Parallèlement, elle doit faire face aux conséquences de la mort de sa mère (peut-être déjà un peu lointaine) et plus précisément la vente de son appartement à Lisbonne : elle décide d'y partir afin de vider l'appartement pour le revendre et régler ses problèmes d'argent. Pendant le voyage, elle rencontre un homme (interprété par Lafitte, très bon, comme souvent) qui prétend être un de ses anciens camarades de classe (dont elle n'a aucun souvenir - en même temps, quand on voit le phénomène, c'est compréhensible...), assez fantasque et bien lourd, au look parfois assez improbable. Le film se suit agréablement, parle assez bien d'un certain aspect de la dépression (difficulté à se résoudre à faire une tache pourtant bien circonscrite). Le format du film est également assez atypique : il mêle des prises de vues classiques et des parties dessinées accompagnées d'une voix-off ; celle-ci permet au film d'être plus léger notamment parce que la voix-off commente du point de vue de Jeanne les actions des gens qui interagissent avec elle (et notamment celles de Jean, le personnage interprété par Lafitte) et de donner parfois un territoire aux émotions de Jeanne ; j'ai toutefois trouvé que cette part dessinée n'était pas toujours très bien gérée notamment quand il s'agit de nous informer sur certains événements passés (autour de la mort de sa mère souvent) : ça semble très dicté par l'intelligibilité de l'histoire et ça s'intègre assez mal, je trouve. C'est un film plutôt drôle et plaisant mais pas plus ; cela dit, quelques scènes me resteront quand même en tête notamment celle où Jeanne cherche sur Youtube des vidéos de chiens très mignons avec un bébé.

Bertrand Tavernier : Un dimanche à la campagne        1984

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Ce film est une adaptation du roman Monsieur Ladmiral va bientôt mourir de Pierre Bost (célèbre scénariste et dialoguiste des années 30 et 40 avec lequel Tavernier a travaillé sur ses premiers films) avec un casting assez différent des habitué(e)s du cinéma de Tavernier : Louis Ducreux, Michel Aumont, Sabine Azéma, Monique Chaumette, etc. J'ai trouvé que ce film faisait un peu la synthèse de ce que certain(e)s appellent les films mineurs de Tavernier (entendre "les films qui racontent la vie des gens dont le monde se fout") et ses films majeurs (entendre "les films historiques universels") : il raconte la vie d'un vieux peintre de seconde zone assez académique qui n'est pas loin de sa mort et qui invite son fils (aussi bien rangé que lui) dans sa propriété où il vit seul avec sa domestique ; il y vient avec sa femme et ses trois enfants ; plus tard, l'autre fille (beaucoup moins rangée) viendra les rejoindre. Ce que j'ai beaucoup aimé dans ce film, c'est le fait qu'il soit d'apparence assez banal (en terme d’événements, rien de très particulier ne se passe) mais qu'on ressente vraiment beaucoup de choses à travers  ce groupe de personnages et à travers la manière dont la mort du vieil homme est toujours sous-jacente. D'un point de vue visuel, le film est très inspiré par les peintres français de la fin du XIXème et début XXème (Manet et Renoir notamment) et j'ai trouvé que le film rappelait beaucoup À la recherche du temps perdu de Proust, particulièrement le personnage interprété par Sabine Azéma qui est toujours un peu fuyant, toujours en mouvement ; il y a également quelque chose du côté de la peinture : le vieux peintre regrette de n'avoir pas pris le virage de l'impressionnisme, il répète en boucle ses peintures naturalistes convenues et académiques (son jardin, un divan devant la fenêtre). J'ai également aimé les fragments de texte (provenant du livre de Bost, il me semble) lus par le réalisateur ; tout cela donne au film une force expressive assez impressionnante, qu'on ne soupçonnerait pas.

Roger Corman : The pit and the pendulum        1961

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Corman a été très important dans le cinéma américain, que ce soit dans la distributions aux États-Unis de plusieurs cinéastes européens comme Bergman, Truffaut ou Fellini mais également dans la production puisqu'il a produit (ou au moins aidé) la plupart des cinéastes du Nouvel Hollywood (Coppola puis Scorsese, Hanson, Bogdanovitch, Cameron, etc.) et a également aidé des acteurs (Fonda, Nicholson, etc.) ; parallèlement a tout ça, il a également produit et réalisé des films d'épouvante assez connus : ici, il s'agit d'une adaptation de la nouvelle homonyme de Poe autour de laquelle Corman a greffé une histoire de son propre cru. L'histoire se passe au seizième siècle, un homme décide de faire la lumière sur la mort de sa sœur et se rend pour cela dans le château dans lequel elle est morte ; il demande à son beau-frère qui lui sert une histoire invraisemblable : il découvre une chambre de torture, les traumas de son beau-frère et apprend que sa sœur aurait été emmurée vivante. Le scénario est assez dense, avec des effets visuels assez sophistiqués (les flashbacks avec les couleurs et l'espèce de rétraction du cadre sont assez étonnantes) et pas mal de costumes ; le film est assez agréable, ramassé (une petite heure vingt) et assez prenant.

Emmanuel Carrère : La moustache        2005

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Ce film est le premier long-métrage de fiction de Carrère (il avait déjà réalisé le documentaire Retour à Kotelnitch et avait déjà participé aux scénarios des adaptations de ses différents ouvrages). Là encore, Carrère adapte l'un de ses romans ; le point de départ du film est très simple : le personnage principal (interprété par Vincent Lindon) décide de se raser la moustache sauf qu'absolument personne ne le remarque ; pire : lorsqu'il demande à ses proches, iels lui répliquent qu'il n'a jamais eu de moustache ! À partir de la scène initiale (où l'on voit essentiellement le personnage principal raser soigneusement sa moustache) qui est comme la première partie d'une réaction en chaîne, le film nous fait nous interroger sur ce que l'on peut prendre pour argent comptant ou non (d'abord la scène - dont on pourrait très bien imaginer qu'elle intervient en fait après dans la chronologie du film - puis les photos de voyage - là, cette entourloupe n'est plus possible - puis enfin, le sommet de la conformité : la photo sur les papiers d'identité) puis sur le personnage principal lui-même (qui, d'ailleurs, s'interroge également) ; de la réaction en chaîne (métaphore peut-être un peu usée jusqu'à la corde mais que je trouve pertinente), le film garde la progression inéluctable : qu'elle soit cohérente ou pas, peu importe : le film avance ; de ce point de vue, le film est assez captivant - même si la technique aurait pu être davantage servir le film. Malgré tout, un peu comme Réalité de Dupieux, je trouve que de cette façon, le film se clôt un peu sur lui-même et ne raconte finalement pas tellement de choses : bien sûr, on pourrait dire que le film parle du vertige entre l'image que nous avons de nous-mêmes et celle(s) que les autres nous renvoient mais ça me semble tout de même un peu court et générique. Enfin, je dois tout de même reconnaître que la distribution est pas mal du tout - on a même le droit à un Amalric aux cheveux rangés !

Michel Blanc : Marche à l'ombre        1984

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Ce film est le premier long-métrage réalisé par l'acteur Michel Blanc ; j'avais découvert ses réalisations (enfin, je n'en avais vu qu'une jusqu'alors) avec Grosse fatigue que je n'avais pas trouvé complètement abouti mais je l'avais tout de même aimé et l'avais trouvé divertissant. Ici, le film est vraiment un buddy-movie calqué sur ceux dans lesquels il a joué sous la direction de Patrice Leconte (Ma femme s'appelle reviens et Viens chez moi, j'habite chez une copine) et n'est du coup pas véritablement plus intéressant ; cela dit, le film est sans doute un peu plus varié en terme de lieux (le film se déroule à Marseille, à Paris et la fin se passe à New-York) et sans doute un peu plus intéressant : il y a quelques passages mentionnant le racisme ambiant et les personnages sont moins unilatéraux que dans les Leconte - même si, bon, Blanc joue un peu toujours le même personnage... Je ne dirais pas que je me suis ennuyé ferme mais il n'y a quand même pas tellement de choses à se mettre sous la dent ; c'est à mon avis moins réussi que Grosse fatigue - sans doute parce que pour ce dernier, Blier a contribué au scénario.

Claire Denis : U. S. go home        1994

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Ce film appartient à la série de téléfilms "Tous les garçons et les filles de leur âge" (tout comme L'eau froide d'Assayas dont j'avais dit beaucoup de bien - si, si ! - il y a quelques mois) ; ici encore, je ne suis habituellement pas un grand fan de Claire Denis - même si, contrairement au cas Assayas, ses films ne m'énervent pas et je trouve son cinéma plutôt intéressant mais en général, il m'ennuie quand même pas mal, à quelques exceptions près - mais j'ai beaucoup aimé ce film : le scénario et les personnages ne sont pas extrêmement développés (en gros, une adolescente veut perdre sa virginité) mais j'ai trouvé que le film était très spontané (d'autant plus que Denis sait si bien filmer les corps - la danse (seul(e) ou à plusieurs) joue déjà un rôle important) et la bande originale, essentiellement composée de musique américaine des années soixante et soixante-dix, était très plaisante et fournie. 

Sólveig Anspach : Queen of Montreuil        2012

 +
J'avais découvert Anspach avec Lulu femme nue - que j'avais d'ailleurs beaucoup aimé - ; ce film vient juste avant dans sa filmographie et se place dans un registre assez différent - bien que les fanatiques de l'expres​sion(très riche...) portrait de femme pourraient mettre les deux films sous le même chapeau - puisqu'on a ici une comédie douce-amère un peu loufoque ; en vérité, pour être plus exact, je trouve que malgré la différence de registre, la trajectoire des deux films est plutôt similaire : il s'agit d'une avancée co-construite. Ici, le personnage principal est interprété par Florence Loiret Caille (qui convient d'ailleurs très bien au rôle, dommage qu'on ne la voie pas plus souvent dans des rôles de plus grande importance), c'est une réalisatrice qui vient de perdre son mari (un médecin-autoproclamé-sauveur-de-l-humanité qui la trompait pas mal) et récupère ses cendres au Viet-Nam où ce dernier est mort ; sur le chemin du retour, elle croise un couple d'islandais qui sont bloqués à cause de la faillite d'une compagnie aérienne ; elle les accueille donc chez elle à Montreuil et ils vont essayer de faire leur petite vie ici. Ce qui m'a pas mal plu (et qui rend le film agréable à voir), ce sont les personnages tous un peu lunaires/temporairement paumés (qui passent moitié dans leurs godasses, moitié à côté) : le personnage principal qui n'arrive pas vraiment à terminer son film, la femme islandaise qui est une poète vivant un peu au fil de l'eau, le jeune homme islandais au français balbutiant qui cherche un travail ; si le film a si bien fonctionné sur moi, c'est sans doute parce qu'il arrive assez vide à construire son monde propre : des personnages divers, bien écrits et assez clairement circonscrits mais il y a aussi un certain sens d'occupation et de dessin de l'espace : le jeune homme travaille plutôt dans des choses très concrètes et terrestre (le zoo, le lavomatique) alors que la femme islandaise pilote des grues et le personnage principal navigue un peu entre ces deux extrémités ; j'ai aussi pas mal aimé le lien entre les personnages : que ce soient les dialogues mêlant anglais, franglais et français de manière assez drôle - notamment dans les scènes de dialogue entre Samir Guesmi et la poète - ou tout ce qui gravite autour de l'arbre généalogique qui va amener le personnage principal à penser que les deux islandais sont en fait de lointains cousins ; il y a également la complémentarité entre le personnage principal, l'otarie et le jeune homme : cette dernière a un peu de mal à faire son deuil et le jeune homme lui dit qu'il existe une légende nordique disant que l'âme des morts doit se loger dans un animal marin pour trouver la paix et une autre raconte que si l'otarie est déprimée, c'est parce qu'elle n'a pas absorbé l'âme d'un humain. Pour résumer, ce qui m'a séduit dans ce film, c'est sa capacité à créer un monde ouvertement artificiel, clos sur lui-même et auto-suffisant - et court-circuite un peu la question du "à quoi bon ?" que je me pose souvent - ; en fait, c'est vraiment une histoire comme on en raconterait à un enfant avant de dormir : une sorte de monde (fini) de transition. 

xoph a écrit:

Merci pour tes infos et éclairages, qui me donnent des pistes.

Sur Bill Douglas, on fait parfois le rapprochement avec François Truffaut, pour des raisons plutôt peu convaincantes (l'enfance, le double du réalisateur : Léaud chez Truffaut, ou Stephen Archibald pour Douglas, le noir et blanc des 400 coups), qui le rapprocherait de la nouvelle vague française à laquelle tu faisais référence. Je me suis promis de voir Comrades, pas facile à trouver (si ce n'est à la médiathèque François Truffaut justement).

Le côté autobiographique des 400 Coups et le refus d'un regard trop sentimental sur l'enfance sont quand même de vrais points commun entre Douglas et Truffaut, mais oui les deux styles sont très différents. Ceci-dit je crois que Truffaut connaissait et admirait le travail de Douglas (je ne sais plus ce qu'il en était dans l'autre sens).

Léa Mysius : Les cinq diables        2022


Il s'agit du second long-métrage de Mysius ; après la découverte (très enthousiaste) de Ava, j'avais pas mal d'attentes vis-à-vis de ce film et je dois dire que j'ai été un peu déçu : s'il partage la même composante sensorielle, j'ai trouvé qu'elle était beaucoup moins bien exploitée et de manière générale, j'ai trouvé que le film était beaucoup plus clos sur lui-même et racontait beaucoup moins de choses. Concernant la composante sensorielle - sans doute amplifiée par la superbe photo - il ne s'agit ici plus de la vue mais de l'odorat : au début du film, il y a une scène où une mère (interprétée par Adèle Exarchopoulos) découvre que sa fille (interprétée par Sally Dramé) a un odorat extrêmement développé ; cette scène est intéressante car elle procède par gradation (elle lui fait d'abord reconnaître un sachet de gâteaux, puis un morceau de plastique puis, à la fin, son carnet et la fille répond "un carnet avec une odeur de piscine et de café") et cette dernière réponse montre toute la puissance de cette scène car l'odorat a ici pu permettre d'accéder à différentes strates temporelles. Si le film comporte bien plusieurs strates temporelles (deux principales et au moins une intermédiaire assez peu utilisée(s)), je n'ai pas trouvé qu'il utilisait cet aspect : pour moi, l'utilisation spécifique de l'odorat se fait grâce aux voisinages du verbe sentir : il y a bien sûr son sens propre (percevoir par l'odorat) et son sens figuré (qui est plus du côté de l'instinct) mais il y a également la forme pronominale se sentir et le verbe ressentir. Le film commence dans la dernière strate temporelle : on suit la mère, son mari et sa fille ; le père est sapeur pompier et la mère est coach dans un centre sportif (dont le nom a donné le titre du film), arrive ensuite la sœur du mari : tout devient subitement assez conflictuel, on ne comprend pas trop (on est au début plutôt du point de vue de la petite fille - qui ne comprend bien sûr pas trop ce qu'il se passe), on comprend simplement qu'elle est très liée à la fille et que tout le monde dit que c'est une cinglée (ou cinglée pyromane) ; c'est là que s'installe l'autre strate temporelle, plus ancienne, les parents n'étaient pas encore ensemble et la sœur faisait partie du même groupe de danse que la mère et elles flirtaient en fait ensemble ; le personnage de la petite fille apparaît alors sous un jour plus allégorique : elle réalise l'échec de la relation entre elles - c'est d'ailleurs pour ça que la petite fille et la sœur du mari sont aussi fusionnellement liées et pourquoi la relation est si chaotique. Du coup, j'ai trouvé que cette histoire de strates temporelles n'était pas si bien gérée - surtout avec la pirouette finale qui vient en introduire une autre... - et finalement, j'ai eu l'impression d'une sophistication parfois un peu inutile - alors que dans Ava, c'était aussi sophistiqué mais tout coulait de source ; j'ai trouvé que l'écriture des personnages n'était pas très égale, aussi. Bon, j'ai pas mal critiqué là mais j'ai tout de même bien aimé ce film : la photographie argentique, les paysages inquiétants et sombres et l'aspect mystérieux (en partie apporté par la non linéarité du récit, c'est vrai) donnent au film un côté bien prenant avec ses quelques scènes-climax : le karaoké où chantent ensemble la mère et la sœur, la séquence de l'incendie (qui renoue avec la scène initiale) ; la direction d'acteurs est remarquables, iels sont tous très impliqué(e)s - j'ai même aimé Exarchopoulos que je n'adore pas toujours.

Alain Tanner : Charles mort ou vif        1969

 /   +
J'avais découvert Tanner en salles par La salamandre qui m'avait beaucoup séduit mais, sans trop savoir pourquoi, je n'avais pas retenté l'expérience ; la mort récente du réalisateur suisse me fait explorer sa filmographie : il s'agit ici du long-métrage qui l'a révélé au public (léopard d'or au festival de Locarno en 1969). Ce film a (encore) été une bonne pioche pour moi, même si je l'ai trouvé moins abouti que La salamandre : on y trouve déjà des journalistes comme dispositif médian (ici, on a même les caméras qui filment l'interview - il me semble que dans La salamandre, on avait juste une cassette audio pour enregistrer - mais bon, le principe est le même). Ici, le personnage principal est le directeur d'une entreprise d'horlogerie suisse qui décide du jour au lendemain de tout lâcher et de fuir avec la complicité de sa sœur, il va ensuite être recueilli par un couple et sa famille va envoyer un détective privé (pas très efficace...) pour le faire retrouver. J'ai trouvé que le film était d'une drôlerie quasiment constante, avec un usage assez personnel de la citation (à la fin, le personnage principal lit un extrait d'un livre sur le bonheur et le malheur et demande ce que les ambulanciers qui le conduisent en pensent et l'un d'eux dit à son collègue "mets la sirène, ça lui ferm'ra sa gueule, et comme ça on s'emmerdera pas aux feux rouges") et puis il y a ces séquences qui interrogent le besoin (à un moment, le directeur brise ses lunettes - qui lui donnent bien un look de PDG - et d'ailleurs, quand on lui demande pourquoi il ne les porte plus, il répond "elles m'ont appris à voir moins clair" ; il y a aussi la séquence où le gars qui le recueille balance dans le ravin la voiture du PDG parce que ce dernier n'aimait pas conduire) ; sinon, le film est très marxiste en général : le patron est une sorte d'établi puisque s'il part, c'est parce qu'il en a marre de raconter son baratin habituel aux interviewers et ne se sent plus à sa place (aliénation) ; le film n'est pas très optimiste puisque le directeur finit malade... Si j'avais quelque chose à reprocher, je dirais que le film aurait pu être peut-être un peu plus fourni mais c'est un détail. 

Emeryck a écrit:

Sólveig Anspach 

Emeryck a écrit:

Alain Tanner : Charles mort ou vif        1969

Je te conseillerais aussi Dans la ville blanche

Parsifal a écrit:

xoph a écrit:

Merci pour tes infos et éclairages, qui me donnent des pistes.

Sur Bill Douglas, on fait parfois le rapprochement avec François Truffaut, pour des raisons plutôt peu convaincantes (l'enfance, le double du réalisateur : Léaud chez Truffaut, ou Stephen Archibald pour Douglas, le noir et blanc des 400 coups), qui le rapprocherait de la nouvelle vague française à laquelle tu faisais référence. Je me suis promis de voir Comrades, pas facile à trouver (si ce n'est à la médiathèque François Truffaut justement).

Le côté autobiographique des 400 Coups et le refus d'un regard trop sentimental sur l'enfance sont quand même de vrais points commun entre Douglas et Truffaut, mais oui les deux styles sont très différents. Ceci-dit je crois que Truffaut connaissait et admirait le travail de Douglas (je ne sais plus ce qu'il en était dans l'autre sens).

J'ai un peu cherché des écrits de l'un ou de l'autre sur l'autre ou l'un, et inversement, sans succès…

Emeryck a écrit:

Sólveig Anspach : Queen of Montreuil        2012

 +
J'avais découvert Anspach avec Lulu femme nue - que j'avais d'ailleurs beaucoup aimé - ; ce film vient juste avant dans sa filmographie et se place dans un registre assez différent - bien que les fanatiques de l'expres​sion(très riche...) portrait de femme pourraient mettre les deux films sous le même chapeau - puisqu'on a ici une comédie douce-amère un peu loufoque ; en vérité, pour être plus exact, je trouve que malgré la différence de registre, la trajectoire des deux films est plutôt similaire : il s'agit d'une avancée co-construite. Ici, le personnage principal est interprété par Florence Loiret Caille (qui convient d'ailleurs très bien au rôle, dommage qu'on ne la voie pas plus souvent dans des rôles de plus grande importance), c'est une réalisatrice qui vient de perdre son mari (un médecin-autoproclamé-sauveur-de-l-humanité qui la trompait pas mal) et récupère ses cendres au Viet-Nam où ce dernier est mort ; sur le chemin du retour, elle croise un couple d'islandais qui sont bloqués à cause de la faillite d'une compagnie aérienne ; elle les accueille donc chez elle à Montreuil et ils vont essayer de faire leur petite vie ici. Ce qui m'a pas mal plu (et qui rend le film agréable à voir), ce sont les personnages tous un peu lunaires/temporairement paumés (qui passent moitié dans leurs godasses, moitié à côté) : le personnage principal qui n'arrive pas vraiment à terminer son film, la femme islandaise qui est une poète vivant un peu au fil de l'eau, le jeune homme islandais au français balbutiant qui cherche un travail ; si le film a si bien fonctionné sur moi, c'est sans doute parce qu'il arrive assez vide à construire son monde propre : des personnages divers, bien écrits et assez clairement circonscrits mais il y a aussi un certain sens d'occupation et de dessin de l'espace : le jeune homme travaille plutôt dans des choses très concrètes et terrestre (le zoo, le lavomatique) alors que la femme islandaise pilote des grues et le personnage principal navigue un peu entre ces deux extrémités ; j'ai aussi pas mal aimé le lien entre les personnages : que ce soient les dialogues mêlant anglais, franglais et français de manière assez drôle - notamment dans les scènes de dialogue entre Samir Guesmi et la poète - ou tout ce qui gravite autour de l'arbre généalogique qui va amener le personnage principal à penser que les deux islandais sont en fait de lointains cousins ; il y a également la complémentarité entre le personnage principal, l'otarie et le jeune homme : cette dernière a un peu de mal à faire son deuil et le jeune homme lui dit qu'il existe une légende nordique disant que l'âme des morts doit se loger dans un animal marin pour trouver la paix et une autre raconte que si l'otarie est déprimée, c'est parce qu'elle n'a pas absorbé l'âme d'un humain. Pour résumer, ce qui m'a séduit dans ce film, c'est sa capacité à créer un monde ouvertement artificiel, clos sur lui-même et auto-suffisant - et court-circuite un peu la question du "à quoi bon ?" que je me pose souvent - ; en fait, c'est vraiment une histoire comme on en raconterait à un enfant avant de dormir : une sorte de monde (fini) de transition. 

J'adore aussi et le film a une "suite" aussi très réussie L'effet aquatique, le dernier film de sa réalisatrice.
(j'aime beaucoup son oeuvre, y compris les documentaires)

Prosopopus a écrit:

J'adore aussi et le film a une "suite" aussi très réussie L'effet aquatique, le dernier film de sa réalisatrice.
(j'aime beaucoup son oeuvre, y compris les documentaires)

+1, même si je connais pas tout (des documentaires particulièrement) ; le seul qui m'ait un peu laissé de côté est Louise Michel (assez atypique dans sa filmographie, et où elle m'avait paru intimidée par le sujet), mais intéressant néanmoins.

xoph a écrit:

Emeryck a écrit:

Sólveig Anspach 

Emeryck a écrit:

Alain Tanner : Charles mort ou vif        1969

Je te conseillerais aussi Dans la ville blanche

Oui, j'aime beaucoup cette réalisatrice.

Quant au Tanner, il est sur ma liste mais je ne crois pas l'avoir parmi ma collection de films - ça va sans doute être rapidement corrigé. 

Neil Jordan : The crying game        1992

 /   +
Du réalisateur irlandais Neil Jordan, je n'avais vu que son dernier film en date (Greta - eh oui, Isabelle Huppert dans le rôle principal) que j'avais moyennement apprécié ; ici, il s'agit d'un film beaucoup plus vieux dans sa filmographie mais j'ai trouvé qu'il y avait déjà beaucoup de recoupements - si je forçais un peu, je dirais presque qu'il s'agit quasiment du même film, à quelques variations près. Le film commence sur la capture d'un soldat britannique par l'armée républicaine irlandaise, une amitié va naître avec un des hommes (Fergus) qui le surveillent ; ce dernier lui promet de dire à la femme (Dil) qu'il a aimée qu'il pensait à elle, etc. et lorsque ses supérieurs lui demandent d'aller exécuter le soldat britannique, le gars fait mine de le poursuivre mais finalement le soldat anglais est percuté puis écrasé par des chars anglais ; s'ouvre ensuite une seconde partie où Fergus part à Londres pour retrouver la femme en question. J'ai aimé l'aspect "buddy movie tronqué" ; d'ailleurs, à cet égard, les scènes au bar au début de la seconde partie sont assez remarquables : Fergus parle à Dil via le barman qui répète les phrases alors qu'elles sont audibles pour tout le monde ; la photographie est aussi pas si mal et la distribution est pas mal (Stephen Rea, Miranda Richardson, Jaye Davidson, Forest Whitaker). J'ai par contre trouvé vraiment cringe que le twist (qui est d'ailleurs ce qui marque le plus les gens, visiblement) repose sur le fait que Dil soit trans (en plus, Fergus réagit carrément par le dégoût (il vomit !), il semble se foutre de ça) - en plus, spoiler, à la fin Fergus est un peu le héros car il s'accuse d'un assassinat que Dil a perpétré. La musique est vraiment ennuyeuse au possible...

Prosopopus a écrit:

Emeryck a écrit:

Sólveig Anspach : Queen of Montreuil        2012
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J'avais découvert Anspach avec Lulu femme nue - que j'avais d'ailleurs beaucoup aimé - ; ce film vient juste avant dans sa filmographie et se place dans un registre assez différent - bien que les fanatiques de l'expres​sion(très riche...) portrait de femme pourraient mettre les deux films sous le même chapeau - puisqu'on a ici une comédie douce-amère un peu loufoque ; en vérité, pour être plus exact, je trouve que malgré la différence de registre, la trajectoire des deux films est plutôt similaire : il s'agit d'une avancée co-construite. Ici, le personnage principal est interprété par Florence Loiret Caille (qui convient d'ailleurs très bien au rôle, dommage qu'on ne la voie pas plus souvent dans des rôles de plus grande importance), c'est une réalisatrice qui vient de perdre son mari (un médecin-autoproclamé-sauveur-de-l-humanité qui la trompait pas mal) et récupère ses cendres au Viet-Nam où ce dernier est mort ; sur le chemin du retour, elle croise un couple d'islandais qui sont bloqués à cause de la faillite d'une compagnie aérienne ; elle les accueille donc chez elle à Montreuil et ils vont essayer de faire leur petite vie ici. Ce qui m'a pas mal plu (et qui rend le film agréable à voir), ce sont les personnages tous un peu lunaires/temporairement paumés (qui passent moitié dans leurs godasses, moitié à côté) : le personnage principal qui n'arrive pas vraiment à terminer son film, la femme islandaise qui est une poète vivant un peu au fil de l'eau, le jeune homme islandais au français balbutiant qui cherche un travail ; si le film a si bien fonctionné sur moi, c'est sans doute parce qu'il arrive assez vide à construire son monde propre : des personnages divers, bien écrits et assez clairement circonscrits mais il y a aussi un certain sens d'occupation et de dessin de l'espace : le jeune homme travaille plutôt dans des choses très concrètes et terrestre (le zoo, le lavomatique) alors que la femme islandaise pilote des grues et le personnage principal navigue un peu entre ces deux extrémités ; j'ai aussi pas mal aimé le lien entre les personnages : que ce soient les dialogues mêlant anglais, franglais et français de manière assez drôle - notamment dans les scènes de dialogue entre Samir Guesmi et la poète - ou tout ce qui gravite autour de l'arbre généalogique qui va amener le personnage principal à penser que les deux islandais sont en fait de lointains cousins ; il y a également la complémentarité entre le personnage principal, l'otarie et le jeune homme : cette dernière a un peu de mal à faire son deuil et le jeune homme lui dit qu'il existe une légende nordique disant que l'âme des morts doit se loger dans un animal marin pour trouver la paix et une autre raconte que si l'otarie est déprimée, c'est parce qu'elle n'a pas absorbé l'âme d'un humain. Pour résumer, ce qui m'a séduit dans ce film, c'est sa capacité à créer un monde ouvertement artificiel, clos sur lui-même et auto-suffisant - et court-circuite un peu la question du "à quoi bon ?" que je me pose souvent - ; en fait, c'est vraiment une histoire comme on en raconterait à un enfant avant de dormir : une sorte de monde (fini) de transition. 

J'adore aussi et le film a une "suite" aussi très réussie L'effet aquatique, le dernier film de sa réalisatrice.
(j'aime beaucoup son oeuvre, y compris les documentaires)

J'ignorais que c'était une suite de ce film ; en tout cas, c'est dans mon programme.

Nicholas Ray : Johnny Guitar        1954

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Je ne suis habituellement pas un très grand fan de westerns mais là, j'ai vraiment beaucoup aimé ; enfin bon, on comprend bien vite pourquoi : y a pas que du western là-dedans : la manière dont est géré le personnage de Joan Crawford rappelle un peu le film noir (j'ai aussi trouvé que le lien entre Vienna et celui de Johnny n'était pas du tout westernien : il s'agit d'un passé intérieur plus que d'un passé extérieur) et le film a quelques emportements mélodramatiques ; en plus de ça, j'ai trouvé que la manière de filmer était assez différente de celle des westerns usuels (enfin, de celle de ceux que j'ai vus, en tout cas) : il n'y a pas tellement de plans très larges et très lointains et au contraire, beaucoup de plans rapprochés ou gros plans avec dans l'ensemble une manière de filmer plus sophistiquée ; sinon, chose notable : le tandem antagoniste est composé de deux femmes (interprétées par Joan Crawford, donc et Mercedes McCambridge). Toujours dans ce rapport au western, j'ai trouvé que le film remettait en question des objets incontournables du western (le pistolet, par exemple, qui ne me semblait plus aller de soi) et il y a des séquences étonnantes (des duels en hors-champ, comme si ça n'intéressait plus), notamment la grande séquence au piano qui semble assez incongrue dans un western. Enfin - la cerise sur le gâteau - j'ai été absolument enchanté par le Trucolor éclatant (qui a de quoi faire avec les tenues de Crawford : jaune, rouge, vert, bleu - ç'a sans doute dû taper dans l'oeil d'un certain Jean-Luc Godard) ; j'imagine que le film a été tourné en studio car les paysages ont des couleurs particulièrement éclatantes et surtout uniformes ; en tout cas, moi, j'adore - c'est à cet égard à l'opposé de la platitude et la pâleur d'un film comme The horsemen de Frankenheimer. Je vais creuser assez rapidement la filmographie de Nicholas Ray - je n'ai pour l'instant vu aucun autre film de lui - puis sans doute (pas tout de suite, cela dit) revoir ce film, notamment pour creuser tout ce truc autour du devenir (le personnage de Crawford qui se prétend self-made woman mais à la fois, il y a tout un truc autour du hasard - cf. la scène au début où elle demande à son employé de faire tourner la roulette, elle porte ensuite un vêtement de la même couleur que les tapis de jeu puis il y a une scène (il me semble) où un lustre circulaire tombe et le feu commence à se propager à sa robe ; comme si deux types de logiques s'affrontaient - enfin, bon, à voir la prochaine fois). Petite anecdote amusante pour finir : Ray fait jouer le rôle du chef de milice hyper autoritaire à Ward Bond (qui fut très actif dans la lutte contre les communistes à Hollywood), ce dernier croyant que son personnage était un peu un personnage sympathique et vu positivement alors que pour Ray et le scénariste, c'était un con.

Emeryck a écrit:

Je vais creuser assez rapidement la filmographie de Nicholas Ray - je n'ai pour l'instant vu aucun autre film de lui

Alors à voir prioritairement:
- tous les mélos-films noirs de début de carrière: They Live by Night, les deux Bogart (Knock on Any Door, et surtout In a Lonely Place), Born to Be Bad et le sublime On a Dangerous Ground - à mon avis, il y a des trucs que tu vas adorer, là-dedans;
- The Lusty Men, une sorte de proto-Misfits avec Mitchum;
- les grands chefs-d'œuvre que tout le monde connaît: Rebel Without a Cause, Bigger than Life, Party Girl (où tu retrouveras l'art des couleurs et des cadrages bizarres - mais qui font sens - de Johnny Guitar) et Bitter Victory (un film de guerre tendant vers une forme d'abstraction);
- les grands films malades de Ray: Wind Across the Everglades (une espèce de mélo œdipo-écolo filmé de façon à peu près aussi nawak qu'Arkadin mais en couleurs - j'adore) et The Savage Innocents (Anthony Quinn en eskimo - d'où la chanson de Dylan - , il faut passer sur les effets spéciaux totalement calamiteux, mais j'aime beaucoup);

À voir avec moins prioritairement:
- en sachant qu'il y aura des trucs qu'on devra prendre au second degré: Hot Blood (Jane Russell en gitane - tu risques de trouver ça cringe);
- les deux autres westerns (Run for Cover et The True Story of Jesse James - c'est très chouette aussi, avec plein d'arrière-plans psychologiques, mais toujours un peu décevant quand on a vu Johnny Guitar en premier);
- ses deux films à grand sujet et grand spectacle tournés en Espagne: 55 Days at Peking (très, très bien mais assez impersonnel pour du Ray) et King of Kings (la vie de Jésus en mode «Nicholas Ray s'approprie l'imagerie sulpicienne», avec Robert Ryan en saint Jean Baptiste et Royal Dano - le bandit tuberculeux de Johnny Guitar - en saint Pierre et Orson Welles en narrateur);
- Nick's Movie de Wenders.

En fait, Nicholas Ray, il faut regardey tout.

Oui à tout !

J'aurais dit en priorité Bigger than Life, parce que son histoire mélodramatique est filmée comme un film fantastique où chaque plan est un délice (il faut imaginer un drame sirkien filmé par David Lynch avec une esthétique entre Val Lewton et la Hammer). Party Girl, un film noir filmé comme une comédie musicale et They live by night film fondateur du sous-genre de film noir avec un couple en cavale et dans lequel Ray expérimente déjà plein de choses alors que c'est son premier film.

Alain Guiraudie : Le roi de l'évasion        2009

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Je poursuis mon exploration (quasiment à rebours - enfin, plus exactement, selon ce que je trouve) de la filmographie de Guiraudie : ce long-métrage vient juste avant celui qui l'a vraiment fait connaître au grand public, L'inconnu du lac ; c'est d'ailleurs amusant de voir que toutes les scènes de voyeurisme dans la forêt et, dans une moindre mesure peut-être mais quand même, la forêt comme espace périphérique (en tant qu'elle est loin des villes, de l'espace légitime - comme dans (poussé encore plus loin - et d'une beauté sans pareil) Liberté d'Albert Serra où cette idée a même un corps visuel), assez peu topographiquement déterminé (c'est l'espace - d'apparence presque infini, en fait - qui donne lieu à la fuite) alors que dans L'inconnu du lac, c'est vraiment un espace circonscrit, d'une part par la route et d'autre par la plage. Le ton de ce film est également assez différent : il est assez comique, dans la lignée de certaines de ses réalisations précédentes (je pense principalement à Du soleil pour les gueux) et j'ai pas mal aimé les personnages - assez truculents, comme Guiraudie sait les écrire - : le personnage principal est un homme homosexuel (bisexuel ?) d'une quarantaine d'années qui travaille dans la vente de tracteurs, il en a un peu marre et se pose pas mal de questions sur tout, notamment sa sexualité, il est attiré par une jeune fille (qui semble rapidement s'éprendre de lui) qu'il rencontre alors qu'elle se fait agresser par des gars de son âge ; ses parents ne sont pas d'accord (en même temps, c'est quand même bien cringe car la fille en question a seize ans...) et tout le village va se mettre à leur poursuite. Ce que j'ai beaucoup aimé, c'est - comme souvent - la manière dont Guiraudie filme les corps (des corps qu'on ne voit jamais au cinéma, encore moins nus) et la variété des scènes de sexe - pas au sens où je les aime en elles-mêmes mais j'apprécie la variété, le fait qu'elles ne soient pas centrées sur le gars - bon, par contre, cringe, du coup... Guiraudie a dû se penser trop subversif... heureusement qu'il n'a pas remis le couvert dans cette direction ; du coup, sentiments mitigés pour ce film - même s'ils tendent un peu vers le positif.

Sébastien Betbeder : Tout fout le camp        2022

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Dernier film en date de Betbeder (encore en salles) qui se place assez bien dans le sillage des (deux) autres que j'ai pu voir (Marie et les naufragés et 2 automnes, 3 hivers) : une bonne ambiance mais à la fois, on est un peu déçu que le film en reste là - pour préciser les choses, ici, je fais allusion à l'aspect politique du film : on mentionne les bavures policières, l'aspect problématique de la légitime défense, l'aspect cringe de certains journalistes (qui font des reportages - souvent condescendants - sur des gens qu'on ne voit pas beaucoup dans les médias pour dire des trucs du genre "vous avez vu, finalement, ils sont pas si méchants !  " - important, le sourire béat) mais ça ne fait que mentionner, ce qui est déjà quelque chose mais bon... Bref, j'ai quand même aimé le film qui m'a fait rire par moments (notamment dans les passages avec l'épicier complètement lunaire et son masque de plongée "pour ne pas être reconnu" - malin ! - et grâce à quelques coïncidences heureuses comme le fait que Marilou travaille dans une entreprise de chars à voile !) ; j'ai trouvé que l'aspect feel good movie était assez réussi grâce aux acteurices (Thomas Scimeca dans le rôle du journaliste au Courrier Picard, Léonie Dahan-Lamort dans le rôle de Marilou, la sœur de Jojo, qui n'arrête pas de ressusciter interprété par Jonathan Capdevielle et bien sûr, le chanteur Usé qui joue son propre rôle - et qui a d'ailleurs composé la bande-originale du film) qui sont touchant(e)s car tous assez différent(e)s les un(e)s des autres et leur combinaison fonctionne bien. J'ai aussi bien aimé l'aspect très linéaire du film (tout le monde se greffe autour du premier personnage) : on commence avec Thomas, journaliste au Courrier Picard, qui doit écrire un billet sur Usé, il le rencontre et commence à l'interviewer puis à l'occasion d'une sortie nocturne, trouvent Jojo mourant au milieu d'un amoncellement de sacs poubelle, il se greffe alors au groupe puis ils vont voir sa sœur à Berck et le quatuor est enfin formé - le personnage d'Usé y fait d'ailleurs références à cette construction par solitudes groupées à plusieurs reprises. À la fin, on a le droit à un petit passage de William Lebghil, ce qui fait toujours plaisir.

John Huston : The Maltese falcon        1941

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Il me semble bien (si, si !) que c'est le premier film de Huston que je vois et j'avoue que j'ai été pas mal déçu : j'ai trouvé le film assez laborieux et l'histoire pas extrêmement intéressante à suivre ; la mise en scène fait le job (et le noir et blanc est assez joli - notamment grâce aux jeux d'ombres) mais elle n'est vraiment pas très inventive. Les dialogues sont parfois assez bien écrits et les acteurices convaincant(e)s mais ça n'a clairement pas suffit à maintenir constamment mon intérêt et je ne sais pas s'il a tellement d'intérêt à part pour sa place dans le développement du film noir - ce qui est tout de même assez limité...

Le tigre et le président de Jean Marc Peyrefitte avec André Dussolier et Jacques Gamblin. Un beau film mais qui tourne presque plus autour de Dechanel (connu comme étant le président qui est tombé du train) qu'autour du "duo" de rivaux que furent Dechanel et Clémenceau

Lionel Baier : La dérive des continents (au sud)        2022

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Je ne connaissais absolument rien de ce réalisateur et n'ai pas tellement regardé le synopsis de ce film avant de m'y jeter : j'y suis juste allé pour le titre curieux, la drôlerie de la bande-annonce et la belle photographie - spoiler alert : les quelques moments drôles ont tous été casés dans la bande-annonce. Ce film semble rejoindre (en tout cas, par le titre) deux autres films de la filmographie du réalisateur suisse : Comme des voleurs (à l'est) sorti en 2006 et Les grandes ondes (à l'ouest) sorti en 2013 ; j'ai l'impression qu'il s'agit de films "ouvertement politiques", concernant directement des personnages politiques existant. Ici, on suit une femme chargée d'organiser une visite (bien préparée mais supposée impromptue) d'Emmanuel Macron et d'Angela Merkel dans un camp d'accueil de réfugiés en Italie, elle va alors tout mettre en place avec quelques-un(e)s de ses homologues ; cela commence plutôt bien, c'est tout de même un peu drôle - même si ça devient assez vite répétitif et si les personnages ne sont pas tellement intéressants (en gros, le fils du personnage principal, jeune donc trop radical, dogmatique, etc. vous connaissez la chanson... et la mère fait sa petite vie tranquillement) ; après le premier tiers du film, le film dérive vers une sorte de drame de retrouvailles des plus fades : le personnage principal avait abandonné son fils il y a neuf ans car elle avait trouvé une copine, ce dernier est donc assez fâché et, parallèlement, il se trouve que son homologue allemande qui travaille sur la préparation de cette visite est une femme qu'elle a connue dans le passé : difficile de faire plus cliché ; bref, on doit se farcir ça - avec quelques (petits) passages drôles épisodiquement - et tout ça pour terminer le film sur une happy end relativiste complètement nulle (du genre "ah bah finalement, ils ont appris l'un de l'autre et ils ont trouvé le juste milieu"...) et la dernière séquence montre le début de l'épidémie de covid, je n'ai pas du tout compris l'intérêt de cette séquence... Bref, à part les quelques passages amusants, la photographie (et les paysages siciliens qui vont avec) est vraiment très belle, très solaire et c'est techniquement pas mal mais pour le propos : aucun intérêt - il y a un commentaire Letterboxd qui disait "je sais que le réalisateur a voté Jadot, je le lui ai demandé", voilà.

Kim Chapiron : La crème de la crème        2014

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Ce film est le troisième long-métrage (et dernier en date) de Chapiron (dont j'avais seulement vu le premier film, Sheitan) et j'ai trouvé ça moins réussi que Sheitan ; le film est toujours dans le registre de la comédie mais dans un contexte moins nawak qui est de fait moins indulgent avec la faiblesse du scénario : on suit deux adolescents et une adolescente qui font tous partie de la plus grande école de commerce européenne ; pour aider (!) un de leurs amis à sortir avec une fille, ils montent une associations et se transforment en maquereaux - bon, voilà, c'est du Chapiron, il a voulu être un peu subversif mais en fait, ça ne l'est pas du tout, mais on s'en fout pas mal. Le début du film est pas mal, assez dynamique et drôle (et on sent que pour la peinture des soirées des écoles de commerce, Chapiron sait un peu de quoi il parle (enfin, il est relativement jeune, quoi) et par exemple, c'est la première fois où je vois un film un groupe de bourgeoi(se)s blanc(he)s chanter à tue-tête et essayer de danser sur Les lacs du Connemara de Sardou alors que c'est quasiment de notoriété publique ; il y a aussi des autres petits moments comme ça, assez drôles) et j'ai aimé la manière dont les personnages appliquent axiomatiquement des principes d'économie (libérale, bien entendue) pour gérer des relations amoureuses, c'est assez drôle ; par contre, une fois que tout ça est installé, le film devient assez ennuyeux car on s'attarde sur les trajectoires personnelles de chacun et l'écriture très sommaire (et parfois invraisemblable) des personnages et des liens entre ces derniers rattrape très vite le film. Sinon, de manière globale, on pourrait reprocher au film son manque de subtilité - mais c'est aussi ce qui fait une certaine partie de l'aspect comique du film - et ça induit parfois une mise à distance peut-être un peu facile - mais pas non plus au point d'être agaçante parce que le réalisateur se prend pour celui qui observe les pions d'au-dessus.

Jerry Schatzberg : The panic in needle park        1971

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Découverte de la filmographie de Schatzberg - que je connaissais plutôt comme photographe -, il s'agit de son deuxième long-métrage, qui est d'ailleurs le premier rôle principal endossé par Al Pacino, qui est (sans surprise) remarquable. J'avoue que je ne m'attendais pas du tout à ça : je pensais que j'allais voir un film un peu catastrophe (en fait, oui, mais pas comme ça) mais il s'agit en fait d'un film à la réalisation très naturaliste - certain(e)s diront "quasi-documentaire", même si le film est à mon avis l'un des premiers films connus qui montre le quotidien des héroïnomanes, montrant une routine plutôt qu'un chaos total, leur donnant une véritable existence cinématographique autre que "c'est un(e) drogué(e)" - racontant la vie d'un couple naissant (dont les protagonistes sont interprétés par Al Pacino et Kitty Winn, elle aussi remarquable) dont le mari est un héroïnomane et sa copine va progressivement le rejoindre dans son addiction ; en fait, ici "panic" renvoie à la pénurie de drogue et "needle park" était le surnom donné à un parc de New-York où l'on pouvait trouver beaucoup de dealers en ce temps-là. J'ai beaucoup aimé le film : l'histoire est très simple et sans véritable surprise mais c'est justement ça qui fait la force du film : c'est brut de décoffrage (à l'opposé d'un Requiem for a dream, par exemple) et pas romantisé ; sinon, j'ai trouvé que les trajectoires des personnages fonctionnaient très bien d'un point de vue émotionnel, notamment dans le revirement (assez terrible) final et certaines (longues) scènes fonctionnent très bien (même si parfois bien triggering), notamment les scènes d'injection (horribles pour moi) et une scène de préparation de la cocaïne (?) montrant le processus, les machines, etc. qui m'a pas mal rappelé la scène de la machine à billets dans To live and die in LA de Friedkin. Une belle découverte, en tout cas.