Votre dernier film visionné

Emeryck a écrit:

Moi j'avais bien aimé aussi, il y a une espèce d'ambiance volontairement rêveuse/artificielle (sans connotation péjorative), le noir et blanc est très beau.

Oui, pareil.
En plus, je trouve que, contrairement à ce que dit Cololi, cette façon de tracer de grands mouvements de caméra à l'intérieur d'un espace clos, tout le jeu sur un décor évidemment théâtral, c'est très typique de Visconti. Sans doute un film-limite, mais bien plus viscontien que, par exemple, L'Étranger (aussi avec Mastroianni, d'ailleurs.)

Alain Resnais : La vie est un roman        1983


Comme dans L'amour à mort qui suivra ce film, on retrouve une structure avec plusieurs récits ; ici, on trouve trois récits alternants :  le premier se passe juste après la guerre ; le deuxième est contemporain au film et le troisième (un peu à part) n'a pas vraiment d'époque. Ces trois se recoupent dans leur réflexion : il s'agit de penser la modification de l'homme ; dans le premier récit, il s'agit de l'oubli (c'est-à-dire de soustraction) alors que le deuxième parle de l'éducation des enfants (c'est-à-dire d'addition). Le ton est assez étrange, c'est volontairement kitsch, léger et humoristique, certaines parties sont chantées, d'autres non ; malgré le ton léger, le discours ne l'est pas tant que ça (réflexion sur la manière de développer l'éducation pour les écoliers, etc.). J'ai l'impression que pour aimer ce film, pour entrer dedans, il faut passer par cet oubli ou cette suspension ; et d'ailleurs, le groupe d'enfants du troisième récit est le seul groupe qui arrive à voyager à travers le temps, à imaginer une histoire ; d'où ma remarque ci-dessus. J'ai toutefois trouvé que ça faisait un peu long pour presque deux heures ; certains moments sont drôles et la globalité est bien pensée mais bon...

2001 l'odyssée de l'espace

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Cher papa / Dino Risi /1979


Vraiment un régal,ce film ,comme souvent le cinéma italien de cette époque.pourquoi, nous les français ne savons-nous pas ,faire ce genre de film, ou le social,est le principal sujet, même s'il est améné là, comme dans ce film, par la branche la plus pourrie et le milieu dominant, celui de la bourgeoisie au pouvoir.Faut dire que les jeunes révolutionnaires que nous présente Risi, sont tout aussi caricaturaux. Vittorio Gassman, fabuleux, porte tout le poids de ce film, il est vraiment formidable et touchant.Il porte c'est sûr ,avec lui l'arrogance de ces parvenus, mais il respire aussi la vie, la joie, tous les plaisirs de la  vie,il est en pleine jouissance , alors  que tout ce qui se trouve autour semble ne pas exister ou être malade,Sa femme fait de fausses tentatives de suicide, sa fille est droguée et son fils mal à l'aise entre deux milieux contrairement opposés.Dino Risi essaie un peu de donner raison,aux deux protagonistes,Les brigades rouges, sans pour autant totalement ,discréditer ce monde du pouvoir.
Un film touchant,ou  peut être que je suis trop sensible ,mais tous les acteurs et actrices de  ce film sont formidables?

Ciro Guerra : El abrazo de la serpiente        2015

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Ce film est une très belle découverte, il parle des différents peuples précolombiens en se basant sur deux ouvrages : le premier est celui d'un naturaliste allemand du dix-neuvième siècle et le second est celui d'un ethnobotaniste américain du vingtième siècle ; c'est d'ailleurs leurs aventures que l'on va suivre dans ce film, accompagnés du même passeur ; cela forme donc deux récits temporellement disjoints mais finalement très liés. Ce film se distingue nettement des autres car les personnages précolombiens sont nettement majoritaires et ont une véritable force d'action, il met également l'accent sur la pluralité des cultures avant l'invasion européenne - on peut notamment entendre beaucoup de langues  différentes notamment du cubeo, du wanano, du huitoto et du ticuna. Chacun des deux protagonistes blancs vient chercher de la yakruna qui est une plante qui permettrait de guérir le premier de la malaria et qui permettrait de sauver les plantations d'hévéa et cette plante permettrait au second d'apprendre à rêver pour sortir de son état de chullachaqui - qui est une sorte de double désincarné. 

L'intérêt de ce film est de remettre en question notre vision, très rationnelle et bien cernée ; à la manie des européens de tout noter, de tout garder, de penser à la postérité (cf. la montagne de bagage de l'ethnobotaniste), les civilisations précolombiennes accordent une place très importante au rêve et à l'expérience individuelle ; cela traduit une pensée du temps assez différente (le chamane parle de temps hors du temps) qui a d'ailleurs d'autres échos : il y a une scène où l'ethnobotaniste montre au chamane une photo d'un homme précolombien et celui-ci lui répond qu'il ne s'agit pas de lui mais de son chullachaqui. 
Un autre intérêt de ce film est de témoigner de la dévastation menée par les européens qui ne date d'ailleurs pas d'hier puisque lors de la visite du naturaliste allemand, le chamane est déjà le seul survivant de son peuple, un groupe d'enfants d'un autre peuple doit abandonner sa langue pour l'espagnol - on voit d'ailleurs l'évolution entre les deux protagonistes puisque ce groupe devient carrément sectaire au vingtième siècle -, il y a d'ailleurs cette scène très forte symboliquement où l'ethnobotaniste attaque l'arbre à caoutchouc violemment et la sève coule. Mais si ce film est si réussi, c'est avant tout pour sa subtilité et la façon dont il instaure rapidement une atmosphère : le premier plan suffit à donner toute la trame du film, on y voit un reflet de ciel dans le fleuve, dans ce superbe noir et blanc. Le fleuve, c'est bien sûr le transport alors que le ciel rappelle plutôt le rêve ; le film ne tombe jamais dans un manichéisme (qui serait éventuellement compréhensible tant la destruction causée par les européens a été capitale), il s'agit d'allier ces deux pôles : l'ethnobotaniste étant la mémoire du guide précolombien - il y a d'ailleurs cette phrase assez parlante qu'il prononce : "tu es deux hommes" - et la fin témoigne de cette symbiose. Cet aspect un peu indistinct se retrouve à quelques reprises dans le film : la temporalité n'est déjà pas si claire et le rythme hypnotique permet de donner prise à cet aspect. C'est vraiment un film à découvrir, plus subtil et déroutant que Les oiseaux de passages le film qu'il a sorti dernièrement avec sa femme Cristina Gallego qui parle également de cette destruction par les européens.

Oui j'en avais fait la promo ici lors de sa sortie !

Cololi a écrit:

Oui j'en avais fait la promo ici lors de sa sortie !

Ah ! Il me semblait bien que tu en avais parlé !

Mia Hansen-Løve : L'avenir        2016

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J'avais déjà été récemment séduit par Un amour de jeunesse, sobre histoire d'un amour passé ; ici, la réalisatrice se focalise sur une autre période de la vie : celle de la cinquantaine, étape intermédiaire, sorte de "début de la fin". Les acteurs sont majoritairement très convaincants : Huppert est plutôt dans la composition, d'apparence stoïque mais parfois touchée par une tristesse ou une joie de coin ; Marcon un peu bourru, vraiment crédible en prof (en plus, il ressemble de façon troublante à un de mes anciens professeurs..) ; Kolinka (acteur fétiche de la réalisatrice, on dirait) est pas si mal mais un niveau en-dessous. Ce que j'ai aimé dans ce film, c'est sa sobriété : un plan d'ouverture qui peu sembler totalement en dérive par rapport au reste et pourtant très signifiant puisqu'il traduit déjà un écart et même une double distance : le personnage de Marcon reste comme captivé devant la tombe de Chateaubriand, sa femme (interprétée par Huppert) l'appelle (il répond "je vous rejoins tout de suite" distance spatiale) et ne semble pas très intéressée par la tombe (distance culturelle) ; ces distances et surtout leur apparition - avec une insistance notamment sur l'apparence du doute, très spatialisé, comme zone de brouillage entre deux pôles. Le film montre d'ailleurs à plusieurs reprises des couples polaires : le couple au centre du film, bien sûr avec un Marcon qui ne se cache pas d'être conservateur (qui reproche d'ailleurs à sa femme d'avoir "distribué des tracts du PC pendant trois ans") et Huppert qui aspire à quelque chose de plutôt progressiste - même si c'est encore indistinct puisque son personnage est en proie au doute ; il y a également les étudiants grévistes devant le lycée et le groupe de jeunes progressistes dans le Vercors. Le personnage de Huppert reste tout de même le plus intéressant : sûre de son couple (dont elle affirme qu'il a duré depuis plus de vingt-cinq ans - propos teinté de déni), il se termine du jour au lendemain (la rupture semble d'ailleurs un peu arbitraire, il trompait déjà sa femme depuis quelques temps), elle qui fait réfléchir ses élèves sur la recherche de la vérité et la façon de l'interroger... ; retenue entre sa mère qui a peur de l'abandon (effondrement d'une vérité affective) très bien interprétée par Edith Scob ; elle va devoir refaire sa vie, ce qui ne sera pas si évident (le chat de sa mère qui va lui coller aux bottes pendant une bonne partie du film), mais elle y arrivera et affirmera d'ailleurs "maintenant que mon mari est parti, que ma mère est morte, je suis totalement libre" ; voir l'ascension d'un personnage comme ça, c'est beau. D'ailleurs, l'avenir prend ici une saveur curieuse (et là encore, une vérité surprenante) puisque l'avenir se trouvera (en tout cas temporairement) dans son passé par un retour vers des gens aux convictions un peu plus progressistes et vers un ancien élève. En somme, c'est pour moi un film très subtil, discret (jusqu'à ses références : Levinas pour l'importance de la relation à autrui et le titre qui correspond très bien au film "Difficile liberté"), avec une belle photo, tout en simplicité et portée par des bons voire très bons acteurs et surtout une actrice magistrale : Isabelle Huppert.

Henri Decoin : La vérité sur Bébé Donge        1952


J'avais été déçu par Razzia sur la chnouf qui avait marqué mon entrée dans la filmographie de Decoin qui enchaînait les longueurs ; on en retrouve également quelques unes dans ce film (un petit quart d'heure de moins n'aurait pas été de trop) mais il y a quand même nettement plus de bonnes idées dans le second. Tout d'abord, la structure temporelle du film est assez audacieuse : il s'agit de flashbacks (qui font assez penser à Citizen Kane puisqu'ils vont expliquer la mort d'un homme puissant) qui sont assez irréguliers (j'ai même l'impression que la coupe est étrange parfois - il y a notamment un moment où la musique repart à peine une seconde et est coupée par le retour au présent) ; de façon plus globale, il y a une gestion du temps (notamment par la retranscription de la routine du couple Darrieux/Gabin). D'ailleurs, Darrieux donne ici vraiment un rôle de composition totale ici, particulièrement convaincante dans sa froideur de la temporalité présente ; il y a bien sûr une inversion de trajectoires au cours du film : Gabin triomphant de sa toute-puissance financière et sur les femmes passe toute la temporalité présente du film alité et Darrieux est très romantique, un peu bovarienne au début du film et son personnage monte en puissance avec une force d'action toujours croissante. D'ailleurs, la photo installe une ambiance assez crédible : la montée en puissance du personnage de Bébé Donge (interprétée par Darrieux) est soulignée par ses montées de cet escalier imposant filmé une bonne dizaine de fois, tout droit sorti d'un film de Max Ophüls, la restauration 2K permet de profiter des beaux contrastes et notamment de cette fin mutique où le personnage de Bébé Donge disparaît dans la nuit noire.

Bo Hu : An elephant sitting still        2018

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J'avais raté ce film plusieurs fois lors de sa sortie en salles - il faut dire que ce n'est pas évident de libérer quatre heures d'un coup d'un seul - et je me suis beaucoup demandé à quoi pouvait ressembler ce film - d'autant plus qu'il est (sur)chargé d'une mythologie morbide (dans une lignée romantique exaltée genre artiste tourmenté, etc.) qui est parfois (de manière un peu écœurante, il faut le dire) mise en avant par certain(e)s. Ce qui frappe, c'est la noirceur globale du film : ciel constamment opaque, plans sombres, apathie des personnages, omniprésence de la violence voire de la mort ; toute cette noirceur est en plus soulignée par une façon de filmer assez distante, même s'il y a beaucoup de gros plans sur les visages, ils ont presque toujours un aspect oppressant ou saturant. Ce film (ce n'est pas une grande surprise puisque beaucoup de cinéastes chinois (Jia Zhang-ke, Bing Wang) vont dans cette direction) est un compte-rendu de l'état actuel de la Chine, de sa lente et uniforme érosion : on détruit des écoles et se fiche de l'avenir des écoliers qui y étudient, on laisse mourir les pensionnaires d'une maison de retraite (le travelling dans la maison de retraite est assez édifiant) ; et le ton est globalement très pessimiste : toutes les tentatives de voyage, d'avancée sont dissoutes - on vend des faux billets de train, ou alors le train ne va pas jusqu'à la destination voulue. Une force notable de ce film, c'est sa temporalité : le film met en place un récit choral à quatre voix qui se rapprochent de plus en plus sans vraiment interagir - on peut penser à la fois à Rivette mais aussi à Ming-liang Tsaï - et je trouve que cela contribue également à la noirceur du film par l'établissement de solitudes ; pourtant, le dehors ceint tout le film : les morts successives sont toujours des morts issues d'un mouvement centrifuge, que ce soit la défenestration, le fait de pousser quelqu'un ou même le fait de se tirer une balle. Heureusement, le film n'est pas complètement univoque, comme ça, comme se complaisant dans sa noirceur ; il y a une sorte d'azur, de fil rouge établi dès le début du film et qui ajoute une petite note de couleur tant la tonalité globale du film est naturaliste et cet élément contraste par sa fantaisie (cernée de noirceur, cela dit) : il s'agit d'un éléphant assis dans un cirque d'une ville un peu éloignée - qui donne d'ailleurs au film son titre. J'ai vraiment beaucoup aimé cette idée puisqu'elle introduit une possibilité de divertissement, une sorte de lucarne et la fin sonne comme un retour (partiel puisqu'il est seulement sonore) depuis si longtemps attendu - un peu comme les cloches de la fin de Breaking the waves mais de manière plus subtile.

Martin Scorsese : Mean streets        1973

 +
J'ai été assez surpris par l'aspect assez bordélique du film - bah oui, comprenez-moi, je n'ai vu que Taxi driver... C'est une sorte d'embardée folle (cf. la scène finale) dans la Little Italy de New-York, portée par un montage très godardien et une bande originale très fournie et cassavetienne (plutôt version rock que version jazz) et la liberté de la caméra rappelle d'ailleurs aussi le cinéaste américain. La violence est toujours sous-jacente, que ce soit à travers les nombreuses bagarres ou les quelques coups de pistolet ; le bar semble être le lieu de concentration de ces violences, ce n'est d'ailleurs sans doute pas un hasard si les scènes qui s'y passent sont filmées à travers un filtre rouge. Le duo de Niro/Keitel est tellement improbable, explosif et un peu attachant : l'un fanatique de Saint-François d'Assise presque prêtre de rue essayant de contenir l'autre, très violent, totalement imprévisible. Le film nous offre également de belles prises de vue de New-York de nuit.

C'est sur qu'a côté Taxi Driver c'est plutôt austère (relativement hein). Par contre, ça fait longtemps que je ne l'ai pas vu, mais je me demande si le montage ne doit pas plus a Cassavetes qu'a Godard, la direction d'acteur (avec beaucoup d'impro je crois) paye aussi sa dette a Cassavetes.
Beau film en tout cas, sans doute la première œuvre majeure de Scorsese.

Il m'avait un peu déçu (relativement à Scorsese, ça reste un bon film évidemment), il faudrait que je le reregarde.

Je n'en étais pas fou non plus quand je l'ai vu la première fois mais il a plus d'un moment impressionnant!

Pareil que Cololi, mais de toute façon, je ne suis pas fou de Scorcese, en général. C'est magistral, c'est du grand cinéma (je ne trouve pas ça surfait comme Woody Allen, par exemple), je trouve souvent passionnant de regarder comment ça se construit (aussi bien en termes d'écriture cinématographique que de réseaux thématiques), mais ce ne m'emballe jamais comme, disons, les meilleurs films de Coppola ou de Cimino (auxquels on l'a souvent comparé.)

Emeryck a écrit:

Mia Hansen-Løve 

J'avais déjà été récemment séduit par Un amour de jeunesse

Très bon souvenir de ce film
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Claude Miller
Mortelle randonnée

et puis Carla Bley et le Pâtre sur le Rocher (Franz Schubert) ...

Benedictus a écrit:

Pareil que Cololi, mais de toute façon, je ne suis pas fou de Scorcese, en général. C'est magistral, c'est du grand cinéma (je ne trouve pas ça surfait comme Woody Allen, par exemple), je trouve souvent passionnant de regarder comment ça se construit (aussi bien en termes d'écriture cinématographique que de réseaux thématiques), mais ce ne m'emballe jamais comme, disons, les meilleurs films de Coppola ou de Cimino (auxquels on l'a souvent comparé.)

Il y a de bons Cimino à part The Deer hunter?

Benedictus a écrit:

Pareil que Cololi, mais de toute façon, je ne suis pas fou de Scorcese, en général. C'est magistral, c'est du grand cinéma (je ne trouve pas ça surfait comme Woody Allen, par exemple), je trouve souvent passionnant de regarder comment ça se construit (aussi bien en termes d'écriture cinématographique que de réseaux thématiques), mais ce ne m'emballe jamais comme, disons, les meilleurs films de Coppola ou de Cimino (auxquels on l'a souvent comparé.)

Ah moi j'ai aucun mal à le comparer aux 2 autres !
C'est certainement celui que je préfère des 3.

Par rapport à Cimino … car hélas pour moi, le seul Cimino que j'aime sans réserve, (et je peux même dire qu'il fait partie des 10 meilleurs films que je connaisse), c'est La Porte du Paradis (c'est sûrement le meilleur film américain que je connaisse).

Coppola, j'ai trop de lacunes (j'en connais 6).

Mais enfin … je les aime ces 2 géants.

Xavier a écrit:

Il y a de bons Cimino à part The Deer hunter?

Oui, Heaven's Gate (pour moi peut-être encore plus absolument chef-d'œuvresque que The Deer Hunter) et, même s'ils sont plus inégaux, Year of the Dragon et The Sunchaser sont loin d'être négligeables. Et puis j'aime bien Thunderbolt and Lightfoot, même si c'est moins ambitieux (mais assez réussi et personnel, pour un film d'action.)

Après, oui, Le Sicilien est un spectaculaire foirage. (Et je n'ai pas regardé son remake de Desperate Hours - je n'aimais déjà pas trop l'original de Wyler...)

Cololi a écrit:

Ah moi j'ai aucun mal à le comparer aux 2 autres !
C'est certainement celui que je préfère des 3.

Ah, mais il est tout à fait digne d'être comparé aux deux autres, je ne dis pas. Et il fait même preuve de plus de maîtrise et d'intelligence, je pense (ne serait-ce déjà que dans sa capacité à construire une œuvre ambitieuse et personnelle en utilisant le système de production américain.)

Mais justement: il est pour moi peut-être trop intelligent et trop dans la maîtrise (parfois ostentatoire) de son art que les deux autres: je le trouve toujours intéressant, parfois fascinant, mais il me touche un peu moins.

Cololi a écrit:

Par rapport à Cimino … car hélas pour moi, le seul Cimino que j'aime sans réserve, (et je peux même dire qu'il fait partie des 10 meilleurs films que je connaisse), c'est La Porte du Paradis (c'est sûrement le meilleur film américain que je connaisse).

Cololi a écrit:

Coppola, j'ai trop de lacunes (j'en connais 6).

J'en ai vu un peu plus. Bien sûr les trois Godfather et Apocalypse now (inégaux, qui partent dans tous les sens, mais je marche à fond dedans); peut-être par-dessus tout deux superbes films intimistes, assez dépressifs et très ancrés dans leur époque, The Rain People et le faux film d'espionnage The Conversation; et deux films tardifs très attachants Gardens of Stone et Tucker (belles méditations personnelles et désabusées sur certaines mythologies américaines.)

Mais aussi trois films qui objectivement fonctionnent moins bien, assez bizarres, mais qui me touchent quand même: le surprenant mélo musical One frome the Heart, l'étrange Rumble Fish (mélange de film expérimental-onirique et de quasi téléfilm naïf pour ados) et le fourre-tout kitsch Dracula.

Cololi a écrit:

Mais enfin … je les aime ces 2 géants.

OK, alors il faudrait que j'essaie au moins La Porte du paradis… même si je vois que c'est un western de 3h40...

Western, au sens où cela se passe au XIX° dans l'Ouest américain … oui … mais pas au sens où il s'agirait d'un film de genre reprenant les codes du western.
C'est plutôt un film historique mêlant la petite histoire (fictive) des destins (différents) d'anciens étudiants de Yale embarqués dans la grande histoire (l'immigration slave aux Etats-Unis à la fin du XIX° siècle) … le tout avec des moyens et une ambition pharaoniques.
Bien sûr tout cela ne montre pas le charme inouïe et l'ambition formelle démente de ce film. On est en fait un peu comme chez Wagner, au point où l'ambition est tellement immense … qu'il n'y a plus que deux solutions : avoir le génie suffisant pour mener à bout une telle entreprise, et sortir un immense chef d'œuvre … sinon le film est totalement raté, sans compromis possible.

Parsifal a écrit:

C'est sur qu'a côté Taxi Driver c'est plutôt austère (relativement hein). Par contre, ça fait longtemps que je ne l'ai pas vu, mais je me demande si le montage ne doit pas plus a Cassavetes qu'a Godard, la direction d'acteur (avec beaucoup d'impro je crois) paye aussi sa dette a Cassavetes.
Beau film en tout cas, sans doute la première œuvre majeure de Scorsese.

Oui, je crois que tu as raison ; en fait, j'irais même jusqu'à dire que Mean streets, c'est la trame de Too late blues mais en version prolo/gangster avec le rythme de Shadows. 

Sinon, pour parler de Scorsese, il ne faut pas oublier qu'il contribue énormément à la (re)découverte de films un peu oubliés : il y a régulièrement un cycle de cinéma polonais dont il a choisi les films et il y a parfois de très belles choses.

xoph a écrit:

Emeryck a écrit:

Mia Hansen-Løve 

J'avais déjà été récemment séduit par Un amour de jeunesse 

Très bon souvenir de ce film

Oui, il est très bien ; il me reste à voir Le père de mes enfants et Eden (que j'appréhende un peu plus vu la thématique un peu branchouille). Si tu n'as pas vu L'avenir, je te le recommande hautement. 

Cololi a tout dit sur La Porte du Paradis, c'est un film fou et absolument fascinant, la comparaison avec Wagner est assez juste, en terme d'ampleur narrative (bon ça ne se passe pas a l'échelle cosmique) et d'ambition formelle c'est tout a fait comparable!

Je n'ai pas encore vu les autres films de Cimino par contre.

Et je suis d'accord avec Benedictus sur Coppola j'aurais cité les même références (sauf que je n'ai toujours pas vu Tucker et Le Jardin de Pierre). The Conversation est un très grand film, et j'aime aussi beaucoup Coup de Coeur, Rumble Fish (j'ajouterais aussi The Outsiders) et ce délire quasi-encyclopédie autour du vampire de cinéma qu'est Dracula. Coup de Coeur est peut être mon préféré dans cette veine presque expérimentale, bancale mais attachante et pleine d'audace (et c'est toujours très beau)

Scorsese reste quand même mon préféré, sans doute justement parce qu'il arrive a concilier les impératifs hollywoodien avec un style et un propos très personnel et une grande ambition, aussi parce que je vois vraiment au delà de la nouvelle vague, des cinéastes néoréaliste, de Cassavetes, toujours la profonde influence de Powell et Pressburger avec le même souci d'invention formelle parfois assez radicale dans un cadre que l'on pourrait croire a priori classique.

Non mais Cimino, tu as forcément vu Voyage au bout de l'enfer. J'avoue que je ne le porte pas autant aux nues qu'il est traditionnel désormais de le faire. Mais Le Carnadeur et L'Année du dragon, j'avoue qu'ils m'ont déçu.

Je vois que vous ne citez pas Rusty James, qui est pourtant très bien.

Rumble fish est le titre original de Rusty James. Ou alors tu les traitais de snobs et je m'excuse de cette précision...

Et puis Coppola c'est facile d'apprécier quand on ne parle pas de ses vraies réussites aussi...



Je vous laisse vous débrouiller avec la théorie des auteurs pour celui-ci.

je ne l'ai jamais vu, c'est vraiment mauvais ou c'est quelconque mais sympathique?

Prosopopus a écrit:

Ou alors tu les traitais de snobs et je m'excuse de cette précision...

Gnégnégné.

Prosopopus a écrit:

Et puis Coppola c'est facile d'apprécier quand on ne parle pas de ses vraies réussites aussi...

Je vous laisse vous débrouiller avec la théorie des auteurs pour celui-ci.

Ah ouais, quand même... (Je ne connaissais pas celui-là.)

Parsifal a écrit:

je ne l'ai jamais vu, c'est vraiment mauvais ou c'est quelconque mais sympathique?

Même question. Cela dit, quand j'étais enfant, j'avais vu des films pour enfants de très grands réalisateurs - et qui étaient très chouettes (Annie de Huston, Popeye d'Altman...)

Prosopopus a écrit:

Je vous laisse vous débrouiller avec la théorie des auteurs pour celui-ci.

Je me demande si Truffaut n'avait pas écrit un article assez contorsionné sur Ali-Baba et les quarante voleurs de Becker (avec Fernandel.)

Si si c'est d'ailleurs un classique de la dite politique!

Ali Baba est d'ailleurs un film que gamin je trouvais très sympathique (pas encore revu adulte, je ne sais pas si ça tiens le coup)

Oui c'est ce texte et un autre qu'il signe sous pseudo qui forment le terreau de la politique des auteurs. Truffaut utilisera aussi la notion de grand film malade pour justifier les films ratés des réalisateurs qu'il défendait, ce qui pourrait correspondre à ce film de Coppola.

En vrai je suis un peu de mauvaise foi, on est loin d'un nanar mais n'aimant pas trop Coppola de base je me suis permis cette réflexion très gne gne gne effectivement... C'est un film avec pas mal de bons sentiments sur le passage à l'âge adulte (ça ressemble plus à du Zemeckis qu'à du Coppola)(c'est dire l'horreur).

Je ne vous vois pas trop évoquer ça non plus

Oh punaise ça me revient maintenant, je l'ai vu celui-là, une daube gigantesque. (Twixt)

Prosopopus a écrit:

de base

Moi, quand je dis malaisant, je le mets en italiques au moins...

Xavier a écrit:

(Twixt)

Pas vu - je n'en avais même pas entendu parler. (Alors que ça a l'air d'être du lourd, en effet.)
En fait, je me rends compte que je n'ai vu aucun film de Coppola postérieur à Dracula.

Melina León : Canción sin nombre        2020


Il s'agit d'un film se déroulant en 1988 au Pérou - époque compliquée, donc... -, le film raconte l'histoire d'une mère à laquelle on a confisqué l'enfant à la naissance ; épaulée par un journaliste, elle va essayer d'éclairer ce mystère. Il s'agit du premier film de cette réalisatrice péruvienne et le style est déjà très marqué - bien qu'on pourrait lui reprocher de prendre un contre-pied anti-spectaculaire un peu caricatural - : un format très serré, presque 4/3 en noir et blanc et vraiment une intrigue minimale : aucune psychologisation des personnages, juste quelques détails autour pour les inscrire par rapport à la société ; ce sont deux exclus de cette société fasciste : l'une vient d'une famille traditionnelle des Andes et l'autre n'est pas hétérosexuel. Le film sera l'occasion de dépeindre le Pérou d'alors ; sans grande surprise, on y trouve une police totalement inutile, des politiciens corrompus, etc. Pour moi, tout l'intérêt du film est d'une part dans le fait de porter cette histoire à l'écran (on ne parle pas beaucoup du Pérou) et d'autre part, son esthétique très austère et serrée qui laisse toutefois place à quelques touches d'expressivité - notamment la belle scène de fin, presque comme une invocation.

Jaromil Jireš : Valérie au pays des merveilles        1970


Ce n'est vraiment pas très facile de parler de ce film car c'est même déjà difficile d'en saisir un morceau au premier visionnage : il s'agit d'un film à l'esthétique surréaliste mais contrairement à un film de Jodorowski (par exemple), ce film n'est pas un continuum thématique de scène représentées de manière un peu étranges ; il s'agit ici d'une juxtaposition de beaucoup de petites scènes, esthétiquement cohérentes mais parfois thématiquement un peu lointaines - sans toutefois être sans aucun rapport. Dans ce film, on suit une jeune fille de treize ans appelée Valérie et on plonge dans ses rêves ; enfin... pas tout à fait, il y a des scènes réelles, aussi ! Au début, le film est vraiment polarisé entre deux mondes aux mêmes personnages mais transformés et cette frontière s'estompe petit à petit pour devenir presque indiscernable ; ce brouillage de frontières réel/imaginaire assez classique s'accompagne d'un brouillage un peu moins classique qui est le surpassement de la binarité sexuelle - qui n'est en plus pas montré de manière paranormale ou monstrueuse. L'esthétique du film est vraiment belle mais très chargée : on a le droit à des scènes assez pastorales puis à des vampires tout droit sortis de Nosferatu... Ce que je trouve vraiment dommage dans ce film, c'est ce côté hyper-sexualisé qui fait un peu creepy lorsqu'il s'agit d'une fille de treize ans... j'imagine qu'il y a un propos sur la puberté, la recherche de son corps - qui a d'ailleurs un écho dans le procédé global du film - mais ça me semble clairement maladroit et/ou douteux. Mais c'est tout de même un film à découvrir ! Le cinéma tchécoslovaque regorge de perles souvent oubliées !

Prosopopus a écrit:

Oui c'est ce texte et un autre qu'il signe sous pseudo qui forment le terreau de la politique des auteurs. Truffaut utilisera aussi la notion de grand film malade pour justifier les films ratés des réalisateurs qu'il défendait, ce qui pourrait correspondre à ce film de Coppola.

Grand film malade c'est pas tout a fait la même chose que la mauvaise foi évidente de Truffaut lorsqu'il explique qu'Ali Baba vaut mille fois mieux qu'un chef d’œuvre réalisé par Delanoye (ça tombe sur lui au hasard, je ne sais plus qui était sa tête de turc du moment). Le grand film malade c'est une œuvre ambitieuse qui a force d'ambition se trouve déséquilibrer du coup c'est un peu raté, mais c'est l'idée d'un ratage magnifique. Coup de coeur ou Dracula correspondraient plus a l'idée du grand film malade, on voit bien les défaut mais il y a une sincérité et une grandeur - quand on est déjà admiratif de l'art du monsieur - qui continue d'emporter l'adhésion. Jack ça a plus l'air (un peu comme Ali Baba  en fait) d'un film de commande commercial tourné pour compenser les projets ruineux précédents.
C'est a propos de Marnie d'Hitchcock (film que j'aime beaucoup d'ailleurs) que Truffaut de grand film malade il me semble?

Prosopopus a écrit:

En vrai je suis un peu de mauvaise foi, on est loin d'un nanar mais n'aimant pas trop Coppola de base je me suis permis cette réflexion très gne gne gne effectivement... C'est un film avec pas mal de bons sentiments sur le passage à l'âge adulte (ça ressemble plus à du Zemeckis qu'à du Coppola)(c'est dire l'horreur).

Ok j'aime bien Zemeckis moi (enfin j'adore Roger Rabbit qui est une grande réussite et derrière la parodie un bel hommage aux films noirs de l'age d'or, j'ai un lointain souvenir pas désagréable de Forest Gump, et La Mort vous va si bien est un plaisir assez coupable mais jubilatoire, je crois n'avoir rien vu d'autres)

Prosopopus a écrit:

Je ne vous vois pas trop évoquer ça non plus

Ben y a peut être une raison  

bon dans mon souvenir ce n'est pas forcément un nanar non plus, c'est juste bizarre et bancal, c'est bancalement bizarre ce qui ne veut pas dire grand chose mais justement ça correspond assez bien au film

Parsifal a écrit:

Ok j'aime bien Zemeckis moi (enfin j'adore Roger Rabbit qui est une grande réussite et derrière la parodie un bel hommage aux films noirs de l'age d'or, j'ai un lointain souvenir pas désagréable de Forest Gump, et La Mort vous va si bien est un plaisir assez coupable mais jubilatoire, je crois n'avoir rien vu d'autres)

Tu n'as jamais vu Retour vers le futur?

Tu as du voir Retour vers le futur peut-être ?
(j'ai beaucoup de mal avec le cinéma américain des années 80, ça m'ennuie beaucoup, je n'aime pas du tout Zemeckis par exemple, malgré moi aussi ma tendresse pour Roger Rabbit.)

C'était une boutade le "grand film malade" pour le Jack de Coppola, oui c'est plutôt un film familial de commande.

Ah oui j'ai vu Retour vers le futur, j'oublie toujours que c'est de lui!

Roger Rabbit est son meilleur film mais même si c'est un réalisateur très capable (et peut être même un peu plus, il y a un ton caractéristique je trouve) il n'est probablement pas le seul responsable de cette réussite.

J'ai du voir Retour vers le futur (les 3) une trentaine de fois au moins. Je connais quasiment toutes les répliques par coeur.
Mon préféré est le 2.

Je pense que je ne suis pas le seul à avoir été marqué par cette trilogie. Ca doit être quelque chose de générationnel.

Emeryck a écrit:

Jaromil Jireš : Valérie au pays des merveilles        1970


Ce que je trouve vraiment dommage dans ce film, c'est ce côté hyper-sexualisé qui fait un peu creepy lorsqu'il s'agit d'une fille de treize ans... j'imagine qu'il y a un propos sur la puberté, la recherche de son corps - qui a d'ailleurs un écho dans le procédé global du film - mais ça me semble clairement maladroit et/ou douteux.

J'ai pensé la même chose de ce film, ainsi que du livre de Nezval dont il est l'adaptation, fable érotique et pastiche de roman gothique (effectivement inspiré de Nosferatu, œuvre que l'auteur tchèque admirait) mettant en scène une adolescente. Je pense que ce sont surtout les périls qui la guettent qui sont représentés, la violence et la domination qui peuvent être exercées sur elle, mais il y a un côté transgressif qui met mal à l'aise.

Oriane a écrit:

Emeryck a écrit:

Jaromil Jireš : Valérie au pays des merveilles        1970

Ce que je trouve vraiment dommage dans ce film, c'est ce côté hyper-sexualisé qui fait un peu creepy lorsqu'il s'agit d'une fille de treize ans... j'imagine qu'il y a un propos sur la puberté, la recherche de son corps - qui a d'ailleurs un écho dans le procédé global du film - mais ça me semble clairement maladroit et/ou douteux. 

J'ai pensé la même chose de ce film, ainsi que du livre de Nezval dont il est l'adaptation, fable érotique et pastiche de roman gothique (effectivement inspiré de Nosferatu, œuvre que l'auteur tchèque admirait) mettant en scène une adolescente. Je pense que ce sont surtout les périls qui la guettent qui sont représentés, la violence et la domination qui peuvent être exercées sur elle, mais il y a un côté transgressif qui met mal à l'aise.

Oui, exactement ; on ne connaît pas trop les intentions du réalisateur et/ou du romancier ; et on sait que parfois, elles peuvent être trompeuses - on le voit par exemple avec Kechiche.

Oriane a écrit:

mais il y a un côté transgressif qui met mal à l'aise.

C'est exactement la raison pour laquelle je n'étais pas allé au bout de ce film.

Douglas Sirk : Imitation of life        1959


Déjà quatre ans auparavant, dans All that heaven allows, le mélodrame par Sirk avait une prise sur le réel, un peu descendu de cette mythologique hyperbolique de laquelle il est parfois prisonnier : il parlait de l'impossibilité de s'aimer à travers les classes sociales et la différence d'âge sans s'exposer au jugement moralise de tout le monde. Dans ce film - qui est d'ailleurs son ultime long métrage et également un remake du film éponyme de John M. Stahl qui semble avoir cette même tonalité sociale -, le réalisateur reprend cette teinte sociale et va même plus loin : le matériau mélodramatique ne sera plus l'amour mais l'oppression systémique des blancs sur les personnes noires aux États-Unis. Le quatuor de personnages principaux - qui est en fait composé de quatre femmes : Lora et sa fille (toutes deux blanches), Annie et sa fille (qui est métisse), toutes deux sont veuves. On voit l'évolution de l'internalisation du racisme : Annie semble presque l'avoir assimilé alors que sa fille renie ses origines de manière particulièrement forte. Annie devient alors la femme de ménage de Lora, ce n'est pas génial mais elle a toutefois une prise assez forte sur ce qu'il se passe et n'est pas juste relayée à son rôle de femme de ménage ; le quatuor est d'ailleurs très soudé. Sirk aborde également la question (toujours d'actualité) de l'abus des producteurs/réalisateurs sur les actrices notamment durant cette séquence où Lora refuse l'offre de Meredis et lui jette son manteau à la figure. Outre cet aspect social, ce film possède bien des qualités, notamment une photographie couleur très physique (que l'on trouve déjà dans All that heaven allows mais qui est ici un peu moins haute en couleur - sans doute parce qu'il s'agit d'Eastmancolor et non de Technicolor comme le premier) ; la trame est suscite également toujours l'intérêt, avec notamment cette migration de la fille de Lora vers Annie. Il y a décidément beaucoup de belles choses dans les derniers films de Sirk.

Quel chef d’œuvre!

Parsifal a écrit:

Quel chef d’œuvre!

Oui ! 
J'aime énormément les deux dont je parle au-dessus - j'avais aussi beaucoup aimé The magnficient obsession ; il y a d'autres choses aussi bien chez Sirk ?

Emeryck a écrit:

il y a d'autres choses aussi bien chez Sirk ?

Non.

J'aime énormément Written on the Wind, A Time to Love and a Time to Die; dans un style encore plus «pur mélo» (i.e. sans les prolongement sociaux et politiques), assez proche de Magnificent Obsession, il y a aussi All That Heaven Allows.

Ses films de genre avec Rock Hudson sont chouettes aussi (Taza, Son of Cochise, western, et Captain Lightfoot, film d'aventures en costumes à la Walsh.)

Et j'ai une affection toute particulière pour deux films un peu à part: The Tarnished Angels (un équivalent des Misfits, ou des Lusty Men de Ray, mais dans le monde des flying circuses de la Grande Dépression, d'après Faulkner - magnifique utilisation du Cinémascope et du noir et blanc) et Sign of the Pagan, superbe péplum «barbare» et baroque (avec Jack Palance dans le rôle d'Attila!)

Et je suis sûr que Francesco pourra te guider dans les films d'avant-guerre avec Zarah Leander...

Benedictus a écrit:

J'aime énormément Written on the Wind, A Time to Love and a Time to Die; dans un style encore plus «pur mélo» (i.e. sans les prolongement sociaux et politiques), assez proche de Magnificent Obsession, il y a aussi All That Heaven Allows.

Ses films de genre avec Rock Hudson sont chouettes aussi (Taza, Son of Cochise, western, et Captain Lightfoot, film d'aventures en costumes à la Walsh.)

Et j'ai une affection toute particulière pour deux films un peu à part: The Tarnished Angels (un équivalent des Misfits, ou des Lusty Men de Ray, mais dans le monde des flying circuses de la Grande Dépression, d'après Faulkner - magnifique utilisation du Cinémascope et du noir et blanc) et Sign of the Pagan, superbe péplum «barbare» et baroque (avec Jack Palance dans le rôle d'Attila!)

Et je suis sûr que Francesco pourra te guider dans les films d'avant-guerre avec Zarah Leander...

Oui, j'avais aussi aimé The tarnished angels mais j'avais trouvé ça moins bon ; et effectivement All that heaven allows est très bien - mais il y a aussi un aspect un peu social (moins frontal, c'est vrai) dans celui-ci !

Merci, je vais chercher le reste !