Votre dernier film visionné

D'après imdb, la sortie française de Belfast est prévue début mars (ce qui est plus logique, quand même)

https://www.imdb.com/title/tt12789558/releaseinfo?ref_=tt_ov_rdat

Todd Haynes : Carol        2015


Haynes a une certaine fascination pour les mélos des années cinquante et à l'aune de la réussite qu'est Far from heaven (remake de All that heaven allows de Sirk), j'attendais de pieds fermes Carol - qui se passe également dans les années cinquante et donc la colorimétrie rappelle les mélos de ces années - et je dois dire que je n'ai pas été déçu : c'est tout de même vraiment beau ! Le film se passe aux alentours de Noël (autrement dit : si vous cherchez un film de Noël, vous avez un candidat ici-même), dans un centre commercial, alors qu'elle effectue ses achats de Noël, une femme prénommée Carol (d'une classe assez légendaire, interprétée par Cate Blanchett) demande conseil à la vendeuse prénommée Therese (interprétée par Rooney Mara), trouve son bonheur (le sien, et celui de sa fille) mais oublie sa paire de gants - que la vendeuse va lui renvoyer - et ce sera le début d'une relation entre elles. J'ai trouvé ça assez bien vu que tout commence sur l'oubli d'une paire de gants quand on sait l'importance que prendront les mains par la suite (le motif initial avec la main de Carol sur l'épaule de Therese, les séquences de tendresse entre elles, les séquences où Therese joue du piano) et il y a également les prémices du motif de l'aller-retour qui sera constant dans la suite du film notamment à cause des maris (ou aspirant-maris pour Therese) que l'on n'aime plus et qui contraignent leurs trajectoires - enfin, pour le mari de Carol, il a même décidé de lui pourrir la vie, on dirait : entre le fait qu'il la fasse parfois suivre ou qu'il veuille la priver de la garde de sa fille. Le film a aussi une approche un peu inhabituelle de la non-hétérosexualité, je trouve : il semble mettre l'accent sur l'aspect normatif des relations hétérosexuelles (notamment à travers le personnage de Carol qui est véritablement avec son mari par défaut) ; lorsque sa relation avec Therese, tout semble évident - cela ne veut pas dire que tout ne se fait pas sans difficulté, bien sûr, loin de là. J'ai également trouvé que le film avait une certaine intelligence dramatique notamment avec la reprise du motif initial pour la fin - qui est vraiment très belle. La photographie est également très chaleureuse et très soignée et le duo Blanchett/Mara est à mon avis une grande réussite. J'espère que Haynes refera d'autres films dans ce genre mélo-américain-des-années-cinquante-alla-Sirk.

J'avais beaucoup aimé également

Sur la photographie très soignée, et pour prolonger tes reflexions
https://laac-auvergnerhonealpes.org/wp-content/uploads/2019/04/Carol-de-Todd-Haynes.pdf

Merci !

C'est intéressant parce que je crois que Haynes a justement dit qu'il ne voulait pas refaire un mélodrame sirkien après Loin du Paradis et que sa photographie et l'esthétique du film renvoyaient plutôt à d'autres formes de picturalité (je crois qu'il citait Norman Rockwell, par exemple).
Sinon, le film est superbe, tout à fait d'accord (et le roman qui l'a inspiré est très beau aussi).

Oui c'est un très beau film, je ne saurais dire lequel je préfère entre Far From Heaven et Carol (peut être le premier mais c'est vraiment léger et il faudrait que je le revois). Tous le début de Carol est une reprise de la première séquence de Brève Rencontre, c'est intéressant puisque le mélo de Lean avec ses "amants" clandestins inhibés par la pression sociale et la morale conventionnelle au point de ne jamais consommer leur relation a souvent fait l'objet d'interprétation queer.

Francesco a écrit:

D'après imdb, la sortie française de Belfast est prévue début mars (ce qui est plus logique, quand même)

https://www.imdb.com/title/tt12789558/releaseinfo?ref_=tt_ov_rdat

en effet et sans doute plus fiable que wikipedia

Pris en route ce film hier soir et c'est vrai que ce n'est pas un chef-d'oeuvre, loin de là , mais déjà arriver à concilier un tel nombre d'artistes star, comme Kidman,Judi Dench,Cotillard, Cruse,Sophia Loren et d'autres était un pari impossible .
Tiré d'une comèdie musicale de Broadway et inspiré de Fellini réalisateur,au temps de la grande Cinécitta , c'était aussi là, un pari vraiment difficile et compliqué.Le phénomène créatif ne peut pas s'expliquer aussi facilement que ça, sinon ça se saurait, et surtout au cinéma.
Daniel Day-Lewis est vraiment très bon,comme toujours , ce talent qu'il a d'être le même ,en étant un autre ou le contraire.
Non beaucoup de longueurs  et de clichés dans ce film, mais les scènes chantées sont vraiment très bonnes et jouissives,rien que pour ça, ce film vaut vraiment le coup je trouve.
Mettre Judi Dench en rôle charnière de ce film ,était une très bonne idée,ce qui cloche ,c'est de vouloir faire de Contini  ou Fellini ,un amoureux de toutes ses vedettes féminines qu'il dirigeait au point de plus savoir ou il en était, et en fait une espèce, de mèlo surfait.Fellini n'était pas Truffaut,c'est sûr, pas du tout le même cinéma non plus,mais quand il tombait amoureux lui de ses actrices, je ne pense pas, que c'était de toutes en même temps.
Montrer le syndrome de la page blanche pour l'écrivain,ou celui du réalisateur pour le cinéma,se noyant dans l'alcool, les femmes ou la drogue a déjà été fait et très bien fait, mais là ,ça rate un peu son but.
Quelques réflexions rapides sur ce film de  Rob Marshall de 2010 et qui possède vraiment de superbes scènes chantées ,ou parfois le fantasme rejoint la réalité ,car c'est avant tout, une comèdie musicale.

Parsifal a écrit:

et sans doute plus fiable que wikipedia

Il faut dire aussi que quand on lit, sur la page Wikipédia (française) dédiée au film, cette «phrase»:

Citation :

Sous la gouvernance de Margaret Thatcher, l'histoire de Buddy un petit garçon et de sa famille dans le Belfast de la fin des années 1960.

on sent tout de suite que, côté fiabilité, on est sur du high level...

Francesco a écrit:

C'est intéressant parce que je crois que Haynes a justement dit qu'il ne voulait pas refaire un mélodrame sirkien après Loin du Paradis et que sa photographie et l'esthétique du film renvoyaient plutôt à d'autres formes de picturalité (je crois qu'il citait Norman Rockwell, par exemple).
Sinon, le film est superbe, tout à fait d'accord (et le roman qui l'a inspiré est très beau aussi).

Oui, c'est vrai que picturalement, ça ne renvoie pas spécifiquement à Sirk mais je trouve que l'histoire est par contre très sirkienne - du coup, le roman initial est très sirkien.

• Endless Night de Sidney Gilliat (1972)
Pas le chef-d’œuvre du siècle (ne serait-ce qu’à cause du jeu des trois acteurs principaux, et des intérieurs de studio assez ratés), mais néanmoins un film dans lequel j’ai trouvé pas mal de choses qui m’ont bien plu.
Déjà, la mise en scène tient remarquablement la gageure de respecter à la lettre la structure narrative du roman d’Agatha Christie (avec tout un travail très subtil sur les ambiguïtés du hors-champ, de la focalisation des points points de vue, des ellipses, des dialogues à double entente…)
Ensuite (et qui en procède en partie) les effets de construction spatiale en extérieur sont très réussis - et en particulier la caractérisation de Gypsy’s Acre, aussi central et obsédant que dans le roman - ainsi que tout le travail autour du Syndic des drapiers de Rembrandt et l’utilisation des transparence dans le bref épisode à Positano.
Par ailleurs, si les trois acteurs principaux (Hayley Mills, Hywell Bennett, Britt Ekland) m’ont paru plutôt irritants (leurs voix, leur jeu…), la galerie des personnages secondaires est au contraire très réussie - George Sanders comme toujours délectable, mais en fait, tous sont très bons dans leur incarnation d’archétypes christiens. Enfin, la musique de Bernard Hermann (très Vertigoesque, mais avec adjonction de Moog) ajoute au côté un peu envoûtant des atmosphères.
(Parsifal, j’imagine que tu connais…)

Ah oui, justement, je l'ai vu il y a pas longtemps, à cause d'Herrmann bien sûr.
Je l'avais déjà presque oublié... (mais bon, sympa quand même)

Tu avais lu le livre avant?

Non, du tout.

Ah oui, moi, c'est peut-être surtout pour ça que ce film m'a autant intéressé - parce que, quand on a lu le livre, faire une adaptation cinématographique qui serait fidèle à son économie narrative semble une vraie gageure, or justement Gilliat y arrive de manière très convaincante (malgré les réserves que j'ai pu signaler.)

Vrai spoiler:

Film documentaire (1h46) - 2011 - Grande-Bretagne
Réalisé par Asif Kapadia


Senna .Film documentaire retraçant les 10 années de carrière de 1984 à 1994,du grand champion brésilien Ayrton Senna,jusqu'au grand prix de San Marin, dans lequel il décédera tragiquement.
Beaucoup d'émotion a revoir ce beau champion,trois fois champion du monde,tel un Dieu grec,a qui tout réussissait, mais pour qui le destin en avait décidé autrement.
Pourtant ce Grand Prix de San Marin de 1994, commençait vraiment très mal,la veille du grand prix, l'accident de Barrichelo,dont la voiture finissait en morceaux et qui s'en sortait miraculeusement indemne. Le départ qui s'avèrait lui aussi catastrophique, avec la mort de Roland Ratzenberger.Enfin ,alors que Senna est en tête poursuivi par Schumacher, il percute le mur à pleine vitesse dans la courbe de Tamburello et là en revoyant les images, on voit de suite qu'il n'a plus aucune chance de s'en tirer.
De belles images d'archives, la réaction des pilotes et dans les écuries et dans les stands qui sont tous complètement sonnés après l'accident et désemparés, bref avec le recul on se dit, mais pourquoi n'avait on rien vu ou préssenti, mais dans la vie réelle ,le film ne se tourne qu'une seule fois.
Bon les images parlent d'elles-mêmes ,et pour moi, elles restent très fortes et très belles. Pour ceux qui ne connaitraient pas ce grand champion que fut Ayrton Senna, on peut revoir ce film en replay sur Arte TV.C'est vraiment un très bel hommage à revoir au champion disparu.D'ailleurs ce jour là, un grand champion disparaissait et un autre est né,bien que Michaèl Schumacher,dont le destin, sera lui aussi assez tragique et triste,n'ait pas pour moi ,la même grandeur naturelle d'un Senna.
Nous avons tous ,notre mythologie personnelle dont certains grands coureurs automobile, boxeurs et autres sportifs ou personnages ,sont les héros involontaires.

Sinon deux films magnifiques à revoir sur Arte.
Le premier Gens de Dublin / 1987 / Etats-Unis - Grande-Bretagne - Irlande
1h23min
John Huston s'introduit chez Joyce et c'est un régal, tellement les personnages sont outrageusement irlandais .Tiré d'une nouvelle de Gens de Dublin.Un recueil ,de James Joyce relativement plutôt facile à lire ,vu le reste de son oeuvre.Les acteurs, sont tous vraiment remarquables.



Mais ma grande surprise et mon grand étonnement ça été de voir un film en noir et blanc réalisé par David Lean
Les grandes espérances / 1946 / Grande-Bretagne
1h58min
Vraiment un film magnifique visuellement et de compréhension et adaptation de l'oeuvre de Dickens.Je connaissais  le David Lean de Lawrence d'Arabie et de la route des Indes, mais pas celui-là.Un film qui marque vraiment.

Xavier Dolan : Laurence anyways        2012


Je ne suis en général pas un des plus grands fans de Dolan, quelques films font cependant un peu exception (notamment Juste la fin du monde que j'aime assez) mais ce n'est pas vraiment le cas de celui-ci - d'autant plus que je l'attendais avec une certaine impatience, notamment en voyant la distribution et le synopsis. Le film se passe dans les années 90 au Québec, il raconte l'histoire d'un professeur de littérature (Laurence) qui dit à sa copine qu'il ne se sent pas à sa place dans un corps d'homme et qu'il s'identifie en tant que femme ; sa copine ne comprend pas, elle lui demande pourquoi il est homosexuel, elle lui demande pourquoi il lui a "menti" - alors que la sensation d'être un(e) imposteur/trice et d'avoir "menti" est déjà suffisamment présente chez Laurence et qu'il n'y a bien sûr pas de "mensonge" là-dedans ; malgré tout, le film montre bien qu'il s'agit d'une incompréhension "passive" puisque ensuite, sa copine l'aide dans le choix de ses vêtements, lui donne des conseils pour se maquiller, la soutient, etc. Le film va dans un premier temps montrer la confrontation de ce changement et de la société civile : ses parents se ferment totalement et refusent de la voir ; lorsque Laurence se présente à l'université habillée en femme, ses élèves ne disent rien mais un groupe de parents écrit une tribune de protestation dans un journal local et elle est renvoyée - et on lui fait miroiter que finalement, c'est bien, car elle va pouvoir se consacrer totalement à l'écriture. J'ai aimé le pitch, c'est bien sûr quelque chose dont on ne parle jamais (encore moins de manière sérieuse, et en 2012, je n'en parle même pas...) et c'est ici assez bien abordé, pas cringe, le film arrive à dessiner une trajectoire (l'interview où Laurence dit qu'elle décide de poursuivre sa vie en tant que femme, la fin avec le "Laurence anyways", la petite séquence au balcon où on l'interpelle) mais j'ai vraiment du mal avec la vision de la dramaturgie qu'a Dolan : c'est quelque chose de très discontinue où les climax sont forcément des scènes d'engueulade très vives où l'on casse tout (ce qui, bien sûr, doit certainement figurer dans un tel film) mais j'ai vraiment l'impression de quelque chose de très systématique (l'utilisation des ralentis, aussi) mais parfois, ça rend bien, notamment la scène sur Fade to grey. Par ailleurs, je n'ai vraiment pas trop compris l'intérêt de faire un film aussi long (deux heures cinquante) avec un sens de la dramaturgie pareil ; je dois en revanche dire que la direction d'acteurs est excellente : Melvil Poupaud est génial, Suzanne Clément aussi, sans parler de Nathalie Baye - mais c'est un peu un pléonasme, ça.

Emeryck a écrit:

mais j'ai vraiment du mal avec la vision de la dramaturgie qu'a Dolan : c'est quelque chose de très discontinue où les climax sont forcément des scènes d'engueulade très vives où l'on casse tout (ce qui, bien sûr, doit certainement figurer dans un tel film) mais j'ai vraiment l'impression de quelque chose de très systématique (l'utilisation des ralentis, aussi) mais parfois, ça rend bien, notamment la scène sur Fade to grey. Par ailleurs, je n'ai vraiment pas trop compris l'intérêt de faire un film aussi long (deux heures cinquante) avec un sens de la dramaturgie pareil ; je dois en revanche dire que la direction d'acteurs est excellente : Melvil Poupaud est génial, Suzanne Clément aussi, sans parler de Nathalie Baye - mais c'est un peu un pléonasme, ça.[/font]

C'est le problème que j'ai avec Nolan (mais je suis encore moins indulgent que toi) la direction d'acteur est en générale fantastique (et au passage lui même est un excellent acteur) mais il y a plein de tics dramaturgique ou stylistique qui sont agaçant par leur aspect presque gratuit sans que ça débouche sur un maniérisme ou la forme pourrait se suffire à elle même.

Benedictus a écrit:

• Endless Night de Sidney Gilliat (1972)
Pas le chef-d’œuvre du siècle (ne serait-ce qu’à cause du jeu des trois acteurs principaux, et des intérieurs de studio assez ratés), mais néanmoins un film dans lequel j’ai trouvé pas mal de choses qui m’ont bien plu.
Déjà, la mise en scène tient remarquablement la gageure de respecter à la lettre la structure narrative du roman d’Agatha Christie (avec tout un travail très subtil sur les ambiguïtés du hors-champ, de la focalisation des points points de vue, des ellipses, des dialogues à double entente…)
Ensuite (et qui en procède en partie) les effets de construction spatiale en extérieur sont très réussis - et en particulier la caractérisation de Gypsy’s Acre, aussi central et obsédant que dans le roman - ainsi que tout le travail autour du Syndic des drapiers de Rembrandt et l’utilisation des transparence dans le bref épisode à Positano.
Par ailleurs, si les trois acteurs principaux (Hayley Mills, Hywell Bennett, Britt Ekland) m’ont paru plutôt irritants (leurs voix, leur jeu…), la galerie des personnages secondaires est au contraire très réussie - George Sanders comme toujours délectable, mais en fait, tous sont très bons dans leur incarnation d’archétypes christiens. Enfin, la musique de Bernard Hermann (très Vertigoesque, mais avec adjonction de Moog) ajoute au côté un peu envoûtant des atmosphères.
(Parsifal, j’imagine que tu connais…)

Pas du tout, et je n'ai pas encore lu ce Christie non plus mais je l'ai donc ça passe en priorité, je regarderais ensuite!
Gilliat (avec Launder) a réalisé quelques pépites dans les années 40 et 50, dont un excellent Whodunit qui s'appelle Green for Danger que je recommande fortement!

Pedro Almodóvar : Madres paralelas        2021

 +
J'avais beaucoup aimé le dernier film en date du réalisateur : Dolor y gloria (à la fin sublime) ; ici, j'ai été un peu déçu - même si j'ai aimé le film malgré tout. Le film met en place deux intrigues parallèles (qui sont essentiellement liées, en fait) : d'un côté, une femme veut faire des fouilles là où elle croit être enterrés les cadavres de son grand-père (et d'autres personnes) chassées par les franquistes et de l'autre, cette même femme a un enfant avec l'homme qu'elle engage pour faire les fouilles et rencontre une autre mère à la maternité, avec qui elle se lie d'amitié. Les deux intrigues se croisent puisque, bien sûr, il est question de généalogie (et d'histoire - et ses interactions avec la vie de tous les jours) dans les deux mais j'ai trouvé que le lien était tout de même assez faible et fragile. J'ai également trouvé le scénario assez cousu de fil blanc (spoil) : dès lors que l'on sait que Janis n'est pas la mère de celle qu'elle croit être sa fille, il est assez évident qu'il y a eu très probablement échange lors de la naissance ; le scénario part ensuite dans des revirements un peu laborieux et c'est dommage - même si, du coup, ça donne un peu une histoire à suivre. Il y a également bien sûr (comme le suggère le titre) un jeu de symétrie et de rupture de symétrie entre les deux mères : Janis est quadragénaire, sereine par rapport à son accouchement alors qu'Ana est tout juste majeure, très angoissée par rapport à son accouchement - c'est compréhensible quand on connaît l'histoire, pas une très bonne ambiance... il y a également d'autres marques de ce jeu assez drôles : la couleur des coques de téléphone, les vêtements. En fait, j'ai eu l'impression que le film essayait de faire un truc genre "grande histoire dans la petite" et d'enrober ça d'un mélo mais ça ne s'assemble pas très bien ici - même si les résultat est plutôt agréable, mais décevant.

Spike Jonze : Her        2013


Cela faisait un certain temps que je voulais voir ce film, notamment en raison de son scénario et je n'ai pas été vraiment déçu. J'ai trouvé que l'approche était assez différente que beaucoup d'autres films qui parlent du rapport entre intelligence(s) artificielle(s) et sentiments, quelque chose de plus complexe : ici, Theodore tombe progressivement amoureux du système d’exploitation de son ordinateur mais pourtant, c'est quelqu'un de tout-à-fait normal (alors que certains films se seraient empressé d'empiler tout les clichés sur ce que l'on appelle l'asocialité), qui a ses tourments, qui se sent un peu seul ; le film ne juge pas le personnage de Theodore : ça lui convient à ce moment, c'est bien pour eux ; il laisse également de la liberté à ses personnage : il s'avère que cette relation avec l'IA Samantha n'est qu'un tremplin - et le film est plutôt optimiste (belle fin, au passage, image volontairement cliché). Je trouve que la force de ce film, c'est de faire de l'anticipation profondément concrète : tout semble palpable, les sentiments de Theodore sont très communs (sans qu'il soit complètement lisse et inintéressant) et il arrive à diffuser une sorte de tristesse un peu douce, notamment grâce au très bon jeu de Joaquin Phoenix et à la photographie à la lumière très douce. Je regrette peut-être un peu que le film n'aille pas plus loin mais cette lenteur est à la fois ce qui permet de diffuser ce sentiment et qui fait le charme du film.

La Guerre des mondes (Spielberg)

Ernst Lubitsch : The shop around the corner        1940

 +
Ça faisait maintenant plusieurs années que j'avais envie de voir ce Lubitsch, j'ai finalement réussi à le dénicher en HD ; j'en avais entendu beaucoup de bien et c'est effectivement un grand film (et un grand film de Noël) mais il n'est pour moi pas tout-à-fait au niveau de chefs d'oeuvre comme Design for living. J'ai l'impression qu'une partie du sel du film repose sur l'avance du spectateur : on ne met pas longtemps à découvrir que les deux correspondants sont collègues dans la "vraie" vie et le film joue alors à repousser l'instant de la révélation jusqu'à la fin du film ; je n'ai pas trouvé ça passionnant en soi même si ça donne lieu à des séquences amusantes bien sûr. Une autre partie de la singularité de ce film (notamment dans l'oeuvre de Lubitsch), c'est que le brio habituel de la mise-en-scène, des dialogues (même s'il y a un certain clinquant dans certaines répliques) et l'aspect iconoclaste est beaucoup moins voyant et le film met en scène des gens de la classe moyenne ; je ne sais pas trop comment me placer vis-à-vis de cette sourdine : à la fois, le film est beaucoup moins jouissif que d'autres films de Lubitsch mais c'est par contre un film tendre où l'on se sent vraiment bien, qui nous fait rire (de façon mesurée) : c'est un film de Noël, quoi. 

King Vidor : The crowd        1928

 +
Il me semble que c'est le premier film de King Vidor que je vois et c'est une bonne pioche. Le film raconte l'histoire d'un enfant dont le père veut absolument qu'il soit "quelqu'un", le père meurt (et donne lieu à la célèbre lente montée d'escalier filmée en grand angle (?) et en contre-plongée, qui sera notamment citée (avec la scène d'un public complètement hilaire de la fin) dans le court-métrage Sans titre de Carax), le jeune homme émigre vers New-York, est employé (parmi tant d'autres...) dans une compagnie d'assurance et essaie de "devenir quelqu'un", sans grand succès... J'ai trouvé le film vraiment intéressant dans la manière dont il s'insère dans le cinéma d'alors : il reprend cette espèce de fascination pour la cinétique et les machines (comme on peut le voir dans un tas de films muets, que ce soit de manière assez contemplative dans Berlin, symphonie d'une grande ville de Ruttmann, de manière plus politique dans plusieurs films de Vertov comme La sixième partie du monde, par exemple) et va même dans une direction complètement différente de films qui ont essayé de s'émanciper un peu de ça (je pense à L'homme à la caméra de Vertov qui a cette caractéristique assez fascinante de ne parler de rien à proprement parler mais qui est cependant fascinant : c'est comme s'il s'agissait de porter cette fascination cinétique à sa limite pour essayer d'en tirer autre chose) : dans ce film, Vidor essaie d'introduire avant tout une composante humaine dans toute cette machinerie ; sans pour autant tomber dans "l'homme vs. la machine", le film compare les deux mouvements et la manière dont ils interagissent - en ce sens, je trouve que la lenteur de la montée d'escaliers a du sens ; et d'ailleurs, d'autres scènes montrent cette confrontation des deux mouvements, je pense par exemple à la scène où l'un des enfants se fait percuter par une voiture (et au montage très vif de cette séquence) ; et bien sûr, en fond, il y a toujours ce mouvement asymptotique qui anime le personnage principal, celui de devenir quelqu'un - et permet au film d'être finalement assez drôle (notamment à la fin, lorsque le frère de sa femme lui propose un job d'homme-sandwich) - d'ailleurs, la scène de clôture est doublement drôle de ce point de vue. Il y a également quelques très belles scènes (mais un peu drôles, aussi), notamment la scène sur le pont à la fin avec le fils. Sinon, il y a bien sûr un aspect politique (et assez critique) qui n'est pas forcément lié aux États-Unis en tant que tels mais est valable pour tout état capitaliste et qui ironise sur la concurrence entre employés, la publicité mais aussi sur les aspirations génériques qui n'ont aucun sens (du genre "être quelqu'un"). C'est une belle découverte, en tout cas.

Apnée

Michel Deville : Le dossier 51        1978


C'est sans doute l'un des meilleurs films de Michel Deville que j'ai vu jusqu'à maintenant ; son ton est radicalement différent des autres et a sans doute été un peu influencé par la vague de films inquiets qui ont été fait en France et aux États-Unis au début des années soixante-dix - par exemple, The conversation de Coppola mais le film arrive tout de même à se singulariser à travers son parti-pris : il s'agit de montrer les mécanismes de l'espionnage, au sens le plus brut. Dans le film, une compagnie d'espionnage décide d'essayer de faire plier un homme qui travaille au ministère des affaires étrangères qu'ils aimeraient recruter et pour cela, ils vont scruter sa vie dans les moindres recoins ; on va alors suivre l'avancée de ce "dossier 51", complètement du côté des espions puisque le film est une succession de rapports d'enquête, de documents, d'enregistrements de voix, de planques - c'est en fait un peu une sorte de scrapbooking d'espionnage ; le film met également l'accent sur l'aspect technique et froid (la fin !) de l'espionnage (les personnages sont désignés par des numéros, il y a des tas de noms de code à gauche et à droite - jusqu'à l'absurde) et cela lui permet de maintenir une atmosphère vraiment crédible - même si les scènes plus "humaines" (et clairement pas intéressantes) viennent malheureusement parasiter le tout... Le film fait également appel à une certaine ironie - notamment concernant les psychiatres, qui nous font une dissertation de vingt minutes pour nous dire qu'en fait, le 51 est un homosexuel dans le déni - et d'ailleurs, le film parle de l'homophobie ambiante puisque c'est cette prétendue homosexualité latente qui sera retenue pour faire plier 51 - mais connaissant Deville, c'est très certainement involontaire. C'est en tout cas un film qui fonctionne (même s'il serait beaucoup mieux sans les scènes qui l'écartent de l'espionnage) - d'autant plus que sa forme de chroniques lui permet de masquer d'éventuelles prises ratées et/ou de mauvais(es) acteurs/trices.

L.A. Confidential de Curtis Hanson (1997)

Tiens, la musique est un vrai plagiat du premier thème d'On the waterfront de Leonard Bernstein.

Yves Boisset : L'attentat        1972

 + / 
Il s'agit vraiment du premier gros film de Boisset, ne serait-ce que par la distribution qui est assez délirante : Jean-Louis Trintignant, Michel Piccoli (autrement dit, deux acteurs que j'adore), Jean Seberg, Michel Bouquet, Gian Maria Volonté, Bruno Cremer, François Périer, Philippe Noiret mais aussi des acteurs de second rôle (hélas) que j'aime beaucoup : Jean Bouise et Jacques François ; sinon, on a aussi Ennio Morricone à la musique et Jorge Semprún aux dialogues (qui avait notamment écrit le scénario de La guerre est finie d'Alain Resnais, je crois) ; c'est vrai que ça fait un peu juste... d'autant plus qu'ils sont tous excellents (Trintignant et Bouquet en tête - dommage que Piccoli n'apparaisse pas davantage). D'ailleurs, ce casting superlatif sera très utile face à la censure (Boisset et Raymond Marcelin, une grande histoire d'amour!) qui a encore frappé sur ce film : le film est inspiré de l'affaire de la disparition de Mehdi Ben Barka, opposant majeur au roi marocain dans les années cinquante-soixante et figure importante du mouvement panafricaniste ; cette affaire (assez complexe) reste toujours non élucidée à l'heure actuelle même si la responsabilité du gouvernement français de l'époque semble acquise. Il y a eu pas mal de pression sur le financement du film mais également disparition de plusieurs bobines notamment celles où il était question des scènes de torture. J'ai en tout cas assez aimé ce film, son audace (au détriment, peut-être, de sa subtilité - puisque le film a un avis très ferme sur la question - mais ce qui compte, c'est d'en parler, surtout seulement sept ans après l'enlèvement de Ben Barka) mais également le personnage interprété par Trintignant (qui joue le rôle du journaliste Philippe Bernier - dont le nom est modifié, bien sûr) qui est à mon sens le plus intéressant : il pense rendre service à Sadiel (alter-ego de Ben Barka) car l'émission télévisée tiers-mondistes à laquelle il le convie pourrait être un moyen pour Sadiel de faire passer un message à certaines personnes pour le faire rentrer en sécurité dans son pays mais le personnage de Trintignant est en fait un maillon absolument essentiel de la chaîne pour l'organisation du guet-apens puisque c'est l'appât ; le film met d'ailleurs sur l'aspect de mécanique-bien-réglée que prend cette affaire - comme le montre la fin du film.

Roman Polanski
Le couteau dans l'eau

Je n'avais pas, auparavant, porté autant d'attention à la musique (ici très jazz et très bonne) de Krzysztof Komeda (qui signera aussi celle de Cul de Sac, et de tous les films Polanski jusqu'à son décès).

Pablo Agüero : Akelarre        2020


Il s'agit du cinquième long-métrage de fiction du réalisateur argentin Pablo Agüero. Pour ce film, tout est parti de la découverte de l'ouvrage La sorcière de Jules Michelet par le réalisateur, essai (écrit au début de la deuxième moitié du dix-neuvième siècle) où Michelet considère la sorcellerie comme rempart aux peurs et aux oppressions d'alors ; Agüero s'éloigne assez de ce propos et s'interroge sur les représentations de la sorcellerie en émettant l'hypothèse que ce que l'on connaît de la sorcellerie ne sont que des images d’Épinal sans cesse perpétuées ; il s'agit alors de faire un véritable film sur les sorcières, c'est-à-dire un film sans sorcières - cf. la scène de fin. Le film met en scène cinq jeunes filles que l'on arrête et accuse de sorcellerie ; le problème, c'est qu'elles n'ont jamais pratiqué de telles choses et pour sauver leur peau, elles vont décider de donner à ceux qui mènent les auditions ce qu'ils veulent entendre ; le film prend alors une tournure suprenamment assez drôle puisque les filles vont surjouer les clichés jusqu'à l'absurde - sans que cela éveille l'attention des interrogateurs. J'ai trouvé cette question assez pertinente et vraiment intéressante lorsqu'on l'étend à toute représentation - par exemple, la représentation des personnes non blanches dans les planches anatomiques et tous les préjugés autour. Dans ce film, j'ai été bluffé par la photographie qui est véritablement superbe, travaillant sur le couple obscurité/lumière avec des scènes d'une lumière éclatante dans la forêt mais également le motif du feu dans les scènes nocturnes - qui est bien sûr important lorsque l'on parle des sorcières puisqu'on le retrouve dans le bûcher et dans le sabbat. J'ai trouvé que les prises de vue et notamment les mouvements de caméra étaient vraiment saisissants - notamment dans la scène de sabbat finale, où tout virevolte autour du feu, où le film alterne les plans fixes au montage court et les plans très mouvants ; c'est vraiment du très beau travail.

Edgar Wright : Last night in Soho        2021


C'est le premier film d'Edgar Wright que je vois et j'avoue que ça ne me donne pas envie d'aller véritablement plus loin parce que j'ai trouvé ce film absolument pas subtil et pas plus original - c'est dire à quel point il n'est pas original ! Ce film raconte l'histoire d'une adolescente qui quitte sa campagne anglaise pour étudier la mode à Londres ; ayant un peu de mal avec l'agitation londonienne (et sa colocataire méprisante), elle choisit à la hâte un petit logement chez une vieille dame ; c'est alors que ses rêves se peuplent de voyages dans les années soixante où elle se projette en aspirante chanteuse. Il nous ressert alors un tas de poncifs (de manière complètement inintéressante) : tout d'abord, bien sûr, de la dualité partout (et au cas où le/la spectateur/trice n'avait pas compris, il nous met un tas d'images avec des miroirs... mais aussi du rouge et du bleu, pour être bien sûr) ; ensuite, on a cette histoire de chambre hantée par la mémoire de sa première propriétaire et dans laquelle ont eu lieu des meurtres - et comme le film est très original, l'adolescente va enquêter sur cela ; la seule chose intéressante (je pense que ce qui est sous-jacent à toute cette violence est le patriarcat - cf. les harcèlement que subit l'adolescente mais également la manière dont Wright dépeint le milieu de la chanson des années soixante) est abordée complètement en surface et le film préfère se vautrer dans des tas de clichés inintéressants. Je crois que la seule chose que l'on peut reconnaître à ce film, c'est un certain sens de l'image - qui n'est pas pour autant vraiment renversant non plus...

The Brothers Grimsby

+

Fritz Lang : The woman in the window        1944

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Je dois dire que j'ai été assez déçu par ce Lang, peut-être pas autant que par The secret beyond the door mais j'ai trouvé la même préséance de la psychanalyse - ne serait-ce que par le bref cours sur Freud donné par le personnage principal (très bien interprété par Edward G. Robinson) qui ouvre le film. Je dois par contre reconnaître que le film est d'une clarté et d'une efficacité assez remarquables (Lang, quoi !) : en trois séquences, tout est déjà installé ; j'ai également beaucoup aimé la scène-pivot (avec les ciseaux, qui bénéficient d'un rôle presque absolu - comme le couteau de L'étranger) et la manière dont sont gérées les ombres de manière générale. On retrouve la thématique de la culpabilité (et du jugement), centrale chez Lang, mais qui semble plutôt être ici comme une clôture thématique et non traitée de manière centrale comme dans d'autres de ses films. Le film est plutôt plaisant : un professeur d'université est captivé par le portrait d'une jeune femme (Joan Bennett), exposé dans une boutique ; lorsqu'il le regarde une seconde fois, celle-ci se trouve être juste à côté de lui, ils décident de partir ensemble, sauf que l'amant de celle-ci rentre pendant qu'ils sont ensemble ; il gifle son amante et le professeur le poignarde alors avec une paire de ciseaux. Il s'agit donc d'un film noir mais un peu inhabituel puisqu'on connaît ici immédiatement le coupable et tout le film va reposer sur un mouvement inverse au mouvement ordinaire du film noir : il va s'agir d'aller du coupable vers les policiers et non l'inverse ; la fin est par contre véritablement décevante (même pirouette que dans Spellbound de Hitchcock...) - peut-être est-ce un pied-de-nez au film noir classique. Par ailleurs, la manière dont le film représente la traditionnelle femme fatale du film noir est ici assez ironique : dans le film noir classique (à quelques exceptions près), il s'agit souvent d'un faire-valoir et j'ai l'impression qu'en la faisant exister sous forme de portrait - c'est-à-dire image figée - et de manière assez fonctionnelle dans le récit (cf. lorsqu'elle fournit la paire de ciseaux), on dirait qu'il se moque de cette représentation usuelle - en tout cas, ça ne serait pas absurde, mais je ne sais pas si c'est délibéré. Malgré ces points intéressants, on a simplement un film noir bien fait (un peu mordant, certes), mais j'ai eu du mal à être complètement passionné par ce film.

Julia Ducournau : Junior        2011


Ce court-métrage est sans doute celui qui a fait connaître la réalisatrice Julia Ducournau à la critique (il y a d'ailleurs été sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs en 2011) et pose les bases du film qui fera connaître la réalisatrice au grand public : Grave. On y retrouve bien sûr déjà Garance Marillier dans le rôle principal, une adolescente prénommée Justine (comme dans Grave) ; on y trouve déjà également des thématiques chères à Ducournau notamment les transformations du corps ; le traitement extrêmement organique est déjà très présent - et sans doute plus frontal parce qu'il s'agit d'un court-métrage et non pas d'un long-métrage. Le court raconte l'histoire d'une adolescente de treize ans, que l'on qualifierait de garçon manqué, et qui refuse qu'on l'appelle Justine ; elle est prise d'une gastro-entérite fulgurante (toujours ce mouvement vers le vide) et son corps se transforme, se fend. Cela donne un aspect très concret et physique à cette volonté d'être véritablement elle-même - cf. la scène initiale où Junior s'habille devant son miroir et se fait réprimander par sa mère - : on pense bien sûr à une éclosion ou à la chrysalide. La manière de filmer est par contre un peu différente de celle à l'oeuvre dans ses longs-métrages : c'est quelque chose de beaucoup plus percutant, qui me fait penser à la manière de filmer de Dupontel dans un film comme Bernie. 

Emeryck a écrit:

C'est le premier film d'Edgar Wright que je vois et j'avoue que ça ne me donne pas envie d'aller véritablement plus loin parce que j'ai trouvé ce film absolument pas subtil et pas plus original

Je n'ai pas vu celui-ci dont la bande annonce et le sujet m'avaient rebuté mais tu peux tout de même tenter Shaun of the dead, comédie fantastique très british et plutôt bien menée (le reste me semble plus anecdotique même si j'aime bien le très survolté Scott Pilgrim et si la série Spaced qu'il faisait avec son acteur fétiche était aussi très bien).

Prosopopus a écrit:

Emeryck a écrit:

C'est le premier film d'Edgar Wright que je vois et j'avoue que ça ne me donne pas envie d'aller véritablement plus loin parce que j'ai trouvé ce film absolument pas subtil et pas plus original

Je n'ai pas vu celui-ci dont la bande annonce et le sujet m'avaient rebuté mais tu peux tout de même tenter Shaun of the dead, comédie fantastique très british et plutôt bien menée (le reste me semble plus anecdotique même si j'aime bien le très survolté Scott Pilgrim et si la série Spaced qu'il faisait avec son acteur fétiche était aussi très bien).

Oui, je pense que j'aurai l'occasion d'en voir d'autres - je connaissais Shaun of the dead de nom mais ignorait que ça avait été réalisé par Wright.

Damien Dupont & Yvan Pierre-Kaiser : Jean Rollin, le rêveur égaré        2011

 +
Ce documentaire est l'un des rares documentaires sur Jean Rollin, cinéaste français très singulier ayant commencé dans les années soixante et mort en 2010 dont l'oeuvre est axée autour des vampires et d'autres thèmes comme le souvenir ; il a été (et est toujours) évidemment assez méprisé en France (mais davantage reconnu dans les pays étrangers) ; j'en ai déjà plusieurs parlé plusieurs fois, c'est un cinéaste que j'apprécie, qui - même si ces films ont de nets défauts (qui sont liées aux conditions matérielles dans lesquelles les films se sont faits mais aussi à la manière dont Rollin tournait - ce qui est (à mon avis) aussi influencé par cette première raison) - a tout de même beaucoup d'idées. Ce documentaire a lui aussi ses défauts (notamment - ce n'est pas surprenant en regard du titre - le fait que Rollin soit présenté de manière un peu lénifiante comme un "rêveur" et que les intervenants ne soient pas toujours très intéressants - exceptée Ovidie et Nathalie Perrey - et se contentent parfois de parler de Rollin comme la bête-noire de l'intelligentsia ; ce qui est vrai mais pas intéressant si on ne va pas plus loin. Hormis les deux actrices sus-citées, le film donne la parole à des intervenants comme Jean-Pierre Bouyxou (cinéaste belge également friand de fantastique mais assez cringe), Jean-Loup Philippe (écrivain et acteur dans quelques films de Rollin), Brigitte Lahaie (actrice ayant trouvé son premier rôle non pornographique chez Rollin), Philippe Druillet (dessinateur - qui a (entre autres, et ce n'est clairement pas pour cela qu'il est le plus reconnu) dessiné les premières affiches des films de Rollin), Pete Tombes (un critique qui a notamment publié le livre Immoral Tales: European Sex & Horror Movies 1956–1984) et donne aussi pas mal la parole à Jean Rollin que l'on découvre davantage avec plaisir. C'est globalement très intéressant, notamment sur l'aspect érotique de l'oeuvre de Rollin (qu'on aime beaucoup lui prêter) qui n'est finalement pas tellement importante puisque cette composante se trouve essentiellement dans ses premiers films et résulte en grande partie de contraintes des producteurs - il raconte notamment que lorsqu'il tournait Le viol du vampire, le producteur (Sam Selsky - dont le s est parfois stylisé avec un dollar dans certains films...) passait régulièrement et lui disait (Rollin prend même l'accent américain) : "Tu n'oublies pas les femmes nues !!!" et est sans doute aussi (en partie et peut-être dans une moindre mesure) liée à l'économie du cinéma d'alors, notamment le rapport à la censure. Il y a également comme un fil rouge, le projet qui apparaît un peu comme un spectre autour de l'oeuvre de Jean Rollin : il s'agit du film L'itinéraire marin qui devait être son premier long-métrage, sur des dialogues de Marguerite Duras, et qui a été interrompu car il n'y avait plus suffisamment d'argent - et aussi parce qu'un acteur a quitté le tournage ; il paraît qu'il restait pourtant seulement une dizaine de minutes à tourner, mais le projet est définitivement enterré puisque les négatifs ont été brûlés par erreur chez GTC lors d'un rangement - on peut toutefois retrouvé le scénario dans les mémoires du réalisateur. Je suis un peu déçu que le film soit passé si vite sur les films plus tardifs de Rollin - sur lesquels il y a pourtant pas mal de choses à dire.

Prosopopus a écrit:

Emeryck a écrit:

C'est le premier film d'Edgar Wright que je vois et j'avoue que ça ne me donne pas envie d'aller véritablement plus loin parce que j'ai trouvé ce film absolument pas subtil et pas plus original

Je n'ai pas vu celui-ci dont la bande annonce et le sujet m'avaient rebuté mais tu peux tout de même tenter Shaun of the dead, comédie fantastique très british et plutôt bien menée (le reste me semble plus anecdotique même si j'aime bien le très survolté Scott Pilgrim et si la série Spaced qu'il faisait avec son acteur fétiche était aussi très bien).

Je n'ai pas encore vu Shaun of the dead (mais j'en ai très envie), j'aime bien Edgar Wright en général, disons que je trouve ça toujours très sympathique (même Last Night in Soho), le problème c'est qu'en général son scénario se casse la gueule en court de route (comme Last Night in Soho). Par contre je plussoie pour la série Spaced, c'est vraiment très bien!

Arnaud Desplechin : Tromperie        2021


J'attendais ce film avec une certaine appréhension : d'un côté, j'aime énormément Desplechin et de l'autre, je n'aime pas du tout le livre dont ce film est l'adaptation (Tromperie de Philip Roth) et le résultat m'a agréablement surpris (sans que le film soit non plus un chef d'oeuvre) et aussi surprenant que cela puisse paraître, sans que ça s'éloigne beaucoup du roman de Roth. Du coup, c'est effectivement verbeux et prétentieux - comme un roman de Roth, quoi (enfin, pour être plus exact, comme Tromperie car je n'en ai lu aucun autre) - mais je trouve que le fait que l'auteur (enfin, le réalisateur, ici, du coup) ne soit plus Roth lui-même rend la chose un peu moins agaçante (parce que Roth parle de lui-même dans Tromperie) - les passages ironiques semblent moins bizarres - ; et d'ailleurs, Desplechin ajoute un peu d'ironie qui n'est pas déplaisante - et il a aussi un peu allégé le bouquin... Ma peur principale était que le film glorifie aveuglément le personnage de Philip (oui, le personnage principal porte le même nom que l'écrivain...) mais il est finalement assez critique : une de ses conquêtes raille sa préciosité, une autre souligne le fait qu'il ne choisisse que des femmes brisées, et il y a bien sûr la scène du procès (déjà présente dans le livre - mais il m'était tombé des mains avant...) où on lui fait un procès pour la façon dont il parle des femmes, ce qui bien sûr absurde en soi (la scène est assez drôle) mais ça permet de souligner des traits problématiques de Roth. J'ai trouvé que, finalement, l'adaptation jouait en faveur du livre car on a moins l'impression de gros blocs thématiques mal articulés (même si le film est extrêmement découpé : douze chapitres) et lourdingues : ça rend le récit beaucoup plus léger - et aussi de choisir des actrices différentes pour les femmes dont parle Roth, alors que dans le livre, c'est assez indistinct. Du côté de la mise en scène, c'est évidemment très très maîtrisé, avec une très belle gestion de la lumière, certains plans composés de manière extrêmement belle ; et pour ce qui est des acteurs, Podalydès est absolument extraordinaire (et il se donne pas mal de plaisir à cabotiner), Seydoux n'est pas mal non plus. Ce n'est sans doute pas au niveau des meilleurs Desplechin (notamment parce que la portée du film est assez limitée - quelle idée d'adapter un livre de Roth, aussi...) mais ce n'est pas si mal - même si j'ai encore un peu de mal à savoir à quel point j'aime ce film.

Claude Miller : Juliet dans Paris        1967

 + / 
Il s'agit de la première réalisation cinématographique de Claude Miller, c'est d'ailleurs assez amusant de voir à quel point elle ne ressemble pas du tout à ses films ultérieurs - en tout cas, à ceux que j'ai vus. Ici, le personnage principal (et à peu près le seul) est une étudiante jouée par Juliet Berto (casting très nouvelle vague) ; le film adopte un ton assez naturaliste, presque documentaire, à la manière d'un film comme Une étudiante d'aujourd'hui ou Nadja d'Éric Rohmer mais là où le court-métrage va se singulariser, c'est à travers ses petites touches onirique à travers un rapport assez curieux au sang ; parallèlement à ça, le film donne un contexte politique par touches de l'avant-68 (on peut par exemple lire dans une scène "À bas l'impérialisme ! STOP !") ; le résultat est assez envoûtant car il n'y a finalement pas tellement d'explications ; en plus de ça, le film est vraiment bien filmé dans l'ensemble - avec quelques plans très bien composés.

Manon Ott : De cendres et de braises        2018

 +
Ce film est le quatrième de l'enseignante/chercheuse en sciences sociales Manon Ott, il prend pour décor la cité des Mureaux dans les Yvelines, une de ces cités spécialement construites pour loger les ouvrier(e)s de l'usine adjacente ; il s'agit ici de l'usine Renault de Flins-sur-Seine, inaugurée au début des années 50, qui était la plus grosse avant l'ouverture de l'usine de Boulogne-Billancourt - on a récemment annoncé qu'il se pourrait que plus aucun véhicule n'y soit produit. Le film donne la parole aux habitant(e)s des Mureaux, souvent très liés à l'usine Renault bien sûr, mais il s'agit parfois des enfants d'ouvriers de cette usine ; c'est assez intéressant car les propos sont assez divers : une femme arrivée dans les années soixante nous raconte que si elle a rejoint cette usine (après 68), c'était pour avoir une véritable prise sur les moyens de production en cas de grève ; d'autres, plus jeunes, nous racontent l'aspect aliénant du travail à la chaîne, des conséquences désastreuses du retard, des blessures au travail et du recours aux intérimaires par les patrons : dès que des employés se mettent en grève, on met des intérimaires sur le coup pour les remplacer et il est donc difficile de donner un pouvoir concret à la grève. Le film va comme en s'éloignant de l'usine puisqu'on entend ensuite des enfants d'immigrés nord-africains engagés à l'usine dès leur arrivée en France, l'un d'eux raconte que lorsqu'il était petit, son rêve était bien sûr de suivre son père et de travailler chez Renault mais il a vite changé d'avis, il raconte la fatigue de son père mais aussi la manière dont l'argent est investi dans les villes et du fait que les gens ne se sentent plus représentés par les candidats. On finit avec un homme qui s'est retrouvé à braquer un petit bar-PMU et a fait vingt ans de prison où il a découvert Rimbaud et Marx (heureusement, le film n'est pas en mode "ça l'a sauvé !!"), nous signale que, bien sûr, on ne lui a jamais mis cela entre les mains auparavant. De manière générale, j'ai trouvé que le documentaire n'était peut-être pas assez rythmé dans son montage et finalement sans véritable idée de réalisation - à part le motif du feu qui traverse le film mais bon, ce n'est pas non plus extraordinaire -, tout semble assez monotone ; mais au moins, ça a le mérite de donner la parole à des gens que l'on n'entend pas forcément, en ne les coupant pas, ni en les matraquant de questions. 

Edgar G. Ulmer : Detour        1945

 +
J'avais été assez impressionné par The black cat, que j'avais trouvé assez ingénieux et j'avais du coup une certaine attente pour Detour : j'attendais quelque chose avec autant de trouvailles et qui sort des sentiers battus ; quelle ne fut pas ma déception lorsque je me suis rendu compte qu'il s'agissait d'un film noir (presque) classique, à l'esthétique tout-à-fait conventionnelle. Je dois cependant reconnaître que le film ne traîne pas (il dure à peine une heure dix !) et il y a quelque chose d'assez jusqu'auboutiste dans la place de l'arbitraire dans le scénario puisqu'il y est véritablement central. Hormis ça, j'ai du mal à m'enthousiasmer comme pour The black cat ; ça se suit bien mais bon... ça ne va pas beaucoup plus loin.

Alice Guy : La vie du Christ        1906

 +
J'aime habituellement assez les films d'Alice Guy (La fée aux choux, Madame a ses envies, Le résultat du féminisme) que je trouve la plupart du temps très drôles et je pensais que celui-ci (qui dure tout de même un peu plus d'une demi-heure) allait être dans la même veine ; eh bien, pas du tout! Le film est composé d'une succession de petites saynètes, commençant par le titre l'annonçant puis la saynète proprement dite ; autant vous dire que c'est tout de même un peu ennuyeux à la longue, d'autant plus que la représentation est assez classique - même si, bien sûr, faire un film avec autant de figurants, avec des décors comme ça et d'une telle ambition, c'était à mon avis assez nouveau pour l'époque : on est quand même en 1906. La manière dont est composée le film est aussi peut-être due aux limitations techniques de l'époque, je ne sais pas ; en tout cas, j'ai été assez déçu.

Jean-Pierre Mocky : La grande lessive (!)        1968

 /   +
Bon, tout d'abord, ce titre bizarroïde avec son point d'exclamation entre parenthèses vient du fait que Mocky voulait appeler son film "Le tube" mais ç'a été refusé par la production qui a proposé "La grande lessive" et Mocky a ajouté un point d'exclamation entre parenthèses pour signaler tout le bien qu'il pensait de ce titre - qui est effectivement assez nul. Je n'ai pas été extrêmement convaincu par ce film, en fait : il y a quelques bons moments et les personnages sont assez hauts en couleur - il n'y a que Mocky pour faire porter une perruque à Francis Blanche et une barbe comme ça à Bourvil ! Le sujet est également assez atypique pour l'époque : le film parle de l'impact de la télévision sur les écolier(e)s - impact négatif, bien sûr... - ; Bourvil joue un professeur et part en croisade contre la télévision : il décide de détruire les antennes de télévision. Le traitement est bien sûr assez superficiel et malgré ses une heure trente, le film m'a semblé tout de même un peu long notamment parce que le scénario est bien mince ; malgré tout, il y a des scènes assez drôles, mais ça ne va pas vraiment au-delà.

Nanni Moretti : Aprile        1998

 +
Je crois qu'il s'agit de mon Moretti préféré pour l'instant (bon, ok, je n'en ai vu que trois...) : il est vraiment drôle, très touchant et surtout il arrive à concilier l'aspect foutraque de Sogni d'oro en restant toujours intéressant. Le film commence en mars 1994, lors de la victoire de Silvio Berlusconi aux élections présidentielles italiennes, germe alors l'idée pour Moretti (qui joue bien sûr son propre rôle) de faire un documentaire sur Berlusconi et le conflit d'intérêt (ce dernier étant le patron de quelques grosses chaînes de télévision italienne) mais finalement, c'est un projet de comédie musicale ressorti des tiroirs qui refait surface ; parallèlement, on apprend que la femme de Moretti (la traductrice Silvia Nono, jouant elle aussi son propre rôle) est enceinte. C'est vraiment un film sur la petite vie de Nanni Moretti (et l'Italie, aussi, quand même), on découvre sa famille, ses réactions devant les débats politiques et c'est assez constamment drôle - pour donner le ton (et pour spoiler, aussi), le film se finit sur le tournage de la comédie musicale qui prend finalement pour personnage principal un boulanger/pâtissier trotskiste. J'ai trouvé que certaines scènes avaient un aspect physique très intelligent, je pense notamment à cette scène où Moretti va acheter des dizaines de journaux et magazines différents puis fait des découpages dans chacun d'entre eux et les colle ensemble pour faire une page de deux mètres de haut dans laquelle il se love ; il y a également des drôleries touchantes : la scène où sa Silvia et lui choisissent le futur prénom de leur enfant, par exemple. C'est amusant que ce film vienne après Caro diario - littéralement, journal intime.

Iskender a écrit:

Emeryck a écrit:

Alice Guy : La vie du Christ        1906

J'aime habituellement assez les films d'Alice Guy (...)

Je ne sais pas si tu as vu, un roman graphique est sorti en fin d'année sur Alice Guy. Ce qui a lui avait d'ailleurs valu une émission consacrée à elle dans Le cours de l'Histoire sur France Culture, lors d'une semaine dont la thématique était "les femmes qui ont lutté pour créer".

Non, pas du tout, je vais regarder, merci.

Claude Pinoteau : La boum 2        1982

 + / 
J'avais été assez agréablement surpris par le premier volet qui était plutôt intéressant, avec tout de même quelques idées et une ambiance assez crédible. Ici, on ne retrouve plus grand-chose de tout ça : Pinoteau a repris essentiellement les mêmes acteurs/trices mais Vic rencontre un nouveau garçon (pas des plus passionnants...) et le film essaie tant bien que mal de raconter une histoire mais j'ai trouvé ça très laborieux et assez peu intéressant ; et surtout, la dramaturgie est très très faible : alors que dans le premier volet, l'idée de boum cernait le film de toutes parts (c'était un point de convergence de tous les personnages et c'était un peu ce vers quoi tendait le film - cf. la fin) mais ici, rien de tel ne maintient notre attention ; il y a quelques scènes amusantes mais assez peu et c'est finalement bien oubliable.

Christian Vincent : La discrète        1990

 +
Impossible de ne pas penser au Mouton enragé de Michel Deville lorsque l'on voit ce film : il s'agit également ici d'un homme qui se fait dicter ce qu'il doit faire au jour le jour par un autre. Ici, Luchini joue le rôle d'un homme, assistant parlementaire totalement creux et vaniteux, volontiers précieux, aspirant écrivain, qui s'est récemment fait jeter par sa dernière copine et ça, il ne le supporte pas, lui qui nous rappelle si fièrement que d'habitude, c'est toujours lui qui part. Un de ses amis, un vieil éditeur (interprété par Maurice Garrel) qui semble constamment être dans le ressentiment, l'informe qu'il a déjà vendu les droits d'un livre racontant l'histoire d'un homme qui se venge de sa rupture en séduisant une femme puis en la quittant et propose au personnage de Luchini de vivre  l'expérience et écrire ce journal. J'ai pensé au film de Deville car le film est ponctué par les rencontres de l'éditeur et de l'assistant parlementaire (également un personnage complètement plat et occupant une fonction très régulière) mais contrairement au film de Deville, il y a une ironie qui est assez drôle, notamment en tournant au ridicule les personnages de Luchini et de Garrel notamment à travers le dénouement mais aussi à travers toutes les logorrhées du personnage de Luchini, qui se fait pas mal remettre à sa place par les femmes qu'il rencontre ; le résultat est bien meilleur que Le mouton enragé. En terme de mise-en-scène, on est très proche de celle de La séparation, elle est assez discrète (sans jeu de mots...) mais le montage fonctionne bien et cela donne un film bien agréable et par moments assez beau, sans doute celui que je préfère dans la filmographie de Christian Vincent à l'heure actuelle.  

Oui, je l'avais revu récemment, je craignais d'être un peu déçu ou exaspéré - et en fait, non, ça tient très bien (alors que c'est presque caricatural d'un certain style de cinéma français, y compris par la typologie de ses personnages.) (Tu ne l'as pas mentionnée mais j'ai aussi trouvé Judith Henry très émouvante.)