Le "jazz-rock" au sens large (des années 60 à nos jours)

Content que ça te plaise.
Sinon, tu peux me tutoyer.

Donald Byrd : Ethiopian Knights (72)



Du beau monde (Harold Land, Bobby Hutcherson, Joe Sample, Wilton Felder...), pour un disque qui aligne avec une imperturbable bonhomie les ostinatos itératifs et les vamps d'ameublement. Oserais-je ajouter que les interventions solistes sont au diapason ? (un comble, vu le pedigree des protagonistes)


Bref, Ethiopian Knights est le prototype même du disque de jazz-funk paresseux...

Lenny White : Venusian Summer (75)



Réécouté attentivement.
Vraiment un album brillant.  

Ce que j'aime chez Lenny White, c'est le brio avec lequel il allie sensualité et souffle épique.
Il est ici entouré de tous les pontes du genre (David Sancious, Larry Young, Doug Rauch, Al Di Meola, Larry Coryell, Ray Gomez, Patrick Gleeson, Peter Robinson...même Jimmy Smith vient piquer une tête!) qui pour la plupart ne sont pas venus pour rien*...

La carrière solo de Lenny White gagne vraiment à être connue!


@Barbajuan,@Thelonious,@Benedictus : à l'instar de The Adventures of Astral Pirates, c'est vraiment à découvrir.  


* le sublime solo de moog de David Sancious sur le morceau-titre, le duel au soleil Coryell/Dimeola sur Prince of the Sea, Ray Gomez décisif à chaque intervention...

arnaud bellemontagne a écrit:

@Benedictus : à l'instar de The Adventures of Astral Pirates, c'est vraiment à découvrir.  

Euh... c'est quoi, The Adventures of Astral Pirates?

Cf. page précédente.

Neil Ardley : Harmony of the Spheres (79)



Après le somptueux Kaleidoscope of Rainbows, Neil Ardley nous revient avec cet Harmony of the Sphères, toujours avec la crème des musiciens anglais.

Le propos est beaucoup moins orienté jazz que sur Kaleidscope of Rainbows : on est très clairement dans le registre de la musique planante amarrée par endroits par des rythmiques funky. Un soin méticuleux a été apporté à la production, aux arrangements et au travail sur les textures: d'un point de vue formel le résultat est remarquable. En ce qui concerne la musique proprement dite, le jugement sera moins tranché. Si le début de l'album frappe par sa force évocatrice (en gros les 3 premiers titres), certaines pièces participent d'une certaine vacuité (Soft Stillness and the Night ) quitte à donner carrément dans la mièvrerie (Fair Mirage) pendant que d'autres soufflent le chaud et le froid ( le conclusif Towards Tranquillity à l'intro envoutante [qui peut faire penser à celle du splendide The Ghost of Mayfield Lodge de Brand X ]et au développement à la substance discutable ).

Bref, à chacun de se faire une idée.

Bill Bruford : The Bruford Tapes (79)



Un concert du "Bruford Band" avec John Clark (guitare), Dave Stewart (claviers), Jeff Berlin (basse) et bien sûr notre "odd-timer" impénitent à la batterie.

La prestation du groupe suscite en moi des sentiments ambivalents.

Côté positif: la cohésion incroyable du groupe au vu de la difficulté du répertoire (Beelzebub, Sample and Hold ou Five G ne sont pas exactement à la portée du premier venu...).De ce point de vue, la complémentarité de la paire rythmique Berlin/Bruford à vraiment quelque chose d'enthousiasmant.

Côté choses qui fâchent: les sons de claviers choisis par Dave Stewart ne sont pas très heureux (ils tombent à pieds joints dans la case "modernité qui va dater très vite"), à telle enseigne qu'on se surprend à regretter les arrangements plus sobres des versions studio des morceaux de Feels Good To Me ( Beelzebub, Sample and Hold ). John Clark fait office de doublure d'Allan Holdsworth : on a affaire à un technicien certes irréprochable, mais sans grand caractère. Enfin, certains morceaux "problématiques" de One of a Kind ne profitent guère du lifting "live" : je pense à la deuxième partie de Sahara of the Snow (toujours aussi poussive) ou à Travels with Myself (toujours aussi lénifiant).

Bref, un concert plaisant mais rien d'inoubliable*.  


* d'autant que dans le corpus édifiant de Bruford de l'inoubliable il y en a à foison...

Mingo Lewis : Flight Never Ending (76)



Mingo Lewis est un percussionniste qui joua entre autres avec Santana et Al Di Meola.
Al Di Meola, justement, dont l'ombre est omniprésente sur ce Flight Never Ending. Ceci dit, vu que les compositions de Mingo Lewis figurent en bonne place sur les 3 albums phares d'Al Di Meola* on peut légitimement se demander si ça n'est pas plutôt l'ombre de Mingo Lewis qui est omniprésente sur l'esthétique d'Al Di Meola...

Pour le dire tout net, Flight Never Ending c'est du Al Di Meola avec des claviers (voluptueusement)omniprésents (et une guitare à l'arrière plan), au point même que sur le morceau Heartsong on peut légitimement se demander si le claviériste Michael Kapitan n'abuse pas un peu du pitch de son mini-moog...

Le classique The Wizard figure ici en bonne place, tout comme Chasin' the voodoo (ici rebaptisé Frankincense), le final de l'épique morceau-titre (qui clôt l'album) frustre un peu l'auditeur de par son caractère abrupt (à l'instar du Ibby it Is d' Happy the Man).

Un bien bel album qui a tout à fait sa place aux côtés des disques de la grande période d'Al Di Meola (de Land of the Midnight Sun à Splendido Hotel).



* The Wizard sur Land of the Midnight Sun (76), Flight Over Rio sur Elegant Gypsy(77) et Chasin' the Voodoo sur Casino (78)

Tony Williams Lifetime : Live at the Village Gate (76)



Une rareté : le seul témoigne live (à ma connaissance) officiel du "new" Lifetime de Tony Williams comprenant Allan Holdsworth, Alan Pasqua (Rhodes, clavinet) et Tony Newton (basse).

Je parlais de témoignage "officiel", faut le dire vite parce que la qualité sonore s'apparente plus à une sorte de Bootleg amélioré et pourtant quelle musique!

Le groupe fait preuve d'une énergie et d'un enthousiasme absolument jubilatoire, Tony Newton a un son "hénaurme", Alan Pasqua nous régale de ses interventions gorgées de feeling, Holdsworth déploie ses solos d'extraterrestre et s'agissant du déferlement rythmique du maître de cérémonie on dira tout simplement qu'il faut l'entendre pour le croire...

Si le groupe est parfois plus soucieux de spontanéité que d'exactitude (Fred), la puissance de feu dont il fait preuve ravage tout sur son passage (Red Alert qui sonne ici comme un mix entre l' Immigrant Song de Led Zeppelin et le De Futura de Magma).Finalement le seul reproche que l'on puisse faire a ce live est sa brièveté: 30 minutes c'est vraiment chiche...

@Benedictus : toi qui aime le brut et l'énergique, dans la lignée du live du Mahavishnu Orchestra, tu vas être servi.  

@Barbajuan,@Thelonious  : également conseillé  

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Light Year : Reveal the Fantastic (74)



Le groupe du guitariste Randy Sellgren, qui officie sur le Flight Never Ending de Mingo Lewis cité plus haut.

Hélas, la musique du groupe (intéressante sans être particulièrement inventive) est plombée par les incessantes vocalises de la chanteuse...

Je suis en train de faire des emplettes.
Quelqu'un connait-il le groupe allemand Passport ?
Des avis ?

Il parait que ça ressemble à Weather Report

Concernant Al Di Meola, si tu as aimé Land of the Midnight Sun tu peux foncer sur Elegant Gypsy , Casino et Splendido Hotel sans hésiter.

Je suis justement en train d'explorer la discographie de Passport. C'est souvent intéressant, mais pour l'instant rien de vraiment renversant. Le disque Cross-Collateral serait à conseiller pour un premier contact.

Chute Libre : Chute Libre (77)



Groupe hexagonal composé de Mino Cinelu (batterie, percus), Patrice Cinelu (guitare), Gilles Douieb (basse), Olivier Hutman (claviers), Denis Barbier (flûte), Eric Letourneux (sax) et de Pierre Jean Gidon (sax).

Une formation qui pratique une fusion radieuse et bigarrée, aux arrangements travaillés.
A noter les magnifiques interventions de Denis Barbier à la flûte.
Un disque enthousiasmant   !


@Benedictus : fortement conseillé.
@Barbajuan : obligatoire!
@Thelonious : ça pourrait vraiment te plaire, vu que tu sembles être sensible aux rythmes chaloupés...

Chute Libre : Ali Baba (78)



Plus jazz-funk et groovy que le précédent...également un peu moins marquant et inspiré .

Et la suite-titre recèle un des plus beaux solos de moog ourdi un Jan Hammer en habit de lumière.

Moravagine : Moravagine (76)



Moravagine c'est quasiment la formation du futur Chute Libre au complet avec les signatures désormais familières que sont les claviers d'Olivier Hutman, la flûte de Denis Barbier, le sax de Pierre-Jean Gidon et les percus de Mino Cinélu.

La musique est donc très proche de celle de Chute Libre avec un côté plus jazz (tendance modal façon Coltrane ou Mccoy Tyner) et acoustique mais déjà des couleurs latines et ce lyrisme sensuel si typique de cette époque bénie de la musique.

Un complément indispensable au superbe premier album de Chute Libre.
Mêmes recommandations pour @Benedictus,@Barbajuan et @Thelonious.

arnaud bellemontagne a écrit:

Chute Libre : Chute Libre (77)



Groupe hexagonal composé de Mino Cinelu (batterie, percus), Patrice Cinelu (guitare), Gilles Douieb (basse), Olivier Hutman (claviers), Denis Barbier (flûte), Eric Letourneux (sax) et de Pierre Jean Gidon (sax).

Une formation qui pratique une fusion radieuse et bigarrée, aux arrangements travaillés.
A noter les magnifiques interventions de Denis Barbier à la flûte.
Un disque enthousiasmant   !

Chouette recommandation, Arnaud, merci

Voilà un disque plein de couleurs, et qui n'engendre pas la mélancolie

Content que ça te plaise , tu peux également essayer le Moravagine cité plus haut.

Sortie aujourd'hui .

]Bon disque, très inspiré, même si parfois c'est par les œuvres d'autrui (The Lonely Bears par exemple).

Des ambiances diverses passant du planant à des textures plus denses...

Ecoute prévue très prochainement.

Brecker Brothers : Heavy Metal Be-Bop (78)



Un live survitaminé de nos athlètes du jazz-funk avec Terry Bozzio à la batterie.

L'inusable classique qu'est Some Skunk Funk démontre de manière époustouflante les qualités de mise en place de la formation.

Le commercial East River et le mielleux Funky Sea, Funky Dew sont les seuls bémols à noter de ce disque vivifiant.

Soft Machine : Seven (1973)



Un excellent album de Soft Machine, un peu méconnu.

Les titres sont la plupart du temps enchaînés et alternent fulgurances séquentielles (le magnifique Bone Fire), volutes (Carol Ann) et trames parfois un peu trop répétitives* (Down the Road).

Mais globalement on a là un disque de très haute tenue.


*Mais rien à voir avec les excès de l'album précédent (Six) dans ce domaine

Larry Coryell : Introducing Eleventh House (74)



Un classique dit "mineur" qu'il conviendrait de peut-être réévaluer.
Ce n'est certes pas l'album de jazz-rock le plus original (on sent l'influence du Mahavishnu Orchestra sur les compos de Coryell et celles de Mouzon versent dans un jazz-funk prenant et efficace à défaut de réinventer la roue), mais la présence de Randy Brecker à la trompette (généreusement électrifiée) apporte beaucoup de couleur et de caractère à la musique du groupe.

Un album réjouissant.  

arnaud bellemontagne a écrit:

Soft Machine : Seven (1973)


Un excellent album de Soft Machine, un peu méconnu.

Les titres sont la plupart du temps enchaînés et alternent fulgurances séquentielles (le magnifique Bone Fire), volutes (Carol Ann) et trames parfois un peu trop répétitives* (Down the Road).

Mais globalement on a là un disque de très haute tenue.


*Mais rien à voir avec les excès de l'album précédent (Six) dans ce domaine

Salut Arnaud, je l'ai ré-écouté hier suite à ton commentaire.

Effectivement, il y a des choses sympas qui rappellent par moments le grand SoftMachine de Third et Fourth (en plus lisse, hein)
Je pense notamment à Day's Eye, Bone Fire, Penny Hitch et surtout Block
On y retrouve cette ambiance un peu inquiétante, tantôt feutrée tantôt rapeuse, anguleuse, qui joue sur la dissonance, typique des meilleures heures du groupe. Et le solos de Ratledge semblent inchangés par rapport à cette période.

Il y a d'autres choses différentes, globalement plus orienté jazz-rock conventionnel vitaminé, mais pas désagréables comme Nettle Bed ou Tarabos (même si les thèmes de ces 2 morceaux sont un peu agaçants, genre musique de jeu vidéo)

Après il y a Down the Road que tu n'aimes pas (et je vois très bien pourquoi...le morceau s'étire en longueur au début et la batterie fait vraiment mécanique et répétitive, une constante hélas dans ce disque...) Je trouve tout de même l'intervention au violoncelle sur la deuxième partie très intéressante. Dommage qu'il y ait une première partie avant...

Mais ce qui m'horripile, ce sont ces longues plages qui ne servent strictement à rien, remplies de lentes nappes de synthé insipides. Les Carol Ann, Snodland, German Lesson, French Lesson Si on y ajoute le trip bruitiste du percussioniste sur DIS on arrive quand même à 11 minutes de non musique (au mieux de la musique d'ambiance si on est sympa) Soit un gros quart de l'album...

tartatane a écrit:

Après il y a Down the Road que tu n'aimes pas (et je vois très bien pourquoi...le morceau s'étire en longueur au début et la batterie fait vraiment mécanique et répétitive, une constante hélas dans ce disque...) Je trouve tout de même l'intervention au violoncelle sur la deuxième partie très intéressante. Dommage qu'il y ait une première partie avant...

Ce n'est pas du violoncelle, mais de la contrebasse à l'archet (Roy Babbington en avait déjà joué, en invité, sur "As If" sur l'album Fifth.

Citation :

Mais ce qui m'horripile, ce sont ces longues plages qui ne servent strictement à rien, remplies de lentes nappes de synthé insipides. Les Carol Ann, Snodland, German Lesson, French Lesson Si on y ajoute le trip bruitiste du percussioniste sur DIS on arrive quand même à 11 minutes de non musique (au mieux de la musique d'ambiance si on est sympa) Soit un gros quart de l'album...

"Carol Ann" ne rentre pas du tout dans cette catégorie ! C'est un thème, magnifique du reste, composé du début à la fin. Pour le reste, il ne faut pas considérer les plages en question comme des entités indépendantes. Elles ont été créditées séparément pour des considérations bassement matérielles, à savoir que chaque face devait compter au moins 6 plages pour, selon la loi américaine sur le copyright (à l'époque en tout cas, cela a peut-être changé depuis), donner lieu à des taux de royalties pleins.

Par exemple, "French Lesson" et "German Lesson" constituent en réalité une longue coda de "Down The Road", rien de plus. Je conviens que cette version du morceau n'est pas la meilleure qui soit. Un peu terne et clinique en effet. Celle enregistrée pour la BBC en novembre 1973 me semble plus relevée.

calyx a écrit:

tartatane a écrit:

Après il y a Down the Road que tu n'aimes pas (et je vois très bien pourquoi...le morceau s'étire en longueur au début et la batterie fait vraiment mécanique et répétitive, une constante hélas dans ce disque...) Je trouve tout de même l'intervention au violoncelle sur la deuxième partie très intéressante. Dommage qu'il y ait une première partie avant...

Ce n'est pas du violoncelle, mais de la contrebasse à l'archet (Roy Babbington en avait déjà joué, en invité, sur "As If" sur l'album Fifth.

Super aigu pour de la contrebasse !

calyx a écrit:

"Carol Ann" ne rentre pas du tout dans cette catégorie ! C'est un thème, magnifique du reste, composé du début à la fin.

Pas moche non, mais pas super original et sur 4 minutes, ça fait long l'exposition de thème...

calyx a écrit:

Pour le reste, il ne faut pas considérer les plages en question comme des entités indépendantes. Elles ont été créditées séparément pour des considérations bassement matérielles, à savoir que chaque face devait compter au moins 6 plages pour, selon la loi américaine sur le copyright (à l'époque en tout cas, cela a peut-être changé depuis), donner lieu à des taux de royalties pleins.

Par exemple, "French Lesson" et "German Lesson" constituent en réalité une longue coda de "Down The Road", rien de plus. Je conviens que cette version du morceau n'est pas la meilleure qui soit. Un peu terne et clinique en effet. Celle enregistrée pour la BBC en novembre 1973 me semble plus relevée.

Merci pour les infos, c'est intéressant cette histoire de nombre de pistes minimum. Après, ça fait toujours 10 minutes de trop pour moi...

tartatane a écrit:

calyx a écrit:

"Carol Ann" ne rentre pas du tout dans cette catégorie ! C'est un thème, magnifique du reste, composé du début à la fin.

Pas moche non, mais pas super original et sur 4 minutes, ça fait long l'exposition de thème...

Je suis également séduit par la poésie éthérée (typiquement anglaise) de Carol Ann.

Soft Machine : Hidden Details (2018)



Le nouvel album du groupe (qui n'avait pas sorti d'album depuis...1981!). La formation est composée de Theo Travis (sax, flûte), John Etheridge (guitare), Roy Babbington (Basse) et John Marshall (batterie).

Le groupe revisite deux vestiges de son glorieux passé : The Man who Waves at Trains (issu de Bundles) et l'intro et la première partie d'Out Bloody Rageous (tiré de Third). Deux morceaux inoubliables qui par contraste démontrent un peu douloureusement que les titres assemblés par cette dernière mouture ne sauraient, et de loin, leur faire une quelconque concurrence...

On retiendra tout de même le mélodique et prenant Fourteen Hour Dream qui évoque les belles heures du Forgas Band Phenomena ou encore le plus tourmenté et rageur Life on Bridges. La satisfaction d'entendre Theo Travis (décidément un flûtiste de grand talent) et John Etheridge à leur plus au niveau d'inspiration soliste ne suffit pas à palier le relatif manque de substance thématique et mélodique des autres titres du disque...

Soft Machine : Third (70)



Considéré par beaucoup comme l'apogée du groupe.

Il est vrai que des compositions comme Facelift, Slightly All The Time ou Out-Bloody Rageous forment une sorte de synthèse idéale entre jazz, rock et musique répétitive. Même si l'influence de Coltrane est très présente (le début de Slightly all the Time, toute la seconde moitié de Facelift, on est plus dans Terry Riley pour l'intro et l'outro de Out-Bloody-Rageous) la musique du groupe reste très personnelle avec son sens mélodique typiquement anglais et ses structures à tiroirs (qui relèvent pour le coup du rock progressif).Ratledge et Hopper sont ici à leur plus haut niveau d'inspiration en tant que compositeurs : de ce point de vue, on peu qualifier le Slightly All the Time de Ratledge de pièce essentielle de l'histoire du jazz des 70's (ou du rock émancipé, c'est selon).

Deux réserves viennent tempérer ce très avantageux constat :

- Le Moon in June de Wyatt. Si la question de l'apprécier ou non est affaire de goût, en revanche, le fait qu'il dépare et dissone franchement avec les 3 autres morceaux du disque est assez facile à objectiver.

- La mauvaise prise de son. Batterie lointaine, spectre sonore accentué vers les basses et austérité des textures sonores. Un son  en "noir et blanc" qui date un peu le disque et tant à relativiser son caractère à la fois pionnier et achevé, alors qu'avec une production digne de ce nom il aurait pu siéger aux côtés de l' Hot Rats de Frank Zappa ou du In A Silent Way de Miles Davis parmi les nouveaux totems de la modernité jazzistique.

Malgré ces limites formelles, Third reste une source infinie de fascination et d'envoûtement (par exemple la poésie et le lyrisme de la section d' Out-Bloody-Rageous introduite par le piano de Ratledge à partir de [10 min 25] ).

Soft Machine : Volume Two (69)



Un petit bijou de musique psychédélique matinée de jazz.

La première face est tout entière consacrée aux "Rivmic Mélodies" de Robert Wyatt. A mon sens, ce bouquet de mélodies intemporelles constitue ce que Wyatt a pondu de plus inspiré et émouvant (et je n'oublie ni Rock Bottom, ni ses albums ultérieurs). Tout simplement miraculeux.  

La deuxième face est dominée par la suite Esther's Nosejob qui préfigure (en plus psychédélique, toutefois) les grandes épopées jazzy de Third.


Un disque aussi beau que sa pochette est laide...c'est dire!

Soft Machine : Fourth (71)



Un avantage sur Third: une production impeccable

Un point commun avec Third : un morceau qui dépare et dont on ne sait pas trop quoi faire (Fletcher's Blemish ici en lieu et place de Moon in June)

Pour le reste on a trois bijoux : le dense et chiadé Teeth de Ratledge , l'éthéré et raffiné Kings and Queens ainsi que l'épuré et lyrique Virtually*, tous deux signés par Hopper.

Un album formidable qui avalise le fait que Two, Third and Fourth forment véritablement une trilogie exceptionnelle.  



* Une sorte de cousin lointain d'Africa de Coltrane en plus mélodique et optimiste

arnaud bellemontagne a écrit:

Soft Machine : Volume Two (69)



Un petit bijou de musique psychédélique matinée de jazz.

La première face est tout entière consacrée aux "Rivmic Mélodies" de Robert Wyatt. A mon sens, ce bouquet de mélodies intemporelles constitue ce que Wyatt a pondu de plus inspiré et émouvant (et je n'oublie ni Rock Bottom, ni ses albums ultérieurs). Tout simplement miraculeux.  

La deuxième face est dominée par la suite Esther's Nosejob qui préfigure (en plus psychédélique, toutefois) les grandes épopées jazzy de Third.


Un disque aussi beau que sa pochette est laide...c'est dire!

Soft Machine : Fifth (72)



Wyatt est parti.

Le style du groupe est plus ouvertement jazz avec quelque chose de crépusculaire dans les climats (le début de All White, la trame centrale du très "Ornette Coleman" As If)

Les épopées à sections multiples ont été abandonnées au profit d'une thématique plus lâche et minimaliste, prétexte à des improvisations débridées à l'image du foudroyant Drop qui voit le volubile et époustouflant solo de Ratledge propulsé par le drive implacable et frénétique de la batterie de Phil Howard (façon Elvin Jones ). Ceci dit, les références à l'anglicité de la machine molle demeurent (l'introduction aquatique de Drop, le mélodique Pigling Band).

Injustement taxé d'album ennuyeux et cérébral, Fifth est un disque de grande qualité qui n'a pour tort que de succéder aux immenses Third et Fourth.

Soft Machine : Softs (76)



Le successeur de Bundles.

Ratledge est parti (même s'il intervient sporadiquement sur deux morceaux), John Etheridge remplace Allan Holdsworth à la guitare et Alan Wakeman s'invite aux saxes.

Voilà un opus pas facile à appréhender tant il joue à plein la diversité stylistique. Des épisodes acoustiques (Aubade, Etika) aux climats à la Camel (Song of Aeolus, Out of Season) en passant par le jazz-rock démonstratif façon Mahavishnu (la section centrale du très Chute Libre Ban Ban Caliban, The Camden Tandem) voire le funk (One Over the Eight).

Au final, un album qui recèle son lot de bons moments (le superbe et habité The Tale of Taliesin construit autour d'une ligne de basse imparable) mais dont le manque patent de ligne directrice pose de réels problèmes.

National Health : National Health (77)



Cet album éponyme est il à classer dans le rayon prog ou dans le casier jazz-rock?

J'ai du mal à trancher.  

Si la complexité des architectures élaborées par les claviéristes Dave Stewart et Alan Gowen (il suffit de songer à la sophistication pointilliste des premières minutes de son Brujo) versent sans ambages du côté du rock progressif, les textures et les interventions solistes (surtout de Gowen et du guitariste Phil Miller) se placent dans l'orbe du jazz-rock (avec clairement Return to Forever en ligne de mire).

Au final les questions de taxinomie passent au second plan devant la qualité exceptionnelle de l'album.

Le travail d'Alan Gowen aux claviers (aussi bien au niveau du Rhodes que du moog) apparié aux vocalises enchanteresses d'Amanda Parsons comptent pour beaucoup dans l'envoutement que l'album suscite immanquablement (enfin, on espère) chez l'auditeur. Côté atmosphérique, on signalera la séquence éthérée de Tenemous Roads juste avant la reprise finale du thème ou encore la fin d'Elephants qui font penser à ce que faisait Happy The Man au même moment de l'autre côté de l'Atlantique; côté soliste les deux interventions de Gowen au moog sur son merveilleux Brujo évoqué plus haut placent Gowen parmi les meilleurs praticiens* de l'instrument l'inventé par Robert Moog.

Le Borogroves de Stewart questionne avec brio la dualité au cœur de l'identité de National Health :  à une première partie plutôt improvisée et jazz-rock (avec séquence funky-clavinet de rigueur   ) succède un seconde volet plus épique et progressif qui multiplie jusqu'au vertige les contrastes et les cassures rythmiques.

Enfin, Elephants voit encore Gowen décocher un solo de moog d'anthologie* sur une trame harmonique et rythmique tarabiscotée à souhait qui n'oublie pas pour autant de flirter avec le blues.

Un album génial dont la complexité, la créativité et l'imagination constituent autant de bras d'honneur envoyés au mouvement punk (1977!).  


@Benedictus,@Barbajuan : vous connaissez déjà  
@Emeryck, @Melomaniac : indispensable





*A savoir parmi Chick Corea, Jan Hammer, Kit Watkins, George Duke, David Sancious, Keith Emerson et Patrick Moraz.

**La progression harmonique du morceau entre (5:59) et (6:38) est (selon moi) un des plus beaux moments du jazz-rock (ou du prog, c'est selon).  

Il faudrait que je réécoute, mais je crois me souvenir que j'avais mieux aimé Of Queues and Cures (peut-être plus «rock canterburien» et moins «jazz chickcoréen.»)

Justement j'y (re) viens.

National Health : Of Queues and Cures (78)



Alan Gowen s'en va et John Greaves (ex- Henry Cow) arrive à la basse avec dans ses bagages une composition géniale : Squarer for Maud.

En partant, Alan Gowen emporte avec lui la couleur jazz-rock (chickcoréenne, donc   ) du disque précédent. Le son du groupe se fait ici beaucoup plus rugueux et abrasif au point parfois de revenir aux textures antédiluviennes d'Egg. Les interventions sporadiques au moog de Dave Stewart apportent une coloration bienvenue (seconde moitié du Dreams Wide Awake de Phil Miller, The Bryden 2 Step part 2 de Dave Stewart), tout comme la somptueuse séquence atmosphérique qui succède au succulent solo de flûte de Jimmy Hastings sur le Binoculars de Pip Pyle. Au-delà de ça, le cahier des charges de National Health reste le même : proposer ce que la rock music peut déployer de plus formellement abouti en encadrant le propos de brillantes interventions solistes. Avec une inspiration au diapason de ces très hautes ambitions formelles, Of Queues and Cures peut à l'instar de son devancier revendiquer le titre de chef d'œuvre de la musique progressive.  

@Barbajuan : connait déjà
@Emeryck,@Mélomaniac : indispensable

National Health : Playtime (79)



Des bandes d'un concert de 1979 exhumé en 2001.

Après le sublime Queues and Cures, Dave Stewart quitte le groupe et Alan Gowen revient prendre sa place aux claviers.

L'absence de Dave Stewart (très attaché à l'écriture et peu friand d'improvisation) permet à Alan Gowen de donner libre cours a ses velléités exploratoires et improvisatrices. Ses interventions au moog (Nowdays a Silhouette, Pleiades , le morceau-titre), toutes plus décisives les unes que les autres confirment sans équivoque que l'on tient en Alan Gowen un instrumentiste majeur du jazz-rock. Ses acolytes ne sont pas en reste et imposent un National Health plus brut et spontané. A cet effet, les revisitations des morceaux d'Of Queues and Cures (Dreams Wide Awake, Squarer for Maud ) perdent en contraste ce qu'elles gagnent en alacrité. Le morceau-titre (qu'on trouve dans une version plus policée et moins intense sur le deuxième album de Gilgamesh), hypnotique et envoûtant à souhait, constitue le sommet du disque.

Un live que je recommande tout particulièrement à @Alifie, de par son caractère très improvisé et brut de décoffrage (à rapprocher des meilleurs pirates du Mahavishnu Orchestra).

@Benedictus,@Emeryck,@Barbajuan,@Mélomaniac : recommandé.

Gowen/Hopper : Two Rainbows Daily (80)



Alan Gowen au clavier et Hugh Hopper à la basse.

Le duo rivalise d'intensité (l'entame de Seen Through a Door), de lyrisme (le morceau-titre qui évoque une rencontre improbable entre Keith Jarrett et Happy the Man), d'onirisme (Morning Order) et de malice (le jazzy Elibom) avant de tirer sa révérence par le biais d'une élégie poignante (Waltz for Nobby).

Un disque dont l'économie de moyens associée à la constante inspiration mélodique impressionne.

Le dernier chef-d'œuvre canterburien*?  


@Benedictus,@Emeryck,@Barbajuan,@Mélomaniac : un indispensable  





Nota: on peut faire l'économie des cinq morceaux bonus (guère passionnants).


*Faudra réécouter le Parallel (96) du groupe In Cahoots de Phil Miller pour le dire

Gilgamesh : Gilgamesh (75)



Groupe formé par Alan Gowen et composé de Phil Lee (guitare), Jeff Clyne (basse) et Michael Travis (batterie).

La musique de Gilgamesh est assez difficile à appréhender de prime abord du fait de son oscillation constante entre thèmes alambiqués (le pêché mignon de Gowen), trames éthérées et contemplatives (pas loin des climats à la ECM) et contrechamps funky (le clavinet de Gowen). Constat que renforce les transitions négociées (parfois) de façon abrupte au sein des morceaux. Ceci dit, les grands moments ne manquent pas (le magnifique solo de guitare de Phil Lee sur One End More, le dense Notwithstanding, l'entame envoûtante de We Are All et bien évidemment toutes les interventions d'Alan Gowen qui brille tout autant au moog, au clavinet et au Rhodes.). La très grande qualité de l'album finit par s'imposer au fil des écoutes.

Excellent.


@Benedictus,@Emeryck,@Barbajuan,@Mélomaniac

Gilgamesh : Another Fine Tune You Got Me Into (78)



Le deuxième opus du groupe. L'ex-Soft Machine Hugh Hopper remplace Jeff Clyne à la basse.

Un disque dans la lignée du premier avec peut être quelque chose d'un peu plus policé au niveau de la sonorité générale (Phil Lee ne joue quasiment qu'en son clair). Une approche pas si éloignée des travaux du Pat Metheny Group de l'époque : l'écriture alambiquée d'Alan Gowen (le final de Darker Brighter) et sa sonorité jazz-rock en diable au moog permet néanmoins au groupe d'échapper à l'orbe émolliente du guitariste américain. Le long morceau Bobberty laisse perplexe, son alternance de séquences contemplatives et d'épisodes plus animés est captivante mais on aurait aimé avoir une justification musicale de leur succession. On touche là aux limites de l'art de Gowen : instrumentiste surdoué et fin dénicheur de trouvailles harmoniques (ce chef d'œuvre absolu qu'est Underwater Song ) mais compositeur plus à l'aise dans la juxtaposition que dans l'intégration structurelle, ce qui explique qu'a la différence de son compère Dave Stewart il ne raffole guère des épopées épiques au long cours (à la notable exception du sensationnel Brujo*). Contrairement à Bobberty, Playtime convainc et envoûte de la première à la dernière note (dont il existe une version plus urgente et enlevée sur le live de National Health intitulé...Playtime).

Au final, un superbe album de jazz-rock dont le côté un peu "lissé" par endroits pourra rebuter certains.  





*Sur l'album éponyme de National Health.


@Emeryck,@Barbajuan,@Mélomaniac  

Trop lisse pour @Benedictus.  

Gong : Shamal (75)



Un album superbement produit par Nick Mason.

Le travail sur les climats est remarquable (instruments à vents, percussions mélodiques) avec un résultat proche des plus beaux moments de Chute Libre avec même des côtés Mike Oldfield par endroits (Bambojii).
Cat in Clark Shoes amuse et séduit par son côté jazz-rock déluré et groovy (avec une citation malicieuse du Brilliant Corners de Thelonious Monk à la clé). Hélas l'album est sérieusement handicapé par les interventions vocales de Mike Howlett qui tombent à chaque fois comme un cheveu sur la soupe. Dommage, parce que d'un point de vue instrumental il y avait de quoi faire un chef d'oeuvre (Chandra)...

Don Ellis : At Filmore (70)



Un double live du big band de Don Ellis qui officie dans un style à la fois élaboré (notamment d'un point de vue rythmique) et gorgé de ce feeling typiquement américain proche de Chicago et de Blood Sweat and Tears.

Réjouissant!

Les DeMerle : Transfusion (78)



Au sein d'une formation élargie, le batteur Les DeMerle est l'officiant d'un jazz-funk de grande classe.