Sorties CD en musique du XXIè siècle

Donc, je me répète : je n’étais pas favorable à la division de ce sujet (ni à son titre, mais c’est très secondaire), dont je ne suis pas l’initiateur. Cf. https://classik.forumactif.com/t1022p100-#1096150
Ce message n’est donc en rien le premier, et ce qui le précède se trouve ici : https://classik.forumactif.com/t6576-

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(1998 à 2013)	(2014)

 
Jacques Lenot (1945) a réussi le pari d’être à la fois outsider, classique, intransigeant et assez bien diffusé. Sa musique peinait à me convaincre jusqu’à ce que j’écoute ses quatuors à cordes. On a ici sept quatuors répartis sur trois cds à gauche, et à droite une longue œuvre pour trompette et quatuor à cordes ; toutes caractérisées par un sens de la grande forme et des longs (lents) développements. Je ne sais pas à qui comparer son style dans ces œuvres (peut-être à un Hindemith atonal et introverti ?). Son langage est issu du sérialisme, mais pas de brisures, de grands sauts ou de bigarrures post-sérielles. Pas non plus de grands émois, de grands dialogues, d’effets, de bizarreries ou autre ; le compositeur s’adresse directement à nous, pudiquement. Tout est mesuré, discret. Très expressif, une émotion à fleur de peau, mais très retenu. Et c’est d’autant plus touchant, bouleversant même. Le Quatuor Tana interprète cela avec beaucoup de conviction. Notez que par rapport aux quatuors l’œuvre avec trompette est nettement plus planante.

Ca fait un moment que les quatuors de Lenot me font de l'oeil, ça va me décider je crois..

Gaial a écrit:

Ca fait un moment que les quatuors de Lenot me font de l'oeil, ça va me décider je crois..

Moi aussi, mais il est quasi introuvable ce coffret, ou alors hors de prix et d'occasion!

Rubato a écrit:

Gaial a écrit:

Ca fait un moment que les quatuors de Lenot me font de l'oeil, ça va me décider je crois..

Moi aussi, mais il est quasi introuvable ce coffret, ou alors hors de prix et d'occasion!

Oui je constate . Le site du label est down en plus. Reste le streaming, mais c'est moins sexy quand même..

Une série de 5 émissions avec Lenot, justement sur ses quatuors, était passée sur France Musique il y a quelque temps. Elle est toujours à la réécoute :
http://www.francemusique.fr/emission/le-mitan-des-musiciens/2014-2015/concerts-quatre-1-les-quatuors-cordes-de-jacques-lenot-1-5-01-19-2015-13-00

J’ai (re)découvert hier les propositions de lucien sur ce fil et j’ai commencé à écouter ceux que je ne connaissais pas (ça en fait pas mal).

lucien a écrit:

Þorvaldsdóttir (1977), islandaise. Contemplatif, pratiquement néo mais gentiment (et poétiquement) bruitiste. Ambiances nordiques. Il existe également un cd chez Deutsche Grammophon. EDIT : et encore un autre chez Innova !

lucien a écrit:

Kryštof Mařatka (1972) est né à Prague et vit à Paris depuis les années 90. Il me semble reconnaitre par moments dans son langage une part du post-modernisme à la tchèque (voir par exemple Adámek, Srnka, etc.), mais c’est quelque chose de plus traditionnel, quasi post-soviétique en fait, du côté Caucase-Asie centrale de la force : on m’aurait fait écouter ça à l’aveugle, j’aurais sans doute pensé à un de ces compositeurs qu’on trouve fréquemment au disque associés avec Gubaidulina. L’attachement spirituel, les racines folkloriques, voyage intérieur vers l’ailleurs et l’au-delà, tout ça. On a ici deux concertos, et le premier a la particularité d’utiliser des matériaux traditionnels issus des quatre coins du globe.
(petite précision : quand je dis Caucase-Asie centrale, c’est à l’exclusion de Kancheli, bien entendu.)

Donc, aujourd’hui:


• Anna S. ÞORVALDSDÓTTIR: In the Light of Air (2013-14) pour ensemble et électronique
ICE (International Contemporary Ensemble): Kyle Armburst (alto), Michael Nicolas (violoncelle), Nuiko Wadden (harpe), Cory Smythe (piano), Nathan Davis (percussion)
Boyce, IV.2015
Sono Luminus

«Contemplatif, gentiment (et poétiquement) bruitiste. Ambiances nordiques»: je ne peux que confirmer; mais «pratiquement néo»? Je trouve qu’il y a carrément de vrais gros morceaux de néo dedans - en particulier certaines phrases de piano bien dégoulinantes, à la Für Alina. Malgré cela (et contre toute attente), j’ai beaucoup aimé: ces sortes d’ostinati très distendus, ces effets de textures (où l’électronique aurait part?) créent des atmosphères vraiment prenantes.

Au demeurant, le type de plaisir que j’y ai pris se rapproche peut-être davantage de celui qu’ont pu me procurer certaines plages d’ambient austro-allemande (genre Gas ou Fennesz) que des émotions que me procure habituellement la musique contemporaine.


• Kryštof MAŘATKA: Luminarium (2002), concerto pour clarinette et orchestre. Astrophonia (1998-2002), concerto pour alto et orchestre
Michel Lethiec (clarinette), Karine Lethiec (alto), Kryštof Mařatka / Orchestre de Chambre Talich, Daniel Wiesner (piano)
Prague, II-III.2004
Arion

Pas forcément emballé par Luminarium, où j’ai trouvé les citations folklorisantes souvent trop littérales et insuffisamment développées (ça sonne parfois comme un catalogue de vignettes exotiques). En revanche, j’ai beaucoup aimé Astrophonia, plus homogène dans son expression comme dans ses couleurs; et si le côté post-moderne post-soviétique Caucase-Asie centrale est effectivement assez sensible, il me semble aussi qu’il est contrebalancé par quelque chose de plus «français» (pour tout dire, j’ai souvent pensé aux concertos pour instruments à cordes d’Hersant, que ce soit pour l’écriture soliste ou l’espèce d’enveloppe orchestrale.)

(Encore grand merci à lucien - et bravo pour sa capacité d’adaptation à des esthétiques qui ne lui sont pas forcément proches a priori...)

Demain, je vais essayer quelques américains de sa liste...

ça fait longtemps que j’ai pas posté ici... pourtant j’ai bien écouté des dizaines d’albums exclusivement ou quasi exclusivement vingt-et-unième depuis... peut-être que je devrais en retrouver quelques-uns...
enfin, c’est juste pour dire que ce que j’ai proposé ici n’est pas à prendre pour argent comptant, c’était seulement au hasard des écoutes.

d’accord sur Þorvaldsdóttir (je me souviens presque plus de l’autre). peut-être dire que cet aspect néo est pas toujours aussi clair, mais oui ça verse clairement dans l’ambient à mon avis, je crois l’avoir dit ailleurs.
mais puisque tu en parles, Tulve hier, pour te donner une idée, c’est un peu le même genre de réponse à ton est-ce que c’est néo-minimalo-planant-éthéré ?

lucien a écrit:

enfin, c’est juste pour dire que ce que j’ai proposé ici n’est pas à prendre pour argent comptant, c’était seulement au hasard des écoutes.

Oui, mais d'un autre côté, le panorama ainsi dressé est assez riche et intéressant.
(Mais Bernhard Lang, je ne vais pas aimer, si?)

lucien a écrit:

d’accord sur Þorvaldsdóttir (je me souviens presque plus de l’autre). peut-être dire que cet aspect néo est pas toujours aussi clair, mais oui ça verse clairement dans l’ambient à mon avis, je crois l’avoir dit ailleurs.

(D'ailleurs, je n'ai pas vu de fil dédié en «Autres musiques», mais si tu as des recommandations en ambient, je suis preneur - en fait, j'aime bien, mais je ne peux consommer qu'à doses homéopathiques.)

lucien a écrit:

mais puisque tu en parles, Tulve hier, pour te donner une idée, c’est un peu le même genre de réponse à ton est-ce que c’est néo-minimalo-planant-éthéré ?

Je vais essayer ces jours-ci. (Mais j'ai quand même l'impression que ça s'inscrit plus résolument dans la musique contemporaine «classique», non?)

allez ;



Ça c’est coul, et y a du chant diphonique dedans.
Ken Ueno (1970), américain. 2005 à 2008.

/watch?v=TAYLRQjm_og

deux nouveaux albums de Chaya Czernowin (1957) sont parus récemment :

 

Le premier, le Wergo, comprend des œuvres orchestrales écrites entre 2010 et 2013, notamment un cycle de trois œuvres. J’ai trouvé que l’orchestre ne lui réussissait pas très bien, c’est un peu lisse. Par contre, j’ai beaucoup aimé le Kairos, avec Wintersongs II, IV et V et quatre des cinq courtes pièces de Five Action Sketches (2003 et 2014).

Maria S.K. Ratkje (1973), Norvège. Comme Ueno, une artiste vocale plutôt typée « avant-garde » que contemporain qui compose également et y prête sa voix. Deux œuvres pour voix (préenregistrée dans une des deux) et ensemble ou orchestre datant de 2012 et 2015. Le fait que ces gens ne viennent pas au départ du classique se ressent je trouve, il y a une approche un peu différente, et c’est très chouette j’ai trouvé !

Tim Hodgkinson (1949), Angleterre. Encore un cas de crossover, car il est bien connu pour avoir été l’un des membres principaux de Henry Cow. Comme je le disais en playlist, il a manifestement été très marqué par sa rencontre avec le couple Avram/Dumitrescu, et sa musique a de fait des parentés avec la branche la plus expérimentale du spectralisme roumain, Dumitrescu en tête, dont l’ensemble interprète d’ailleurs plusieurs des œuvres de l’album. (Et comme clarinettiste Hodgkinson a beaucoup joué les œuvres de ce cercle.) Œuvres écrites entre 2001 et 2004. Mode a sorti en 2014 un second disque avec des œuvres du vingt-et-unième siècle également, mais je ne l’ai pas encore écouté.

             etc.

John Zorn (1953), américain, on ne le présente pas. Il y a toute une série d’albums chez Tzadik présentant ses compositions de compositeur contemporain, et un certain nombre avec des œuvres du vingtième-et-unième siècle puisque c’est surtout depuis les années 90 qu’il s’adonne à cette activité.

Benedictus a écrit:

• John Zorn: What Thou Wilt:
- Conte de fées (1999), concerto pour violon et orcestre
Stephanie Nussbaum (violon), Ryan McAdams, The Tanglewood Music Center Orchestra
- ⸫ (fay çe que vouldras) (2005) pour piano solo
Stephen Drury (piano)
s.d.
Tzadik

Étonnant comme ce compositeur de musiques «populaires» underground - jazz, metal, prog, post-punk... dont demeure juste ici une sorte de vague sous-texte «gothique» (que je trouve d’ailleurs à la fois pédant et un peu bébête, mais passons...) - parvient en même temps à composer une musique qui, elle, s’inscrit totalement dans la continuité de la musique savante américaine contemporaine - langage délibérément atonal mais discours et atmosphères très immédiatement intelligibles: on est plutôt du côté de Carter ou de Wuorinen (voire plus épisodiquement de Feldman).

Conte de fées est un concerto pour violon qui déploie effectivement de belles atmosphères onirique - on est souvent comme aux confins du merveilleux (des couleurs, des timbres) et du cauchemar (par moment, cela se convulse et s’assombrit) - unifiées par un discours soliste d’une continuité assez efficace. Même beau kaléidoscope d’atmosphères dans ⸫ (fay çe que vouldras), peut-être un peu trop volubile voire bavard cependant: il aurait sans doute fallu condenser davantage le discours pour obtenir quelque chose d’aussi abouti que les Night Fantasies de Carter vers lesquels cette pièce semble parfois lorgner.

lucien a écrit:

Benedictus a écrit:

Étonnant comme ce compositeur de musiques «populaires» underground - jazz, metal, prog, post-punk... dont demeure juste ici une sorte de vague sous-texte «gothique» (que je trouve d’ailleurs à la fois pédant et un peu bébête, mais passons...) - parvient en même temps à composer une musique qui, elle, s’inscrit totalement dans la continuité de la musique savante américaine contemporaine - langage délibérément atonal mais discours et atmosphères très immédiatement intelligibles: on est plutôt du côté de Carter ou de Wuorinen (voire plus épisodiquement de Feldman).

Exact, même étonnement pour moi. Je l’ai dit en playlist, jusqu’ici je n’avais rencontré que quelques œuvres (récentes) de Zorn, çà et là dans des concerts radiodiffusés, et soyons honnête j’en étais resté à mon préjugé que quand des gens plus ou moins issus du jazz (d’avant-garde, disons) se mettent au classique, ce n’est pas très convaincant. Or j’ai écouté ces derniers jours un quantité non négligeable d’albums des compositions de Zorn, et je suis vraiment admiratif sur ses capacités d’écriture, à défaut de tout adorer à 100% (mais j’adore beaucoup de choses !). Comme tu dis, il y a une veine à la Carter-Wuorinen (voire Babbitt !), que j’aime beaucoup personnellement, tirant souvent vers un genre de simili-sériel-pulsé (Le Mômo, par exemple ). Moins la pièce centrale pour piano je trouve, qui se distend vers autre chose. Toujours sur l’album que tu as écouté, le concerto pour violon m’a même surpris par une chattoyance instrumentale qui me rappelle davantage les postsériels européens (en plus éclectique) que les suscités.
À côté de ça, notamment si on remonte aux premières expériences visiblement (fin années 80), on a quelque chose de plus post-moderne, avec des collages, etc. Plutôt du côté de Ives que de Carter, donc, pourrait-on dire. Avec cette tendance à l’ultra-collage (on passe très rapidement d’un style à l’autre, sans nécessairement de récurrences) qui rappelle franchement les Naked City les plus extravertis (c’est la même époque...). C’est très évident dans le premier quatuor à cordes, par exemple (Cat O’Nine Tails).
Et il y a également des choses plus post-romantico-expressionnisme-chambriste un peu distancié, parfois avec morceaux de musique ancienne. Et quelques trucs plano-néo-racolleur, aussi (exemple : Kol Nidre, c’est-à-dire le quatrième quatuor à cordes).

et tiens, puisque j’ai ouvert un sujet, je signale au passage qu’il y a une majorité d’œuvres du vingt-et-unième siècle sur ces deux cds (1993 et 1998 puis 2003 à 2008 pour l’un ; 2000 à 2008 pour l’autre) :

 

Doina Rotaru (1951), Roumanie. Voir ici : https://classik.forumactif.com/t8528-doina-rotaru-1951

Deux compositeurs iraniens relativement jeunes : Alireza Farhang (1976) et Kiawasch Sahebnassagh (1968, parfois écrit en deux mots). Je n’ai pas beaucoup de repères pour les situer, mais ça me semble résolument influencé par les traditions musicales locales sans être du tout complaisant. 2005 à 2009 pour Farhang et au moins 2001 à 2007 pour Sahebnassagh (j’ai pas trouvé toutes les dates des œuvres de ce double album).

 

Helena Tulve (1972, Estonie). Deux albums ECM avec des œuvres écrites entre 1997 et 2004 pour le premier, 2005 à 2008 pour le second. Voyant label, pochette et interprètes, Benedictus me demandait si c’était néo-minimalo-planant-éthéré. En fait, dans l’esprit, c’est dans cet ordre d’idée, et on pourrait proposer des rapprochements avec certains Knaifel (en un peu moins lent) ou des choses comme ça, mais c’est pourtant très loin d’être néo. Si on veut c’est plus comparable à Saariaho. Enfin si, dans certaines œuvres il y a des trucs clairement néo, mais là plupart du temps pas, et c’est même parfois très ouvertement dissonant et bruité — donc un genre d’expressionnisme qui se construit par rapport à des fonctions tonales, certes. Des atmosphères méditatives et glaçantes, beaucoup de sons très aigus (et des mediums-basses), des harmonies tendues, très serrées, beaucoup de petits intervalles, glissandos, micro-intervalles, glissements harmoniques, beaucoup de bruissements, souffles, sons inharmoniques, mais aussi des bouts de mélismes modaux distendus, des unissons et faux unissons, des voix néo-archaïsantes, etc. J’ai trouvé cette musique très belle, riche, et contrairement à chez Saariaho par exemple, je n’ai jamais senti le temps long.

 

Pierluigi Billone (1960, Italie). Élève de Sciarrino et de Lachenmann, ce qui en dit déjà beaucoup, mais pas assez, car il a un univers sonore très personnel qui ne ressemble en rien à ceux de ses maitres. À gauche, une longue œuvre pour deux clarinettes basses de 2006. À droite, trois œuvres pour guitare électrique composées entre 2012 et 2013.

 

Brice Pauset (1965, France). À gauche du piano, plusieurs cycles de « canons » dont les premières pièces remontent à 1989. À droite par contre rien à redire : 2002 à 2012. « Brice Pauset est un musicien de la conscience historique, d’une histoire qui, en un double procès, se réalise et s’objective en des instruments, des modes de jeu, des ornements, des notations, des techniques de composition et des formes, mais qui s’intériorise et se réfléchit aussi, développant la conscience qu’a l’esprit de sa propre liberté, selon les termes des Leçons sur la philosophie de l’histoire de Hegel. » Compositeur mais aussi claveciniste et pianofortiste, Pauset c’est un peu un compositeur (pré)baroque vivant au vingt-et-unième siècle, qui a le gout des instruments anciens insolites, des tempéraments perdus, des vieilles formes, des traités obscurs du seixième siècle, etc., mais qui parle une langue pleinement contemporaine, jamais passéiste mais volontiers dialectique. Même si la plupart de ses références sont anciennes il est incontestable qu’il a une connaissance intime de la musique de notre temps. En cela il peut être comparé à Ferneyhough, même si le langage et le style n’est pas le même. Vraiment un compositeur essentiel à mon avis.

Je n’ai pas beaucoup aimé celui-ci. Eric Wubbels (1980, États-Unis). Très pêchu, avec beaucoup de recherche sur les modes de jeu non conventionnels, mais d’une façon qui s’apparente au piano préparé : en définitive des objets sonores fixés par avance, qu’on se contente se « rythmer ». Quatre duos écrits entre 2007 et 2014.

La musique conceptuelle, l’art music, n’est pas morte après les grandes années Fluxus. En fait, elle même en plein boom parmi la jeune génération européenne et russe. Un exemple est Johannes Kreidler (1980, Allemagne), élève de Spahlinger notamment mais qui se réclamerait plutôt de Sol LeWitt. Wergo a publié en 2015 un album avec quelques-unes de ses œuvres, composées entre 2006 et 2010. Il est accompagné par un DVD contenant des œuvres vidéo réalisées entre 2006 et 2014. Sur le CD on a d’une part des œuvres mêlant les parties instrumentales avec des samples bruts issus de la culture de masse et souvent interrompus très rapidement. L’autre partie est (encore) davantage conceptuelle et aborde le même thème de l’œuvre originale : product placements, œuvre électronique d’une trentaine de secondes pour laquelle il a déposé à la société allemande des droits d’auteur 70200 formulaires de déclaration d’une œuvre originale, et Fremdarbeit dont il a fait sous-traiter l’écriture à un compositeur chinois et à un programmateur indien embauchés pour l’occasion mais sur lequel il possède tous les droits.

Je ne pourrai pas vous faire de longs discours sur Éliane Radigue (1932), car je crois bien que c’est à peu près la première fois que je l’écoute, bien qu’elle soit incontournable... dans des domaines que je fréquente peu. Une de ses premières œuvres instrumentales si j’ai bien compris, un long solo de violoncelle écrit en 2003. Accordé en intonation juste je crois, extrêmement lent sinon atemporel, tout en continu, seulement modulé des lentes vagues de l’archet, très introspectif (introspectif de sa propre acoustique et matière), un monde de sons à la fois pleins (sonores) et colorés de frottements divers. Je vous ai mis le visuel de l’édition contenant deux œuvres supplémentaires, mais c’est le disque de gauche que j’ai écouté ; la pièce s’appelle Naldjorlak I.

Beau travail, Lucien ! Vraiment, merci !
A défaut de trouver une niche, tu as bien dépoussiéré et agencé en étagères cet immense placard à balaies qui ne demandait qu'à se remplir !
 Un petit guéridon avec trois fleurs fraiches dans un vase bleu et un répertoire rotatif à l'entrée, et ça ira ! Pour le moment.
Pour ce qui est de moi, Brice Paucet Pauset m'interesse beaucoup....

Non, tod, ce n'est pas Paucet mais Pauset - comme dans «poseyyy», quoi...
(Je pense écouter le dernier æon ce week-end, justement.)

En Playlist, Benedictus a écrit:

• Helena Tulve: à travers (1998) pour ensemble. Lijnen (2003) pour voix et ensemble¹. abysses (2003) pour flûtes et ensemble². cendres (2001) pour ensemble:

Arianna Savall (voix)¹, Emmanuelle Ophèle-Gaubert, Mihkel Peäske (flûtes)², Olari Elts / NYYD Ensemble
Tallin, 2006
ECM

Tout à fait d’accord avec ce qu’en dit lucien ici: pas si planant-éthéré que ça, et pas néo. En effet, moi aussi, ça m’a fait penser à du Saariaho, mais avec quelque chose de plus nerveux, de plus tendu, de plus froid et de plus sec aussi (du Saariaho des meilleures œuvres chambristes des années 80, sans la parure hédoniste; ou alors quelque chose de pas éloigné du Murail austère des Winter Fragments?) - et en effet une espèce de bruitisme glacé et frémissant très personnel. J’ai beaucoup aimé.

Mille excuses, je corrige.
 Je ne me suis pourtant pas trompé pour passer ma commande.

 
   
 
 

David Philip Hefti (1975, Suisse). Juste un mot, parce que je crois que c’est un compositeur important/célèbre pour le vingt-et-unième siècle. Manifestement l’influence de Rihm et de Kelterborn est très marquante. Dans un sens on pourrait dire que c’est un peu parallèle à Widmann (ou au dernier Holliger). En gros, des techniques avancées mais tournées vers l’expression, dans une approche expressionniste. Beaucoup de travail aussi sur l’idée d’interruption, ce qui n’est pas non plus sans rappeller l’œuvre de Rihm. Déjà huit disques monographiques, presque exclusivement vingt-et-unième (dans l’ordre : 2010 à 2014, 2010 à 2013, 2007 à 2011, 2008 à 2010, 2008 à 2009, 2006 à 2007, 1998 à 2006 et 1999 à 2004). Je n’en ai écouté que quelques-uns, mais l’intérêt de ce fil de discussion me semble aussi de montrer la vitalité de la musique actuelle.

Ah oui, donc du tout-à-fait-pour-moi, quoi...
(Enfin, quand j'aurai écouté les Widmann et Holliger que j'ai sous le coude...)

je crois, oui.
j’avais oublié un disque, c’est huit et pas sept... vraiment pas mal pour quelqu’un né en 1975 !

Oui, et puis on peut imaginer que Tenet et Sator seront bientôt suivis par Arepo, Opera et Rotas...

en fait je crois que j’ai affiché les pochettes dans l’ordre antichronologique.

Au fait, en parlant de Jörg Widmann (1973), les quatuors à cordes c’est coul, même si je ne les adore pas tous. Des (cinq) quatuors numérotés, seul le premier n’est pas vingt-et-unième, de même que les deux œuvres plus anciennes en complément de programme du second disque de l’album, consacré au cinquième quatuor avec soprano.

Parmi les recommandations de lulu, deux Américains de deux générations différentes, mais qui ont en commun de venir d’autres horizons (le prog pour Hodgkinson, le metal pour Eckardt):


• Jason Eckardt: Subject (2011) pour quatuor à cordes
Quatuor JACK
2015
Tzadik

Vraiment très beau, très dense. L’œuvre semble construite sur deux pôles, disons un pôle «proche du silence» et un autre «expressionniste»: on a d’abord un long incipit très wébernien puis une longue section très véhémente, hérissée de lignes dissonantes très entremêlées; par la suite, les deux alternent de façon plus rapprochée, tout en variant les modes d’expression et les textures (disons que le pôle «proche du silence» intègre, en plus des procédés pointillistes du début, davantage de frottements, de souffles, de lignes suspendues à dynamique ppp, disons entre Feldman et de la «musique concrète instrumentale»; et que le pôle «expressioniste» agrège des agrégats proliférants et des rythmes chevauchés.)


• Tim Hodgkinson: De Yoknapatawpha (2004) pour 2 clarinettes et piano
Isabelle Duthoit (clarinette), Jacques Di Donato (clarinette, clarinette basse), Pascale Berthelot (piano)
2006
Mode

Une évocation de l’univers de Faulkner par le co-fondateur d’Henry Cow.

L’œuvre semble fonctionner comme une série de parcours avec des piétinements, des retours, des déplacements imprévus, des accélérations et des arrêts; l’écriture, très marquée par le free jazz, oscille entre des souffles suspendus et des ostinati telluriques, des textures arachnéennes et des agrégats très «chthoniens». Une œuvre dont j’ai beaucoup aimé la dimension très physique, très terrienne, et l’espèce de mouvement «ambulatoire».

Serait-ce la dernière parution du label Motus ? Si c’est le cas c’est dommage, parce que ça commence à dater... Bon, pour être honnête, je ne suis pas ou plus un grand fan de Philippe Hurel (1955)... je trouve que bien souvent il se passe plein de choses dans sa musique, mais ça reste vain, et ne laisse pas beaucoup le temps pour ressentir quelque chose. Mais ça devrait plaire à certains, et ça reste un bel album. Pour rappel, Hurel est au premier rang de ces compositeurs qui ont croisé le spectralisme avec un « retour » à l’horizontalité, le contrepoint, la vitesse, la pulse, etc. Le noyau — et à mon avis le premier intérêt — de ce cd est le cycle Traits, composé d’une pièce pour violoncelle seul, une pièce pour violon et une troisième réunissant les deux instruments. J’ai beaucoup aimé la première en particulier, très recherchée. À côté Cantus pour soprano et six instruments (on peut sans peine deviner lesquels), rien à redire de particulier, mais j’ai quand même l’impression d’entendre une somme de clichés de l’esthétique (très maitrisés du reste) pour pas grand-chose. Enfin une œuvre pour accordéon et électronique, pas mal mais pas décisive à mon avis. Œuvres écrites entre 2006 et 2014.

Je ne savais plus si je l’avais cité, visiblement non. Gerald Eckert (1960), représentant de ce que j’appelle l’école d’Essen (têtes de file : Nicolaus A. Huber et Gerhard Stäbler). Par facilité, je cite un des livrets : « La musique de Gerald Eckert est une quête. Jamais sa musique ne se veut affirmative, péremptoire. La surface sonore de ses œuvres — une surface qui fait un avec la teneur et le dessein inhérent à sa musique — est souvent “rêche, friable, inégale” ; elle éclaire l’émergence de contrastes intérieurs dont le symptôme réside dans l’impossibilité de concilier les détails anguleux et disparates. Pour définir cette approche esthétique et musicale, Eckert cite Mallarmé : froide d’oubli et de désuétude / pas tant / quelle n’énumère / sur quelque surface vacante et supérieure / le heurt successif / sidéralement / d’un compte total en formation. »
Je vous propose ici trois albums avec des œuvres écrites entre 1998 et 2011, 1996 et 2008, 1996 et 2002. Il y en a au moins un quatrième avec des œuvres encore un peu plus anciennes (1993 à 2003).

   

 

Également associée à l’école d’Essen, Karin Haußmann (1962). Je connais ces deux albums, avec des œuvres datant de 2000 à 2011 et 1996 à 2002 respectivement. Très bien.

Quant à Nicolaus A. Huber (1939) lui-même, pour ce qui est du vingt-et-unième siècle (quatre œuvres sur cinq, 1992 à 2011), il y a ce bel album :

par rapport à mes trois derniers messages sur l’école d’Essen, je me dois de préciser qu’a priori ce n’est pas destiné aux personnes peu accoutumées à la musique contemporaine (allemande si possible).

lulu a écrit:

je me dois de préciser qu’a priori ce n’est pas destiné aux personnes peu accoutumées à la musique contemporaine (allemande si possible).

Je crois que de toute façon l'intitulé "pour les profanes" a été un peu perdu de vue depuis longtemps dans ce fil

(... fort intéressant par ailleurs, je m'empresse de le préciser)

Octavian a écrit:

Je crois que de toute façon l'intitulé "pour les profanes" a été un peu perdu de vue depuis longtemps dans ce fil

c’est sûr.
c’est une constante sur le forum d’ailleurs... rappelons à titre d’exemple que le sujet principal de ton compositeur préféré s’appelle quel est le compositeur de cette musique svp.
en plus, je suis assez opposé à l’idée qu’il y a des choses à écouter avant d’autres, et des choses unaniment plus accessibles que d’autres.

Pour ma part, en tant que pianiste amateur débutant-intermédiaire, j'aime beaucoup l'avis des personnes de mon entourage n'ayant aucun goût pour le classique et leur faire écouter des courtes pièces de mon répertoire contemporain au piano parce que ces personnes n'ont aucun parti pris et donc, leur jugement n'est pas biaisé; si ça leur plaît, c'est digne de mention,  sinon je retravaille davantage la rythmique, les nuances inscrites sur la partition afin de leur faire apprécier davantage à autre moment.

 

René Wohlhauser (1954, Suisse). Sur le papier une complexité qui n’est pas sans lien avec Ferneyhough auprès de qui il a étudié, mais, surtout dans ces œuvres récentes, un ton très libre et intuitif. Mais en fait je crois qu’il y a surtout un côté happening familial à la Stockhausen, en particulier dans l’écriture vocale (type Am Himmel wandre ich). Parfois ça ressemble carrément à de l’Ars nova. Interprété par le duo Simolka-Wohlhauser et son ensemble Polysono. Ça fonctionne en cycles : à gauche un cycle vocal et instrumental (2006 à 2011) et à droite deux cycles presque entièrement a cappella (2005 à 2014).

Marina Khorkova (1981). Russe, elle a étudié la composition à Moscou puis avec C. J. Walter en Allemagne où elle vit actuellement. C’est une musique radicale, qui cherche sans relâche le son autre, non tempéré, non harmonique, brut, brisé, incertain, qui cherche des mondes sonores dans les interstices. Dans le livret est revendiquée l’influence des traditions microtonales du vingtième siècle et de la musique concrète instrumentale. Œuvres datant de 2010 à 2015.

Compositrice majeure de notre temps, Liza Lim (1966) appartient à la scène de la new complexity à l’australienne, et collabore fréquement avec l’ensemble Elision. La complexité est essentiellement dirigée vers une expressivité exacerbée et pulsionnelle ainsi que vers la constante recherche de l’ailleurs (d’aucuns pourraient reprocher la tentation de l’exotisme). Cela se traduit notamment par une investigation instrumentale (et vocale !) poussée, axée sur les sons « extraterritoriaux » et qui passe souvent par un travail préalable avec les interprètes. Mais sa musique témoigne aussi d’une influence ou d’une « conscience » de cultures non occidentales, en particulier aborigènes et asiatiques.
J’ai mis ici les deux seuls albums monographiques consacrés à des œuvres du vingt-et-unième siècle (2010–11 et 2006 à 2010). À gauche une œuvre de grand ampleur pour pianiste improvisateur (Uri Caine), voix et ensemble, d’après Hafez. À droite trois pièces orchestrales (plus précisément : flute, didgeridoo et orchestre ; orchestre ; flute à bec et orchestre).

Malika Kishino (1971, Japon). Pour le formuler par la caricature, disons que Kishino réactualise les poncifs du discours sur la musique japonaise (la nature, l’eau, les rayons de soleil dans le ciel, l’œuvre comme organisme naturel, la philosophie bouddhiste, les jardins zen, etc.), mais avec un langage plus « avancé » qu’on en a l’habitude (y compris celui de son professeur Yoshihisa Taira), d’une façon qui me rappelle un peu le Lachenmann « météorologique » (Das Mädchen mit den Schwefelhölzern). Œuvres composées entre 2001 et 2011.

Unsuk Chin (1961, Corée). Malgré la présence exceptionnelle du sheng ici, voilà au moins une compositrice non européenne pour laquelle on ne doit pas convoquer des clichés exotiques, puisque sa musique se situe largement dans une tradition occidentale (Ligeti, Penderecki, Lindberg ?). Problème pour moi, même si parfois je marche assez bien (j’ai un meilleur souvenir du cd de gauche), c’est qu’à mon avis elle se situe surtout dans la grande tradition de la musique bon teint sans intérêt et du concerto virtuose et creux.
Si vous n’êtes pas de mon avis, elle a un sujet : https://classik.forumactif.com/t3998-

C'est peut-être une évolution de son œuvre au XXIᵉ, parce que dans ses œuvres de la décennie 1990, c'était certes déjà virtuose et ligetien, mais avec une dimension plus onirico-ludique qu'académique - je pense en particulier au disque Akrostichon-Wortspiel de l'EIC (et en particulier l'œuvre-titre).

 

Hilda Paredes (1957, Mexique). Je trouve qu’il y a quelque chose d’un « ailleurs » esthétique à l’anglaise dans cette musique. En fait, si j’ai pu penser à Harvey, Dillon ou Ligeti voire Xenakis en écoutant ces disques, et bien qu’on ne soit pas vraiment non plus face à une personalité triomphante et extraordinaire, je trouve que c’est une musique très personnelle. Souvent faite de petits gestes, de petits évènements, de communication et d’incompréhension, c’est une musique très aérienne, claire, svelte, une musique d’équilibriste, de funambule, aux textures diaphanes, subtile, à la fois libre et retenue, mais aussi fréquemment fébrile et nerveuse. Beaucoup d’harmoniques, de glissandos, de microintervalles, de rythmes/tempi se chevauchant. Plusieurs œuvres sont interprétées par son mari, Irvine Arditti. De gauche à droite : 1995 à 2013, 2000 à 2010, 1998 à 2001.

Chiyoko Szlavnics (1967, Canada). Appartient à ce que j’appelle le spectro-minimalisme, qui est d’origine plutôt américaine. Essentiellement un art du son, très épuré et extrêmement distendu, lent, qui traite essentiellement de changements graduels et de transformations continues. Déploie tout un arsenal de microintervalles en relation avec l’intonation et les intervalles justes. C’est tout naturellement donc qu’on la retrouve sur le label de Maria de Alvear (à droite) ; sur la pochette, vous pouvez voir un exemple des œuvres visuelles de la compositrice qui offrent un éclairage intéressant sur sa musique. 2006 à 2015 et 1999 à 2006 respectivement.

Charlotte Seither (1965, Allemagne). Impression étrange à l’écoute de ce disque. Globalement, sont conviés beaucoup des procédés esthétiques et techniques de ce que j’appelle le mouvement critique allemand (école d’Essen, Spahlinger, Lachenmann, etc.). Mais le babil dialectico-bruitiste est la plupart du temps soutenu... ou surligné généreusement (voire quasi remplacé)... par de larges gestes beaucoup plus planes et même souvent très consonants, parfois dans un ton quasi-épique qui m’a fait penser au Stockhausen de la fin des années 70. Sensations d’ombres et de scènes couvertes de voiles semi-transparents... au point d’avoir l’impression parfois d’écouter deux œuvres en même temps. Les œuvres datent de 2000 à 2007. Un portrait Wergo est quant à lui consacré à des œuvres des années 90.

Alexandra Filonenko (1972) et Dmitri Kourliandski (1976). À mon avis deux belles illustrations de l’avant-garde russe dans toute sa radicalité. Filonenko et Kourliandski, issu·e·s du conservatoire de Moscou, ont en commun leur proximité avec Berlin. De plus les deux albums, parus au label Fancymusic, ne comportent que des œuvres solistes (instrumentiste ou vocaliste). 2011 à 2015 et 2008 à 2010.