Sorties CD en musique du XXIè siècle

Sur recommandation de lulu (ci-dessus):


• Gerald Eckert: Studie über Nelly Sachs (2004/08) pour soprano, flûte, harpe, accordéon, percussion, violon et contrebasse. Schächte - les nuages d’automne (2002) pour flûte, alto et harpe
Gerald Eckert / ensemble reflexion K: Sarah Maria Sun (soprano), Beatrix Wagner (flûte), Eva Ignatjeva (harpe), Kirstin Maria Pientka (alto), Eva Zöllner (accordéon), Guillaume Chastel (percussion), Lenka Zupkova (violon), Kirstján Sigurleifsson (contrebasse)
2013
Neos

Deux œuvres d’une poésie paradoxale. Car de l’évidente radicalité du propos (une sorte d’«irréconciliation» tragique du monde sonore, une posture critique proche d’un Lachenmann ou d’un Mark André...) découle une musique d’une lyrisme non moins évident: souffles ténus, frottements, éclats sombres, textures âpres, déchirures et effilochements au plus près du silence... Tout cela constitue un univers sonore inquiet et frémissant, que je trouve extrêmement beau dans sa matière discontinue et raréfiée.

lulu nous a malheureusement laissé tomber.

Spoiler:

Essayons d'alimenter ce fil.

Quelqu'un aurait-il écouté ces nouveautés 2017, œuvres du XXIè siècle?

Stabat Mater de MacMillan


Détails:

Spoiler:

***************
George Benjamin
Into the hill
Flight
Dream of the song


Détails:

Spoiler:

J'ai seulement entendu un extrait de chaque œuvre, et je me laisserais bien tenter !

Rubato a écrit:

George Benjamin
Into the hill
Flight
Dream of the song

Précision préliminaire : ce sont des titres que je connais mais par d'autres versions, je ne parlerai donc que des œuvres et pas des interprétations.

J'aime beaucoup le cycle de mélodies Dream of the Song, de 2015, surtout passé la toute première pièce qui est, nettement, la plus énergique, mais aussi un peu foutraque (je trouve) ; rien de rédhibitoire, mais pas forcément l'introduction la plus adéquate dans l'optique de se faire une idée de l'ensemble. Dès la pièce suivante, "The Multiple Troubles of Man", bel adagio lancinant, on est plus dans l'ambiance qui dominera ensuite : un côté éthéré, presque onirique. Seule la quatrième pièce, "Ghazal de l'amour merveilleux", où le petit chœur féminin qui était auparavant venu mêler progressivement sa voix à celle du soliste le remplace intégralement, viendra apporter une (relative) rupture (sans que le contraste soit choquant non plus), avec un style qui rappelle fortement Ohana.

À noter qu'on peut trouver deux autres versions intégrales de cette œuvre (toutes chantées par Bejun Mehta), d'une part sous forme de captation vidéo sur le compte Youtube officiel du contre-ténor avec l'Orchestre de Paris dirigé par Daniel Harding, d'autre part, au disque, sur l'album Horizon 7 du Royal Concertgebouw Orchestra, sur leur propre label (et qui se trouve également sur Deezer), couplé avec Era de Magnus Lindberg (2012), Fuoco e Fumo de Richard Rijnvos (2013, rev.2015) et le concerto pour contrebasse et orchestre The Wolf de Tan Dun (2014)... ce qui peut constituer un couplage certes moins "homogène" mais musicalement plus intéressant que celui proposé par ce disque-ci.

Je reste en effet assez circonspect sur Into the Little Hill, opéra de chambre / "conte lyrique" de 2006, où deux chanteuses, soprano et contralto, assument la narration et différents rôles dans une histoire de politicien passant un pacte avec le diable pour assurer sa réélection, et qui découvrira qu'il est certaines promesses de campagne moins faciles à briser que d'autres. Par rapport à Dream of the Song, l'œuvre est plus dramatique (forcément), plus "hérissée" aussi — ça s'agite, ça éructe et ça criaille quand même un peu beaucoup, et personnellement ça me lasse en cours de route. Benjamin n'avait que très peu écrit pour la voix à ce moment et ça se sent, on est un peu dans le n'importe quoi typique de certaines écritures contemporaines de ce point de vue-là, alors que les plus tardifs Written On Skin (2012) et Dream of the Song sont plus maîtrisés. Pas inintéressant au niveau des ambiances sombres et inquiétantes cela dit.

Reste Flight, pièce pour flûte solo d'une huitaine de minutes, qu'on peut aussi retrouver (sur Deezer et MusicMe notamment) sur une anthologie dédié aux compositions britanniques pour l'instrument sur le label Lorelt par Ingrid Culliford. C'est joli mais assez anecdotique.

Rubato a écrit:

Quelqu'un aurait-il écouté ces nouveautés 2017, œuvres du XXIè siècle?

Stabat Mater de MacMillan

j'ai écouté le début et décidé que le style ne me convient pas. j'aurais dû être plus patient.

Bruno Luong a écrit:

Rubato a écrit:

Quelqu'un aurait-il écouté ces nouveautés 2017, œuvres du XXIè siècle?

Stabat Mater de MacMillan

j'ai écouté le début et décidé que le style ne me convient pas. j'aurais dû être plus patient.

C'est le problème de l'écoute d'extraits aussi, parfois trompeuse !

Rubato a écrit:

[Quelqu'un aurait-il écouté ces nouveautés 2017, œuvres du XXIè siècle?

Stabat Mater de MacMillan

Non, mais MacMillan est vraiment une valeur sûre de la musique sacrée d'aujourd'hui : le fondement de sa grammaire reste traditionnelle, mais il va beaucoup plus loin, et explore vraiment les richesses laissées par le XXe siècle. Un de ces rares compositeurs capable de plaire à la fois à ceux qui n'écoutent pas de contemporain et à (certains de) ceux qui en sont férus.

Christus Vincit, parmi d'autres, est une petite tuerie. (C'est d'ailleurs donné quelquefois en concert, j'ai réussi à voir Christus Vincit et le Credo, et j'en ai vu passer quelques autres.)

Donc ce doit être très bien.

Hans Abrahamsen
Quatuors à cordes 1 à 4
Quatuor Arditti.

Spoiler:

J'ai écouté des extraits.
Étonnant, intéressant...à approfondir !

DavidLeMarrec a écrit:

Non, mais MacMillan est vraiment une valeur sûre de la musique sacrée d'aujourd'hui : le fondement de sa grammaire reste traditionnelle, mais il va beaucoup plus loin, et explore vraiment les richesses laissées par le XXe siècle. Un de ces rares compositeurs capable de plaire à la fois à ceux qui n'écoutent pas de contemporain et à (certains de) ceux qui en sont férus.

Christus Vincit, parmi d'autres, est une petite tuerie. (C'est d'ailleurs donné quelquefois en concert, j'ai réussi à voir Christus Vincit et le Credo, et j'en ai vu passer quelques autres.)

Donc ce doit être très bien.

Personnellement je trouve vraiment difficile de faire des paris sur quoi que ce soit concernant MacMillan, car il est vraiment capable de changer de style du tout au tout d'une œuvre à l'autre, depuis, pour le dire très vite et en termes caricaturaux, du "néo" le plus avenant et agréable jusqu'au "contemporain" le plus dissonant et agressif, en passant par tout le spectre entre les deux (le Credo que David cite, ou les Sept Dernières Paroles du Christ en croix, par exemple, ça ressemble beaucoup à du Penderecki deuxième manière).

Rubato a écrit:

Hans Abrahamsen
Quatuors à cordes 1 à 4
Quatuor Arditti.

J'ai écouté des extraits.
Étonnant, intéressant...à approfondir !

Je ne connais que le 1er et le 4e, mais les quatuors ne sont franchement pas ce que je préfère chez Abrahmsen (là encore un cas de compositeur assez "versatile", même si c'est peut-être moins le grand écart que MacMillan). Ceci étant, si tu es sensible à ce style-là, tu pourrais aussi essayer Schnee.

Dans un registre assez différent de ceux-là, mais proche du Dream of a Song de Benjamin que tu citais plus haut, Let Me Tell You d'Abrahmsen (chanté au disque par Barbara Hannigan) est très beau.

J'avoue un faible particulier pour son double concerto pour violon, piano et orchestre de 2011. Pas disponible au disque, sauf erreur de ma part, mais on trouve sans trop de problème en ligne une captation de concert par Carolin Widmann, Tanja Zapolski, et Rattle à la baguette.

J'ai écouté des extraits de "Let Me Tell You" avec Barbara Hannigan et ça m"a bien plu.

Benedictus a écrit:

Ce soir j’écoute ce disque recommandé par Octavian

"Recommandé", "recommandé", ce que j'ai dit exactement est que ça offrait une alternative avec un couplage plus divers et potentiellement plus intéressant à Dream of the Song que Flight et Into the Little Hill.

Benedictus a écrit:

Rinjvos fait du Saariaho

Un peu plus austère que du Saariaho, non, de mémoire ? (En tout cas pour cette pièce-là : c'est le seul et unique titre de Rijnvos que j'ai pu entendre, donc je ne me hasarderais pas à en tirer des généralités.)

Benedictus a écrit:

En revanche, ce doit être la première fois que j’écoute du Tan Dun, et là...  C’est d’une kitscherie tellement phénoménale qu’elle en décourage toute velléité de critique (et au second degré, c’est presque aussi fendard que du Ketèlbey.)

De mémoire, là encore, j'ai en tête quelque chose comme un mouvement lent central tirant vers un côté un peu néo-romantique, entre deux mouvements plus rapides qui intègrent des tournures "folkloriques" sinisantes. C'est ça ?

Octavian a écrit:

Benedictus a écrit:

Rinjvos fait du Saariaho

Un peu plus austère que du Saariaho, non, de mémoire ? (En tout cas pour cette pièce-là : c'est le seul et unique titre de Rijnvos que j'ai pu entendre, donc je ne me hasarderais pas à en tirer des généralités.)

Oui - enfin, disons que ça m'a fait penser aux couleurs et aux textures de certaines œuvres de Saariaho des années 1985-1990, qui, me semble-t-il, étaient plus austères que celles de maintenant (que je connais très mal, il faut dire.) Mais oui: du Saariaho un peu moins gentil, un peu dusapinisé. (Sinon, pareil: Rinjvos dans cette pièce-là parce que je ne connais rien d'autre.)

Octavian a écrit:

Benedictus a écrit:

En revanche, ce doit être la première fois que j’écoute du Tan Dun, et là...  C’est d’une kitscherie tellement phénoménale qu’elle en décourage toute velléité de critique (et au second degré, c’est presque aussi fendard que du Ketèlbey.)

De mémoire, là encore, j'ai en tête quelque chose comme un mouvement lent central tirant vers un côté un peu néo-romantique, entre deux mouvements plus rapides qui intègrent des tournures "folkloriques" sinisantes. C'est ça ?

Voilà, c'est bien ça - sauf que tu sais mieux que moi le formuler de façon informative et bienveillante (quel dommage que l'Educ' Nat' n'ait pas su te garder... )

Pascal Dusapin Quatuor VI "Hinteland" (2009) , hapax pour quatuor à cordes et orchestre  Quatuor Arditti / Orchestre Phiharmonique de Radio France

j'aime le coté lumineux de cet quatuor "augmenté" (avec l'orchestre   ) . c'est à la fois classique et moderne , je trouve des effets "modernes" sont bien intégrés dans l'oeuvre , une oeuvre cohérente avec un discours musical lisible .

Bonne idée, je crois que je vais réécouter les quatuors de Dusapin la semaine prochaine.

Sinon:


• Early to Late.
Magnus GRANBERG: How Vain Are All Our Frail Delights? (2017) pour ensemble. Jürg FREY: Late Silence (2017) pour ensemble
Ensemble Grizzana:  Jürg Frey (clarinette), Magnus Granberg (célesta, harmonica, lithophone), Angharad Davies, Mira Benjamin (violons), Anton Lukoszevieze (violoncelle), Dominic Lash (contrebasse), John Lely (électronique, harmonica, lithophone), Richard Craig (flûte, électronique), Philip Thomas (piano), Simon Allen (dulcimer, verrillon), Dimitra Lazaridou-Chatzigoga (cithare, électronique)
Huddersfield, XI.2017
Another Timbre

Dans le registre minimaliste, hypnotique et ténu, deux belles œuvres. Des œuvres proches du silence, parcourues de bruissements, tramées de notes tenues et répétées et d’agrégats distendus à l’extrême. On est quelque part entre l’École de New York (entre Feldman, en plus consonnant, et Cage) et certains néotonals d’Europe de l’Est (pas très loin de Pärt, mais avec plus d’aspérités dans les textures et de couleurs, et un élément mélodique moins envahissant) - peut-être pas très éloigné non plus de l’Abrahamsen de Schnee (mais en moins tendu et anguleux), m’a-t-il semblé.

Certes, c’est un peu trop planant et gentil (désolé...) pour être totalement ma tasse de thé, mais j’ai quand même apprécié le jeu sur les textures (entre frottements de cordes et d’anches et sons perlés du verillon et du célesta chez Granberg, entre bruissement granulé et circulaire des lithophones et matière striée et linéaire des cordes et des bois chez Frey.)

Pages acoustiques
(2011)

Toru Takemitsu > All in twillight (1988)
N'Guyen Thien Dao > Nam ai (1987)
Thierry Rougier > Matematico no fuba (2000)
Lin-Ni Liao > P.53 (2008)
Philippe Leroux > Histoires anciennes (1987)
Carlos Sandoval > Petenera (2004)

Christelle Séry, guitare


Un disque très frais en prévision des prochaines chaleurs estivales, avec un beau panorama consacré à la musique contemporaine pour guitare.

On n'y trouve pas vraiment de virtuosité ostentatoire, et je dois dire qu'à la première écoute tout ça m'a paru bien austère. Mais à la réécoute j'y découvre toujours de nouvelles subtilités. Et au bout du compte voilà un disque auquel je reviens souvent.

Christelle Séry est la guitariste de l'Ensemble Cairn. Elle collabore aussi avec l'Ensemble Intercontemporain. Je l'ai découvert sur France Musique où elle participe souvent aux émissions d'Anne Montaron. C'est une musicienne sensible et inspirée, avec un beau répertoire consacré à la création contemporaine.

Un élément que j'aime beaucoup dans cet enregistrement, c'est aussi la prise de son faite à l'Ircam. On entend tout : les bruits de souffle, de frottements … Mais sans jamais que ces bruits parasites ne gênent l'écoute. Tout reste parfaitement ordonné. Cela donne une présence à la musicienne assez étonnante, comme si elle jouait juste à côté de nous ...

Spoiler:

J'ai commandé le CD directement via son site internet :

http://www.christellesery.fr/

https://christellesery.bandcamp.com/album/pages-acoustiques

A Failed Entertainment
RZ (2016)

Clara Iannotta (1983 - )
http://claraiannotta.com/

Intent on Resurrection — Spring or Some Such Thing (2014) > Ensemble Intercontemporain & Matthias Pintscher, direction
Limun (2011) > Ensemble Recherche : Melise Mellinger, violon & Barbara Maurer, alto
D'après (2012) > Talea Ensemble
Àphones (2011) > Orchestre des élèves du Conservatoire National Supérieur de Paris & Tito Ceccherini, direction
A Failed Entertainment (2013) > Quatuor Diotima
Al di là del bianco (2009) > Ensemble Garage
The people here go mad. They blame the wind. (2013-2014) > Trio Catch

lulu a écrit:

Je l’attendais depuis un moment, le voilà pour mon anniversaire ! Premier cd de Clara Iannotta (1983), qui vient de sortir chez RZ. Je connaissais déjà plusieurs de ces œuvres, et même de ces enregistrements, mais c’est une très bonne nouvelle (maintenant, j’attends quelques cd de Filidei, qui a dix ans de plus !). Sa musique est très largement bruitiste, très poétique aussi, et très belle. Tout en harmoniques, en bruissements, résonances campanaires, boites à musique, il y a quelque chose d’enfantin, bribes de souvenirs sourdant du silence et miroitant comme des poussières sous une lumière hivernale.

C'est amusant, pour ma part cette musique m'évoque plutôt l'été. J'aurais parlé du miroitement de vaguelettes sous une lumière estivale …
Mais sinon on est bien d'accord. J'aime vraiment beaucoup cette compositrice.

Et attention quand lulu parle de musique bruitiste, il ne faut surtout pas comprendre "musique bruyante".
Là il s'agit plutôt de musique concrète instrumentale. La filiation avec Helmut Lachenmann est assez évidente, mais le propos différent : c'est un peu le jour et la nuit, littéralement.

Je recommande aussi chaudement la pièce "Trois sur Cinq" par le trio KDM enregistrée pour l'émission Alla Breve sur France Musique :
https://www.francemusique.fr/emissions/alla-breve-l-integrale/trois-sur-cinq-de-clara-iannotta-diffusion-integrale-22903

Clara Iannotta en compagnie du professeur Ivan Fedele :

En parlant de Clara Iannotta, ça me fait penser à Claire-Mélanie Sinnhuber :

http://www.clairemelaniesinnhuber.com/

Quelqu'un connaît ?
Le peu que j'ai entendu d'elle a bien retenu mon attention ...

https://www.francemusique.fr/emissions/alla-breve-l-integrale/cinq-jours-de-paul-klee-de-claire-melanie-sinnhuber-diffusion-integrale-26415

Si vous avez une idée pour trouver des enregistrements de ses oeuvres, ça m'intéresse beaucoup.
Merci d'avance.

docteur mabuse a écrit:

Si vous avez une idée pour trouver des enregistrements de ses oeuvres, ça m'intéresse beaucoup.
Merci d'avance.

pas beaucoup, mais on trouve sur youtube l’enregistrement d’un concert Suisse/Iran consacré à des œuvres de :
Ashkan Behzadi
Katharina Rosenberger
Jean-Luc Darbellay
Alireza Farhang
Claire-Mélanie Sinnhuber
Anahita Abbasi

personnellement c’est tout ce que j’ai écouté d’elle.

In Between
col legno (2014)

Georges Aperghis (1945-) > Trio (1996)
Beat Furrer (1954-) > Aer (1991)
Younghi Pagh-Paan (1945-) > Silbersaiten II (2010)
Franco Donatoni (1927-2000) > Elly (1998) > Cerocchi 70 (1998)
Morton Feldman (1926-1987) > Three clarinets, cello and piano*
Marton Illés (1975-) > Rajzok III (2013)
John Bull (1562-1628) / transcription Marton Illés > In Nomine VI
Mark Andre (1964-) > ...als... I (2001)

Trio Catch :
Sun-Young Nam, piano
Eva Boesch, violoncelle
Boglárka Pecze, clarinette
http://www.triocatch.com/
*Sabine Meyer et Reiner Wehle, clarinettes

Un cd que j'ai acheté après le concert le week-end dernier.
Si aucune pièce ne m'enthousiasme vraiment, l'ensemble forme une sorte de patchwork qui s'écoute bien. Il faut dire que les morceaux ne durent pas trop longtemps.
Si Aperghis m'y déplait moins qu'à l'accoutumé, je suis toujours aussi dubitatif concernant Mark Andre. J'entends une musique prétentieuse, sans beaucoup d'idées, et de plus formellement assez pauvre. La comparaison avec son maître Helmut Lachenmann est d'autant plus cruelle pour lui.
A choisir je préfère la synthèse un peu fourre-tout, entre musiques savantes et free-jazz, de Marton Illés. Au moins là on s'amuse.
Beat Furrer, lui, il était bien perché à l'époque. C'est déroutant. Je ne sais vraiment pas quoi en penser.

En ce qui concerne les interprètes, pas de réserve : c'est du haut-niveau. Mention spéciale à la clarinettiste Boglárka Pecze. Joué comme ça, l'étendue des possibilités offertes par l'instrument paraît infinie.
Je trouve l'équilibre entre le piano, le violoncelle et la clarinette assez idéal. Il est surprenant que le répertoire pour ce type de formation soit si restreint. Heureusement le Trio Catch sont en train de remédier au problème en passant à tour de bras des commandes aux compositeurs.
https://www.triocatch.com/en/repertoire.html

De la musique coul !



SRNKA / FILIDEI / LAZKANO
Printemps des Arts de Monte-Carlo (2018)
https://www.uvmdistribution.com/musique-contemporaine/5006-srnka-filidei-lazkano-3-creations-label-printemps-des-arts-de-monte-carlo-ean-3770005867089-annee-edition-2018-genre-classique-f-3770005867089

Miroslav Srnka (1975-) > Move 03 (2016)
Francesco Filidei (1973-) > Sull'essere angeli (2016-2017)*
Ramon Lazkano (1968-) > Hondar (2016)

Orchestre philharmonique de Monte-Carlo
Pierre-André Valade, direction
*Mario caroli, flûte

Trois oeuvres créées le 2 avril 2017 à Monaco dans le cadre du Festival du Printemps des Arts de Monte-Carlo.

Je n'attendais rien de spécial de ce disque … Et ça a été une excellente surprise. Je l'ai beaucoup écouté cette semaine.
Srnka et Filidei font preuve d'inventivité pour utiliser les possibilités offertes par le grand orchestre. On ne se retrouve ni dans du néo-symphonisme, ni dans une forme de déconstruction de la chose orchestrale avec les musiciens qui jouent chacun à tour de rôle.

Miroslav Srnka propose une musique colorée et pulsée. « Move 03 » me fait bizarrement penser à ces récits qui sont racontés à l'envers : on commence par la fin pour finir au début. C'est un peu le même sentiment d'expectative que me procure cette pièce. Les effets de syncope rappellent les anciennes musiques électroacoustiques avec les bandes magnétiques qui étaient bricolées. Si la pièce est incontestablement virtuose, elle garde une belle force poétique par le soin apporté aux détails de l'oeuvre qui sont alors comme des moments suspendus, qui apparaissent pour aussitôt se faire happer dans le flux de la musique. Il est réjouissant d'entendre ce "fatras" sonore se (dé)structurer dans un même élan. C'est même saisissant.

Avec Francesco Filidei tout rentre dans l'ordre si j'ose dire : « Sull'essere angeli » (littéralement « à propos de l'état d'être un ange ») est un vaste crescendo de 27 minutes pour flûte et orchestre. Si avec le temps le compositeur semble moins radical qu'à ses débuts, il reste encore bien du côté de l'avant-garde. Les expérimentations sonores et les modes de jeu étendus sont je crois simplement plus intégrées au discours musical.
La charge émotionnelle et la sensation de mystère captivent. Filidei indique s'être inspiré du travail de la photographe américaine Francesca Woodman. Cela donne une excellente perspective à l'oeuvre : on y reconnaît ce contraste étrange entre un grand onirisme et des signes de désuétude, d'abandon.
Si le titre de l'oeuvre peut faire penser à Alban Berg, c'est en fait du côté de Maurice Ravel qu'il faut chercher un modèle. La référence à Daphnis et Chloé est d'ailleurs explicite ("Lever du jour"). Les textures y sont particulièrement subtiles et transparentes. L'orchestration raffinée. Cela rend même la pièce difficile à saisir : que se passe t-il ? qu'entend t-on ? Ma perception de l'oeuvre change à chaque écoute. C'est vraiment une grande réussite.

A la fin du disque, il faut bien dire que « Hondar » de Ramon Lazkano souffre de la comparaison avec ce qui précède, mais ça s'écoute néanmoins sans déplaisir … Cela permet de remettre les pieds sur terre.


La notice dans le disque par Corinne Schneider est très instructive.

Un disque publié récemment. Ce n'est pas tellement à proprement parlé de la musique du XXIᵉ siècle.
Mais tant pis … Comme lulu continue de bouder, elle ne pourra pas me réprimander.



Farandoles de Bribes...
MPS - Merci Pour les Sons (2018)

Jean-Marc Singier (1954-)
Accents dessus, dessous... du flux, du flou..., des axes (2004) pour piano et percussions *
Farandoles de bribes, en ribambelles (1997) pour clarinette basse, cor, violoncelle, percussion, piano
Triés, pétris, pêle-mêle... (1999) pour piano solo
Appendices (1983) pour flûtes et violoncelle
Fragments distincts, fouillis d'instants (2000) pour piano solo
Elans, saccades, et biais du flux (1995) pour piano solo
Rouages d'oeillades, voire… (1985, révision 1997) pour flûte alto, clarinette basse, percussion, guitare, harpe, alto et contrebasse

Ensemble FA
Dominique My, piano et direction
* Florent Jodelet, percussion & Marie-Josèphe Jude, piano

Musique très ludique et sympathique. Le compositeur n'a sûrement pas la prétention d'écrire des chef-d'oeuvres, mais ça n'empêche pas un travail soigné et intelligent. Je renvoie au petit texte de présentation par Gérard Pesson qui est très bien : Singier ne se refuse aucune couleur, aucun matériau, mais, quand il les choisit et les ramasse, il se les approprie et les ajuste à son trait à la fois ironique, sec et bienveillant, comme faisait son maître tutélaire : Stravinsky. Il y a du bricoleur, du Tinguely chez Singier. On l'imagine volontiers errer la nuit dans la grande brocante de la musique pour prendre quelques éclats à incorporer dans on ébénisterie joviale. Sa musique, préservée de toute pesanteur, de tout dogmatisme, scintille de sens préexistants - art truculent de la «récup» (ce n'est pas pour rien qu'il dit son admiration pour Arcimboldo) qui trahit un goût évident pour les tours de passe-passe.
→ https://www.uvmdistribution.com/musique-contemporaine/4685-singier-jean-marc-farandoles-de-bribes-label-merci-pour-les-sons-ean-3770007786005-annee-edition-2017-genre-classique-format-cd--3770007786005.html?search_query=singier&results=1

Je recommanderais bien ça à de jeunes mélomanes.
Ou alors à d'autres encore effrayés par la musique contemporaine.
(Bien que personnellement, dans ce cas, je serais plutôt partisan de soigner le mal par le mal en faisant écouter à juste dose des oeuvres vraiment radicales … Mais n'ayant pas de prétention pédagogique je préfère ne rien dire)


Les polyglottes trouveront aussi la notice en japonais.

MAHNKOPF EDITION 4
Hommage à György Kurtág
NEOS (2013)

Claus-steffen Mahnkopf (1962-)
Hommage à György Kurtág (2000-2001) pour guitare et orchestre de chambre
Kurtág-Duo (2000) pour deux guitares

œnm . österreichisches ensemble für neue musik
Johannes Kalitzke, direction
Jürgen Ruck et Elena Càsoli, guitare


Une pièce en "hommage à György Kurtág" qui dure un peu plus d'une heure, c'est plutôt cocasse. Mahnkopf explique qu'il admire particulièrement le concerto pour guitare « Grabstein für Stephan », créé justement par Jürgen Ruck.
Ici, je dirais qu'on a une oeuvre très cinématographique. Les amateurs de cinéma "art & essai" alla Gus van Sant, Jim Jarmusch, Claire Denis … devraient y trouver leur compte. Avec le son de la guitare, c'est le film « Paris-Texas » de Wim wenders qui me vient en particulier à l'esprit. Une belle errance énigmatique où chaque chose mène à une autre. Tout y est parfaitement soigné et construit.

Le Kurtág-Duo est une sorte de coda d'une douzaine de minutes pour bien conclure le tout.


Je vais, sans faute, aller chercher d'autres oeuvres du compositeur.

Claus-steffen Mahnkopf est aussi un brillant théoricien. Pour la notice il n'a pas de scrupule à employer tout un jargon propre à la "musique contemporaine" … Mais ça reste néanmoins intéressant.

Merci pour ta contribution, j’aime beaucoup ce disque. Ce compositeur aussi d’ailleurs, je dois même dire que j’ai déjà songé à ouvrir un sujet sur lui sur ce forum. En découvrant ce disque, j’avais été frappée par l’évidence d’une œuvre d’une telle complexité et d’une telle longueur. Ce sentiment d’évidence c’est quelque chose que je retrouve avec la plupart des œuvres de Mahnkopf. Tout est d’une complexité inouïe mais semble aller de soi comme si ça devait être ainsi et n’avait pas de raison d’être autrement. Fascinée par son écriture rythmique notamment.
En fait, si je devais être mauvaise langue, je dirais que l’intelligibilité vient en bonne partie d’éléments qui sont pour ainsi dire en-deçà de la complexité du discours. En fait ça fait bien longtemps en musique moderne qu’on s’est mis à placer çà et là des éléments très simples comme autant de balises... vous savez, ce sont les notes répétées, les trilles, ou tels harmoniques, etc., ou bien on joue des notes à toute vitesse, ou au contraire très lentement, etc. Rien de vraiment nouveau en fait, on ne fait pas autre chose quand dans la musique classique on commence un thème de fugue par une note redoublée, ou qu’on l’achève par une trille, etc. Il y a des choses équivalentes chez Mahnkopf. Une chose aussi, c’est cette façon de repasser plusieurs fois sur les mêmes notes, technique bien connue dans la tradition postsérielle et qui donne de la cohérence.
Dans le cas particulier des œuvres présentées ici, il s’agit surtout de contrastes marqués à l’extrême. Dans Kurtág-Duo, les deux guitaristes, qui ne jouent jamais en même temps, interprètent chacun un personnage très différent. La première guitare a une scordatura très particulière où les six cordes font entendre six notes très proches les unes des autres, elle joue lentement, pianissimo, fait frotter ses sixièmes et huitièmes de ton. À l’inverse la seconde est en quarts de ton mais joue des choses beaucoup plus éclatées, violentes, des chocs brusques etc. Hommage à György Kurtág double le dispositif puisque s’ajoute une alternance entre l’orchestre et le guitariste, ce qui je suppose laisse le temps à ce dernier de changer de guitare puisqu’il est désormais seul à prendre tour à tour les deux rôles. Du côté de l’orchestre on retrouvera le même genre de contrastes très marqués (qui sont aussi des contrastes de timbres).
Ensuite ce qu’il faut dire aussi c’est que depuis les années 2000 environ la musique de Mahnkopf devient de plus en plus sinon figurative au moins « à programme ». C’est ce dont tu parles je crois avec cette comparaison avec le cinéma, que je trouve très pertinente. C’est sans doute aussi parce qu’elle s’est fortement diversifiée depuis les années 80... on y trouve désormais des textures et climats qu’on n’attend pas a priori d’une musique « complexiste », formaliste à l’extrême etc. Je trouve que Mahnkopf a su élargir considérablement le spectre de ces paradigmes là, y compris jusque des choses qu’on pensait « non quantifiable ». Il n’est pas d’ailleurs anodin que parmi la série d’hommage, on trouve Klaus Huber, et donc György Kurtág.

Si ce Mahnkopf là te plait je te conseille vivement le récent Hommage à Daniel Liebeskind (pour sextuor, 2002–2012) dont NEOS a publié un enregistrement studio.

Ca fait plaisir de te lire lulu, merci !
Je prends bien note de tes recommandations.
...


Sinon j'ai réécouté ça cette semaine :


UMBRAE
Bôłt records (2016)

Andrzej Kwieciński (1984-)
Umbrae (2004) pour quintette à cordes*
Luci nella notte V (2014) pour quatre quatuors à cordes
Contregambilles (2014) pour quatuor à cordes
mural (2008-2010) pour quintette à cordes*

Royal String Quartet
*Tomasz Januchta, contrebasse

Andrzej Kwieciński est un jeune compositeur polonais très prometteur, installé au Pays-Bas depuis 2005. Sa musique est tendue et habitée. Je retiens en particulier Gérard Grisey et Helmut Lachenmann parmis ses influences.
Il a travaillé par ailleurs dans le domaine de la musique baroque en tant que contre-ténor.
Kwieciński emploie souvent ici des formes et des mélodies empruntées à des compositeurs tels que Rameau, Gesualdo, Buxtehude … Des bribes en apparaissent plus ou moins en filigrane.

Pour découvrir ce compositeur je recommande d'écouter « super [P|PE(s)] demo » diffusé dans l'émission Alla Breve. C'est une sorte de fantaisie imaginée à partir de la musique du jeu vidéo « Super Mario Bros. » :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/alla-breve-l-integrale/super-p-pe-s-demo-pour-violon-solo-et-dix-musiciens-de-andrzej-kwiecinski-diffusion-integrale-et-portrait-34947
Je ne suis pas sûr que cela soit représentatif de son travail, mais on y entend bien son savoir-faire et son imagination.
C'est coul.

→ https://andrzejkwiecinski.wordpress.com/

→ http://www.clicmusique.com/andrzej-kwiecinski-umbrae-portrait-compositeur-januchta-royal-string-quartet-p-98098.html

Un petit label anglais dédié à la musique contemporaine vient d'être fondé : « All That Dust » .
Il propose des choses intéressantes de Nono, Babbitt, Feldman …
Je vais leur commander le CD « Inconnaissance » de Séverine Ballon. C'est une excellente musicienne.

Et quelqu'un connaît Matthew Shlomowitz ? Quand j'ai écouté l'extrait je suis tombé ma chaise ...

→ https://allthatdust.com/releases/

KAIROS (2003)

Misato Mochizuki [望月京] (1969-)
Si bleu, si calme (1997) pour ensemble
All that is including me (1996) pour flûte basse, clarinette et violon
Chimera (2000) pour ensemble
Intermezzi I (1998) pour flûte et piano
La chambre claire (1998) pour ensemble

Klangforum Wien
dirigé par Johannes Kalitzke
Eva Furrer (flûte basse, flûte), Bernhard Zachhuber (clarinette), Sophie Schafleitner (violon), Marino Formenti (piano)
à Vienne, en août 2001 et février 2002.

Benedictus en playlist (118) a écrit:

Une musique très séduisante, et très «française» (dans le sens de Murail ou du dernier Boulez). Des sonorités instrumentales très claires et un beau travail sur les textures, mais sans que ça tourne jamais aux jolis aplats coloristes planants qui sont un peu le péché mignon des compositeurs japonais (Hosokawa, Fujikura): il y a toujours quelque chose de très mobile et de très vif, les progressions sont très articulées et les persistances rythmiques assez nettes, et la dissonance n’y est jamais atténuée.

lulu a écrit:

je n’avais pas beaucoup aimé ce cd (ni d’autres choses d’elle)... je réessaierai peut-être.

Benedictus a écrit:

Pas sûr que des réécoutes y changeraient grand-chose: je crois qu'il faut un minimum d'affinités avec l'univers ravélo-debussyste pour aimer cette musique.

→ http://www.clicmusique.com/mochizuki-oeuvres-instrumentales-p-1447.html

Ce qu'a écrit Benedictus correspond plutôt bien à cet autre disque que j'ai écouté :



Etheric Blueprint
NEOS (2014)

Gagaku, d'avant le Xᵉ siècle :
Banshikicho no choshi - "l'hiver, l'eau, le nord et le noir"
Sojo no choshi - "le printemps, le bois, l'est et le bleu"
interprétées au shô par Mayumi Miyata

Misato Mochizuki [望月京] (1969-)
Etheric Blueprint Trilogy :
4D (2003) pour 9 musiciens
Wise Water (2002) pour 9 musiciens et instruments à eau
Etheric Blueprint (2005-2006) pour 9 musiciens et électronique*

mdi ensemble
dirigé par Yoichi Sugiyama
Sonia Formenti (flûtes), Paolo Casiraghi (clarinettes), Francesco Mazzoleni (trombone), Nahom Kuya & Thierry Miroglio (percussions), Luca Ieracitano (piano), Paolo Fumagalli (alto), Giorgio Casati (violoncelle), Nicola Barbieri (contrebasse)
*Christophe Mazella, électronique

Misato Mochizuki vit au Japon. Elle a étudié quelques années à Paris, au CNSM et à l'IRCAM avec Tristan Murail.
Mais ici son esthétique ne me semble pas franchement caractérisée, pas plus "française" qu'autre chose. Si ce n'était pas péjoratif je dirais ça fait "international". Mais sa démarche me semble bien assumée alors ça ne me gêne pas. Je préfère ça à de mauvaises caricatures. Elle a tout de même un solide métier, fait de jolies trouvailles, et je prends du plaisir à écouter sa musique.

La notice par la compositrice est aussi très suggestive. Elle n'y parle presque pas de musique.

Un portrait de Misato Mochizuki par le photographe Philippe Gontier :

On peut encore écouter la création de son quatuor à cordes « Brains » par les Diotima :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/le-concert-du-soir/en-direct-du-festival-presences-le-quatuor-diotima-le-clarinettiste-kari-krikku-et-la-pianiste-tuija-hakkila-31811
(entre la 27ᵉ et la 37ᵉ minute sur le lecteur)

→ http://fr.misato-mochizuki.com/

Après lulu et docteur mabuse, j’ai donc écouté:


• Claus-Steffen MAHNKOPF: Hommage à György Kurtág (2000-01) pour guitare et orchestre de chambre
Jürgen Ruck (guitare), Johannes Kalitzke / œnm . österreichisches ensemble für neue musik
En public, Salzbourg, VIII.2003
Neos

Peu de chose à rajouter à ceci:

docteur mabuse a écrit:

Ici, je dirais qu'on a une oeuvre très cinématographique. [...] Une belle errance énigmatique où chaque chose mène à une autre. Tout y est parfaitement soigné et construit.

lulu a écrit:

Du côté de l’orchestre on retrouvera le même genre de contrastes très marqués (qui sont aussi des contrastes de timbres).
Ensuite ce qu’il faut dire aussi c’est que depuis les années 2000 environ la musique de Mahnkopf devient de plus en plus sinon figurative au moins « à programme ». C’est ce dont tu parles je crois avec cette comparaison avec le cinéma, que je trouve très pertinente. C’est sans doute aussi parce qu’elle s’est fortement diversifiée depuis les années 80... on y trouve désormais des textures et climats qu’on n’attend pas a priori d’une musique « complexiste », formaliste à l’extrême etc.

Si ce n’est tout de même pour nuancer l’idée de docteur mabuse selon laquelle «chaque chose mène à une autre.» Il me semble que ces «passages» d’une moment à un autre prennent tantôt la forme (du moins dans le premier tiers de l’œuvre) d’une espèce de flottement, d’affaissement brusque de l’énergie cinétique: en même temps ralentissement du rythme, affaiblissement des contrastes de dynamique et dissolution de la tension harmonique (ce qui peut en effet correspondre à ces plans fixes qui se «vident» de leurs éléments narratifs et même figuratifs chez Wenders ou chez Antonioni) - mais que je n’ai pas trop aimés; tantôt (et plutôt dans le deuxième tiers) par des sortes de bifurcations brusques soit dans la perspective sonore des textures (ici, je pense plutôt aux effets de focale dans Deserto rosso) soit par des contrastes de timbres inattendus (plutôt comme des plans de coupe non fonctionnels comme chez Godard) - et là, j’ai trouvé cela totalement magnifique.

D’une manière générale, l’œuvre brasse un matériau probablement trop hétérogène sur une trop longue durée pour que je puisse y adhérer de manière constante - mais il y a dans certains tuilages de contrastes timbraux (en particulier entre les sons de guitare, presque luthés, et les agrégats de l’harmonie aux couleurs très contrastés) quelque chose de très, très prenant. Malgré donc une adhésion en dents de scie, j’ai vraiment été sensible à la matérialité de cette musique et à l’intelligibilité de son architecture «erratique» (alors que jusqu’ici, j’étais resté un peu extérieur à ce que j’avais entendu de Mahnkopf - en fait, le seul disque Void lui aussi chez Neos; que du coup je vais peut-être retenter.)

-

Bruno Luong a écrit:

docteur mabuse a écrit:

Bruno Luong a écrit:

Aaron Jay Kernis (1960-) concerto pour violon
James Newton Howard (1951-) concerto pour violon
Bramwell Tovey (1953-) Stream of Timelight

James Ehnes
Ludovic Morlot
OS de Seattle

J'aime beaucoup James Ehnes. Si tu pouvais dire un mot du disque, ce serait très bienvenu Bruno.

Bonjour doc,

Je n'ai pas beaucoup de commentaires sur James Ehnes qui est irréprochable je trouve. Il y a quelques passages vraiment pierreux et on le sent négocié de manière brio, comme par exemple l’ouverture du concerto de Kernis avec une série de double-cordes.

Dans mes écoutes je me concentre plutôt sur l'œuvre et parmi les deux concertos, celui de Kernis sorte nettement en tête. Son concerto est très classique dans la forme en 3 mouvements, le 1er est long est à lui tout seul domine l'œuvre (comme ceux de LvB, Brahms). C'est de l'harmonie assez classique mais qui fait le tour du genre 20e siècle, c’est un patchwork à un moment je me disais, c’est qu’il regarde vers Bartok, puis ça dérive vers du Walton, puis du Szymanowski, et ça bascule vers Adams ; puis Berg … et assez chahuté. Le 2e mouvement commence comme un mouvement lent mais bascule encore rapidement dans une atmosphère oppressante. Quelques moments spéciaux de traitement percussions violon assez délicieux, et puis il glisse à quelques endroits un peu du Jazz. Bref un œuvre très riche. J’ai dû mal à dire si j’aime ou non, mais ce que je peux dire c’est que j’arrête pas d’explorer depuis quelques jours et je compte bien acquérir le CD pour ce concerto.
Le concerto de Howard est très cinématique du genre Copland. Ehnes encore une fois est irréprochable mais j’avoue l’œuvre me parle moins je n’écoute qu’une seule fois.
Pour moi ce disque est l’un des grands disques violon de cette année, par le répertoire avec un grand archet.
Donc oui, je pense que tu devrais jeter un œil là dessus.

Merci Bruno. J'apprécie toujours tes commentaires !
Je me procurerai le disque dès que possible.

Ah, je ne traine pas souvent dans cette section du forum. Je suis souvent focus sur les concerts ! Mais c'est l'endroit parfait pour vous parler de Florent Nagel compositeur et pianiste qui vient de sortir un disque intitulé Livre pour piano.



J'ai beaucoup aimé ce disque. Contrairement à ce que la jaquette montre, cette musique bouge beaucoup !

Je vous invite à lire mon entretien avec le compositeur sur mon blog, voici le lien: http://andika.fr/2018/09/florent-nagel-la-vraie-musique-ne-s-ecrit-pas.html

• David Philip HEFTI: Gegenklang (2010), concerto pour violoncelle et orchestre (a). Klangbogen (2009), musique pour orchestre (b)
Thomas Grossenbacher (violoncelle), David Zinman / Tonhalle Orchester Zurich (a). Michael Sanderling / Luzerner Sinfonieorchester (b)
Zürich (a), Lucerne (b), III.2011
Neos

Vraiment du tout-à-fait-pour-moi, comme l’avait laissé entendre lulu: on est en effet quelque part entre Rihm et Holliger.

De Rihm (dont il a été l’élève) et dont il conserve le langage le plus avant-gardiste, Hefti a manifestement gardé le sens du geste discursif hyper-expressif qui permet d’articuler de l’hétérogène (qu’il s’agisse des strates orchestrales orchestrales, des modes de jeu du violoncelle solo dans Gegenklang, des séquences rythmiques, des ruptures dans l’énonciation…) - ainsi que quelques textures instrumentales assez typiques (les cuivres en sourdine, les traits aux anches, les percussions boisées, certains traits des cordes graves…) auxquelles il semble superposer des couleurs plus «françaises» (certaines irisations de cordes, l’usage pointilliste des percussions métalliques.) En revanche, à la différence de Rihm (et en cela beaucoup plus proche de Holliger), Hefti évite les longues séquences pulsés et les grands tutti éruptifs leur préfère des tuilages de climats plus «chambristes» et ténus. De la très, très belle musique contemporaine, au langage sans concession mais qu’un art très poétique de l’écriture instrumentale et une grande richesse de moyens expressifs rend très immédiatement prenant.

Je vais essayer les œuvres de musique de chambre qui figurent sur ce disque.

En Playlist, Benedictus a écrit:

• Jérôme COMBIER: Respirer l’ombre (2005) pour flûte, clarinette, guitare, percussions, piano, alto et violoncelle
Guillaume Bourgogne / Ensemble Cairn
Paris, II & III.2007
æon
Une découverte. En dialogue avec l’installation de Penone, une brève mais très belle œuvre contemporaine, qui exalte la matérialité bruissante des vents et des cordes (c’est une musique de textures et de gestes: frottements, souffles…), tantôt très incarnée (la prégnance rythmique presque jazzy de la section centrale) tantôt au contraire en suspension, proche du silence.

Je vais tâcher d'écouter assez vite la totalité de ce disque, l'autre monographie æon (Gone), et celle parue chez Motus (Pays de vent) que lulu semblait avoir beaucoup aimée.

Drôle de coïncidence ! J'avais justement prévu de dire un mot de ce disque de Jérôme Combier que j'ai écouté cette semaine.
J'ai beaucoup aimé moi aussi. Les influences sont assez hétérogènes mais le tout se tient très bien. Je trouvais que la photo sur la pochette illustrait bien la musique : quelque chose d'un peu nocturne, bleuté, plutôt sensuel, mystérieux, presque abstrait.

Pour information, Jérôme Combier sera l'invité d'Arnaud Merlin mercredi soir prochain après la diffusion de Bérénice de Michael Jarrell :
→ https://www.francemusique.fr/emissions/le-concert-du-soir/berenice-de-michael-jarrell-67044

(Je mets souvent des liens pour francemusique.fr, alors je précise juste à d'éventuels mauvais esprits que je n'ai aucune action chez eux et que je n'y connais personne. Je ne suis qu'un simple auditeur de la station.)

• Jérôme COMBIER: Vies silencieuses
Ensemble Cairn / Guillaume Bourgogne
Paris, II & III.2007
æon

L’écoute de l’intégralité du cycle confirme mon excellente impression de Respirer l’ombre - et je suis bien d’accord avec la description de docteur mabuse.

En effet, une musique qui pourrait sembler assez hétérogène dans les matériaux et les langages qu’elle convoque (on se rapproche parfois d’atmosphères relevant d’un free jazz exigeant mais intimiste - je pense à Afternoon of a Georgia Faun de Marion Brown - mais aussi bien à la «musique concrète instrumentale» de Lachenmann ou aux miniatures de Kurtág, ou à de pures études électroacoustiques) mais qui parvient en fait à les faire tenir ensemble dans des formes brèves et surtout dans une sorte d’unité poétique. On entend ici, malgré son caractère évasif, un musique qui déploie tout un univers de bruissements, de scintillements et de souffles, de phrases et de couleurs ténues. (Une mention toute particulière pour Essere neve - les textures et les timbres du trio clarinette-guitare-violoncelle sont d’une beauté...)

Sur le site de l'éditeur Gérard Billaudot, il est inscrit sur la page de Guillaume Connesson qu'un CD chez DGG est en préparation avec Les cités de Lovecraft pour orchestre, A kind of Trane pour saxophone et orchestre, et Les horizons perdus pour violon et orchestre, par Timothy McAllister (saxophone), Renaud Capuçon (violon), et le Brussels Philharmonic, sous la direction de Stéphane Denève. Avez-vous des informations à ce sujet ? Je suis vraiment impatient de découvrir le CD, notamment Les cités de Lovecraft... J'aimerai beaucoup entendre en CD Cythère, concerto pour quatre percussionnistes et orchestre que j'ai entendu à Lyon en janvier 2018, d'une très grande fraicheur. Je crois d'ailleurs que Connesson a reçu le prix de la SACEM pour cette oeuvre.

• Brice PAUSET: Neuf Canons (2004-10) pour piano. Sept Canons (2010) pour piano
Nicolas Hodges (piano)
Cologne, VIII.2016
Wergo

lulu avait montré ce disque en dressant un portrait fort pertinent de Pauset (en effet, un compositeur essentiel, je le crois aussi.)

Les Neuf Canons de 2004-10 sont fascinants. La richesse de ce qui se passe dans ces pièces brèves (moins d’une minute et demie chacune) est incroyable: c’est d’une grande virtuosité dans l’accumulation de traits et d’agrégats sonores mais en même temps on a le sentiment que la musique suit une logique rigoureuse (à la fois en termes de construction formelle mais aussi de geste expressif: rien qui sonne moins gratuit que cette musique) - et surtout la façon de jouer sur les modes de résonance fait qu’on a dans chaque pièce l’impression de voir s’ouvrir différents espaces de profondeur. Les Sept Canons de 2010 poursuivent encore ces recherches sur la résonance - mais de manière plus elliptique et évasive: cette fois, on a l’impression que la résonance se déploie à partir de frappes pianistiques laissées en suspens, décalées, incomplètes - comme des phrases inachevées dont l’écho apporterait comme d’hypothétiques résolutions.

Vraiment du très grand art - avec cette évidente dimension à la fois «matérialiste» et spéculative où l’on sent bien en Pauset un héritier des certaines préoccupations des compositeurs de la renaissance, du Bach de L’Art de la fugue ou de Webern. Je vais écouter les deux autres cycles un peu antérieurs, ainsi qu’à Perspectivæ Sintagma I (avec électronique.)

(Je serais aussi curieux de savoir ce qu’en pense Emeryck…)

Oh, ça fait bien dix ans que je n'ai pas écouté du Pauset (et j'aime bien).

Le format court et fugué me tente assez !

Ah oui, je te le conseille, ça pourrait vraiment te plaire!

Si ça se trouve en flux, je l'essaierai demain midi.

Benedictus a écrit:

• Brice PAUSET: Neuf Canons (2004-10) pour piano. Sept Canons (2010) pour piano
Nicolas Hodges (piano)
Cologne, VIII.2016
Wergo

lulu avait montré ce disque en dressant un portrait fort pertinent de Pauset (en effet, un compositeur essentiel, je le crois aussi.)

Les Neuf Canons de 2004-10 sont fascinants. La richesse de ce qui se passe dans ces pièces brèves (moins d’une minute et demie chacune) est incroyable: c’est d’une grande virtuosité dans l’accumulation de traits et d’agrégats sonores mais en même temps on a le sentiment que la musique suit une logique rigoureuse (à la fois en termes de construction formelle mais aussi de geste expressif: rien qui sonne moins gratuit que cette musique) - et surtout la façon de jouer sur les modes de résonance fait qu’on a dans chaque pièce l’impression de voir s’ouvrir différents espaces de profondeur. Les Sept Canons de 2010 poursuivent encore ces recherches sur la résonance - mais de manière plus elliptique et évasive: cette fois, on a l’impression que la résonance se déploie à partir de frappes pianistiques laissées en suspens, décalées, incomplètes - comme des phrases inachevées dont l’écho apporterait comme d’hypothétiques résolutions.

C'est assez sympa, il y a des sortes de flux-vagues comme dans les Rivers d'Ann Southam, dans des esthétiques absolument pas comparables évidemment.

Pour Perspectivæ Sintagma I, c'est plutôt l'ambiance harmonique qui est chouette.

La limite étant, pour moi, que je n'y capte rien : je ne vois pas trop quelle logique le sous-tend, et même si le résultat diffracté en est joli, j'ai la frustration d'entendre des groupes sonores plus qu'un discours – alors qu'il y a des pièces atonales qui y parviennent plus nettement.

Mais c'est sympa.

Je me plonge dans le dernier Pierluigi Billone chez Kairos. Billone, c’est un compositeur que je connais depuis bizarrement longtemps, ça doit remonter à 2013, j’avais découvert son œuvre pour deux clarinettes basses sur Youtube puis avait emprunté le cd, avant de poursuivre l’exploration. C’est un compositeur auquel je reste très attachée bien qu’il m’arrive fréquemment de rester extérieure à sa musique. J’ai toujours des difficultés à trouver les mots pour la décrire, elle est pourtant très identifiable, sinon quelque onomatopée comme dzoooing. Pour me répéter, laconiquement : « élève de Sciarrino et de Lachenmann, ce qui en dit déjà beaucoup, mais pas assez, car il a un univers sonore très personnel qui ne ressemble en rien à ceux de ses maitres. » Une musique tout en courbes, ondulations et distorsions, qu’on reconnait aussi par ses couleurs spectrales et son traitement particulier du temps.
Une pièce de 80 minutes pour deux guitares électriques (l’on pourra s’amuser à apprécier la distance qui la sépare du Salut de Lachenmann...), il y avait de quoi être effrayée, mais après mon expérience très positive d’une parution précédente — dont j’encourage toujours l’écoute — dédiée à trois œuvres pour guitare électrique seule, une bonne vingtaine de minutes chacune, j’avais de quoi être enthousiaste. Et je n’ai pas été déçue. Je me contenterai de citer le livret : « Le compositeur lui-même est sceptique à propos des explications verbales, et son point de vue que plus une pièce est longue moins elle nécessite d’explication peut sembler à première vue contradictoire, mais n’a en fait rien d’un paradoxe. De même que l’océan ou les montagnes ne demandent pas de justification à leur existence, une longue pièce de musique développe son propre cosmos sonore qui s’abstrait peu à peu du contexte qui demande le raisonnement. » Ah oui j’ai oublié de préciser que la composition de l’œuvre (OM ON) est datée en 2015 ; interprétée ici par Yaron Deutsch et Tom Pauwels en février de cette année.

Pauset, Canons:

DavidLeMarrec a écrit:

La limite étant, pour moi, que je n'y capte rien : je ne vois pas trop quelle logique le sous-tend, et même si le résultat diffracté en est joli, j'ai la frustration d'entendre des groupes sonores plus qu'un discours – alors qu'il y a des pièces atonales qui y parviennent plus nettement.

Ah, au contraire, moi ça m’a donné à l’inverse l’impression d’une musique qui suit des progressions très rigoureuses, pas du tout gratuites (même si c’est à l’oreille: je serais incapable d’expliquer techniquement comment ça marche.)

Billone

lulu a écrit:

Une musique tout en courbes, ondulations et distorsions, qu’on reconnait aussi par ses couleurs spectrales et son traitement particulier du temps.

Ça correspond tout à fait à mon souvenir de 1+1=1 (une œuvre de 70 minutes pour deux clarinettes basses - parfait pour David) - mais j’ai vraiment du mal à y trouver mes repères (comme chez Romitelli, d’ailleurs.)

Sinon,

en Playlist, Benedictus a écrit:

• York HÖLLER: Sphären (2001-06) pour grand orchestre
Semyon Bychkov / WDR Sinfonieorchester Köln
Cologne, IV.2008
Neos
Une œuvre immense! Une musique atonale mais très polarisée, intensément évocatrice et expressive (qui fait souvent penser aux grandes œuvres du premier XXᵉ - des quasi-citations.) Les richesses de textures et de couleurs des spectraux, mais avec quelque chose de très directionnel et «cinétique», et un sens architectural ou sculptural de la forme qui fait qu’on se repère avec aisance dans ce qui ce vaste déploiement.
Je recommande très chaudement.

Effectivement, ça semblait fait pour toi.

*

À peu près au même moment où Greg l’a signalé, j’avais moi aussi essayé ARCHE, mais même pas assez pour avoir le temps de trouver ça de mauvais gout en fait, juste ça m’a soulé au bout de dix minutes, je me suis rendu compte que j’avais pas du tout envie d’écouter une telle œuvre. Donc voilà, désolée de n’avoir rien intéressant à dire dessus.

Par contre j’ai écouté celui-ci :



Polyphone Schatten (Lichtstudie II) pour alto, clarinette et groupes d’orchestre (2001)
La pièce suit globalement une suite de crescendo de plus en plus rapide. Les deux solistes, d’abord un à un puis ensemble, jouent d’abord quelques motifs bruités (tendez l’oreille) qui deviennent peu à peu des gestes de plus en plus vifs et implicitement polyphoniques. L’écriture orchestrale est très variée, dans les moments les plus calmes on entend à peine l’un ou l’autre instrument, une ponctuation ou un bout de contrepoint çà et là, et à l’autre extrême vers la fin de l’œuvre l’orchestre fonctionne de plus en plus par nappes jusqu’à un gigantesque accord spectral, avant que le dernier crescendo prenne la forme d’un grand mouvement ascendant en canon avec là encore un souci harmonique évident. Sinon beaucoup de choses caractéristiques de Widmann (bien qu’on reconnaisse aisément l’influence de Rihm), et sa courte durée (13 minutes) ainsi que sa forme en font une pièce facilement appréhendable.

Drittes Labyrinth pour soprano et groupe d’orchestre (2013/14)
Je n’ai pas réécouté cette œuvre pour écrire ce bref commentaire mais il m’a semble qu’après Zweites Labyrinth qu’on avait entendu à Donaueschingen en 2006, on tient là un des cycles les plus complexes et les moins séducteurs de Widmann.

Benedictus a écrit:

Sinon,

en Playlist, Benedictus a écrit:

• York HÖLLER: Sphären (2001-06) pour grand orchestre
Semyon Bychkov / WDR Sinfonieorchester Köln
Cologne, IV.2008
Neos
Une œuvre immense! Une musique atonale mais très polarisée, intensément évocatrice et expressive (qui fait souvent penser aux grandes œuvres du premier XXᵉ - des quasi-citations.) Les richesses de textures et de couleurs des spectraux, mais avec quelque chose de très directionnel et «cinétique», et un sens architectural ou sculptural de la forme qui fait qu’on se repère avec aisance dans ce qui ce vaste déploiement.
Je recommande très chaudement.

Il y a même une vraie citation de la Jeune fille et la mort de Schubert dans le dernier mouvement.

Sinon je vais dans ton sens, c'est inventif et évocateur, c'est bien fait, je ne trouve pas ça extrêmement marquant à première écoute, je ne sais pas ce que j'en retiendrai, mais c'est vraiment pas mal sinon.
Sinon, "très polarisée", de loin quand même, et les repères, idem… pourtant, on ne se sent pas trop perdu, c'est vrai.

Xavier a écrit:

Sinon, "très polarisée", de loin quand même, et les repères, idem… pourtant, on ne se sent pas trop perdu, c'est vrai.

Ben, par rapport à ce que j'écoute le plus souvent en musique contemporaines, si, c'est très polarisé - et même j'ai eu l'impression de mieux suivre les progressions, les logiques que dans beaucoup d'œuvres de langage disons «tonal très élargi» ou «atonal libre.»

IT
NoMadMusic (2017)

Francesco Filidei (1973-) > Dormo molto amore (2012) version pour chœur de chambre a cappella (2016)
Marco Stroppa (1959-) > Perchè non riusciamo a vederla ? (2008 - rev. 2013) cris, appels et clameurs pour chœur a cappella avec alto*
Luca Francesconi (1956-) > Let Me Bleed (2001) pour triple choeur à 36 parties
Mauro Lanza (1975-) > Ludus de morte regis (2013-2015) pour chœur mixte, objets sonores manipulés par les chanteurs et bande électronique**

Les Cris de Paris
Geoffroy Jourdain, direction
*Christophe Desjardins, alto
**Manuel Poletti, réalisation informatique musicale

C'est bien la première fois que je suis si enthousiasmé par de la musique chorale a cappella ! Je suis complètement séduit par Les Cris de Paris. Outre leur virtuosité et leur engagement, il se dégage une entente chaleureuse des chanteurs. D'ailleurs quand on les voit sur la photo de la pochette, on se dit qu'ils doivent être bien sympathiques.

Quatre compositeurs italiens.
Les œuvres proposées ont pour thématique l'engagement politique et social, ce qui donne une réelle profondeur au projet. Ça change des chants de Noël !

Celles de Filidei et Francesconi sont particulièrement poignantes. Les deux compositeurs nous habituent souvent à des partis-pris esthétiques beaucoup plus forts. Ici on trouve un certain dépouillement, pas franchement caractérisé "musique contemporaine" ou autre chose, ce qui donne un sentiment d'intemporalité. Ils confirment encore le grand bien que je pense d'eux.

Marco Stroppa emploie des éléments beaucoup plus disparates, « des cris de la rue d'un vendeur niçois de 1939 aux clameurs ritualisées des Tomarahô, des jeux de gorge inuits aux appels de chasse des pygmées Aka, des interjections vocales du théâtre nô aux kecak indonésiens ». Le tout se structurent autour d'intermèdes joués à l'alto.
Stroppa : "Le texte est fondé uniquement sur des graffiti italiens contemporains, symboles de protestation et de résistance aux tons multiples, merveilleusement inventifs dans leurs choix acoustiques, l'économie de leurs moyens expressifs, l'intelligence ironique de la critique sociale ou politique qu'ils représentent, résumée en quelques éclairs verbaux d'une indéniable génialité."
Il énumère et explique chacun des slogans dans le livret :

Spoiler:

L’œuvre est très aboutie, et vous imaginez bien, assez réjouissante !

Sur un deuxième CD, on trouve la pièce de Mauro Lanza qui fait une large place à l'électronique. Ça ressemble bizarrement à du Filidei avec les bruitages et les cassures. C'est coul.
Les textes choisis donnent une certaine idée de ce qu'on entend :
- un extrait de l'évangile selon Luc
- un « billet de la folie » de Friedrich Nietzsche
- un extrait de l'Apocolocyntosis, ou Transformation de l'empereur Claude en citrouille, de Sénèque.

Je recommande chaudement le tout.

→ https://nomadmusic.fr/fr/label/it