Le grand topic de l'art du ballet et de la chorégraphie

ScareDe2 a écrit:

Le ballet ca manque de surprise. On sait à quoi s'attendre. C'est toujours gracieux. Et c'est difficile de s'attacher à des personnages chorégraphiques; il n'y aucun lien entre eux et le quotidien de la vie; personne vit en dansant et personne se comporte comme dans une boule à secouer. Ca rejoint difficilement la culture populaire. Je suppose que c'est difficile de développer un ballet sur des thèmes d'actualité comme l'argent, l'avortement ou les problème de sexualité. Bref, ca appartient à une époque révolue, cadrée et répressive.

Superbe troll premium ! Il n'y manque rien, pas même la petite touche pseudo-idéologique finale !

Et ça fait 10 ans qu'il fait ça à chaque message!

Alifie a écrit:

ScareDe2 a écrit:

Le ballet ca manque de surprise. On sait à quoi s'attendre. C'est toujours gracieux. Et c'est difficile de s'attacher à des personnages chorégraphiques; il n'y aucun lien entre eux et le quotidien de la vie; personne vit en dansant et personne se comporte comme dans une boule à secouer. Ca rejoint difficilement la culture populaire. Je suppose que c'est difficile de développer un ballet sur des thèmes d'actualité comme l'argent, l'avortement ou les problème de sexualité. Bref, ca appartient à une époque révolue, cadrée et répressive.

Superbe troll premium ! Il n'y manque rien, pas même la petite touche pseudo-idéologique finale !

Je ne nie pas que ca a une utilité technique pour la danse. J'explique seulement que ce n'est pas ce que les gens désire voir. Les danseurs qui pratiquent un nombre d'heure fou le font pour performer devant un publique. C'est la raison de leurs effort. Si le publique trouve que le ballet c'est ennuyant, c'est que ca l'est. Ce n'est pas un troll c'est un constat. Sinon je trouve ca intéressant le ballet, ca peut inspirer d'une certaine manière. Je ne dis pas qu'il faut ignorer completement ce type de danse.

Ah oui ... là c'est du lourd quand même ...

Superbe en effet!

1 - on ne sait pas vraiment d'où vient ce message? (il résulte d'une lecture?)
2 - si on considère que le ballet n'est pas en phase avec le monde d'aujourd'hui et que donc il ne sert à rien... on peut jeter bon nombre de livres, peintures ou toute autre forme d'art
3 - le ballet peut très bien traiter de sujet en lien avec notre époque!
4 - on peut être totalement marqué par des émotions au ballet ("Le Jeune Homme et la Mort", j'ai été saisi alors que je l'ai vu à la télévision).
5 - ...

Attention je parle spécifiquement du ballet, la danse gracieuse. Pas le ballet au sens large. Toi tu as vu un numéro découpé, édité, poussé par une musique dramatique avec travail d'acteurs et plans soigneusements choisis pour accentuer l'effet. On monte à un autre niveau là. Les moments faible de ce "ballet" surviennent justement quand les personnages dansent. T'as deja vu un type suicidaire danser? Moi pas. L'effet dramatique est saboté, ca ne convient pas du tout. Pour le reste, oui, l'audience comprend l'histoire et c'est touchant, mais certainement pas parce que les personnages font d'amples pirouettes.

"Danse gracieuse", ça veut dire quoi?
Tu as déjà vu de la danse contemporaine?

ScareDe2 a écrit:

T'as deja vu un type suicidaire danser? Moi pas. L'effet dramatique est saboté, ca ne convient pas du tout.

Tu as déjà vu un type suicidaire chanter?
Non? Alors l'opéra c'est tout pourri aussi, hein.

On peut aussi jeter le théâtre je pense.

ScareDe2 a écrit:

Attention je parle spécifiquement du ballet, la danse gracieuse. Pas le ballet au sens large. Toi tu as vu un numéro découpé, édité, poussé par une musique dramatique avec travail d'acteurs et plans soigneusements choisis pour accentuer l'effet. On monte à un autre niveau là. Les moments faible de ce "ballet" surviennent justement quand les personnages dansent. T'as deja vu un type suicidaire danser? Moi pas. L'effet dramatique est saboté, ca ne convient pas du tout. Pour le reste, oui, l'audience comprend l'histoire et c'est touchant, mais certainement pas parce que les personnages font d'amples pirouettes.

Euh... c'est un ballet dans son ensemble et justement, par la danse il décrit sa dérive vers la mort... c'est justement un moyen d'expression magistral.
Et les personnages dansent presque tout le temps...
Et pour être dans ce que tu dois appeler la "Danse gracieuse", Roméo et Juliette de Prokofiev est un grand moment d'émotion quand Roméo apprend la mort de Juliette. Le Onegin de Cranko est particulièrement fort dans le final... Et que dire d'Ivan le Terrible?

Non, le ballet ce n'est pas que des alignements en tutu...

Polyeucte a écrit:

Non, le ballet ce n'est pas que des alignements en tutu...

Ca c'est uniquement quand c'est Mélo qui écoute du ballet.

Cololi a écrit:

Polyeucte a écrit:

Non, le ballet ce n'est pas que des alignements en tutu...

Ca c'est uniquement quand c'est Mélo qui écoute du ballet.

Et encore... même dans Le Lac des Cygnes (que je trouve pourtant assez nunuche par moments ), il y a des scènes vraiment fortes!
Et Raymonda avec cette scènes magistrale dans le camp du méchant...

En fait, faut que je retourne voir des ballets moi!
Casse-Noisette au mois de mars (avec Iolanta) et là je pense qu'on aura pas vraiment de tutus (mise en scène de Tcherniakov! )

Citation :

Attention je parle spécifiquement du ballet, la danse gracieuse. Pas le ballet au sens large.

Mais il existe des ballets de danse contemporaine.

Et les ballets classiques ont parfois été remaniés en profondeur au XXe siècle pour que leur sens fasse écho à l'actualité. C'est le cas des versions de Noureev, par exemple.

L'univers du ballet classique est surtout rigide pour les danseurs professionnels, qui doivent se plier à des contraintes énormes depuis leur petite enfance afin de briller sur scène. Personnellement, je regarde rarement les documentaires sur la vie des danseurs à cause de ça ... Les pauvres petits bouts qui se font martyriser dans les écoles de danse, ça me tue.  

D'un autre côté, la danse est une discipline qui permet de brouiller les codes. On ne l'observe pas forcément sur la scène, et surtout pas dans le ballet classique, où les rôles sont très normés. Mais pour une danseuse, être le sujet d'un corps qu'on connait parfaitement, et acquérir force musculaire et endurance, ça a une incidence dans la vie en société qui n'est pas négligeable. Quand j'étais petite, quoique fluette, je battais tous mes camarades en course d'endurance ... Même les garçons. J'étais plus athlétique qu'eux. Réciproquement, on demande aux danseurs des qualités qu'on exige rarement des garçons dans d'autres disciplines physiques : la grâce, l'élégance, la souplesse. Edit : Enfin si, la souplesse est requise ailleurs, mais pas pour faire des petits bonds et des arabesques.

Bref, lorsqu'elle est pratiquée, je ne crois pas que la danse apparaisse simplement comme l'émanation d'un système passéiste. Je crois qu'en révélant les possibilités du corps de chacun, elle est assez à même de remettre en cause certaines distinctions sociales.

Polyeucte a écrit:

Et encore... même dans Le Lac des Cygnes (que je trouve pourtant assez nunuche par moments Embarassed)

Oui, c'est vrai qu'il est un peu nunuche ... Mais comme toujours, ça dépend comment il est dansé. Le prince, par exemple, est un personnage assez fade si le danseur ne le rend pas attachant. Le passage où il se fait arnaquer peut être poignant, à condition que l'interprète soit touchant. En revanche, Odette est un peu condamnée à la nunucherie ... Dans l'histoire, rien ne lui donne du relief. C'est un être un peu fantasmatique. Noureev a eu le nez fin quand il l'a purement et simplement transformée en rêve. A part agiter les bras, elle ne fait pas grand chose dans le ballet. Ce qui est assez immoral, c'est qu'on s'intéresse bien plus au Cygne noir qui se fait passer pour elle ... Le double est plus fascinant que l'original, parce qu'on peut s'interroger sur la mauvaiseté de ses intentions : est-ce qu'elle est vraiment méchante, ou manipulée par son père ? Jusqu'où pousse-t-elle la séduction et le cynisme ? C'est bête, mais ces questions d'interprétation ne se posent que pour ce personnage-là. (Mais ça ne m'empêche pas de préférer Siegfried )

Edit : En parlant de prince choupi, je recommande la version du Kirov avec Léonide Sarafanov et Alina Somova. La danseuse était très jeune à l'époque, et ça se sent à tous les égards dans l'interprétation. Elle n'a pas trop mûri le rôle, même si elle est très gracieuse. Par contre, Sarafanov est un prince très attachant - précieux atout pour ce ballet.

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Retours sur Bel / Millepied / Robbins à l'opéra de Paris.

Je ne sais pas quoi penser de "Tombe" de Jérôme Bel. Le titre faisait référence au décor de Giselle, et peut-être aussi à une chute (l'impératif du verbe "tomber" : "ô toi, spectateur de l'opéra habitué aux mêmes conventions, tombe!"). Comme l'ont fait remarquer mes voisins, il était plutôt mal venu sachant que le spectacle s'achève sur l'image d'une vieille dame dansant Giselle. Humour noir ? J'allais dire qu'on ne savait pas sur quel pied danser, mais justement, comme une partie du spectacle était assuré par une Giselle unijambiste ... Humour noir, donc. Mais aussi beaucoup d'émotion. J'aurais aimé dire que la mise en abyme était bateau, et que le propos un peu pathétique sur les bords était indécent (notez que je le dis quand même   ). Mais cet hommage à l'amour de la danse était en réalité assez poignant. Je me suis surprise à pleurer pendant la séquence où Benjamin Pech danse avec la vieille dame. Après tout, qu'est-ce que danser en couple ? Le fait de marcher lentement l'un vers l'autre, de se regarder, de se prendre par la main ? Même question pour Albrecht et la danseuse handicapée, dont la grâce faisait oublier qu'il lui manquait quoi que ce soit. Un peu l'idée que la danse exalte le corps comme une totalité, répare et rassemble. C'est toutefois dommage que bien des questions n'aient été qu'effleurées. Un peu l'impression d'avoir vu défiler une succession de vignettes - toutes pertinentes, mais trop courtes pour convaincre, et trop maladroitement agencées.

Changement d'atmosphère avec La nuit s'achève de Millepied. Au début, la chorégraphie très graphique m'a fait penser à un bel exercice de style, sans plus. Mais les remous de l'"Appassionata" de Beethoven, bien servis par Alain Planès, ont apporté un peu d'orage et de passion à cette œuvre qui semblait singulièrement en manquer. L'alchimie était parfaite entre Hervé Moreau (très beau danseur que j'étais heureuse de voir sur scène) et Amandine Albisson. Sae Eun Park s'est révélée impressionnante : peut-être l'artiste la plus touchante de la soirée. Une vraie découverte pour moi. J'espère qu'on lui confiera plein de rôles à l'avenir.   Ida Viikinkoski était piquante et dotée d'une belle énergie. Marc Moreau était un bon partenaire; encore un danseur que j'aimerais voir dans d'autres distributions. Dans l'ensemble, j'ai beaucoup aimé les gestes tendres, enveloppants, que Millepied mettait en scène. Malgré tout, ça restait trop "efficace" à mon goût! Cette pièce lyrique aurait gagné à être ponctuée par davantage de respirations, en particulier dans le premier mouvement. La danse, comme la poésie, c'est aussi le repos, le silence, l'attente ... Oui, j'ai tendance à le répéter beaucoup, mais c'est frustrant de voir les danseurs gesticuler alors qu'ils pourraient juste se regarder. Le fait est que les moments de pause dans les deuxième et troisième mouvements ont apporté une profondeur à cette chorégraphie qu'elle n'avait pas jusqu'alors - l'occasion de penser et de sentir. Mais enfin. C'était quand même un bon moment.

Les variations Goldberg de Robbins ont constitué la troisième partie de ce spectacle. Bon choix que Simone Dinnerstein au piano, même si son jeu m'a semblé un peu linéaire. Côté chorégraphie ... Que dire ? Un pur exercice de style. Le début m'a fait une très belle impression, au point que j'ai caressé l'espoir que le reste du spectacle serait passionnant. Cela ne fut hélas point le cas. C'était intéressant, le principe du thème et des variations. Sympa le côté baroque / hommage aux danses du XVIIe (que j'ai pratiquées et beaucoup aimées dans ma jeunesse). Mais c'est très vite devenu assez plat par excès de formalisme. On aurait dit le spectacle de fin d'année de l'école de danse. Cela dit, ça m'a donné l'occasion de voir de beaux danseurs. Valentine Colasante (qui remplaçait Héloïse Bourdon, m'a-t-on dit) a beaucoup de charisme. Son rôle était peut-être sans intérêt, mais elle le dansait à fond. Myriam Ould-Braham était magnifique, comme d'habitude. Joueuse, gracieuse, solaire. Marie-Agnès Gillot n'a eu droit qu'à un pas de deux. Pourtant, elle reste une très belle artiste, profonde et intelligente. Belle Ludmila Pagliero également ! Elle a su souligner avec humour l'aspect ludique de ces variations. La fin de la chorégraphie était assez émouvante. Retour des danseurs du thème, en simples justaucorps. Clin d'oeil aux bases de la danse. Eh oui, un ballet classique, ça n'est qu'une variation sur tous ces mouvements que l'on répète constamment dans les cours. Subtil aussi d'avoir suggéré que la danse moderne était une variation à partir d'une longue tradition. Entre le début (XVIIe) et la fin (XXe), pas de panorama historique, mais l'idée d'une continuité toujours perceptible entre aujourd'hui et autrefois.

En bref, une belle soirée. Je n'ai peut-être pas vu des chefs-d’œuvre, mais c'était une programmation intéressante, avec de beaux artistes. Les réactions du publics ont été contradictoires :  toussotements de mécontentement sur Bel, et nuée de "houhou" pendant les applaudissements; ovation déchaînée pour Millepied. Réunion pas-solennelle des pro et des anti, qui n'étaient parfois qu'une seule personne ? Tous réconciliés dans l'orgie balletomane (tant d'étoiles au programme!) de la troisième partie. Ce public me sidère ...

En bref :

Giselle, OdP 2004 avec Nicolas Le Riche, Aurélie Dupont, Delphine Moussin, Karl Paquette. Très beau spectacle - du couple principal aux seconds rôles, sans oublier le corps de ballet. Le contraste entre l'Albrecht désinvolte et irresponsable de Le Riche, et la Giselle raffinée et intelligente d'Aurélie Dupont est très beau (et ça a tendance à créer un renversement des rôles intéressant entre le noble et celle qui ne l'est pas de naissance). Le pardon accordé à Albrecht n'en est que plus fort. La Giselle d'Aurélie Dupont est toute en finesse : elle reste digne sans manquer de fraîcheur et de naïveté au premier acte. C'est une jeune femme qui fait l'apprentissage de la vie (ok elle est morte ). On assiste à sa transformation sur scène jusqu'au pardon final. Je me dis que peu d'acteurs savent aussi bien faire sentir l'évolution de leurs personnages que Le Riche et Dupont ... Et ce sont en plus des danseurs assez parfaits techniquement. Impressionnant !

Le palais de cristal ou Symphony in C de Balanchine sur la Symphonie en ut de Berlioz. Dansé par le New York City Ballet au début des années 70 (avec Karin von Aroldingen, Jean Pierre Bonnefoux, Allegra Kent, Conrad Ludlow, Sara Leland, John Clifford). J'apprends que le ballet de l'Opéra de Paris danse encore la première version de cette chorégraphie (1947). La mise en scène du NYCB est différente : la première chose qui me frappe, c'est que l'alternance des couleurs a été abandonnée au profit de costumes blancs, donnant à l'ensemble une allure plus épurée. J'ai aussi noté quelques changements dans les parties dansées par les hommes. Quoique pas très fan de Balanchine, j'ai bien aimé cette interprétation très dynamique et musicale. En voyant les danseurs, je me suis dit que Balanchine avait vraiment créé une esthétique à part, qui est visible jusque dans le style imprimé à chaque mouvement. C'est sûrement ce qui a distingué le NYCB d'autres compagnies de façon définitive. Mais à l'origine, à quelle formation européenne Balanchine devait-il son art ...? C'est une sorte de syncrétisme qui a fini par prendre une forme reconnaissable (ce qui est assez représentatif de New York, au fond).

Oriane a écrit:

En bref :

Giselle, OdP 2004 avec Nicolas Le Riche, Aurélie Dupont, Delphine Moussin, Karl Paquette. Très beau spectacle - du couple principal aux seconds rôles, sans oublier le corps de ballet. Le contraste entre l'Albrecht désinvolte et irresponsable de Le Riche, et la Giselle raffinée et intelligente d'Aurélie Dupont est très beau (et ça a tendance à créer un renversement des rôles intéressant entre le noble et celle qui ne l'est pas de naissance). Le pardon accordé à Albrecht n'en est que plus fort. La Giselle d'Aurélie Dupont est toute en finesse : elle reste digne sans manquer de fraîcheur et de naïveté au premier acte. C'est une jeune femme qui fait l'apprentissage de la vie (ok elle est morte ). On assiste à sa transformation sur scène jusqu'au pardon final. Je me dis que peu d'acteurs savent aussi bien faire sentir l'évolution de leurs personnages que Le Riche et Dupont ... Et ce sont en plus des danseurs assez parfaits techniquement. Impressionnant !

Ah ça, Nicolas Le Riche est peut-être le seul danseur qui me faisait me déplacer... je garde de tels souvenirs des prestations que j'ai vu : force et finesse, explosivité et sensibilité...
J'imagine que tu as vu le gala pour son départ... mais Le Jeune Homme et la Mort est totalement grandiose!

Polyeucte a écrit:

Ah ça, Nicolas Le Riche est peut-être le seul danseur qui me faisait me déplacer... je garde de tels souvenirs des prestations que j'ai vu : force et finesse, explosivité et sensibilité...

Je suis bien d'accord. Il est aussi génial dans le classique que dans le contemporain. On peut d'ailleurs en dire autant de son épouse Clairemarie Osta, qui est une danseuse très spirituelle.

Je n'ai malheureusement pas vu le gala pour son départ, mais je l'ai croisé récemment à une conférence avec Clairemarie Osta. J'étais impressionnée par leur simplicité, leur modestie en parlant de leurs expériences de danseurs. Ils étaient aussi très respectueux à l'égard des personnes présentes. La classe !

(J'avoue que c'est ce qui m'a dissuadée de demander un autographe ... J'avais peur que ce soit déplacé!)

En attendant d'aller voir la représentation du 12 avril à Garnier :

Roméo et Juliette de Noureev par Laëtitia Pujol et Mathieu Ganio. Un couple en osmose. Ganio (dont la mère était une grande ballerine) est très princier, pas le genre loubard du tout. Pujol est très touchante. Je commence à m'habituer à la chorégraphie de Noureev, et même à lui trouver des qualités très particulières. Je sais que c'est en contradiction avec ce que j'ai pu en dire encore récemment. Mais force est d'avouer que, pour acrobatique qu'elle soit, elle est méchamment intelligente (et elle tire des larmes). Comme toujours, les supers interprètes, ça aide aussi.

Et diverses autres interprétations du même ballet.

Bon ben la représentation de Roméo et Juliette avec Hugo Marchand et Dorothée Gilbert était fort chouette mardi soir. Hugo Marchand jouait un Roméo un poil moins lisse que celui de Ganio à mon sens. Un peu le même genre rêveur et gentil (ce qui affadit certes le personnage), mais en moins éthéré. J'ai vraiment bien aimé. En plus, c'était un excellent partenaire pour Gilbert, laquelle incarnait une Juliette gracieuse et juvénile. Les seuls défauts venaient de moi : la myopie et la fatigue m'ont empêchée de saisir tous les détails de la représentation.

Sinon, ce spectacle a confirmé mon penchant nouveau pour la chorégraphie de Noureev. Je ne comprends toujours pas pourquoi Juliette bouge les bras comme un moulin à vent à la mort de Tybalt, et j'ai toujours l'impression que Roméo va lui arracher les membres pendant la scène du balcon, mais dans l'ensemble, je trouve l'articulation des différents moments très réussie. Tout est si parfaitement huilé qu'on ne remarque même plus le destin à l’œuvre; et quand il frappe, on en est presque surpris. C'est assez intéressant comme tout s'accélère à partir du deuxième acte : la danse nous fait bien sentir, non seulement que le temps manque aux amants, mais aussi qu'il devient le principal ressort de la tragédie. Noureev a su intégrer toutes les nuances de registres présentes dans la pièce sans que cela nuise à l'harmonie de sa propre création, ce qui est admirable. Après, on reconnait son côté un peu cynique à la toute fin du spectacle, ce qui m'embête toujours.

Le Songe d'une nuit d'été de Balanchine dansé par l'Opéra de Paris est en ligne sur culturebox.
http://culturebox.francetvinfo.fr/opera-classique/opera/l-opera-de-paris/le-songe-d-une-nuit-d-ete-par-le-ballet-de-l-opera-de-paris-253861

Cette production met en valeur la féérie du ballet de Balanchine. Les costumes étincèlent, et toutes les créatures sautillent avec entrain. Les acteurs principaux ont beaucoup de présence en scène, comme des êtres fantomatiques qui se réjouiraient de reprendre chair l'espace d'une nuit, traversant chaque péripétie avec un sérieux amusé (mention spéciale à Fanny Gorse et à Laëtitia Pujol, toutes deux drôles et touchantes dans leurs rôles d'amoureuses éplorées). Balanchine nous fait cadeau de personnages attachants, comme ce Puck sans âge (Emmanuel Thibault, délicieux) qui ressemble à un adulte coincé dans l'enfance.

Quelques éléments font un peu "pièces rapportées" au second acte (très largement décoratif), sans parler de la musique où se mêlent plusieurs oeuvres de Mendelssohn. Mais ce n'est pas comme si ces recompositions bizarres étaient rares dans les ballets classiques, hein. Cf. Le Lac des cygnes.

Bon, ça nous donne l'occasion de voir danser la ravissante Sae Eun Park dans un divertissement dont, par ailleurs, on perçoit assez mal l'intérêt d'un point de vue narratif.

Dans l'ensemble, donc, j'ai beaucoup aimé. L'humour, la joie et la magie qui caractérisent le ballet ont été joliment rendus par les danseurs de l'Opéra de Paris, dont ce ne sont pas forcément les spécialités d'habitude. Certes, on pourrait déplorer un jeu encore trop timide chez certains, mais ça marche quand même.

Oriane a écrit:

Le Songe d'une nuit d'été de Balanchine dansé par l'Opéra de Paris est en ligne sur culturebox.
http://culturebox.francetvinfo.fr/opera-classique/opera/l-opera-de-paris/le-songe-d-une-nuit-d-ete-par-le-ballet-de-l-opera-de-paris-253861

Cette production met en valeur la féérie du ballet de Balanchine. Les costumes étincèlent, et toutes les créatures sautillent avec entrain. Les acteurs principaux ont beaucoup de présence en scène, comme des êtres fantomatiques qui se réjouiraient de reprendre chair l'espace d'une nuit, traversant chaque péripétie avec un sérieux amusé (mention spéciale à Fanny Gorse et à Laëtitia Pujol, toutes deux drôles et touchantes dans leurs rôles d'amoureuses éplorées). Balanchine nous fait cadeau de personnages attachants, comme ce Puck sans âge (Emmanuel Thibault, délicieux) qui ressemble à un adulte coincé dans l'enfance.

Quelques éléments font un peu "pièces rapportées" au second acte (très largement décoratif), sans parler de la musique où se mêlent plusieurs oeuvres de Mendelssohn. Mais ce n'est pas comme si ces recompositions bizarres étaient rares dans les ballets classiques, hein. Cf. Le Lac des cygnes.

Bon, ça nous donne l'occasion de voir danser la ravissante Sae Eun Park dans un divertissement dont, par ailleurs, on perçoit assez mal l'intérêt d'un point de vue narratif.

Dans l'ensemble, donc, j'ai beaucoup aimé. L'humour, la joie et la magie qui caractérisent le ballet ont été joliment rendus par les danseurs de l'Opéra de Paris, dont ce ne sont pas forcément les spécialités d'habitude. Certes, on pourrait déplorer un jeu encore trop timide chez certains, mais ça marche quand même.

Dommage que les décors de soient pas plus visibles et perceptibles: des décors peints?

Effectivement, Puck -Emmanuel Thibault- est très expressif, et contribue à l'intérêt du spectacle.

sans parler de la musique où se mêlent plusieurs oeuvres de Mendelssohn
Outre la musique de scène du songe d'une nuit d'été
et du site du NYCB
"listed in the order of being played:
Overture to Athalie, Opus 74;
Overture to The Fair Melusine, Opus 32;
excerpts from The First Walpurgis Night, Opus 60;
Symphony No. 9 for Strings
Overture to Son and Stranger, Opus 89."

Athalie & the son and stranger: je découvre.

Cette capacité à chorégraphier une musique pré-écrite est étonnante. La musique est rythme, mais ce dernier est-il mouvement?

Même impression -comment passer de la musique pré-écrite à un mouvement extrêmement codifié?- hier soir -1er avril 2017- lors du spectacle de l'école de danse
- W.A.Mozart: divertimento N°15-G.Balanchine
- F.Schubert: symphonie N°9 allegro vivace-W.Forsythe
- Raymonda Acte III (extraits): A.Glazounov-M.Petitpa & R.Noureev

Belle prestation de Mlle B.Batistonni

Un retour sur la soirée d'hier réunissant des chorégraphies de Jérémie Bélingard, Merce Cunningham et William Forsythe.


Dans Scary Beauty, Jérémie Bélingard se faisait danseur et chorégraphe de ses adieux. Le thème majeur développé tout au long de cet exercice improvisé était aquatique. Vagues géantes, bulles en 3D, requin en plastique : pas de doute, nous étions en immersion dans les fonds marins. Fluide et gracieux, le corps de Bélingard semblait se confondre avec l’élément dans lequel il évoluait imaginairement, ou bien se métamorphoser en algue, en poisson. Par un curieux mélange des genres, il se rappelait au monde des humains le temps de pointer du doigt un objet invisible, avant d’échapper à nouveau à toute catégorie reconnaissable, comme si les limites entre les êtres et les styles ne pouvaient que vaciller. Le rêveur au pyjama rouge ne redevenait pleinement homme qu’une fois vêtu d’un manteau et d’une écharpe d’hiver, entouré d’un firmament artificiel. Suite à cette sympathique traversée des chimères, on ne pouvait en effet s’empêcher de penser que le véritable voyage était à venir … La courte pièce, en confirmant le charisme du danseur étoile sur le départ, constituait toutefois par son onirisme une agréable entrée en matière au spectacle du soir – ainsi qu’à la poursuite d’un travail de chorégraphe ?


Autre ambiance après la pause, pour une première rencontre avec Merce Cunningham. Je me suis facilement prise au jeu de son Walkaround Time, fasciné par la géométrie aléatoire que dessinaient les mouvements sur la scène, collectivement ou individuellement. Chaque danseur semblait soumettre son corps à des essais, tout en cherchant une place que rien n’aurait laissé présager, une direction imprévisible. Dans une certaine mesure, éprouver son corps, c’était simultanément expérimenter l’espace, le configurer, et l’habiter, malgré la présence d’éléments absurdes créant un décalage comique avec le sérieux des protagonistes (ou alors c’est moi qui ai rigolé sans raison, percevant bêtement une intention de blaguer de la part du chorégraphe) … On s’habitue à tout, même à l’absurde, me suis-je dit. Quoiqu’il en soit, dans cet espace silencieux (sauf durant un bref moment de relâchement et de connivence entre les « personnages », sur fond de musique latino), les danseurs suscitaient un rythme par leur seul mouvement, sans l’appui d’aucune partition, contredisant la simple idée que la musique porte la danse.

Bien évidemment, Cunningham a inspiré des artistes qui se sont approprié ses idées. Et parce qu’il s’agit d’idées, comment ne pas penser qu’elles se sont épuisées d’elles-mêmes avec l’évolution de l’art chorégraphique, qui rend obsolète ce qui a un jour été révolutionnaire ? C’est vrai que Walkaround Time a un côté « contemporain de jadis ». Mais pas seulement. L’oeuvre recèle une beauté particulière qui a tapé dans mon oeil d’ancien étudiante en géo. Les amoureux des mathématiques l’auraient peut-être perçue aussi, mais différemment. Je ne sais pas. En tout cas, c’était pour moi le chef-d’œuvre de la soirée. Les danseurs ont fait preuve d’une concentration remarquable en prêtant la plus grande attention à la texture des gestes esquissés.


Et comme je ne me lasse pas du caractère suranné des choses, j’ai aussi apprécié les deux pièces de Forsythe qui concluaient la soirée. Parce qu’il faut bien avouer qu’elles possédaient également un charme désuet (impression accentuée par la musique techno stridente moche dans la seconde).

Le Trio m’a fait penser aux expérimentations de Cunningham, en ce sens que la scène était dépourvue de lieux, les personnages évoluant de-ci de-là sur un plan apparemment homogène. On peut dire que les conceptions des deux chorégraphes se rejoignaient, à ceci près que Forsythe ajoutait une dimension comique qui était lisible dans l’interprétation même des danseurs. Le corps, l’espace et la musique s’éprouvaient une nouvelle fois ensemble, mais par le biais d’une farce. Les protagonistes désignaient des bouts de leur physionomie comme des Saints leurs reliques, sauf que leur expression mi-inquiétante mi-ahurie était davantage celle de malfrats que de Saints. Le corps devait faire foi, mais on ne sait de quoi. C’était d’ailleurs l’un des points qui distinguait les deux chorégraphes, puisqu’en prenant les spectateurs à témoin, les danseurs de Forsythe réinstauraient au moins un élément de hiérarchie scénique fondé sur un repère traditionnel (l’orientation scène vs. public). Le trio se décomposait et se recomposait au gré des chamailleries de ses membres, qui semblaient vouloir se livrer à un étrange trafic en se refilant les uns aux autres un bras, une jambe, un pied, comme s'il s'agissait d'articles d’un marché clandestin.

Enfin, Herman Scherman était l’œuvre virtuose qu’une partie du public devait attendre, si j’en crois les hourras de soulagement, et non seulement d’enthousiasme, qui l’ont ponctué. La personnalité des danseurs pouvait y briller sans retenue : Legasa, O’Neill, Albisson, Stojanov (pour ne citer qu’eux) ont tous apporté leur touche aux festivités. Encore une fois, l’oeuvre oscillait entre le sérieux et la farce, la sensualité et la scène de carnaval.

Car c’est bien à l’improvisation et à l'oscillation que ce programme faisait la part belle, et non aux rigides mécaniques de l’esprit. Mais ceci au détriment d’une certaine familiarité qui nous aurait permis de glisser plus aisément notre imagination dans ces itinéraires. L’association a néanmoins eu la vertu de poser cette question sous plusieurs angles : un mouvement peut-il être poétique par lui-même sans qu’on ait besoin de le charger d’une intention ? J’aurais spontanément tendance à répondre « oui » après cette soirée. Mais reste à définir le sentiment poétique.


Voilà voilà.

À propos de la soirée Forsythe-Cunningham, voici un compte-rendu intéressant de Delphine Baffour sur le site Danses avec la plume : www.dansesaveclaplume.com/en-scene/414959-soiree-cunningham-forsythe-ballet-de-l-opera-de-paris-un-eloge-de-la-deconstruction

Ses précisions sur la création de Walkaround Time sont éclairantes. Par ailleurs, mes sentiments à l'égard des œuvres et des interprètes sont presque à l'unisson des siens.

Opéra National de Paris
Ecole de danse
Spectacle du dimanche 15 avril 2018

Orchestre de l'Opéra & Félix Krieger

3 parties


Frédéric Chopin
Suite de danses
- Polonaise Op.40 N°1
- Nocturne Op.48 N°1
- Prélude Op.28 N°15
- Valse Op.34 N°1
- Mazurka Op.24 N°1
- Nocturne Op.15 N°1
- Valse Op.64 N°1
- Mazurka Op.33 N°2
- Valse Op.34 N°3
- Polonaise Op.N°1

Partie traditionnelle (tutu et collants) avec des enfants émus d'être sur la scène. C'est bien!
Chopin se prête peu à l'orchestration: la polonaise dite "militaire" avec le thème aux cuivres est surprenante. la pièce la plus acceptable: la vase dite "minute".

Un ballo
Maurice Ravel
Le tombeau de Couperin & Pavane pour une infante défunte
Danseuses et danseurs plus âgés que précédemment, aguerris.
Belle chorégraphie "moderne" de Jiri Kylian:fluidité des mouvements, enlacement des corps,
mis en valeur par l'éclairage discret, mais chaud et doré (Joop Caboort)
La partie la plus intéressante tant par la musique que par la chorégraphie et danseuses, danseurs.

Spring and Fall
Antonin Dvorak
Sérénade pour cordes en mi majeur Op.22
Joli pas de deux, mais l'ensemble manque de conviction.
Je ne suis pas certain que la nuit ait été favorablement conclue... .

Dans le cadre des "Étés de la danse" le New York City Ballet se produira la semaine prochaine à la Seine musicale;

http://www.lesetesdeladanse.com/fr/programme

J'ai pris des places pour le programme consacré à Jérôme Robbins, qui débute par l'exquis "Dances at a gathering".

Belcore

J'ai revu une vidéo de La Sylphide de Taglioni-Lacotte, où Elisabeth Maurin et Benjamin Pech dansent les rôles principaux.

J'aime beaucoup ce ballet. Les variations ont beau s'enchaîner comme dans une compétition, donnant lieu à une série de démonstrations techniques, l'action reste fluide et limpide.

Elisabeth Maurin appartient davantage à la lignée des sylphides joueuses et mutines qu'à celle des "dames" idéalisées, même si on ne saurait y voir qu'une figure enfantine. Benjamin Pech est un James d'une grande présence.

L'atmosphère doucement mélancolique de cette vidéo me rappelle une représentation que j'ai vue l'été dernier (avec G.Louvet et L. Baulac). Je retranscris mes impressions ici :

" Bien des passages m'ont émue aux larmes! Finalement, la jeune femme fantasmée s'émancipe presque de son rêveur en se jouant de lui, avec tendresse ou insistance. Ce ballet est teinté d'une ironie légère qui n'en révèle pas moins le caractère envahissant d'un imaginaire sur lequel on n'a plus prise.

Pour autant, il émanait des danseurs et de la mise en scène une nostalgie qui je n'avais pas perçue jusqu'alors. La rencontre du fantasme est simultanément un adieu au rêve, ce qui est perceptible dès le début du ballet. Le halo qui nimbe la Sylphide est celui de la beauté qu'on ne pourra plus capturer, sorte de grâce fuyante et déjà regrettée. Saisi par la fascination du conte et le deuil de l'enfance, James est le "héros" un peu pâle d'un entre-deux dont la Sylphide, femme fatale aux expressions mutines, est la parfaite incarnation. "

(Désolée, c'était dit en vrac sans trop de cohérence, mais au moins ça résumait à peu près succintement ce que j'avais ressenti)

Dans la représentation Pech-Maurin, l'hésitation entre enfance et âge adulte n'est pas aussi évidente, principalement en raison du caractère plus affirmé de James. Mais l'adieu au rêve me semble aussi palpable ...

Ce ballet est vraiment émouvant - et j'avoue que même le patchwork musical qui l'accompagne me fait son petit effet.

J'ai assisté ce soir à la Cendrillon de Noureev, dansée par le POB sur la musique de Prokofiev (dir. Vello Pähn).

J'étais curieuse de découvrir ce ballet qui semble si peu apprécié des amateurs. Même en évitant de lire les retours pour ne pas me gâcher la surprise, je n'avais pas pu ignorer en furetant sur le ouèbe que l'œuvre avait mauvaise presse. Mais loin de me décourager, ça m'avait plutôt rendue désireuse de me faire une opinion ... et ...

Eh bien il faut donner raison aux dansophiles avertis, ce ballet est moche. Moches les décors, moches les costumes, moches la plupart des chorégraphies. Seuls moments de grâce: une hilarante interprétation d'Hugo Vigliotti en prisonnier facétieux qui trompe ses gardiens, et des pas-de-deux assez lyriques.

Côté danseurs, j'ai déjà mentionné Hugo Vigliotti. Fanny Gorse s'est distinguée avec panache et élégance, et j'aime toujours beaucoup Alessio Carbone. J'ai aussi été émue de l'engagement de Karl Paquette, qui fera ses adieux à l'Opéra dans quelques jours.

J'ai vu deux ballets au cours de ce dernier mois.

• [30/11/2018] John Neumeier, La Dame aux camélias avec Eleonora Abbagnato, Stéphane Bullion, Andrey Klemm, Sae Eun Park, Fabien Revillion, Muriel Zusperreguy, Axel Ibot, Charlotte Ranson, Yann Chailloux, Adrien Bodet, et alia — James Tuggle (chef), l'Orchestre de l'Opéra de Paris, Emmanuel Strosser, Frédéric Vaysse Knitter (pianistes)

         Ballet que j’adore, enfin vu en vrai !
         Ces trois pas de deux miraculeux, la variation de la cravache, celle d’Armand à la fin de l’acte II, où les codes (néo)classiques sont près d’être cassés par ces furieux mouvements syncopés, la scène du bal au III, c’est quand même immense. J’aime moins les scènes avec Manon et Des Grieux, qui opèrent un parallèle un peu poussif, même si ça permet de fantomatiques ensembles ; et puis aussi la scène finale de l’acte I, nécessaire structurellement, mais pas très intéressante. Le choix des pièces de Chopin est cependant idéal : le premier pas de deux sur le deuxième mouvement du second concerto pour piano, comment n’y pas verser une larme ? Et puis celui du dernier acte sur la ballade en sol mineur... comment n’y pas en verser deux ?
         Côté interprétation, j’ai été bouleversé par la Marguerite d’Eleonora Abbagnato, magnétique et d’une fureur désespérée incandescente dans le pas de deux de l’acte III. Stéphane Bullion m’a semblé ce soir-là moins engagé qu’elle. Il soutient quelque chose de beaucoup plus mûr et ferme que dans la captation avec Letestu, mais il était moins impeccable techniquement et conservait une certaine forme de distance (mais une avant-première jeune a beau être payante, c’est une répétition...). Par contre, vraiment fasciné par le claquant Paul Marque en Gaston Rieux, auquel échoue le si caustique solo de la cravache [Benedictus, si tu me lis...].
         Interprétation musicale... inégale... Jamais entendu l’Orchestre de l’OnP aussi mauvais que dans le premier mouvement du Concerto n°2, avec des sonorités étouffées, des pains de trombones, une mollesse généralisée... Cela s’arrange par la suite, mais bon... Pas très fan non plus du jeu un peu flou des deux pianistes. Encore une fois, c’était une générale. Je ne sais pas si lors d’une « vraie » représentation les pupitres de vent se permettraient de regarder plus souvent ce qui se passe à l’avant-scène cours que le chef (mais c’était très touchant, cela dit !).
         Bref, pas une soirée inoubliable, dû à quelques faiblesses ici ou là, mais une soirée émouvante, avec des moments vibrants.


• [21/12/2018] • Noureev/Prokofiev, Cendrillon avec Dorothée Gilbert, Hugo Marchand, Marion Barbeau, Fanny Gorse, Alexandre Gasse, Alessio Carbone, Daniel Stokes, Pierre Rétif, et alia — Vello Pähn et l'Orchestre Pasdeloup

         J’avais vu cette production en 2005 ou 2007 à Garnier (le cadre de scène a été à Bastille artificiellement recréé), avec ma classe de danse et je ne me souvenais pas de grand chose. Mais plein de souvenirs me sont revenus au cours de la représentation, notamment les pointes grises portées par la Marâtre (homme travesti), devant lesquelles je m’étais dit à l’époque : « rien n’est perdu, moi aussi je pourrai faire des pointes ! », la citrouille-berline gonflable, les pinups, le gros King Kong, enfin tout ce qui émerveille un enfant. Mais bon, on peut dire que j’ai été moins émerveillé cette fois-ci... Le premier acte est d’un néant chorégraphique complet et il n’y a que le début de l’acte III que je trouve vraiment réussi (avec des ensembles et des simili-danses de caractère pêchus et en adéquation parfaite avec la musique). Le reste du temps, c’est un peu la débauche de moyens scéniques gratuitement utilisés, mais je comprends bien en quoi ça peut déjà jouer beaucoup. Je ne suis pas certain qu’on puisse encore faire ce genre de show aujourd’hui, sans être accusé de ruiner le contribuable (des costumes qui sont portés 5 secondes, des trucages scéniques dont l’effet est en disproportion complète avec les moyens utilisés). Enfin, je ne voudrais pas donner l’impression d’être un agent du fisc infiltré (ça doit être bien amorti d’ailleurs, depuis le temps)...
         L'action se déroule donc à Hollywood, le Prince est un Acteur vedette, etc. Quelques éléments intéressants : le style de danse complètement foutraque des deux sœurs qui essayent de faire dans le classique, le jeu sur le genre qui ne se limite pas au travestissement topique de la méchante femme âgée (plusieurs autres travestis, le professeur de danse amorce un pas de deux avec l’Acteur vedette pour montrer l’exemple, l’assistant maladroit du réalisateur, ne connaissant rien aux codes de la danse, qui prend la place dévolue à une femme — c’est donc toujours de très légers déplacements des normes, qu’on peut pourtant intégrer dans celles-ci), les pieds réellement mutilés que présentent les deux sœurs pour essayer le soulier égaré, après avoir enlevé leurs pointes (chez Perrault, elles se coupent des bouts de pieds, on n'en est pas loin !).
          Mais quand la musique est bonne, l’orchestre enthousiaste et les solistes si formidables, on passe malgré tout une bonne soirée. Évidemment, Dorothée Gilbert et Hugo Marchand sont éblouissants. Elle a ce charme et cette douceur vive qui rend immédiatement présent le personnage de Cendrillon ; et puis quelle technique ! Lui est vraiment un danseur incroyable. Tout est d’une précision, d’une fluidité et d’un tenu miraculeux. Il peut seulement traverser la scène en faisant deux jetés, c’est la perfection qui passe. Et puis, en plus de ça, il a ce caractère singulier, une sorte de force qui y va fermement, mais portée par une grâce toute frémissante...  
          Comme je m'ennuyais parfois, et que le corps de ballet n'est pas toujours d'une grande homogénéité de technique et d'engagement, j'ai beaucoup regardé l'orchestre. Je ne sais pas si j'avais déjà entendu l'Orchestre Pasdeloup dont je ne connais pas vraiment la place aujourd'hui — c'était en plus la première fois à Bastille que j'entendais un autre orchestre que celui l'OnP —, mais j'ai trouvé ces instrumentistes vraiment très bons, enthousiastes, précis et délivrant une belle sonorité d'ensemble. La musique de Prokofiev n'est sans doute pas son chef-d'œuvre, mais je la trouve quand même très efficace et vraiment prenante et amène (les ponctuations tuba-grosse caisse, miam ! ).

Oriane a écrit:

J'ai assisté ce soir à la Cendrillon de Noureev, dansée par le POB sur la musique de Prokofiev (dir. Vello Pähn).

J'étais curieuse de découvrir ce ballet qui semble si peu apprécié des amateurs. Même en évitant de lire les retours pour ne pas me gâcher la surprise, je n'avais pas pu ignorer en furetant sur le ouèbe que l'œuvre avait mauvaise presse. Mais loin de me décourager, ça m'avait plutôt rendue désireuse de me faire une opinion ... et ...

Eh bien il faut donner raison aux dansophiles avertis, ce ballet est moche. Moches les décors, moches les costumes, moches la plupart des chorégraphies. Seuls moments de grâce: une hilarante interprétation d'Hugo Vigliotti en prisonnier facétieux qui trompe ses gardiens, et des pas-de-deux assez lyriques.

Côté danseurs, j'ai déjà mentionné Hugo Vigliotti.  Fanny Gorse s'est distinguée avec panache et élégance, et j'aime toujours beaucoup Alessio Carbone. J'ai aussi été émue de l'engagement de Karl Paquette, qui fera ses adieux à l'Opéra dans quelques jours.

Oh, bah !

J'étais en train d'écrire mes impressions, c'est fou !

Je suis d'accord, les décors et les costumes sont bien bien moches (ça a très mal vieillit, quoi).
C'est dommage qu'Alessio Carbone ait si peu à danser
Si Fanny Gorse dansait aussi ce soir, ça veut dire qu'elle danse le rôle deux soirs de suite, c'est quand même remarquable ! Surtout que le rôle des sœurs ne parait pas difficile, mais c'est atroce ce qu'il leur est demandé de faire, par moments, pour mal danser...

J'y vais à la fin du mois, mais j'aurai surement moins de choses à dire, j'y vais surtout pour la musique. (et parce que ma fille aime beaucoup le ballet)

bonjour à tous, selon moi le plus grand choregraphe contemporain moderne est sans hésitation Béjart, ni Pina Boche, ni Hambourg ou les américains peuvent pouvaient rivaliser avec lui, il fut tellement décrié, pas étonnant quand on est français francophone et non anglo-saxon....son sacre du printemps est une merveille ou le bolero de ravel......sa gestuelle révolutionnaire unique, je pense surtout aux pieds, au lieu de les allonger en pointe, les pieds chez bejart sont relevés à angle droit.....Béjart c'est le maître absolu......je ne parle pas de balanchine ou marius petipa qui sont antérieurs.......

Un retour intéressant sur le Lac des cygnes de l'ONP, auquel j'irai peut-être assister si je chipe une place début mars. Non que ce soit le Noureev le plus exaltant, mais les nuées de tutus blancs font toujours leur petit effet de loin.
http://balletetcie.fr/le-lac-des-cygnes-gilbert-marchand-docquir-17-fevrier/

Une retransmission a été mise en ligne sur culturebox.

Je devrais vraiment attendre d'avoir vu un ballet en salle avant de le juger. Le Lac des Cygnes de Noureev n'est pas le même spectacle sur écran.

J'ai eu la chance d'assister à une représentation qui rassemblait Paul Marque, Myriam Ould-Braham, Alex Magliano et Fanny Gorse hier, et j'en suis ressortie enchantée. La chorégraphie ne m'a semblé ni kitsch, ni surannée, mais très intelligente dans ses moindres détails; et les danseurs ont su lui insuffler beaucoup d'esprit.

Oriane a écrit:

Paul Marque

Je trouve les décors et beaucoup de costumes assez datés (très 80s, quoi, comme pour Cendrillon et d'autres Noureev encore repris — ces murs, colonnes et arches en carton qui font béton usé...), mais c'est une chorégraphie que j'aime infiniment, ne serait-ce que par la place qu'elle accorde à Siegfried et tous les éléments crypto-gay que Noureev a voulu inoculer dans ce sujet, qui changent un peu de ce qu'on peut y voir d'habitude (en plus, Magliano joue à fond le côté séducteur et tentateur de Wolfgang). Et puis, si je trouve que Noureev n'a jamais écrit les variations et les pas de deux les plus inspirés du répertoire, il soigne toujours vraiment le corps de ballet, ce qui fait que tout coule merveilleusement bien dans ce Lac (lol).

(J'y étais le 19 février pour Louvet/Baulac/Alu et le 6 mars pour Marque/Ould-Braham/Magliano.)

Retour rapide sur le programme Mats Ek du 6 juillet au soir.

Carmen : une pièce qui épouse avec brio la suite de Rodion Chtchedrine. L'humour et le kitsch assumés du spectacle n'empêchent pas d'y percevoir une grande violence. Les danseurs m'ont semblé en demie-teinte, à l'exception notable de la Carmen du soir, Eleonora Abbagnato, une touchante séductrice, créature maladroite, voleuse d'âme et enfant perdue.

Another Place : des variations sur le couple qui forment un intéressant décalage avec la sonate en si mineur de Liszt (un peu massacrée par le pianiste). La pièce compte quelques longueurs, mais ses dernières minutes offrent un tableau émouvant d'un duo amoureux qui se découvre dans des miroirs insoupçonnés.

Boléro: ludique et grinçante, portée par une belle dynamique collective, cette pièce tranche avec le grandiose d'autres Boléros célèbres (comme celui de Béjart). Une conclusion pleine d'esprit et d'énergie à cette soirée réussie, quoiqu'elle ne comporte pas de chorégraphies bouleversantes.

Marco Spada de Pierre Lacotte est visible en entier pour quelques jours sur la chaîne youtube du Bolshoi.

La distribution de 2014 comprend Eugenia Obraztsova et Olga Smirnova, deux danseuses fantastiques.

https://youtu.be/C-0ZfKcB-Xw

Il faudrait que j'y revienne plus en détail, mais j'ai pu assister aux deux représentations de "rentrée" à l'ONP :

_ Hommage à Roland Petit : pas très emballée dans l'ensemble, sauf par Carmen. Un Rendez-Vous incompréhensible sans livret et Un Jeune Homme et la Mort quelque peu froid. Belles distributions cependant avec Alice Renavand, Mathieu Ganio, Amandine Albisson, et surtout Letizia Galloni. C'était la toute Première (2 juin), les choses se sont peut-être réchauffées par la suite.

_ Roméo et Juliette de Noureev : le hasard a voulu que je tombe deux fois sur la même distribution les 15 et 21 juin. J'ai pu assister aux débuts de Guillaume Diop (un quadrille en Roméo : une première à l'Opéra) aux côtés de Léonore Baulac (qui quant à elle reprenait le rôle de Juliette). Heureux hasard, puisque que ces représentations étaient magnifiques.
=> Un majestueux Roméo, enfantin, rêveur, amoureux, et plus décidé dans le 3e acte. Techniquement tout est superbe, surtout le 21, expérience oblige. Pas de fébrilité, pas d'hésitations, et beaucoup de spontanéité en scène. Cette distribution du jeune G. Diop n'avait rien d'aberrant.
=> Léonore Baulac a certes tendance à surjouer, mais dans ce ballet, sa fougue passe aisément pour de la joie enfantine. Elle est très émouvante, et forme un couple extrêmement convaincant avec son Roméo, qu'elle guide beaucoup plus nettement le 15 que le 21. Lors de la 3e représentation, les amants sont sur le même pied : innocents, fusionnels. 
=> Le Mercutio de Pablo Legasa est brillant : drôle, charismatique, il crève la scène.
=> Attachant Benvolio de Marc Moreau.
=> Tybalt paternel et assez bon enfant ; pas un excité agressif, mais un cousin attentif qui a les intérêts de son clan à cœur.

Sur la chorégraphie, j'avoue avoir changé mon fusil d'épaule. Tout me semble à présent doté d'un sens ; il suffit que les rôles soient réellement habités pour qu'ils prennent vie dans leur complexité. Seul bémol : Noureev n'a pas fait un usage très modéré de l'humour potache, c'est le moins que l'on puisse dire. Mais bon, il se montre ainsi fidèle aux blagues et allusions douteuses de la pièce !

Il doit y avoir des retours plus réservés que le mien ... Néanmoins, pour tout dire, j'ai été émue, emportée, charmée. J'étais plongée dans l'histoire. Inutile donc de s'embarrasser de nuances : j'ai passé de formidables soirées.

Voici mon retour sur cette série de Roméo et Juliette à l'ONP.

Un mot sur les danseurs (ce que je fais assez peu sur le blog) :
=> Amours adolescendantes et naïveté : Guillaume Diop et Léonore Baulac
=> Juliette vénère : Sae Eun Park dans le IIIe acte, j'ai cru qu'elle allait mettre un coup de boule à Pâris
=> Roméo séducteur et madré : Mathias Heymann
=> Juliette tragédienne dès le début du ballet : Myriam Ould-Braham
=> Tybalt futur pater familias : Florian Magnenet
=> Tybalt agressif et borné : Stéphane Bullion
=> Lady Capulet secrètement amoureuse de Tybalt : Fanny Gorse
=> Lady Capulet impériale : Eve Grinsztajn


La critique du ballet :

https://laumefae.blogspot.com/2021/07/romeo-et-juliette-ete-2021.html?m=1