Rameau — Les Boréades — Minkowski (Aix & Versailles)

 
 




1. L'œuvre


Les Boréades sont d'abord un incroyable réservoir de musiques irrésistibles — peu de tubes à part « Jouissons » et la Contredanse qui clôt l'acte I, mais toutes les danses sont fulgurantes, et toutes les parties vocales prégnantes. Même lorsqu'on est plus sensible à la déclamation plus hiératique et prosodique des écoles précédentes, comme c'est mon cas, il est impossible de ne pas être magnétisé par cette générosité musicale débordante, comme si Rameau, pour son dernier opéra, avait voulu y jeter à la fois toute son expérience et toutes ses idées nouvelles.
Et puis, bien sûr, historiquement, l'inclusion (très épisodique, mais marquante) des clarinettes, l'usage massif des vents (quatre flûtes dont deux alternant avec le piccolo, quatre bassons, chaque groupe pouvant doubler les cordes, tenir des lignes autonomes, ou même accompagner seul un air chanté avec les continuistes) qui annoncent le style d'après.


Ensuite, le livret est intéressant, parce que, tout en reprenant le schéma habituel du Grand Siècle, il en change profondément le sens.
Dans Les Boréades, l'Amour est entravé par les nécessités du pouvoir et de la Gloire, comme dans n'importe quelle bonne tragédie, lyrique ou non. Le héros n'y est héroïque, comme dans toute bonne tragédie en musique, que parce qu'il est secondé par des dieux qui sont ses ascendants ou apprécient son caractère généreux.
Et pourtant, il est question, pour le fils d'un dieu, de mériter le soutien de son père céleste, et plus encore de trouver sa propre voie — le début du deuxième acte révèle ainsi un côté « développement personnel » étonnamment moderne !
Et la hiérarchie entre la Gloire et l'Amour se retrouve tout de bon inversée, Alphise renonçant à son devoir de reine pour pouvoir rejoindre Abaris sans mettre les Vents dans la rue. À aucun moment il n'est sérieusement question d'abdiquer son bonheur individuel : on veut bien risquer sa vie, mais on se bat pour lui, il est le seul élément non négociable qui justifie tout le reste. La Gloire fut.
Les propos d'Abaris revêtent même un aspect séditieux assez spectaculaire, refusant d'obéir aux dieux, s'il les juge tyranniques :

Citation :

Votre orgueil ne voit point de refus légitime,
Tout ce qui le blesse est un crime,
Vous voulez être craints, pouvez-vous être aimés ?

Là encore, comme cela nous évoque notre vision du monde, où être aimé est la finalité ultime, jusque pour les hommes de pouvoir.
Et quand on considère les relations symboliques entre les dieux païens et le Dieu chrétien, dans les tragédies du temps, il y a de quoi être vraiment impressionné par cette poussée de modernité qui outrepasse les seules Lumières avec le regard critique sur le pouvoir absolu et la recherche d'un bonheur sensible et individuel.
On peut considérer que l'identité d'Abaris (fils d'un dieu) diminue la nouveauté de la chose, mais j'y vois surtout la rémanence d'un vieux canevas à opéra, tandis que le contenu moral en semble assez radicalement neuf.


2. Les Musiciens du Louvre

Je craignais l'embourgeoisement entendu dans Gluck récemment… eh bien non.
Bien sûr, le son des cordes n'est plus le même depuis le départ de Daniel Cuiller (qui y imprimait une couleur unique, très chaleureuse et dépaysante, une sorte de vert-roi), et le style tire vers moins de fondu et de danse, plus de virtuosité et d'italianité… mais le résultat reste confondant de maîtrise et d'engagement, toutes les fusées coulant à un train d'enfer sous leurs doigts experts.


3. Les chanteurs

On remarque quelques constantes déjà signalées depuis que l'équipe des Arts Florissants semble attacher moins d'importance à former les jeunes chanteurs sur ce point (irradiant autrefois tout le milieu) :

¶ Beaucoup de voix manquent de franchise, et restent un peu en-dedans du corps (cela ne concerne pas que le baroque, mais tout le répertoire lyrique actuellement).

¶ Des barytons pas particulièrement pourvus « en bas » chantent des rôles de basse.

¶ Et surtout, même si la diction est bonne (sauf pour les dames ce soir, j'y reviens), le texte n'est pas à proprement parler déclamé. On entend les mots, mais les appuis de la prosodie, leur lien avec la musique, l'expressivité de la langue ne sont pas sollicitées. C'est d'autant plus dommage que les techniques de chant utilisées le permettraient très facilement, si l'accent était porté sur cette dimension du travail : les barytons ne chantent que dans les graves, et les ténors ont droit aux cordes fines, au larynx haut, au fausset, et ne sont pas obligés de couvrir — donc n'ont pas besoin d'abîmer leur texte pour chanter leurs parties.

Julie Fuchs a beaucoup progressé dans ce répertoire, et la voix, pourvue d'un timbre affirmé, assez glorieuse en termes de projection (surtout pour le médium d'un soprano léger !), explique sans doute son exposition médiatique généreuse ces derniers temps. Plus aucune dureté. En revanche la vocalisation, effleurée, n'est pas d'aussi bonne qualité — peut-être parce que le rôle, plus long, lui a moins laissé le temps de se préparer. En tout cas, c'est vraiment très bien chanté de bout en bout.
Mais ce que je n'ai pas aimé du tout, c'est que la diction, passé une entrée intelligible (à défaut d'être expressive) se centre sur une seule voyelle « bonne pour sa voix », tout en négligeant les consonnes. Si bien que pendant ses airs, on n'entrave vraiment que dalle à ce qui s'astringue.
Si elle veut faire du son, qu'elle aille pioupiouter chez les belcantistes, opere serie ou romantiques, et qu'elle nous laisse respecter Rameau avec les égards qui lui sont dus. Non mais.
Toutes les basses étaient plutôt des barytons, à l'exception de Damien Pass (Borée), au minimum baryton-basse. J'ai assez aimé André Morsch (Adamas), d'une couleur très différente de celle, allégée et étonnante, qu'il avait adopté dans Cadmus et dans pas mal de ses rôles à la même époque : le son est au contraire affirmé et très bien projeté, celui d'un vrai baryton.
Mais c'est le cas de Samuel Boden (Abaris) qui m'intéresse le plus. Manifestement très inspiré par l'émission de Paul Agnew, il chante dans un style parfait de bout en bout : nuances, accolement des cordes de plus en plus fin pour monter (sans doute comme on faisait à l'époque), légères couleurs plutôt mixtes ou plutôt fausset selon les passages, élégante délicatesse du phrasé… Il ne déclame pas vraiment (comme les autres), mais il dit assez bien.
En revanche, la voix est vraiment petite et ne se projette jamais : on l'entend parce qu'il n'est pas loin, mais elle ne s'élance pas vraiment à travers la salle. C'est très étonnant, parce qu'il dispose de toute la palette nécessaire, mais au moment de s'épanouir dans les résonateurs faciaux (qui semblent ouverts), le son semble se cacher légèrement derrière. J'ai l'impression que cela tiendrait à très peu de chose techniquement, et cela lui ouvrirait la porte d'un éclat nouveau, bon pour la diversité de ses expressions, bon pour la déclamation, bon pour le timbre (qui reste un peu translucide alors que tout est là pour une très belle couleur, que ce soit plutôt à la Aler ou plus à la Spence).
D'une manière générale, un certain nombre des voix de ce soir (en particulier Chloé Briot et Manuel Nuñez Camelino) cèdent un peu au cliché longtemps colporté sur le baroque, de petites voix qui se cachent à l'intérieur du corps sans utiliser toute la résonance. C'est dommage, parce que le matériau est intéressant, et rien qu'en libérant un peu le son (il faut plus d'effort pour le maintenir ainsi que pour le laisser sortir !) le résultat pourrait être sensiblement plus électrique — bien que Nuñez Camelino ne soit pas dépourvu de qualités et même, à sa mesure, d'une forme de vaillance.


Bref : c'est bien beau de jouer sur crincrins et pouêtpouêts anciens, mais si on pouvait respecter ce que l'on sait de la déclamation (hystérisante et pas forcément harmonieuse vocalement) d'époque, ça servirait à quelque chose !
Ça semble être capté pour CultureBox.
Superbe soirée au demeurant, bien sûr… et le caméraman côté cour, qui heabanguait avec conviction pendant les meilleurs moments, ne me contredira pas.


(Pour ceux que ça intéresse, la notule complete director uncut est là : http://operacritiques.free.fr/css/index.php?2014/10/05/2534-les-audaces-du-dernier-baroque-francais .)

Je vois que Mr Le Marrec fait encore le fin bec . Y a vraiment des coups de pied au derrière qui se perdent en ce moment

D'accord sur Boden... magnifique mais vraiment petit...

Sinon un enregistrement a été fait à Versailles... une diffusion commerciale serait possible selon les Musiciens du Louvre...

À Versailles l'acte V d'un seul tenant, un seul souffle (une sorte d'arioso, je ne sais pas si l'on peut dire cela dans le contexte français).

Ce serait bien que ce soit publié, en effet, parce que les récitatifs de Gardiner ont quand même méchamment vieilli.

calbo a écrit:

Je vois que Mr Le Marrec fait encore le fin bec .

Sur quoi ?

J'ai dit que la soirée était excellente même si je n'étais pas motivé, l'œuvre exceptionnelle, les Musiciens du Louvre beaucoup plus intéressants qu'attendu. Ce sont mes gentilles réserves sur les chanteurs qui te gênent (oui, sur Julie Fuchs, c'est un peu moins gentil, mais c'est elle qui m'a cherché d'abord ! ).

Et j'ai sans doute revé "les Crinscrins et les pouetpouet d'époque"

calbo a écrit:

Et j'ai sans doute revé "les Crinscrins et les pouetpouet d'époque"

Sans les fautes, oui, j'ai probablement dû écrire ça.

Mais si on le lit en contexte, je crois que tout le monde peut lire que ce n'est pas une critique adressée aux musiciens, mais au contraire une reconnaissance de leurs efforts.

DavidLeMarrec a écrit:

calbo a écrit:

Et j'ai sans doute revé "les Crinscrins et les pouetpouet d'époque"

Sans les fautes, oui, j'ai probablement dû écrire ça.

Mais si on le lit en contexte, je crois que tout le monde peut lire que ce n'est pas une critique adressée aux musiciens, mais au contraire une reconnaissance de leurs efforts.

On fait ce qu'on peut avec l'ordinateur qu'on a

Quelques souvenirs personnels de ce concert, un sujet qui a été traité un peu par dessus la jambe dans les heures qui ont suivi. L'ouverture ! Je n'avais jamais entendu un orchestre aussi beau. Le tube « c'est la liberté » ! La jeune chanteuse en était si touchante. La tempête ! Ensuite j'ai eu du mal à suivre, l'acte IV (celui que j'avais le plus écouté chez moi) était trop fort, trop dense, trop vif et rayonnant, presque irradiant, pour moi qui était, d'ailleurs, quelque peu indisposé. L'acte V était complètement différent. Moi aussi, car j'avais retrouvé mon bien-être. D'emblée, j'ai cru voir que le maestro allait tenter quelque chose, que je n'avais pour ma part, pas entendu avant. C'était l'essai de nous donner une cantate, parce que peut-être malgré toutes les réussites de l'après-midi, le résultat n'avait pas été à la hauteur de ses exigences. Je fus dès lors tenu en haleine, suspendu, emmerveillé, oui, et heureux du dénouement, du triomphe de l'amour, de la conciliation des forces en présence. La musique en est sorti grandie, unie. Qu'attendions-nous, public, de cette œuvre, de sa représentation ? Plus encore, ou moins, moins intense. Trop de soleil dans la musique, mais pas moins qu'il n'en fallait pour rendre ma journée mémorable.