Votre dernier film visionné

David Cronenberg : Rabid        1977


J'ai été assez déçu par ce Cronenberg, j'ai vraiment trouvé que ça ressemblait trop à Shivers - que j'ai vu récemment - et même en moins bon : il y est aussi question de propagation et de transformations du corps mais il n'y a pas tellement cet arrière-fond ironique et assez drôle sur le capitalisme ; je n'ai par conséquent pas tellement trouvé d'intérêt en ce film : ce n'est pas mauvais mais ça fait clairement doublon. Malgré tout, le film comporte quelques beaux passages, notamment la scène du générique et aussi quelques séquences urbaines nocturnes, notamment avec les néons. Chose amusante : Cronenberg voulait Sissy Spacek pour le rôle titre (c'est-à-dire l'actrice qui jouait le rôle principal dans Carrie de de Palma) mais la production a imposé l'actrice Marilyn Chambers qui venait du cinéma pornographique ; on peut d'ailleurs apercevoir l'affiche du film de de Palma dans le film.

C'est vrai, les deux films m'ont toujours semblé assez proches, mais Shivers est assez nettement meilleur.

Après, beaucoup d'autres Cronenberg ont des points communs avec ces deux films-là, mais ce qui est curieux c'est qu'ils ont été conçus juste l'un après l'autre et qu'ils sont vraiment très proches.

Xavier a écrit:

C'est vrai, les deux films m'ont toujours semblé assez proches, mais Shivers est assez nettement meilleur.

Après, beaucoup d'autres Cronenberg ont des points communs avec ces deux films-là, mais ce qui est curieux c'est qu'ils ont été conçus juste l'un après l'autre et qu'ils sont vraiment très proches.

Oui, c'est sûr que les films qu'il a réalisés durant cette période ont pas mal de points communs mais entre ces deux-là, c'est presque du copier-coller.

Agosto DiFonzo & José Exposito : La raison du plus fort n'est pas toujours la meilleure        1978


Court-métrage d'une trentaine de minutes, assez typique des années soixante-dix (à l'esprit libertaire assez proche de La brune et moi de Philippe Puicouyoul, même si l'on ne parle pas de musique, ici) : trois jeunes hommes déambulent aux abords de Lyon, ils tombent finalement sur une MJC (qui devait être quelque chose d'assez nouveau à l'époque), ils en poussent la porte et rencontrent des gens, parlent avec eux, parfois paisiblement, parfois les conversations sont plus mouvementées ; cela donne lieu à quelques répliques parfois amusantes, notamment la séquence autour du judo. Mention spéciale à la bande-originale, au son complètement crade ; une rareté qui est toujours disponible sur la plateforme HENRI de la Cinémathèque, si ça vous intéresse - honnêtement, je n'ai pas trouvé ça passionnant.

Les MJC existent au moins sous ce nom-là depuis 1948 (mais je crois que Léo Lagrange en avait posé les bases sous le Front populaire.) En revanche, juste avant 68, l’aile droitière de la majorité gaullienne en avait fait un sujet de controverse, accusant les MJC d’être devenu un outil de propagande aux mains du wokisme de la gauche.

Jean-François Adam : Retour à la bien-aimée        1979

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On est ici dans les oubliés de la carrière d'Isabelle Huppert : je ne connaissais pas ce réalisateur, même pas de nom ; durant sa (courte) vie, il n'a réalisé que trois longs métrage et j'avoue que celui-ci a éveillé ma curiosité à propos des deux autres. C'est un film assez atypique, je n'ai pas trop aimé l'histoire (ça tombe bien, ce n'est pas très important ici ! ; une énième histoire d'ex dont l'ego est cassé en deux) mais j'ai trouvé la mise en scène et la photographie littéralement fascinantes - Pierre Lhomme était le directeur de la photographie sur ce film. Le film se passe quasiment tout entier dans une maison : l'ex (Jacques Dutronc) d'une femme (Isabelle Huppert) assassine son mari (Bruno Ganz) et met au point tout un stratagème pour ne pas être suspecté ; la généricité de l'histoire fait souffler (à raison) mais je trouve qu'il y a vraiment une très bonne gestion de la temporalité : tout est comme étiré et en sourdine, l'enquête policière tourne au ralenti, les plans sont très statiques : c'est comme si la grosse maison familiale avait une certaine inertie sur les personnages, les retenait ; paradoxalement, le film met toujours en scène l'absence (sans que ce soit explicitement mentionné) - je pense notamment à une scène de dîner à trois vers la fin où au premier plan se trouve une large partie inoccupée de la table, nappe d'un blanc éclatant puis vers le fond, les trois personnages ; les mouvements de caméra sont également très éloquents et assez subtils, notamment dans toutes les scènes aux abords des escaliers ; et puis, les lumières : superbes - on apprécie bien la restauration récente, là. Je regrette un peu la tournure que prend l'histoire, cela dit - le scénario a été écrit par le réalisateur, en compagnie de Perec, Jacquot et Carrière, rien que ça !

Benedictus a écrit:

Les MJC existent au moins sous ce nom-là depuis 1948 (mais je crois que Léo Lagrange en avait posé les bases sous le Front populaire.) En revanche, juste avant 68, l’aile droitière de la majorité gaullienne en avait fait un sujet de controverse, accusant les MJC d’être devenu un outil de propagande aux mains du wokisme de la gauche.

 Je ne savais pas du tout : pour moi, ça faisait très 70's.

André Téchiné : Le lieu du crime        1986

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Lors du visionnage, je n'ai pas tellement accroché à ce que racontait ce film : dans le sud-ouest de la France, un enfant semble s'ennuyer et se balade à droite à gauche, il tombe un jour sur un homme prénommé Martin qui lui somme assez fermement de lui rapporter absolument de l'argent ; lorsque l'enfant revient le lendemain avec l'argent, il trouve un autre homme (Luc) avec Martin, nettement plus violent et qui propose d'éliminer le garçon puisqu'il s'agit de l'unique témoin ; Martin choisit donc d'abattre Luc avec lui pour protéger le garçon. De manière générale, j'ai trouvé l'histoire trop éparse, rétrospectivement assez intéressante, mais peut-être pas très bien racontée (même s'il y a tout de même de belles pointes expressives - mélodramatiques, notamment - qui m'ont beaucoup plu). Comme toujours chez Téchiné, la topographie tient un rôle important : ici, comme le suggère le titre, le film gravite véritablement autour de ce lieu du crime : le film fait fi de tout contexte (notamment sur le véritable lien entre Martin et Luc et dans une moindre mesure, les éléments de contexte autour du personnage d'Alice) et les personnages sont réduits à des éléments caractéristiques fonctionnels minimaux (leur rapport au crime) ; c'est peut-être ça qui m'a perturbé - du coup, je pense que j'apprécierais beaucoup plus le film si je le revoyais. Ce que je trouve assez fort a posteriori, c'est la manière dont ce lieu du crime gouverne tout le film : tout l'espace du film est distribué selon celui-ci : d'abord, comme je le disais, pour le contexte mais il y a également tout l'aspect autour de la distribution morale des personnages - et le scénario joue pas mal sur ça, tout particulièrement avec le personnage de Martin ; le tout est également souligné par la (superbe) photographie : les lumières éclatantes du début du film (les superbes paysages verts et couleur de paille du sud ouest de la France que Téchiné filme si bien) puis la nuit permanente (et la pluie, beaucoup de pluie - certains passages m'ont beaucoup fait penser à Hôtel des Amériques) avec l'irruption des élans mélodramatiques ; la mise en scène est également impeccable et j'ai également beaucoup aimé le jeu des acteurs (pourtant parfois assez éloigné de ce qu'ils peuvent faire, je pense par exemple à Deneuve). Ici, on retrouve la collaboration d'Olivier Assayas au scénario (avec celle - nouvelle - de Pascal Bonitzer) et le résultat est finalement intéressant ; même si j'ai surtout aimé le film a posteriori en y réfléchissant, ça m'a déjà beaucoup plus plu que Rendez-vous ; un autre visionnage s'impose.

J'ai beaucoup aimé celui-là (et le superbe photo n'y est pas pour rien).

Pierre Salvadori : En liberté !        2018


J'ai un souvenir assez vif de la bande-annonce de ce film, en deux ou trois parties, qui passait en boucle et devenait assez fatigante. J'ai été assez déçu, en fait, car ça ne va nulle part ; le film est assez cohérent, travaille certains motifs et on sent bien qu'il y a un arrière-goût (très lointain) de comédie sur la corruption, déjouant les distributions usuelles de légitimité et sur la manière dont on raconte (qui mène justement à ces distributions de légitimité) ; mais au final, tout ça semble un peu vain et on reste en surface, les gags (loin d'être toujours réussis) s'accumulent, se juxtaposent - avec cette sensation que le film s'efforce (laborieusement) de maintenir une cadence gaguesque - mais rien n'émerge vraiment ; heureusement, il y a quelques moments drôles mais ça doit représenter une vingtaine de minutes sur une heure cinquante... Je n'ai pas vu énormément de films de Salvadori, mais j'ai l'impression que celui-ci est foncièrement différent mais j'ai l'impression que ce côté "eh ! eh ! j'suis drôle hein ?? pourquoi tu réponds pas ?? je suis drôle !" est assez nouveau dans ce film - en espérant qu'il soit une exclusivité de ce film. C'est dommage car il y a parfois de belles images et les acteurs/trices sont bon(ne)s - j'ai notamment bien aimé les prestations de Marmaï et Haenel mais aussi (peut-être un peu moins, mais tout de même) celle de Bonnard. Le montage du film, qui utilise beaucoup de retours, d'échos à but comique n'est clairement pas toujours très réussi - notamment l'irruption récurrente de la scène d'ouverture qui devient fatigante à la longue... ; j'ai également trouvé la scène où Haenel raconte à son enfant l'histoire de son père assez mal gérée - alors que ça aurait pu être un très bon point.

Si tu recherches de la bonne comédie bien française, j’ai un truc que tu vas adorer (dépêche-toi si tu as Ciné+):


• Raoul André: Y’a un os dans la moulinette (1974)

Emeryck parlait ici de Ces Messieurs de la gâchette du même réalisateur; eh bien là, ça va peut-être encore plus loin (et il n’y a même pas Francis Blanche, Poiret et Serrault.) En fait, rien qu’à lire le titre et la distribution (Michel Galabru, Daniel Prévost, Paul Préboist, Darry Cowl, Marion Game, Henri Guybet, Christian Marin…), on devine que ça va être grand.

Le scénario est d’une débilité absolue: à la suite d’un quiproquo, deux comédiens ratés (Galabru et Prévost) sont engagés comme détectives privés par un richissime industriel (Préboist) qui héberge dans son château sa fille lycéenne (qui fait en cachette des photos de charme) et une sorte de savant fou amoureux de ladite fille (Cowl.) C’est une incroyable succession de gags pas drôles mal raccordés, généralement d’un arbitraire absolu et d’une pénible répétitivité (par exemple, Préboist passe son temps à shooter dans des ballons de foot pour casser des vitres), ou alors dont le principe déjà lui-même éculé est réutilisé jusqu’à usure complète (par exemple, toute la scène qui fonctionne sur deux effets burlesques - la fléchette hypodermique et la poignée de porte électrifiée), le tout rehaussé par de fulgurants jeux de langage («Ma gosse, c’est une gosse, alors elle se gausse» - avec l’accent méridional de Préboist qui prononce «gausse» comme «gosse», «Pas de pelotage avant le mariage», sans parler de tout ce qui joue sur le zézaiement de Cowl…) À noter aussi, quelques pin-up en maillot de bain hors de toute nécessité narrative (apparemment, c’est le dernier film grand public du réalisateur, qui a terminé sa carrière dans le cinéma érotique avec La Kermesse érotique et Serre-moi contre toi, j’ai besoin de caresses aussi intitulé Avec quoi soulèves-tu l’édredon?)

Évidemment, aucune direction d’acteurs - tous partent en roue libre, ça joue faux, ça cabotine et ça criaille dans tous les sens comme dans un mauvais Au théâtre ce soir - et tout le côté burlesque et gags visuels est filmé de façon totalement incompétente - la mise en scène paraît à la fois hystérique et molle, c’est assez étonnant.

Ça faisait une éternité que je n’avais pas vu un truc de cet acabit - à côté de ça, la série des Gendarmes ou de la Septième Compagnie, c’est un mélange de Keaton et de Lubitsch.

J'ai en plus l'impression que ses films - contrairement à certains films de Jacques Besnard, par exemple, que je trouve vraiment amusants mais d'un niveau sans doute similaire - ne sont même pas drôle mais plus irritants qu'autre chose - enfin, il faut dire que Darry Cowl est sans doute l'acteur qui m'énerve le plus, je ne peux pas le supporter en général ; alors en plus s'il n'y a ni Serrault, ni Blier pour rattraper le truc... Je vais essayer de voir ça - il y a aussi Le grand bidule (!) sur ma liste.

Stéphane Brizé : En guerre        2018


Dans la filmographie de Stéphane Brizé, on peut ranger ce film aux côtés de La loi du marché et sans doute aux côtés de Un autre monde, son dernier film : les trois films donnent le rôle principal à Vincent Lindon et abordent assez frontalement certains problèmes dans le monde du travail ; je suis d'ailleurs assez curieux de voir à quoi ressemblent ses autres films. Dans La loi du marché, le film était déjà assez brut dans sa construction mais je crois qu'ici, l'entreprise est beaucoup plus radicale : le film alterne les imitations de chaînes d'information en continu, les scènes de négociation entre les ouvrier(e)s et les dirigeants et les scènes de discussion (et de tension) entre les employé(e)s. Le film montre la lutte d'employé(e)s d'une usine de 1100 postes contre sa fermeture décrétée par le groupe - alors même que celui-ci fait des bénéfices florissants ; le film montre alors la déconnexion totale des dirigeant(e)s - par exemple, ce président-fantôme que personne ne verra jamais, qui enverra toujours des subalternes ou alors le fait qu'il y ait plusieurs dirigeants dans plusieurs pays - mais également (et c'était déjà abordé sous un angle un peu différent dans La loi du marché à travers le personnage de Lindon qui, parce qu'il a du mal à aller jusqu'à la fin du mois, doit accepter ce poste de vigile et par-là même arrêter des gens qui ne paient pas leur viande parce qu'ils ne le peuvent pas) l'inertie sociale à l'oeuvre dans les grèves : certain(e)s employé(e)s se désolidarisent (malgré elleux, sans doute) du mouvement parce que le patron leur promet un chèque de vingt ou trente mille euros ; c'est bien sûr un mécanisme souvent à l'oeuvre au sein des grèves (lorsqu'il n'y a pas de fond ou de cagnotte de grève) et que certain(e)s patron(ne)s ne se privent pas d'utiliser tacitement. Le film parle également de la manière dont sont relayées les luttes dans les chaînes d'information en continu : le ton est d'emblée contre les grévistes, avec des images sans aucun contexte, les commentateur/trices mettant l'accent sur la violence des grévistes - bien sûr, celle-ci, on peut la montrer en cinq secondes... Bref, rien de véritablement nouveau, mais je ne sais pas si ç'avait été abordé de cette manière au cinéma. Sinon, j'ai tout de même pas mal de réserves sur ce film (que j'ai moins aimé que La loi du marché) : déjà, je l'ai trouvé assez mal construit (les scènes un peu plus centrées sur la vie de Lindon ne vont nulle part) et surtout, j'ai trouvé assez pénible que Lindon soit le seul acteur professionnel dans la distribution et que ce soit le personnel principal : les autres protagonistes sont vraiment fonctionnels, là pour la crédibilité, donner l'impression d'une masse mais ils ne sont individuellement pas du tout importants - et n'ont bien sûr aucune épaisseur ; pour moi, le film tombe un peu dans ce travers de déconnexion qu'ils dénonce ; la fin, c'est l'apothéose (spoiler : le personnage de Lindon s'immole par le feu mais concernant tous les autres employé(e)s, on nous balance une petite phrase de trois secondes pour dire qu'iels sont réintégré(e)s et puis voilà, tout va bien, c'est reparti pour un tour).

Emeryck a écrit:

il y a aussi Le grand bidule (!) sur ma liste.

C'est peut-être le grand bidule qui soulève l'édredon?
Ça fait rudement envie aussi. (Cela dit, d'après ce que je lis, il faut certes se fader l'insupportable Darry Cowl, mais il y a quand même Poiret & Serrault et surtout Francis Blanche en savant russe passé à l'Ouest.)

James Whale : The invisible man        1933


Ce film s'inscrit dans la série de films fantastiques produits par Universal dans les années trente et dont les plus réussis étaient souvent réalisés par Whale : Frankenstein, The old dark house, The bride of Frankenstein ou même le Dracula de Browning. Ici, le film adapte le roman homonyme de H. G. Wells et met en scène (tenez-vous prêt(e)s !) un homme qui a synthétisé un produit qui le rend invisible ; d'ailleurs, c'est assez amusant car sa première apparition est très matérielle : il entre dans une petite auberge, le visage couvert de bandages et portant de larges lunettes noires fumées donc au contraire, très visible et remarquable ; lorsque le couple tenant l'auberge va découvrir qu'il a déployé son arsenal de préparation chimique dans la chambre, ils vont décider de l'expulser et c'est là qu'on découvre sa singularité. Le film va alors dériver vers quelque chose d'assez comique puisque l'homme invisible peut singer n'importe qui (et ne s'en prive pas !) et je pensais que le film allait poursuivre sur quelque chose autour du contrôle (notamment, les policiers qui mettent à prix la tête de l'homme invisible et rivalisent d'ingéniosité pour essayer de repérer l'homme invisible) et de la perte de contrôle mais le film prend une direction un peu plus contrastée puisque l'homme invisible est en roue-libre totale et commence à faire dérailler des trains, pousse des gens depuis une falaise, etc. On retrouve bien sûr les thématiques de Frankenstein et The bride of Frankenstein, notamment sur l'interaction entre la science et l'humain, cette dernière permettant de modeler et de repousser les limites du possible ; ici, c'est cependant un peu différent (et sans doute peut-être plus moderne) puisqu'il n'y a pas un savant et une créature mais un seul et même personnage qui est d'une certaine manière les deux à la fois. Sinon, comme d'habitude chez Whale, la concision est de mise (le film dure seulement un peu plus d'une heure dix !) et les ambiances sont vraiment prenantes (avec, comme je le disais, un grand contraste de tonalités dans ce film par l'irruption de scènes comiques) ; en plus, les truquages sont impeccables - ça n'a pas dû être simple.

Maurice Pialat : Passe ton bac d'abord...        1978


D'une certaine manière (approximative et sans doute motivée par une manie de regroupement), ce film se trouve dans le sillage de L'enfance nue : il se déroule également dans le Nord, il parle aussi de la jeunesse ; en ce second sens, on pourrait sans doute aussi le rapprocher de À nos amours ; malgré tout, je l'ai trouvé moins réussi que ces deux-là : j'ai trouvé que tout était trop égal et aucune scène ne m'a véritablement marqué ; bien sûr, ça sonne très vraisemblable et le film dépeint à mon avis assez bien ce moment transitoire que représentent les épreuves du baccalauréat (enfin, à la fin des années soixante-dix), la coexistence de plusieurs mondes (générationnellement distribués, entre autres), les élans parfois contraires, inconsistants mais bon, à ce stade, je ne trouve pas ça très passionnant.

Zaï zaï zaï zaï

Daniel Schmidt & Gabriel Abrantes : Diamantino        2018

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Il me semble qu'il s'agit du premier long-métrage des deux réalisateurs, c'est un film assez curieux, très inventif mais qui s'égare un peu. Tout au long du film, on suit Diamantino, une sommité du football portugais mais suites à de curieuses hallucinations/rêveries (des chiens géants qui courent sur le terrain qui devient tout à coup rose bonbon !), il rate un match et devient alors l'objet de memes autour du glow-down et de l'échec. Il décide alors de recueillir un jeune migrant, sauf que celui-ci (ou plutôt celle-ci, puisque c'est en fait une fille) est envoyée pour inspecter les comptes de Diamantino, à la recherche d'éventuelles fraudes fiscales - dommage pour elle, elle ne tombe sur rien à part des photos de chiens mignons et des montages photo au goût très sûr. Parallèlement, Diamantino voit la docteure Lamborghini ("comme ta voiture" précise-t-on dans le film) qui exerce sur lui des manipulations génétiques mais il est aussi sollicité par un parti d'extrême-droite (complotiste, ce qui est en soi un peu redondant) pour un spot publicitaire ; sinon, il a aussi deux sœurs dignes des jumelles de The shining qui veulent s'accaparer sa fortune. J'ai beaucoup aimé l'esthétique du film (très variée, camp et donc assez haute en couleurs) et plusieurs moments sont drôles mais, comme je le disais précédemment, je trouve que le film aborde trop de choses et les aborde conséquemment en surface - bien sûr, la tonalité à laquelle il fait appel est ironique mais même vu sous cet angle-là, je ne trouve pas ça intéressant : il s'agit juste de pointer des choses (déréalisation des possédants de grosses fortunes, montée de l'extrême droite et du complotisme, etc.) sans rien en dire d'intéressant ; ensuite, je trouve qu'il y a tout de même des maladresses sérieuses (pour être gentil - sinon, je dirais qu'il y a un petit fond (peut-être involontairement) transphobe) notamment autour de ce que raconte le volet sur les mutations génétiques : sur le corps de Diamantino poussent des seins et c'est vraiment considéré comme une anomalie, ça devient également assez gênant avec le personnage de l'espionne (pourquoi se fait-elle passer pour un garçon ? surtout que ça n'a pas l'air d'être un choix personnel) et surtout quand les deux couchent ensemble (alors que par ailleurs, on sait ouvertement que l'espionne a une copine - qui se déguise en bonne sœur, mais ça, c'est une autre histoire) ; je me serais bien passé de ça, honnêtement ; c'est dommage car sinon, c'est un film qui sort des sentiers battus et qui ne souffre d'aucune longueur.

Alain Guiraudie : Viens je t'emmène        2022

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J'attendais ce film depuis un certain temps car Guiraudie est un réalisateur que j'apprécie énormément et à la découverte du pitch, j'avoue que j'ai été un peu interloqué, me demandant ce que Guiraudie allait faire de ça. Rappelons-le, le film se passe à Clermont-Ferrand met en scène un homme lambda (dont on ne sait pas grand-chose à part qu'il semble être informaticien et célibataire) qui aborde une prostituée dans la rue (je ne me souviens plus de la réplique exacte mais c'était assez amusant) ; ils se revoient dans un hôtel et soudain, une attaque terroriste survient dans la ville puis, ça y est, le film est lancé. J'ai trouvé que le film péchait un peu sur son aspect plus ouvertement politique (autour du djihadisme, notamment) : il ne propose pas quelque chose de véritablement abouti (je ne sais pas si c'est ce qui l'intéresse en premier lieu cela dit, mais le sujet est tout de même au centre du film) et enchaîne les revirements à ce sujet (mais après, ça a aussi du sens) ; j'ai trouvé qu'il y avait également quelque chose d'un peu étrange/maladroit autour de l'homosexualité (qui m'a un peu surpris connaissant Guiraudie qui porté à l'écran plusieurs très belles relations gay) : les personnages (notamment celui de Médéric) semblent se déclarer homosexuel comme ça les arrange et avec le contexte, on dirait vraiment que c'est parce qu'ils veulent échapper aux avances d'une femme envers qui ils n'éprouvent pas de sentiments amoureux - après, peut-être qu'ils n'ont pas osé dévoiler leur homosexualité (c'est aussi une trajectoire que l'on peut trouver chez Guiraudie notamment à travers le personnage de Patrick d'Assumçao dans L'inconnu du lac mais si c'est le cas, c'est tout de même assez mal amené - à titre de comparaison, la relation naissante entre le vieux avec des armes chez lui et Médéric, qui rappelle la relation entre le nouvel ouvrier et le vieil ouvrier dans Ce vieux rêve qui bouge, par exemple) ; c'est à peu près tout ce que j'aurai à reprocher au film ; on pourrait croire que je ne l'ai pas beaucoup aimé mais en fait, si. Tout d'abord, le point qui m'a le plus séduit et stimulé (et qui viendra nuancer un peu ma critique de l'aspect directement politique du film), c'est la gestion de l'espace, qui est vraiment signifiante et remarquable : à la rhétorique usuelle du chez-nous/chez-eux (que l'on voit bien à l'œuvre en ce moment) et donc de la négation de territoire, le film répond par une dissolution progressive de tout l'espace du film : au début du film, les lieux sont très distincts (traités de manière polaire et permettant donc de mettre l'accent sur le trajet entre eux : l'hôtel de France (!), l'appartement de Médéric, la maison d'Isadora ; l'hôtel est d'abord le lieu neutre, qui n'appartient à aucun des deux protagonistes - qui peut ici jouer le rôle que la gare joue dans certains films ; des petits détails rend ces lieux très disjoints les uns des autres (les séances de footing de Médéric, la séquence où il découvre où habite Isadora, l'évolution progressive de Selim dans l'immeuble) et à la fin, ils semblent tous confondus, les personnages semblent être partout à la fois, c'est un véritable jeu de pistes replié sur lui-même, extrêmement ludique et j'ai beaucoup aimé l'évolution de l'ambiance : à la fois comique mais aussi inquiétante - notamment l'hôtel ! En passant, le film aborde subrepticement quelques autres thématiques, notamment la domination masculine (le mari d'Isadora qui n'hésite pas à la frapper "parce qu'il l'aime trop, c'est plus fort que lui" selon l'intéressé, mais aussi le voisin qui vient sans doute inspecter la maison d'Isadora dès que son mari s'absente, allant jusqu'à insister pour entrer et vérifier que tout se passe bien, lui donnant des recommandations) et il montre également quelques réactions à l'oeuvre face au terrorisme et à la délinquance (montée de la violence, discrimination systém(at)ique, etc. - et la manière dont les chaînes d'information en continu gèrent ça) et avec cette phrase très ironique qui revient souvent "pourtant, c'est rare de voir un arabe à la rue". Pour finir, Guiraudie avait jusque-là beaucoup filmé (de manière assez frontale) le corps des hommes (particulièrement dans L'inconnu du lac ce qui lui avait valu de recevoir des réflexions homophobes (lorsqu'il cherchait un producteur pour ce film) comme "c'est un film de pédés pour pédés") mais ici, il me semble que c'est la première fois qu'il filme un corps de femme (celui d'Isadora, interprétée par Noémie Lvovsky) donnant lieu à de très beaux plans, et allant à rebours de cette manie de ne montrer que des jeunes femmes en plein dans les canons esthétiques lorsqu'il s'agit de femmes nues ou dans des scènes supposées être un peu sensuelles/charmantes ; je crois que j'avais lu quelque part que Guiraudie avait dit qu'il voulait faire la nique à la réflexion de Yann Moix (de la haute volée, forcément) sur les femmes de cinquante ans, qui seraient trop vieilles.

Mathieu Amalric : Serre moi fort        2021


J'aime beaucoup Amalric en tant qu'acteur, je connais un peu moins son travail de réalisateur (même si Tournée et Barbara m'avaient beaucoup plu et La chambre bleue un peu déçu) mais je trouve qu'il y a toujours de bonnes idées formelles dans ses films - la manière de subvertir le biopic dans Barbara, par exemple. Concernant ce film, il m'a beaucoup touché notamment en raison de la manière dont il est construit (bon, là, ça va spoiler sévère) : le film commence sur ce qu'on croit être le départ de Clarisse de sa famille, une échappée comme le cinéma en a si souvent montré ; mais en fait, ce n'est pas ça : le synopsis le dit très bien "Ça semble être l'histoire d'une femme qui s'en va." - pour une fois, c'est un synopsis que je trouve assez beau, notamment parce qu'il n'est pas du tout assertif ; en fait, on apprend que la famille de Clarisse a disparu dans un accident de ski et le film ne raconte pas l'histoire d'une femme qui s'en va mais plutôt celle d'une femme qui n'arrive pas à partir ; dans une construction constellaire, le film montre alors le processus (difficile) de deuil de Clarisse, ce moment où l'on a du mal à réaliser et où l'on vit un peu comme ça va : on n'est pas encore dans quelque chose de l'ordre du souvenir mais comme une résonance et le film mêle donc très justement les moments de vie de la famille, leurs trajectoires (la fille qui s'éprend du piano - j'ai trouvé que c'était un très bon choix, d'une part pour le rôle de la résonance mais aussi par la construction motivique du film ; je pense par exemple, à la scène ouvrant le film où Clarisse joue au memory avec des polaroïds de sa famille ; et au-delà de ça, j'ai trouvé ça très touchant, de passer les extraits de session de travail de la fille). Le film repose également en grande partie sur les épaules de Vicky Krieps qui est absolument remarquable, elle arrive vraiment à faire passer ce complexe de sentiments, la tristesse mêlée à la joie de la projection, l'angoisse, le trop-plein. J'ai aussi pensé à Drive my car de Hamaguchi puisque dans les deux films (sortis en même temps, à quelques mois près), la voiture tient un rôle important, comme une sorte de berceau temporel - une Saab 900 dans Drive my car et une Pacer ici, des voitures ouvertement de leur temps. Faire un film aussi fort, juste et prenant sur un thème aussi banal que le deuil, c'est fort ; un film que je reverrai avec plaisir - c'est juste dommage que le twist arrive si tôt (même si, honnêtement, il n'est pas tellement appuyé, tout est tellement emmêlé dans ce film) ; très belle découverte.

Fabrice du Welz : Vinyan        2008


C'est assez amusant car la thématique centrale de ce film est très proche de celle de Serre moi fort d'Amalric, même si les films sont d'un genre bien différent : le du Welz donne dans le genre raté. Il s'agit de son deuxième long-métrage (et du premier que je vois - j'avoue que ça ne me donne pas tellement envie d'aller plus loin...) ; l'histoire est vraiment grotesque : deux touristes (ou expatriés, peut-être ?) sont en Thaïlande et ont perdu leur fils dans un tsunami survenu l'année précédente ; lors d'une soirée, la mère croit reconnaître son fils sur une vidéo amateur projetée lors de la soirée ; elle va essayer, de fil en aiguille, de le retrouver ; on souffle déjà un peu à l'énoncé du pitch mais ça va, avec ça, on peut toujours faire un truc correct ; là où ça se corse, c'est sur la questions des représentations : les populations locales sont vraiment montrées négativement (vs. les pauvres expats endeuillés - ayez davantage de compassion pour eux, s'il vous plaît !), malfaisants, etc. ; après, bien sûr, c'est la mère qui délire (bah oui ! l'amour maternel + les femmes, sensibilités pures, etc. - et bien sûr, ça rejoint le faisceau usuel : folle, hystérique, etc.) alors que le père est très posé. Au-delà de ça, le jeu d'acteurs est assez/vraiment mauvais (pourtant, ce n'est pas un point sur lequel je suis extrêmement regardant - non, ne me dites pas "c'est clair : tu aimes même les films de Rohmer !"), l'histoire est nulle, les images sont vraiment plates par leur aspect générique ; je n'ai même pas fini le film (cela m'arrive très rarement) tellement j'ai trouvé ça pas terrible - mais surtout parce que le film se prend très très au sérieux et pense nous raconter quelque chose d'extraordinaire, d'une densité superlative. En espérant que ce ne soit qu'une mauvaise pioche dans la filmographie du réalisateur belge.

François Ozon : Tout s'est bien passé        2021


Ce film est l'adaptation du roman homonyme d'Emmanuèle Bernheim, elle y parle principalement de la question de l'euthanasie à travers l'exemple de son père, victime d'un AVC qui l'avait considérablement amoindri et qui voulait en finir ; c'est également l'occasion pour Ozon de rendre hommage à Emmanuèle Bernheim qui a co-écrit le scénario de plusieurs de ses films. J'étais curieux de voir ce film parce que j'avais assez aimé le livre mais honnêtement, j'ai été un peu déçu : tout d'abord, le film traîne en longueur (quasiment deux heures !) et même si les acteurs/trices sont bon(ne)s (Dussolier en premier lieu mais aussi Rampling, Marceau et Pailhas), le film n'arrive pas bien à restituer la manière (presque lapidaire) dont écrit Bernheim et du coup, ça devient beaucoup plus pataud ; cependant le film arrive à restituer un peu l'humour grinçant du père, ça lui sauve parfois un peu la mise - avec les quelques moments de beauté (déjà présents dans le livre), notamment la fin. De manière générale, j'ai trouvé qu'il n'y avait pas beaucoup d'idées de mise-en-scène et les choses qu'Ozon a ajoutées dans le film (je pense aux brèves séquences de flashback - il ne me semble pas que c'était dans le livre), ça ne fonctionne pas vraiment et ça ne rend que plus empesé le film ; je pense que le film aurait été beaucoup mieux s'il avait été raccourci d'une vingtaine (ou trentaine) de minutes et s'il s'était plus reposé sur le rythme et la trame du livre plutôt que sur un énoncé exhaustif de tout ce qu'il s'y passe. J'espère qu'Ozon reviendra en forme avec Peter von Kant, adaptation de la pièce Les larmes amères de Petra von Kant de Fassbinder - on a toutes les raisons de penser que oui quand on a Gouttes d'eau sur pierres brûlantes en tête, qui était déjà l'adaptation d'une pièce de Fassbinder.

Chloé Zhao : Songs my brothers taught me        2015

 +
Il s'agit du premier long-métrage de la réalisatrice sino-américaine Chloé Zhao (dont j'avais adoré The rider et dont le Nomadland m'avait assez déçu) ; le film prend place dans une réserve indienne du Dakota, on y suit John (et sa sœur Jashaun) qui est à un moment charnière de sa vie : il va bientôt terminer ses études secondaires, et a prévu de partir du côté de Los Angeles avec sa petite amie ; le film parle avant tout de ce moment de transition et, en passant, parle de l'histoire de cette réserve de Pine Ridge (notamment d'un massacre perpétré à la fin du dix-neuvième siècle par l'armée américaine où plusieurs centaines d'habitant(e)s ont été tué(e)s). J'avoue que j'ai été également assez déçu : la photographie est bien sûr très belle (même si elle est peut-être caricaturalement indie) mais j'ai trouvé l'histoire trop dépouillée, et en dépit de quelques belles scènes, les trajectoires portées à l'écran ne m'ont pas véritablement passionné : la partie médiane du film interfère finalement assez peu sur la trajectoire de John - qui est celle qui ouvre et qui clôt le film - et donne peut-être l'impression d'être parfois superflue - même si le rôle-témoin de Jashaun est intéressant mais il n'est peut-être pas assez bien intégré ; peut-être qu'il aurait été bien de travailler davantage l'articulation des trajectoires respectives du frère et de la sœur. 

Bertrand Tavernier : La mort en direct        1980


Ce film est assez à part dans la filmographie de Tavernier : il s'agit de sa première (seule ?) irruption dans le registre de la science-fiction mais de la science-fiction à la Tavernier, c'est-à-dire sans effets spéciaux ; il s'agit également de son premier tournage anglophone - le film a été tourné à Glasgow. Le casting est lui aussi assez curieux : Romy Schneider et Harvey Keitel pour les deux rôles principaux - on trouve aussi Max von Sydow dans le rôle de l'ancien mari de Romy Schneider. Le film est une adaptation du roman The continuous Katherine Mortenhoe, or the unsleeping eye de Compton, le film se passe dans le futur, la science a réussi à affranchir les gens malades de la mort et parmi tous ceux-là, le personnage de Schneider est atteinte d'une maladie qui échappe à cette règle et apprend qu'elle va mourir dans quelques semaines ; une chaîne de télévision saute alors immédiatement sur l'occasion et décide d'en faire une sorte d'émission de télé-réalité appelée "La mort en direct" ; elle accepte puis se rétracte mais va être constamment harcelée/suivie par un homme (Harvey Keitel) qui va la filmer à son insu avec une caméra greffée dans son œil. Je suis assez partagé car d'un côté, le film est pertinent (et sans doute un peu avant-gardiste, même si des films comme Network de Lumet avaient déjà parlé de ça) mais d'un autre côté, le propos est tout de même parfois un peu lourd - mais peut-être que ce n'était pas le cas à l'époque, puisque maintenant, ce genre de propos est vraiment banal et c'est peut-être pour ça que le propos semble lourd ; en plus de ça, le film est assez long (deux heures dix) et a quand même pas mal de creux (d'autant plus que, comme s'il ne voulait absolument pas tombé dans ce qu'il dénonce, le film ne montre vraiment pas grand-chose et est assez froid/distant), même si, heureusement, la photographie et la mise-en-scène sont vraiment très soignées et les acteurs/trices sont vraiment très bien. En fait, je dirais que le propos n'a pas extrêmement bien vieilli mais l'ambiance est agréable. Une petite anecdote amusante pour finir : la musique du film a été composée par Antoine Duhamel et à la fin, ce dernier a composé une pièce vocale qu'ils attribuent à Robert de Bolléac (alors que, bien sûr, c'est une composition de Duhamel) ; du coup, à la sortie du film, Tavernier raconte qu'il a reçu des messages de la FNAC lui demandant des renseignement sur Robert de Bolléac parce que des tas de personnes voulaient se procurer des enregistrements de ses œuvres, etc. 

Tiens, ça fait envie; ça n'a pas ce côté emphatique qui, souvent, me retient d'adhérer totalement aux films d'Audiard?

Emeryck a écrit:

en plus, l'omniprésence des trajectoires rend le film encore plus socialement pertinent - si j'étais un peu incisif, j'écrirais : "si vous pensez ça, c'est que vous êtes vieux ou alors de droite, I don't make the rules".

Pas compris la phrase - c'est si on pense quoi qu'on est vieux ou de droite?

Benedictus a écrit:

Tiens, ça fait envie; ça n'a pas ce côté emphatique qui, souvent, me retient d'adhérer totalement aux films d'Audiard?

Emeryck a écrit:

en plus, l'omniprésence des trajectoires rend le film encore plus socialement pertinent - si j'étais un peu incisif, j'écrirais : "si vous pensez ça, c'est que vous êtes vieux ou alors de droite, I don't make the rules".

Pas compris la phrase - c'est si on pense quoi qu'on est vieux ou de droite?

Je ne trouve pas ; je trouve ça peut-être plus intime - je ne sais pas si c'est le bon mot - et du coup (?) moins grandiloquent.

Si on pense que le film ne raconte rien et est socialement inerte - surtout le second aspect, en fait. Bien sûr, cette phrase était (volontairement) exagérée mais peut-être pas tout-à-fait fausse (en tout cas dans les critiques que j'ai pu lire) mais je trouve que dire ça, c'est ne pas voir les aspects que je mentionne qui sont assez remarquables. Pour être plus précis, je comprends qu'on dise que le film ne raconte rien parce qu'au fond, il nous montre quatre trajectoires qui vont interférer les unes avec les autres et cela va être l'occasion de parler de différents sujets mais malgré le fait que le film ne s'enferme pas dans un sujet (d'où cette impression de fluidité dont je parlais dans mon post), les sujets abordés ne le sont pas superficiellement - en tout cas, en regard du temps durant lequel ils sont portés à l'écran. 

Je ne sais pas si tu aimerais ce film, peut-être que tu trouveras ça vain, je ne sais pas.

Emeryck a écrit:

Je ne trouve pas ; je trouve ça peut-être plus intime - je ne sais pas si c'est le bon mot - et du coup (?) moins grandiloquent.

Pour ce que j'en ai vu, j'ai l'impression que le côté emphatique ou grandiloquent est un peu consubstantiel à la manière d'Audiard; mais autant j'avais trouvé que ça fonctionnait bien dans ses films de genre «subvertis» (Regarde les hommes tomber, Un prophète, The Sister Brothers) autant ça m'a toujours empêché d'entrer complètement dans ses films plus «intimes» ou «sociologiques» (Sur mes lèvres, De rouille et d'os, Dheepan.)

Emeryck a écrit:

Si on pense que le film ne raconte rien et est socialement inerte - surtout le second aspect, en fait. Bien sûr, cette phrase était (volontairement) exagérée mais peut-être pas tout-à-fait fausse (en tout cas dans les critiques que j'ai pu lire) mais je trouve que dire ça, c'est ne pas voir les aspects que je mentionne qui sont assez remarquables.

Ah, d'accord. En fait ma question n'était pas du tout une question de fond (sur le caractère éventuellement exagéré de ta phrase, etc.), c'était une question purement grammaticale (je ne voyais pas du tout à quel antécédent pouvait renvoyer le pronom ça dans «si vous pensez ça...»)

Emeryck a écrit:

Je ne sais pas si tu aimerais ce film, peut-être que tu trouveras ça vain, je ne sais pas.

On verra bien - de toute manière, comme je suis vieux et réac, il ne risque pas d'y avoir de mauvaise surprise.

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

Je ne trouve pas ; je trouve ça peut-être plus intime - je ne sais pas si c'est le bon mot - et du coup (?) moins grandiloquent.

Pour ce que j'en ai vu, j'ai l'impression que le côté emphatique ou grandiloquent est un peu consubstantiel à la manière d'Audiard; mais autant j'avais trouvé que ça fonctionnait bien dans ses films de genre «subvertis» (Regarde les hommes tomber, Un prophète, The Sister Brothers) autant ça m'a toujours empêché d'entrer complètement dans ses films plus «intimes» ou «sociologiques» (Sur mes lèvres, De rouille et d'os, Dheepan.)

Oui mais pour Dheepan, l'explication est très simple : c'est un film raté.   
Quant à De rouille et d'os, je suis d'accord, c'est vraiment grandiloquent (dans un sens un peu pénible), un des moins bons Audiard, à mon avis ; j'ai par contre un bon souvenir de Sur mes lèvres mais je crois que Les olympiades n'est pas vraiment (et ouvertement) un film sur quelque chose - contrairement à Sur mes lèvres ; certain(e)s dirait que ce dernier est un film à thèse, même si ce n'est pas du Cayatte non plus. 

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

Je ne sais pas si tu aimerais ce film, peut-être que tu trouveras ça vain, je ne sais pas.

On verra bien - de toute manière, comme je suis vieux et réac, il ne risque pas d'y avoir de mauvaise surprise.

Claude Miller : La question ordinaire        1969

 +
Il s'agit de la seconde réalisation de Miller (juste après Juliet dans Paris, donc) et comme ce dernier, ça ne ressemble pas du tout au reste de la filmographie du réalisateur - sans pour autant vraiment ressembler à Juliet dans Paris ; ici, l'influence godardienne est extrêmement nette, ne serait-ce que dans le montage, les couleurs ou le type de décor. Le film parle de la torture durant la guerre d'Algérie (et je pense que le titre fait ironiquement référence au nom qu'elle portrait en ce temps-là : les événements, c'est-à-dire quelque chose de très ordinaire) - que Godard avait déjà abordé dans Le petit soldat, ce qui lui a valu d'être censuré, d'ailleurs - ; pendant ce temps-là, une femme semble vouloir filmer tout ça et il y a encore un truc autour du sang mais j'avoue que c'est moins réussi (sans être raté pour autant) que son premier court-métrage.

Kenneth Anger : Eaux d'artifice        1953


Ce film semble assez à part dans la filmographie de Kenneth Anger (enfin, je la connais assez mal, cela dit) puisqu'il n'y est ni question d'homoérotisme, ni de quelque chose autour de la transe - thématiques centrales dans sa filmographie. Le film dure un peu plus de dix minutes et filme des fontaines et une femme qui se promène dans les jardins alentours qui sont comme deux voix distinctes : tout d'abord, tout semble très indépendant (y compris la musique, L'hiver de Vivaldi, original !) et petit à petit, la femme se fond de plus en plus avec les jeux d'eau jusqu'à fusionner avec et le montage épouse le rythme de la musique ; du coup, le début n'est pas très passionnant et la fin n'est pas mal mais la progression n'est pas extrêmement intéressante ni bouleversante. 

Ordet - Gustaf Molander - 1943

Je connais l'Ordet de Dreyer, mais pas celui-ci.

Rubato a écrit:

Je connais l'Ordet de Dreyer, mais pas celui-ci.

Apparemment c'est celui de Dreyer qui fait référence. J'aimerai le voir car j'ai été interpellé par l'histoire.

Thelonious a écrit:

Rubato a écrit:

Je connais l'Ordet de Dreyer, mais pas celui-ci.

Apparemment c'est celui de Dreyer qui fait référence. J'aimerai le voir car j'ai été interpellé par l'histoire.

J'aime beaucoup celui de Dreyer.
Preben Lerdoff Rye dans le rôle de Johannes Borgen…!!!!

On le retrouve aussi dans Jour de colère (Vredens Dag)

Amro Hamzawi : Éléonore        2020


Il s'agit du premier film du réalisateur franco-libanais Amro Hamzawi, il a confié le premier rôle à sa sœur Nora Hamzawi ; il me semble qu'elle avait fait plusieurs one-woman show et le film reprend d'ailleurs cette maquette : tout est extrêmement centré autour du personnage d'Éléonore, interprété par Hamzawi. Le film est du coup assez dynamique mais on ne comprend pas trop où il veut en venir, c'est une succession de moments parfois assez drôles et peut-être un peu piquants (le personnage du patron misogyne incarné par André Marcon) mais les personnages sont caricaturalement drôles mais trop peu creusés et pas très intéressants ; en plus, l'aspect technique est vraiment quelconque, ce qui n'arrange rien ; c'est dommage car le film aborde des thèmes intéressants mais jamais approfondis - bon, ok, on n'a compris que le film n'était pas très dense.

Paul Thomas Anderson : Licorice pizza        2021

 +
J'avoue que je ne sais pas (encore) tout-à-fait à quel point j'aime ce film ; ce qui est déjà sûr, c'est que ce n'est pas mon film préféré du réalisateur : j'ai trouvé certaines scènes très belles et certains échos assez beaux (le début avec la fin qui est finalement assez drôle, presque socialement et dramatiquement imposée) mais concernant tout ce qui se passe entre ces deux scènes extrémales, j'avoue que je n'ai pas été durablement touché par les trajectoires des personnages ; j'avoue que ça me perturbe un petit peu car j'ai l'impression que le film veut qu'on s'intéresse à ces personnages (peut-être plus que dans les autres films d'Anderson, du moins du point de vue de la proximité) mais à la fois, il n'y a émotionnellement pas grand-chose à quoi se rattacher, je trouve - ou alors c'est juste moi qui n'y suis pas sensible. Le point fort de ce film, c'est assurément l'ambiance 70's qu'il réussit à installer (même si, honnêtement, de ce point de vue, je préfère Boogie nights), tout en ayant un regard tout de même un peu critique (le film est teinté de second degré, je crois - ne serait-ce que l'histoire entre les deux personnages principaux) ; ce que j'ai beaucoup apprécié, c'est la manière dont le film restituait la dynamique extrêmement changeante de ces années-là, catapultées par le mouvement hippie qui coexiste avec une société toujours très capitaliste, toujours plus libérale et donc violente - avec notamment pour conséquence le premier choc pétrolier qui est vraiment un point crucial du film ; les personnages exercent tour-à-tour des tas de métiers différents (acteur, vendeur de matelas à eau, partenaire de campagne pour un homme politique, etc.), je trouve que ça donne beaucoup de prise à cette dynamique très changeante.  Sinon, j'ai beaucoup aimé les (nombreuses) scènes de course dans le film et le jeu des deux acteurs principaux (la chanteuse Alana Haim et Cooper Hoffman, fils d'une figure andersonnienne, Philip Seymour Hoffman).

Alain Guiraudie : Du soleil pour les gueux        2001

 +
Ce film est sorti la même année que Ce vieux rêve qui bouge - je ne sais pas lequel a été tourné en premier - et est pourtant assez différent : il est une sorte de continuation de Tout droit jusqu'au matin, et même une amplification puisqu'il y est aussi question de traque et de paysages presque vides ; ce film essaie aussi de créer son propre imaginaire : ici, un des personnages (une coiffeuse au chômage) est à la recherche de bergers d'ounayes (des créatures imaginaires), mais sur son chemin, elle va rencontrer plusieurs hommes : un berger qui a perdu ses ounayes et qui les cherche, ils croient un berger qui a essayé de changer de profession (pour être "guerrier de poursuite" !) et un autre qui semble constamment pourchassé (un "bandit d'escapade") ; ils ont tous des noms improbables (Pool Oxasonas Daï pour l'un et Djema Gaouda Lon pour l'autre) et leurs trajectoires ne sont pas en reste ; le film confine vraiment à l'absurde (et est assez drôle) mais j'ai beaucoup aimé la manière dont les personnages interagissaient : notamment la femme et le berger qui se rencontrent, qui pourraient aller ensemble (il a des ounayes, elle veut en voir) mais comme il les a perdus, ça ne fonctionne pas ; et du coup, ils sont maintenant tous les deux à la recherche d'ounayes. Le film parle de pas mal d'autres thématiques, parfois un peu ronflantes (la liberté, le salariat, le lieu) mais ce n'est jamais lourd ; c'est beaucoup plus réussi que Tout droit jusqu'au matin, j'ai beaucoup aimé, ça mérite un revisionnage.

Jim Jarmusch
Mystery Train

je me souvenais plus que c'était aussi drôle, et brillant (la construction du scénario, les plans fixes et travellings)

xoph a écrit:

Jim Jarmusch
Mystery Train

je me souvenais plus que c'était aussi drôle, et brillant (la construction du scénario, les plans fixes et travellings)

Oui ! Il y a pas mal de bonnes choses dans la filmographie de Jarmusch.

Sébastien Laudenbach : Regarder Oana        2009

 +
Comme beaucoup de monde, j'avais découvert Sébastien Laudenbach avec son long-métrage d'animation La jeune fille sans mains dont l'animation était assez singulière, une sorte de peinture à l'eau, très fluides, aux contours très mobiles ; cela permet de faire des merveilles dans les scènes de transformation ou les scènes très mobiles ; j'avais beaucoup aimé ce film d'animation. Ici, il s'agit d'un court-métrage d'une quinzaine de minutes ; comme l'indique le titre, on suit Oana, une traductrice dont le métier est devenu plus ou moins alimentaire ; elle aimerait se mettre à l'écriture et le film nous parle de cette transition. Le film met en place deux lignes : l'une étant de l'animation que l'on pourrait qualifier de figurative et l'autre étant une sorte de ligne mentale, simplement avec des mots écrits sur différents supports ; c'est à première vue intéressant puisque la composante mentale a ici un rôle à jouer - passer de la traduction à l'écriture, c'est affirmer sa légitimité et c'est bien sûr parfois socialement difficile (stress, penser être un(e) imposteur/trice, etc.) ; après, cette approche est peut-être un peu simpliste puisque la traduction est aussi une écriture mais socialement moins perçue comme une écriture, notamment à cause du mythe de l'Artiste, le Créateur et toutes ces figures romantiques ; c'est aussi intéressant dans le sens où cette évolution traduction/écriture coïncide avec la trajectoire du personnage. Malheureusement, j'ai trouvé que les deux lignes du film n'interagissaient pas très bien ensemble - ou au moins, pas si bien que je l'espérais et le film ne pousse pas ça très loin ; du coup, le résultat est un peu frustrant.

Pierre Clémenti : À l'ombre de la canaille bleue        1986

 + / 
Il y avait un certain temps que je voulais voir ce film, notamment parce qu'il s'agissait d'un long-métrage et quand on connaît le style de Clémenti, ça laisse songeur - je crois qu'il a fait un autre long-métrage intitulé New-old - le film s'est tourné entre 78 et 79, avec une première en 80 au Centre Pompidou avec musique live puis une sortie six ans plus tard. Je n'ai pas été déçu par ce film, c'est vraiment très singulier : on trouve les thématiques habituelles de Clémenti (la répression policière violente, la drogue, le milieu underground, etc.) mais la surprise de taille, c'est que ce film est un film de... science-fiction. Le film se déroule à Necrocity, aux manettes un gang de répression violente (mené notamment par le docteur Speed, interprété à l'écran par Jean-Pierre Kalfon) qui fonctionne principalement sur l'argent de la drogue ; ils chargent un homme de commettre des assassinats politiques ; l'épilogue montre la vengeance de cet homme vingt ans plus tard, contre ceux qui l'avaient employé. Le film nous parle bien sûr de la drogue (il suffit de regarder le nom de certains personnages : docteur Speed, Flash, Seringue - les autres ne sont pas en reste : général Korzacouille, inspecteur Langouste, etc.) et nous montre véritablement le Paris underground (et nocturne) de la fin des années soixante-dix ; il y a quelque chose d'à la fois assez cru, presque documentaire mais qui est couplé à quelque chose de beaucoup plus rêveur et "fabriqué" ; de ce point de vue, la bande-son est tout-à-fait particulière puisqu'il s'agit en fait d'un texte (assez beau, par moments, d'ailleurs) écrit par Clémenti, qui colle parfois aux dialogues mais qui part parfois complètement ailleurs ; il y a également des séquences vraiment étonnantes, qui sont comme des phases où des visages surgissent de manière persistante, se singularisent pendant quelques secondes ; il y a également beaucoup de surimpressions (mais ça, c'est classique chez Clémenti) qui sont parfois vraiment superbes. Pour donner une idée, plusieurs personnes font le parallèle avec Burroughs (Philippe Azoury et Yann Gonzalez, notamment) et il y a effectivement de ça ; en tout cas, c'est un film qui gagnerait fortement à sortir de son statut de rareté et même si quelques (assez peu, un seul me vient en tête) aspects sont un peu gênants, c'est vraiment un film très singulier et très intense.

Claude Berri : Un moment d'égarement        1977


Ce film a été l'objet d'un remake par Jean-François Richet sorti en 2015 avec Vincent Cassel, François Cluzet dans le rôle des deux pères ; je ne connais pas cette version mais j'avoue que celle de Berri ne me donne pas envie de pousser plus loin : c'est vraiment un film qui me semble assez typique des films français d'été des années 70 - à la Max Pécas, par exemple ; et d'ailleurs, d'un point de vue technique, c'est assez similaire mais Berri n'est jamais passionnant d'un point de vue technique. Ici, ça se corse car le scénario, c'est un peu l'enfer : deux amis partent en vacances (sans leurs femmes respectives, évidemment ! mais avec leurs filles !) et l'une d'entre elles chauffe le père de sa copine - c'est en tout cas comme ça que le film présente le truc ; bon, bien sûr, cette fille est hyper sexualisée (alors que l'autre, non, pas du tout) : toujours seins nus - ce qui n'est pas sexuel en soi mais on a compris que le film nous disait que ça l'était et hautement ! Bon après, le père ne dit pas non plus "chouette, j'adore cette relation ; allez, on y va" mais bon, encore une fois, le film nous dit que c'est de la faute de la fille - alors que sur d'autres aspects, notamment lorsque les deux filles rentrent de soirée à quatre heures, un des pères essaie de lui mettre une baffe et elle lui répond "ça va, tu ne vas pas me frapper comme maman ; tu ne me commandes pas", il ne craint pas tant que ça. Bon, bref, hormis ça, il n'y a pas grand-chose à dire sur ce film, Marielle et Lanoux sont corrects (Marielle un peu meilleur, naturellement) mais ils n'ont pas grand-chose à jouer, de toute façon.

Emeryck a écrit:

xoph a écrit:

Jim Jarmusch
Mystery Train

je me souvenais plus que c'était aussi drôle, et brillant (la construction du scénario, les plans fixes et travellings)

Oui ! Il y a pas mal de bonnes choses dans la filmographie de Jarmusch.

Je sens que vais me faire une petite virée de ce côté là, entre revoyure et ceux que je n'ai pas vus.

Gerald Kargl : Angst        1983

 + / 
Sacré film que celui-ci, censuré lors de sa sortie en Europe, qui a inspiré plusieurs cinéastes (notamment Noé) ; et pour cause : le film prend le point de vue d'un tueur multi-récidiviste fraîchement libéré de prison pour assassinat et à la recherche de sa nouvelle cible ; le film est vraiment très frontal, tout est en temps réel, du point de vue de l'assassin ; c'est juste comme ça. Le titre français est "Schizophrenia", je trouve ça amusant (et éloquent) puisque le titre original signifie "peur" et il n'est jamais question de schizophrénie dans le film, mais ça va dans cette tendance de mise-à-distance des criminels par la folie. Le film n'essaie pas du tout d'expliquer les gestes, ni de les valoriser ; on a juste le droit à un embrouillamini de raisons différentes (les troubles familiaux, en grande partie) mais la folie semble exclue. Dans la manière directe de montrer la violence, ce film préfigure une autre grande figure du cinéma autrichien : Michael Haneke. Du côté de la mise-en-scène, j'ai trouvé ça pas si mal et notamment les plans un peu en contre-plongée sur le visage de l'assassin (un peu la position d'un selfie, en fait ; je sais pas trop comment ils ont fait ça lorsque le personnage se déplaçait) ; le jeu de l'acteur principal (Erwin Leder) est remarquable ; je ne sais pas encore quoi penser exactement de ce film mais c'est difficilement oubliable.

Emeryck a écrit:

toujours seins nus - ce qui n'est pas sexuel en soi mais on a compris que le film nous disait que ça l'était et hautement !

Alors attention: à l'époque, si, les seins nus à la plage, ce n'était pas juste «le film nous dit que...», ça portait clairement un message du type «je suis une fille décoincée du cul» (en tout cas, si on était sur une plage textile et qu'on gardait le bas: le seul endroit où en effet, ça n'était pas sexuel, c'était les plages naturistes.)

C'est un peu plus tard (entre le milieu et la fin des années 80), que ça s'est banalisé en devenant un geste plutôt générationnel (ça s'est mis à vouloir dire «je vais pas à la plage pour m'emm***er avec un soutif comme ma mère.»)

Mais à l'époque du film, les seins nus, c'était typiquement le truc qui, sans faire l'objet de censure, était considéré comme «transgressif.» Un exemple flagrant qui donne bien une idée du statut des seins nus à cette époque-là, c'est cette célèbre campagne de teasing de l'agence d'affichage publicitaire Avenir en septembre 1981:



(Après, je dois avouer qu'Un moment d'égarement, c'est un film que je n'ai jamais osé essayer.)

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

toujours seins nus - ce qui n'est pas sexuel en soi mais on a compris que le film nous disait que ça l'était et hautement !

Alors attention: à l'époque, si, les seins nus à la plage, ce n'était pas juste «le film nous dit que...», ça portait clairement un message du type «je suis une fille décoincée du cul» (en tout cas, si on était sur une plage textile et qu'on gardait le bas: le seul endroit où en effet, ça n'était pas sexuel, c'était les plages naturistes.)

C'est un peu plus tard (entre le milieu et la fin des années 80), que ça s'est banalisé en devenant un geste plutôt générationnel (ça s'est mis à vouloir dire «je vais pas à la plage pour m'emm***er avec un soutif comme ma mère.»)

Mais à l'époque du film, les seins nus, c'était typiquement le «transgressif toléré», le truc qui, sans faire l'objet de censure, était supposé méchamment émoustiller. Un exemple flagrant qui donne bien une idée du statut des seins nus à cette époque-là, c'est cette célèbre campagne de teasing de l'agence d'affichage publicitaire Avenir en septembre 1981:



(Après, je dois avouer qu'Un moment d'égarement, c'est un film que je n'ai jamais osé essayer.)

 Qu'est-ce que c'est que cette m... ?

Je ne sais pas en général (je parlais plutôt du regard et pas tellement de l'intentionnalité), mais quand c'est un Claude Berri qui te montre une fille (mineure, en plus : top ! - mais effectivement, à l'époque, c'était la roue-libre de ce côté) seins nus, tu sais que c'est pas parce qu'elle avait envie d'être comme ça ; en plus, c'est impressionnant comme le film se sert de ça pour dire "vous avez vu, c'est une chaudasse !!!".

Bah, je me suis dit, bon, ça dure pas trop longtemps, il y a Marielle, on y va ; je ne savais pas du tout de quoi ça parlait - comme souvent, en fait.

Emeryck a écrit:

 Qu'est-ce que c'est que cette m... ?

(C'est rigolo, c'est exactement ce que mon grand-père avait dit en voyant les premières affiches.)
Cette merde, c'est l'événement qui a fait le plus couler d'encre en France en 1981 après l'élection de Mitterrand:
https://www.franceinter.fr/emissions/affaires-sensibles/affaires-sensibles-17-juin-2021

Emeryck a écrit:

Je ne sais pas en général (je parlais plutôt du regard et pas tellement de l'intentionnalité), mais quand c'est un Claude Berri qui te montre une fille (mineure, en plus : top ! - mais effectivement, à l'époque, c'était la roue-libre de ce côté) seins nus, tu sais que c'est pas parce qu'elle avait envie d'être comme ça ; en plus, c'est impressionnant comme le film se sert de ça pour dire "vous avez vu, c'est une chaudasse !!!".

Tout ce que je voulais dire, c'est que (contrairement à ce que ta phrase laissait entendre) les seins nus comme signifiant de la transgression / liberation sexuelle, ce n'est pas une invention de Claude Berri (si Claude Berri avait inventé quelque chose, ça se saurait), ça fait vraiment partie du langage commun de la société française dans ces années-là.

Lynne Ramsay : You were never really here        2017

 
Il y avait longtemps que je n'avais pas été aussi indifférent face à un film : je n'en ai vraiment pas perçu l'intérêt et je m'en suis foutu complètement. J'ai beaucoup vu la comparaison avec Taxi driver, ce qui n'est effectivement pas sorti de nulle part puisque l'histoire est assez/très : un ancien marine à présent très solitaire tourne un peu à vide et il trouve son salut dans le fait de sauver une jeune fille de son proxénète ; les approches sont bien sûr un peu différentes : dans Taxi driver, le personnage est beaucoup plus libre, il se meut, il fait des choix alors qu'ici, le personnage de Phoenix tue le proxénète sur commande, il est complètement dévasté (comme en témoignent les - très nombreux et (pas) très subtils - flashbacks) que ce soit physiquement ou mentalement et agit presque comme un automate ; Taxi driver montre vraiment un mouvement de causalité alors que ce film est beaucoup plus fixe - c'est assez bien résumé dans la manière dont ils trouvent leur salut, en quelque sorte : dans Taxi driver, c'est le personnage qui rencontre la jeune fille, qui fait des choses, alors qu'ici, on lui donne l'ordre de mission et voilà : il y a en fait quelque chose de beaucoup plus direct ici. Les références visuelles à Taxi driver sont également présentes (notamment les fameuses scènes d'errance nocturne en voiture) mais la mise en scène est vraiment pas très subtile : bon, vu que le film est censé être violent, on va mettre un marteau tout le temps, beaucoup de sang, des coups de fusil, des arrachages de dents ; et si le spectateur avait oublié que le personnage avait des traumas, on va le lui rappeler régulièrement avec des flashbacks de l'enfance du personnage, saccadés, bien sûr, puisque c'est violent ; après, il y a la musique, vu que c'est violent, il faut une musique bien méchante ; la seule chose qui retient positivement l'attention, c'est le jeu de Joaquin Phoenix, la physicalité absente qu'il donne au personnage mais c'est à mon avis à peu près tout ce que je retiendrai de positif de ce film. J'ai vraiment l'impression d'être passé à côté de quelque chose.

Friedrich Wilhelm Murnau : Le dernier des hommes        1924


Le pitch de ce film est vraiment très simple : un portier vieillissant d'un hôtel reconnu est mis sur la touche par le patron, il lui retire donc son uniforme de travail qu'il arbore dans tous les plans du film et l'envoie au nettoyage des toilettes de l'hôtel ; le vieil homme reprend alors son uniforme en toute discrétion et décide de continuer à le porter pour que les gens qu'il connaît se rendent compte de son sort ; mais quelqu'un le repère et il devient la risée des habitant(e)s du quartier. Le film est donc assez simple (mais c'est plutôt une simplicité générique à but allégorique, comme en témoigne le titre du film) et est évidemment très critique envers le modèle capitaliste : le vieil homme n'est plus qu'une main d'œuvre que l'on case où on en a besoin, peu importe si c'est adapté ou non ; le film critique également la prépondérance du travail (tiens tiens !) qui définit complètement les individus dans le film - d'où l'importance du costume pour le vieil homme ; bon, ce n'est pas non plus hyper développé mais ça reste pertinent. Par ailleurs, j'ai été assez surpris par la technique du film : il y a des travellings assez rapides (qui fonctionnent assez bien d'un point de vue expressif, surtout couplés au jeu des acteurs) et des plans (assez drôles) censés retranscrire les moments d'ivresse du personnage principal ; le film est bien sûr muet mais ne fait appel qu'à un seul intertitre qui annonce l'épilogue. D'ailleurs, la fin est vraiment très étrange mais je l'ai bien aimée : Murnau nous annonce que dans la vraie vie, ça se terminerait sans doute là, sur la misère du vieil homme et qu'il mourrait sans doute comme ça, dans la pauvreté ; mais ici, on est au cinéma donc il nous pond cet épilogue cathartique, complètement invraisemblable mais on sent qu'il s'en donne à cœur joie, il y a beaucoup de sentiments mêlés dans cet épilogue : le vieil homme hérite d'un milliardaire qui décède d'une crise cardiaque, la foule le porte alors de nouveau en triomphe et il paie finalement un véritable festin au veilleur de nuit de l'hôtel dans lequel il était employé.