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Parsifal a écrit:

J'aime aussi beaucoup le romantisme des Soeurs Brontë (qui me rappelle par certains côté Les deux anglaises et le continent, mon préféré de Truffaut)
Et j'avais bien aimé Le Lieu du crime, avec son introduction décalqué des Grandes Espérances de Dickens!

Tu m'étonnes ... un préféré tout court.

Benedictus a écrit:

Il joue le rôle de Thackeray (l'auteur de Barry Lindon.)

Et de la Foire aux vanités (qui reste son grand roman). Dans la version hollywoodienne du biopic des soeurs Brontë (De Havilland/Lupino qui remplaçait Fontaine/Heinreid/Kennedy et Colemant), c'était Sidney Greenstreet, assez surprenant de gentillesse rondelette.

Francesco a écrit:

Et de la Foire aux vanités (qui reste son grand roman).

Possible, je n'ai lu ni l'un ni l'autre.

Francesco a écrit:

Parsifal a écrit:

J'aime aussi beaucoup le romantisme des Soeurs Brontë (qui me rappelle par certains côté Les deux anglaises et le continent, mon préféré de Truffaut)
Et j'avais bien aimé Le Lieu du crime, avec son introduction décalqué des Grandes Espérances de Dickens!

Tu m'étonnes ... un préféré tout court.

Pareil!

Francesco a écrit:

c'était Sidney Greenstreet, assez surprenant de gentillesse rondelette.

Ça ne correspond pas a l'image que je me fait du bonhomme!

Cololi a écrit:

Vu ce comment ce film est descendu ... j'ai jamais osé. C'est peut-être un tort ... si tu compares au Les deux Anglaises et le continent !

C'est pas exactement la même chose, mais en plus de l'atmosphère anglaise il y a une littérarité et un romantisme un peu rude (qui correspond bien aux soeurs Brontë) assez similaire! Je trouve ça plutôt bon comme film, je suis assez surpris qu'il soit beaucoup descendu!

Prosopopus a écrit:

J'adore aussi Rendez-vous, J'embrasse pas, Les témoins, Les voleurs et dans ses derniers L'homme qu'on aimait trop et Nos années folles.
C'est selon moi le meilleur réalisateur français encore en activité, pas forcément un grand formaliste mais il a effectivement une science des plans d'ensemble pour la mise en valeur du paysage (et pas seulement ceux du sud-ouest). Il a une façon de mettre en scène la sexualité que j'aime beaucoup, de façon assez crue mais sans que ce soit complaisant et la façon dont il met en scène l'homosexualité sans en faire le sujet central de ses films me semble novateur. On retrouve beaucoup de ses films dans le cinéma français actuel je trouve, sans que son influence soit vraiment revendiquée.

J'aime aussi beaucoup J'embrasse pas malgré ses maladresses – et il est assez évident, puisqu'on parlait de lui, que le personnage joué par Noiret est inspiré de Roland Barthes !

Patrice Leconte : Les vécés étaient fermés de l'intérieur        1976


Après de nombreux courts-métrages, Leconte réalise là son premier long-métrage, aidé par Gotlib au scénario, utilisant un duo assez improbable comme personnages principaux : Rochefort et Coluche. Le film est ouvertement absurde : un receveur d'autobus est retrouvé mort après une explosion dans ses toilettes qui étaient fermés de l'intérieur ; qu'a cela ne tienne : notre duo intrépide va tout de même mener son enquête très sérieusement. En fait, ce film m'a fait pas mal rire notamment grâce à ses répliques, très simples mais vraiment drôles - il y a notamment un running gag sur les femmes nues (qui aurait pu être cringe mais finalement, pas tellement) : Coluche dit "Dis-donc depuis qu'on a commencé cette enquête, je vois beaucoup de femmes nues" ; malgré cela, et même si le film ne dure qu'à peine une heure quinze, je trouve que le rythme n'est pas assez soutenu et l'ennui vient parfois pointer le bout de son nez mais ce n'est clairement pas le pire des films de Leconte.

Oui, clairement pas un très bon film, mais je me souviens avoir bien ri aussi.

Kaamelott 1er volet

Brillant, non?

https://www.francetvinfo.fr/sante/maladie/coronavirus/pass-sanitaire/passa-sanitaire-la-jauge-d-application-de-50-personnes-est-determinee-en-fonction-de-la-capacite-daccueil-et-non-de-loccupation-reelle-affirme-la-dgs_4710925.html

Cet après-midi j'étais donc au cinéma, a priori moins de 50 personnes dans la salle (qui pouvait en contenir au moins 5 fois plus), mais le passe sanitaire était exigé et le port du masque obligatoire.

Pourtant il y avait 3-4 personnes (éparpillées) par rangée...

Xavier a écrit:

Kaamelott 1er volet

Il tient ses promesses?

Hafsia Herzi : Bonne mère        2021

 + / 
Il s'agit du deuxième long-métrage de Hafsia Herzi, plus réussi, moins programmatique et plus incarné que son précédent (Tu mérites un amour) qui était déjà sympathique. Dans le film, on suit l'histoire d'une famille dans les quartiers nord de Marseille, la mère (Halima Benhamed, remarquable de présence et de simplicité) est le point névralgique de cette famille, très étendue et diverse : l'un des fils est en prison, l'une des filles est caissière et éprouvée par son travail, l'autre étiquette des produits dans un magasin de vêtements et n'arrive pas à joindre les deux bouts ; le fils le plus jeune a un parcours scolaire prometteur. Ce qui est à mon avis remarquable dans ce film (outre l'aspect très naturel et immédiatement touchant), c'est la stratification du propos ; comme quelques autres films qui traitent des familles qui ont émigré en France après la guerre d'Algérie (notamment Fatima de Philippe Faucon), il y a cette différence générationnelle : ici, c'est la mère qui veut être la plus discrète possible, ne pas trop "déranger" - cela s'inscrit dans un mouvement global d'invisibilisation de ces personnes (à la fois culturellement, par appropriation (le thé à la menthe, le couscous) ou alors par restrictions normatives - "lui, je l'aime bien, c'est un arabe mais il vit à la française" mais également dans cette manière de donner aux femmes de ménages des horaires impossibles - Françoise Vergès en parle très bien à la fin d'Un féminisme décolonial) - dans le film, il y a cette scène à la fin où le fils de la dame dont s'occupe le personnage principal veut lui donner de l'argent pour prendre le taxi et elle refuse répondant qu'elle est habituée aux transports en commun ; la fille (interprétée par Hafsia Herzi) est dans une dynamique différente, très directe et pas du tout dans la conciliation - d'ailleurs, l'occupation temporaire qu'elle prend pour gagner de l'argent (dominer des hommes - plutôt riches, donc) est assez significative (même si cette embardée est un peu maladroite car elle se termine de manière un peu abrupte et sans véritablement aller au bout). Concernant ce scindage générationnel, j'ai aussi bien aimé l'utilisation assez discrète (chantée par un des personnages) de la chanson Elle imagine de Nacash qui raconte l'histoire de leur sœur qui est née en France mais qui n'a jamais connu l'Algérie. Cet aspect stratifié (en fait, plutôt diversifié, car il n'a pas vraiment de hiérarchie) se retrouve aussi dans la manière d'explorer les lieux : tour à tour, on voit l'aéroport où travaille la mère, la prison, la cité dans un état assez lamentable (avec le désormais classique ascenseur en panne) mais aussi un point de deal et ce film n'est pas du tout dans l'écueil classique "ahlàlà !!! les zones de non-droit (si vous la voulez à la sauce Sarkozy) !! les territoires perdus de la République !! (si vous la voulez à la sauce Macron)" et lorsque la mère va chercher du cannabis pour son fils, il n'y a aucun jugement de la part de la réalisatrice dans la manière de filmer - ça serait intéressant de comparer ce film sur ce point (qui n'est pas son propos principal, mais ça éclaire de manière un peu nouvelle ce terrain) avec un film comme BAC Nord de Jimenez. Pour moi, c'est vraiment un beau film et une assez belle réussite.

Ah, très bien: j'avais justement assez envie d'aller le voir!

Jean Cocteau : Le sang d'un poète        1932

 +
J'ai été un peu déçu par ce moyen-métrage de Cocteau qui entame son cycle lié à Orphée. Il y a bien sûr quelques belles séquences et le texte à la voix-off est parfois assez amusant mais j'ai trouvé les chapitres d'intérêt assez divers et le rythme excessivement lent : à la fois le récit n'est pas extrêmement intéressant mais il n'y a pas non plus la fulgurance surréaliste donc le film reste un peu dans un gué entre ces deux pôles - en restant toutefois pas mauvais, mais décevant.

Resigned a écrit:

Xavier a écrit:

Kaamelott 1er volet

Il tient ses promesses?

Assez, oui!
Même s'il y a 2-3 déceptions, notamment sur le fait que certains personnages (ils sont presque tous là) n'apparaissent qu'entre 30 secondes et une minute.

Même si je pense qu'à terme, je préférerai toujours la série et son format théâtral.

Laurent Tuel : Jean-Philippe        2006


Ce film a suscité ma curiosité pour deux raisons : tout d'abord car ce genre de sujet laisse présager un cabotinage maximal de Luchini mais aussi parce que ce genre de sujet est assez original. En fait, j'ai été assez déçu car Luchini (à part dans quelques scènes) ne cabotine pas tellement ; concernant le sujet du film, il est également un peu décevant car il est finalement extrêmement convenu (la fin, cousue de fil blanc...) et ne met l'accent que sur une chose : le fruit du hasard - si Johnny n'était pas passé dans je-ne-sais-quelle-émission télévisée à la fin des années cinquante... ; cela aurait pu être une manière de questionner un peu la célébrité, ses mécanismes mais on en reste ici à son aspect arbitraire alors qu'il y a tout de même une composante sociologique extrêmement intéressante, surtout dans un personnage aussi iconique que Johnny Hallyday. Certains moments du film sont même assez agaçant, notamment tout ce qui touche au personnage de la fille de Fabrice, une plate caricature d'une adolescente punk/emo - dans la première scène où elle apparaît, elle ne répond pas à son père qui lui dit bonjour et est avachie sur le canapé en train de grignoter des choses devant la télé, difficile de faire plus caricatural... Le film ne recule pas devant les facilités en nous proposant un concert de dix bonnes minutes où le vrai Johnny chante Allumer le feu mais globalement, tout est assez plat - avec quelques points de drôlerie, tout de même.

Le Sortilège du scorpion de jade

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Nicolas Roeg : Don't look now        1973


Je l'avais loupé lors de sa ressortie au Reflet Medicis il y a maintenant plus d'un an et en voyant la bande-annonce, je m'attendais à quelque chose qui se situe beaucoup plus du côté de la violence physique mais en fait, pas du tout. Si je voulais être caricatural, je dirais qu'il ne faut garder que les dix premières minutes du film et les quinze dernières ; la séquence d'ouverture est absolument anthologique et son montage tout en parallélismes est remarquable : un couple perd sa fille noyée dans l'étang de leur propriété britannique et Roeg choisit de monter en parallèle les deux trajectoires (qui convergeront donc vers le même point - la mort de la fillette) ; ce montage fait de parallélismes (temporels mais qui, à la fois, mettent en exergue la scission entre les personnages notamment à l'aide de raccords faits dans des directions opposées) encode un motif récurrent du film : les trajectoires temporellement parallèles mais émotionnellement transverses avec toujours ce même point de convergence final (le retour de la mère en Grande-Bretagne avec le mari restant à Venise puis qui la rejoint finalement, et même le fait que finalement, s'il y avait initialement divergence entre le personnage de Donald Sutherland et sa fille (il n'a pu la sauver), la fin apporte ce point de convergence). Cette convergence finale pose aussi bien sûr la question de la trajectoire et donc du passé ; ici, le rapport que les personnages ont au passé est celui de l'image originelle - et ce n'est à mon avis pas un hasard si le personnage de Donald Sutherland est restaurateur d'église et qu'il y ait un personnage qui a le don de voir ce qu'il va se passer. Même si le film comporte pas mal de longueurs, j'ai trouvé que l'ambiance était crédible d'autant plus qu'il aura un écho chez tou(te)s les cinéphiles un peu viscontien(ne)s : il est impossible de ne pas penser à Le notti bianche et à Morte a Venezia.

Regarde les hommes tomber

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Des pissenlits par la racine

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Roschdy Zem : Omar m'a tuer        2011


Ayant découvert Zem complètement au hasard par son dernier film (Persona non grata) que j'avais trouvé vraiment très mauvais, j'ai décidé de lui redonner une chance avec ce film ; sans être exceptionnel ni véritablement surprenant, il n'est pas si mauvais. À partir de quelques livres autour de l'affaire (notamment le Pourquoi moi ? d'Omar Raddad), le film entend présenter cette affaire extrêmement connue qu'est celle de l'assassinat de Ghislaine Marchal dans sa villa de Mougins ; à côté de son corps inanimé, on a retrouvé l'inscription "Omar m'a tuer". Dans le film, on suit principalement deux personnages : d'un côté, on suit Omar Raddad (le meurtrier présumé) et de l'autre, on suit un écrivain joué par Denis Podalydès qui fait sa propre contre-enquête - dont on ne sait pas trop s'il est un pastiche des écrivain(e)s voulant se mêler des affaires criminelles (Duras en tête avec l'affaire du petit Grégory et la défense de Luc Tangorre) ou s'il est présenté au premier degré parce que sa démarche est un peu analogue à celle du film mais à la fois, il est parfois caricatural et l'éditeur qui lui conseille de sortir ce livre le plus vite possible aussi. Le film met principalement l'accent sur la manière dont l'enquête a été bâclée (manque de relevés, corps de la victime incinéré à peine une semaine après la découverte du corps, déclarations parfois ignorées) et surtout le racisme institutionnel ambiant (l'accusation immédiate de Raddad sans véritables preuves et il y a notamment cette scène où le président de la cour d'assises dit à Raddad que ce n'est pas un bon musulman car il ne sait ni lire ni écrire et qu'il ne connaît donc pas bien le texte du Coran ou cette scène au début du film de l'interrogatoire de police assez violent). En résumé, le film ne raconte pas grand-chose de nouveau mais fonctionne relativement correctement (même si le découpage temporel est parfois trop fragmenté, notamment au début) et le jeu de Sami Bouajila est assez convaincant.

Emeryck a écrit:

on suit un écrivain joué par Denis Podalydès qui fait sa propre contre-enquête - dont on ne sait pas trop s'il est un pastiche des écrivain(e)s voulant se mêler des affaires criminelles (Duras en tête avec l'affaire du petit Grégory et la défense de Luc Tangorre) ou s'il est présenté au premier degré parce que sa démarche est un peu analogue à celle du film mais à la fois, il est parfois caricatural et l'éditeur qui lui conseille de sortir ce livre le plus vite possible aussi.

Ça doit être Jean-Marie Rouart je pense.
"En mars 1994, l’académicien Jean-Marie Rouart fait paraître un livre sur l’affaire, au titre évocateur : « Omar : la construction d’un coupable »"

Prosopopus a écrit:

Emeryck a écrit:

on suit un écrivain joué par Denis Podalydès qui fait sa propre contre-enquête - dont on ne sait pas trop s'il est un pastiche des écrivain(e)s voulant se mêler des affaires criminelles (Duras en tête avec l'affaire du petit Grégory et la défense de Luc Tangorre) ou s'il est présenté au premier degré parce que sa démarche est un peu analogue à celle du film mais à la fois, il est parfois caricatural et l'éditeur qui lui conseille de sortir ce livre le plus vite possible aussi.  

Ça doit être Jean-Marie Rouart je pense.
"En mars 1994, l’académicien Jean-Marie Rouart fait paraître un livre sur l’affaire, au titre évocateur : « Omar : la construction d’un coupable »"

Oui, c'est possible ; mais je crois que ce livre a été utilisé pour faire le film, aussi.

Sans compter que, par bien des aspects, Jean-Marie Rouart est lui-même un peu une caricature vivante du gendelettre.

J'allais effectivement aussi faire un mot sur le fait que pour une fois Jean Marie Rouart avait quelque chose d'intéressant à écrire mais je suis incapable de me rappeler le livre que j'avais lu de lui.
C'est intéressant de prendre comme personnage un artiste qui créé sur la base d'une affaire judiciaire au sein d'un film relatant lui-même l'affaire.

Voyagers

Foxy Brown

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Tchao pantin

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Shin'ya Tsukamoto : Tetsuo         1989


Premier long-métrage de Tsukamoto, Tetsuo a marqué les esprits notamment parce qu'il présente de façon assez différente les rapports entre homme et machine : usuellement, leur relation est très disjointe - on voit de toute façon d'où ça vient : l'homme créature complexe mais naturelle face à la machine déshumanisante, etc. et lorsque certaines hybridations sont montrées (notamment dans le cinéma des années vingt ou trente comme chez Whale par exemple), c'est toujours finalement assez négatif (même si chez Whale, par exemple, il y a ce jeu sur le freak) alors qu'ici, c'est vu de manière complètement symbiotique et positive - ne serait-ce que ce plan d'ouverture où un personnage s'enfonce une tige filetée dans la chair. Pour en revenir au film des années vingt ou trente, j'ai trouvé que ce film s'en rapprochait encore davantage dans sa manière de gérer le rythme du montage traduisant une certaine fascination pour le mouvement - et notamment celui des machines - et il y a ces séquences étonnantes où un homme semble propulsé à l'autre bout de la ville et le film utilise une sorte de procédé de stop motion. J'ai en revanche été un peu déçu par la fin et malgré tout, j'ai trouvé que le film faisait un peu du sur-place ; curieux de voir la suite !

Arthur Harari : Onoda, 10 000 nuits dans la jungle        2021

 +
Extrêmement déçu par ce film uniformément venté au sujet duquel j'avais même entendu "Ah voilà, il a été évincé de la sélection officielle de Cannes 2021 ; de toute façon, s'il y était, il aurait tout raflé" - je soupçonne un peu de ressentiment à propos de la palme d'or donnée à Titane. Le sujet est intéressant (et assez peu abordé, je crois - c'est en tout cas une autre manière de faire un film de guerre) : le film suit le soldat Onoda qui croit toujours (et s'en persuade un peu) en 1974 que la seconde guerre mondiale n'est pas terminée ; le film se passe aux Philippines (je ne suis pas sûr qu'il ait été vraiment tourné là-bas mais peut-être au large de la Thaïlande) et il y avait moyen de faire un truc intéressant autour de l'obsession de ce personnage en exploitant le territoire et son insularité ou même de faire quelque chose de plus informé historiquement - ce qui m'aurait peut-être moins immédiatement séduit mais pourquoi pas. Le film part un peu comme ça, en 1944, donne un contexte un peu historique au personnage d'Onoda ; il part ensuite pour les Philippines où ses camarades vont mourir tour à tour. Cette première partie est vraiment ennuyeuse, assez lourde, et surtout elle dure assez longtemps (à mon avis entre quarante-cinq minutes et une heure - le film fait 2h50) ; la gestion du temps est à mon avis un des gros problèmes de ce film : des scènes plus intéressantes comme la fin sont finalement bien vite  expédiées. L'autre problème du film, c'est qu'il ne raconte en fait pas grand-chose d'intéressant tout en ayant beaucoup de choses à sa disposition ; la seule chose qui m'a plutôt plu, c'est la manière de faire s'épouser l'intime et le territoire, notamment cette scène où ils nomment les endroits de l'île et la dynamique d'intimisation : progressivement, chaque lieu est relié à quelqu'un proche de Onoda - il y a notamment cette séquence où il en fait le tour, qui est assez belle mais noyée dans un tas d'autres séquences insignifiantes ; il y a également un propos sur le rapport à l'ordre mais très peu développé. Par contre, s'il y a bien un truc vraiment bien, c'est la photographie qui est vraiment très belle mais bon, un bon film (de 2h50 qui plus est) ne se résume par à un livre d'images - n'en déplaise à Jean-Luc Godard.

Bécassine



Podalydès, c'est un sans-faute depuis le premier film!

The last picture show

Michel Audiard : Elle boit pas, elle fume pas, elle drague pas, mais... elle cause !        1970



Troisième long-métrage de Michel Audiard et sans doute encore plus bordélique que tous les autres, l'histoire est ici complètement anecdotique - d'ailleurs, le titre n'a même pas grand-chose à voir avec ce qu'il se passe puisque le personnage d'Annie Girardot ne "cause" même pas, ou alors très très indirectement. Dans le film, elle est femme de ménage pour trois client(e)s différent(e)s, en apparence socialement installé(e)s mais dont on va apprendre les secrets : l'un d'eux (joué de manière très truculente par Bernard Blier) employé de banque complètement pervers pique dans la caisse, fais chanter une animatrice de télévision et a tué un de ses collègues ; ce personnage est assez étrange (mais à la fois complètement raccord avec cet aspect très bordélique où il faut tirer très fort sur tout le monde car il est à la fois très problématique par son côté libidineux (il voit tout le temps les femmes nues, et dit même au personnage de Girardot qu'il va la "violer") mais c'est lui qui a les meilleurs répliques par ailleurs, complètement invraisemblables et on peut même profiter de son accent anglais dont vous devinerez sans peine qu'il est extraordinaire).

Julia Ducournau : Titane        2021


Dire que j'attendais avec impatience le nouveau film de Ducournau est certainement un euphémisme ; la bande-annonce m'avait encore plus mis en appétit avec un Vincent Lindon complètement électrisant, véritable masse ; j'ai par ailleurs été extrêmement surpris par le fait qu'il ait obtenu la Palme d'or cette année car il s'agit tout de même d'un film de genre (et on sait le mépris qu'ont parfois certain(e)s cinéphiles pour le cinéma de genre : typiquement, tous les gens qui disent que Shining a donné ses lettres de noblesse au film d'horreur), assez frontal et il est en plus réalisé par une femme - Ducournau est seulement la deuxième réalisatrice a avoir obtenu la Palme d'or depuis la création du festival (il y a soixante-quinze ans) avec Jane Campion pour The piano. En fait, j'ai tout de même été très légèrement déçu par le film : j'aurais aimé que le film parle de plus de choses, peut-être ; je suis un peu moins fan du début qui fait un peu du sur-place malgré ce superbe plan avec les moteurs de voitures rutilants, la danse très contrôlée d'Agathe Rousselle - avec bien sûr quelque gars qui ne peuvent s'empêcher de commenter mais ensuite, avec la vague de meurtres, on ne sait pas trop où ça va - même si le meurtre du fan à l'autographe est logique et celui du personnage de Garance Marillier se comprend (c'est le personnage principal de Grave), j'ai trouvé que c'était trop épars ; j'ai été très surpris par le caméo de Bertrand Bonello. En revanche, j'ai vraiment beaucoup aimé la partie avec Lindon (qui est effectivement superbe, très massif mais un peu fragile - la réalisatrice parle de l'influence du personnage de Keitel dans Bad lieutenant de Ferrara) ; la relation entre le personnage de Lindon et celui de Rousselle est vraiment d'une très grande beauté, ce côté "je t'accepte et t'aime comme tu es" est très émouvant et n'est pas idéalisé, par exemple, lorsque le personnage de Rousselle danse devant les collègues de Lindon, on sent qu'il s'emporte et que ça lui déplaît. Le rapport entre les deux personnages est en fait assez étonnant : on pourrait dire qu'il est asymétrique puisque finalement, l'un a besoin de l'autre pour des raisons un peu différente : le personnage de Rousselle a besoin d'être couvert (et sans doute aussi d'être aimé) et celui de Lindon, lieutenant dans un groupe de pompiers, véritable figure de masculinité-toute-puissante (mais qui flanche car il prend un tas de cachets et s'injecte de la testostérone très régulièrement) a besoin de soutien de manière un peu différente, très précise ; mais en fait, il y a une certaine symétrie notamment dans le fait que Vincent soit pompier et le rapport d'Alexia au feu mais aussi dans le rapport d'Alexia avec ses baguettes pour tenir ses cheveux (arme du crime) et les seringues de Vincent : il s'agit à chaque fois de traverser quelque chose. Il y a également (bien sûr) d'autres choses sur la masculinité : la scène de danse de Alexia/Adrien met la plupart des pompiers très mal-à-l'aise car un homme ne doit pas se mouvoir de manière sensuelle, bien sûr. J'ai également beaucoup aimé le jeu d'Agathe Rousselle, très puissant et d'une présence immédiate - très en accord avec celui de Lindon, du coup. Comme toujours chez Ducournau, j'ai beaucoup aimé le rapport très organique et sensible au corps (et le mot organique n'aura ici jamais eu si bien sa place puisque de l'huile de moteur s'écoule du corps d'Alexia) et il y a une véritable dramaturgie simplement dans ce rapport au corps - cf. la scène d'accouchement final ; en plus, tout cela est soutenu par une photographie et une mise-en-scène très belles et appliquées.

Matinee (Panic sur Florida Beach)



Platinum blonde

Jean-Paul Rappeneau : Cyrano de Bergerac        1989


Adapté de la pièce homonyme de Rostand, un peu défrichée par Jean-Claude Carrière en gardant toutefois la plupart des passages versifiés - avec parfois des vers supprimés ou adjoints. Le résultat est assez exaltant, aussi bien du point de vue des vers que du point de vue dramatique ; le tout est remarquablement porté par Gérard Depardieu, tout en composition, mais aussi par la très belle photographie de Pierre Lhomme. Je ne suis habituellement pas fan de ce genre de films mais là, j'ai beaucoup aimé.

Revu l'Invraisemblable vérité. On connaît par cœur, mais ça se regarde encore et toujours. Le twist n'a finalement aucune importance devant la rigueur du récit.

Et puis c'est fascinant de voir le film à la lumière des accusations concernant Lang et l'assassinat de sa première femme ...

Francesco a écrit:

Revu l'Invraisemblable vérité. On connaît par cœur, mais ça se regarde encore et toujours. Le twist n'a finalement aucune importance devant la rigueur du récit.

Night of the big heat

+

Claude Lelouch : L'aventure c'est l'aventure        1972

 + / 
Ce film est si bordélique et si invraisemblable qu'on dirait presque un film de Mocky. Le film raconte l'histoire d'une bande de cinq hommes qui ont décidé de changer de stratégie pour se faire de l'argent car faire les banques ça ne paie plus : détournement d'avion loufoque, kidnapping de Johnny Hallyday avec sa complicité, etc. En fait, ce film est très typique de son époque (non pas qu'il y ait beaucoup de films de cette époque qui fassent ça mais cette époque est propice à ce genre de films) et est véritablement animé par une volonté de faire autre chose tout en étant profondément jem'enfoutiste : il n'y a à peu près aucune cohérence globale (si ce n'est cette logique de raconter un état d'esprit bien précis), les répliques des personnages sont parfois contradictoires (poncifs ronflants et parfois à côté de la plaque sur les mouvances politiques de gauche - mention spéciale à "je suis marxiste, tendance Groucho" dit de manière très sérieuse) ; il y a bien sûr un fond à mon avis un peu réactionnaire mais c'est finalement assez léger et bienveillant ; il y a à mon avis quelque chose d'assez annonciateur de la vague de films politiques français un peu inquiets qui viendront quelques années plus tard - même si elle est déjà un peu entamée avec des films comme Un flic de Boisset. 

Je crois que c'est le seul film de Lelouch que j'ai bien aimé. (Cela dit, je n'en ai pas regardé des masses non plus.)

Robert Eggers : The lighthouse        2019

 +
Je dois dire que j'ai été un peu déçu par ce film (en l'aimant tout de même) : j'en avais entendu pas mal de bien et les images que j'avais pu voir étaient tout de même très alléchantes. De ce point de vue, le film est assez impressionnant : avec son noir et blanc aux contrastes élevés, avec cet aspect très retiré (seulement deux acteurs, une petite île) et son travail sur le son (le bruit oppressant des mouettes, quasiment continuel), le film parvient à installer très rapidement une ambiance étrange et lugubre (ça doit être vraiment très bien en salle). Le film se passe à la fin du dix-neuvième siècle, un jeune homme (Robert Pattinson) rejoint une petite île pour y travailler en tant que gardien de phare, il y rencontre alors le maître des lieux (Willem Dafoe) qui lui confie toutes les tâches les plus ingrates et qui lui interdit de monter jusqu'à la lumière ; bien sûr, plus le film avance et plus la relation devient floue : à la fois de plus en plus tendue car le lien hiérarchique s'effrite mais à la fois de plus en plus amicale. Le film joue en fait constamment sur cet aspect sur le fil du rasoir (et s'en contente un peu...), que ce soit pour la relation entre les deux personnages mais également pour les visions de chacun d'eux ; en fait, le film n'est pas extrêmement subtil de manière générale - ce qui m'a le plus marqué, c'est l'utilisation surabondante de la musique au début du film qui est vraiment pénible.

Tu sais si c'est inspiré du même fait divers que l'opéra de Maxwell Davies qui porte le même titre?

Benedictus a écrit:

Tu sais si c'est inspiré du même fait divers que l'opéra de Maxwell Davies qui porte le même titre?

Je ne crois pas : si j'en crois Wikipédia, c'est inspiré de la nouvelle (inachevée) The light-house de Poe.

Old

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Alain Corneau : La menace        1977

 /   +
Troisième film d'Alain Corneau et seconde collaboration avec Yves Montand, ce polar est assez étonnant : il met en scène un trio amoureux (formé par Carole Laure, Marie Dubois et Yves Montand) ; Henri (Montand) travaille pour sa patronne Dominique (Dubois) dans une société de transport routier mais est amoureux de Julie (le personnage de Carole Laure). Frappée par la jalousie, la patronne propose à Julie de s'éloigner de Henri contre dix millions de francs ; une dispute éclate alors, Julie repart sans avoir accepté quoi que ce soit et Dominique se jette de la falaise. C'est alors que commence un récit policier (et la trouvaille du film - qui aurait plu à Hitchcock) car Julie est naturellement suspecté mais l'objet du film va être la création d'un faux-coupable qui serait Henri et le film pousse cela assez loin notamment dans l'épisode final au Canada, assez haletant. J'ai aussi aimé la référence au rôle de Montand dans Le salaire de la peur de Clouzot puisqu'il est ici très lié à la conduite de camion - et notamment un camion citerne à la fin. Malgré cette petite trouvaille qui prend à rebours la trame usuelle du polar, j'ai trouvé que le film manquait un peu de dynamisme notamment parce qu'il ne présente pas énormément d'autres idées mais aussi peut-être parce que son montage est trop mou, il n'y a qu'à la fin qu'il se réveille un peu.

Claude Goretta : La dentellière        1977


Cinéaste suisse aujourd'hui tombé un peu dans l'oubli (ce qui est un peu un pléonasme lorsque l'on ne s'appelle pas Jean-Luc Godard), il a tout de même lancé la carrière d'Isabelle Huppert en lui donnant pour la première fois le premier rôle d'un film. Dans ce film, Huppert joue le rôle de Pomme, une jeune coiffeuse assez introvertie qui part en vacances pour Cabourg avec sa collègue et amie Marylène (Florence Giorgetti) qui ne tarde pas à l'abandonner ; Pomme rencontre alors François (Yves Beneyton), un jeune étudiant en lettres, aspirant journaliste ou écrivain, issu de famille plutôt aisée et va s'en éprendre. Le film va montrer avec une très grande subtilité et une immense pudeur cette relation assez ambivalente où l'on aime sincèrement mais à la fois, on sait que tout cet amour est voué à l'échec : au fur et à mesure que le film avance, Pomme va réaliser (et François n'oublie pas de le lui rappeler constamment en étant toujours condescendant) qu'à cause du fossé social entre eux, ça ne sera pas possible - il y a notamment cette scène où François discute (de manière assez abstraite) de théorie politique avec ses ami(e)s et Pomme se contente de les regarder tou(te)s tour-à-tour, lorsqu'elle lui demande ensuite ce qu'est la dialectique, il esquisse une explication en n'oubliant pas le petit "c'est plus compliqué" bien condescendant. Sans véritable surprise, Huppert est superbe dans ce film, elle arrive vraiment à faire transparaître cette dynamique ambivalente de l'amour voué à l'échec, et ce de manière assez subtile et naturelle ; j'ai trouvé que les paysages autour de Cabourg soutenaient aussi cette ambivalence : d'un côté les plages de sable et le soleil ; de l'autre, le roc des falaises et le temps un peu nuageux. J'ai beaucoup aimé la dernière partie et notamment le rôle de Mykonos, comme si Pomme était déjà ailleurs. C'est pour moi une très belle découverte, je ne sais pas si le reste de la filmographie de Goretta est du même niveau.

Emeryck a écrit:

Cinéaste suisse aujourd'hui tombé un peu dans l'oubli (ce qui est un peu un pléonasme lorsque l'on ne s'appelle pas Jean-Luc Godard)

Alain Tanner a son fan club

Il faut dire que le cinéma de Goretta a peut-être quelque chose de plus traditionnel, de moins décalé que le cinéma de Godard ou Tanner - outre La Dentellière, j'avais beaucoup aimé son adaptation de Si le soleil ne revenait pas de Ramuz; mais c'est tout ce que j'ai vu de lui (j'avoue que je suis assez curieux de son film de l'Orfeo de Monteveredi avec Quilico, Le Roux, Ledroit, Carolyn Watkinson... et, dans un autre genre, de Pas si méchant que ça avec Depardieu et Marlène Jobert.)

xoph a écrit:

Emeryck a écrit:

Cinéaste suisse aujourd'hui tombé un peu dans l'oubli (ce qui est un peu un pléonasme lorsque l'on ne s'appelle pas Jean-Luc Godard)

Alain Tanner a son fan club

Oui, ce n'est pas un inconnu mais il est tout de même moins connu qu'à une certaine époque (années 80-90 ?).

Bertrand Tavernier : Le juge et l'assassin        1976

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Ce film est étonnant à plusieurs égards : tout d'abord, sa photographie est vraiment très soignée et beaucoup moins datée que celle des deux précédents films de Tavernier (L'horloger de Saint-Paul et Que la fête commence...) si bien qu'il me semble difficile de deviner que le film a été réalisé dans les années soixante-dix ; ce qui étonne également, c'est la présence de Michel Galabru dans le rôle d'un personnage principal (lui qui est souvent relégué à des seconds rôles) qui a en plus une certaine épaisseur dramatique, il s'en sort vraiment bien et a vraiment une grande présence à l'écran. Le film se passe tout à fait à la fin du dix-neuvième siècle et c'est la première fois qu'un film arrive à retranscrire l'aspect politiquement grouillant de cette époque (peut-être de manière un peu exagérée, cela dit) : les monarchistes, les républicains et les anarchistes (et sans doute d'autres) coexistent et, en dépit de la polarisation autour de l'affaire Dreyfus, tout cela semble assez confus ; le film montre également la banalisation totale de l'antisémitisme à cette époque. Le film est fondé sur un fait divers ayant véritablement eu lieu : on suit le parcours de Joseph Bouvier (en réalité Jacques Vacher), suspecté d'ayant tué au moins une vingtaine de personnes à la fin du dix-neuvième siècle ; il rencontre alors le juge Rousseau (qui en réalité était le juge Fourquet - interprété de manière très convaincante et sérieuse par Noiret) qui va le manipuler pour obtenir une promotion : la question de la folie de Bouvier se pose et polarise les débats ; le juge Rousseau va jouer sur cette polarisation pour faire miroiter à Bouvier qu'il va l'aider à se soigner mais va en fait tout faire pour obtenir ses aveux et le faire condamner à mort pour que le juge puisse résoudre à lui tout seul cette affaire. On retrouve ici cet aspect confus dont je parlais précédemment à travers l'entourloupe du juge mais cela se retrouve aussi dans le personnage de Bouvier qui utilise son statut d'ancien soldat pour passer entre les mailles du filet. Plus généralement, le film joue sur les polarités (d'une manière peut-être un peu simpliste) : le juge qui est censé représenter une certaine autorité morale est finalement un type affreux et celui que l'on jugerait affreux (Bouvier) au prime abord, on apprend à le connaître, à connaître le contexte dans lequel il a grandi et il est finalement bien plus sympathique que le juge ; ce film, c'est à mon avis aussi un film contre le délit de sale gueule, contre le refus de la sociologie dans le système judiciaire - bon, ok, c'est peut-être un peu trop franchement polarisé mais c'est tout de même intéressant et (en plus) bien réalisé, j'aime vraiment beaucoup la photographie du film.