Votre dernier film visionné

Ah oui excellent ce Murnau là. Effectivement il y a de bonnes trouvailles visuelles pendant la scène de l'ivresse (c'est bien là qu'on voit un travelling arrière qui semble sortir d'une trompette ?). J'ai l'édition anglaise Eurêka, et sur ce titre l'image est prodigieuse
Il paraît qu'on a forcé un peu la main à Murnau pour faire une happy end.

Abnegor a écrit:

Ah oui excellent ce Murnau là. Effectivement il y a de bonnes trouvailles visuelles pendant la scène de l'ivresse (c'est bien là qu'on voit un travelling arrière qui semble sortir d'une trompette ?). J'ai l'édition anglaise Eurêka, et sur ce titre l'image est prodigieuse
Il paraît qu'on a forcé un peu la main à Murnau pour faire une happy end.

Oui, exactement !

Ah oui ? C'est vrai que cette scène de fin est surprenante mais je la trouve très cohérente avec le ton acide de ce qui se trouve avant.

Volker Schlöndorff : Diplomatie        2014


Il s'agit de l'avant-dernier film en date du réalisateur allemand Volker Schlöndorff, principalement connu pour le film Le tambour  ; il me semble que c'est le premier film de ce réalisateur que je vois et j'avoue que j'ai été assez déçu : c'est vraiment très académique. Le film est l'adaptation de la pièce homonyme de Cyril Gély ; il relate un épisode de la fin de la seconde guerre mondiale où Hitler demande au gouverneur de Paris, von Cholitz de détruire Paris ; on sait bien que le plan ne sera pas mis à exécution. Le film veut nous faire croire que si cela n'a pas eu lieu, c'est complètement grâce à la négociation avec le diplomate nordique Nordling et un peu à l'amour de von Cholitz pour Paris ; en fait, des études récentes (notamment grâce au déclassement des archives allemandes et françaises) montrent que ça n'a pas été mené à terme à cause d'un manque de moyens et à l'arrivée des troupes ; d'ailleurs, von Cholitz était un fidèle de Hitler. D'un point de vue technique, c'est assez lassant : la musique est vraiment sirupeuse et ennuyeuse, la façon de filmer est très plate, les dialogues ne sont pas particulièrement bons et peu rythmés - d'autant plus que, comme son titre l'indique, le film met l'accent sur ces scènes de discussion ; malgré une distribution pas mauvaise (Arestrup dans le rôle de von Chrolitz et Dussolier dans le rôle du diplomate), on s'ennuie pas mal parce que leur jeu est très uniforme - sans doute parce qu'ils sont mal dirigés. J'ai l'impression que ses films plus anciens ne souffrent pas de cet académisme lisse et suranné ; en tout cas, je l'espère.

Emeryck a écrit:

Gerald Kargl : Angst        1983

 + / 
Sacré film que celui-ci, censuré lors de sa sortie en Europe, qui a inspiré plusieurs cinéastes (notamment Noé) ; et pour cause : le film prend le point de vue d'un tueur multi-récidiviste fraîchement libéré de prison pour assassinat et à la recherche de sa nouvelle cible ; le film est vraiment très frontal, tout est en temps réel, du point de vue de l'assassin ; c'est juste comme ça. Le titre français est "Schizophrenia", je trouve ça amusant (et éloquent) puisque le titre original signifie "peur" et il n'est jamais question de schizophrénie dans le film, mais ça va dans cette tendance de mise-à-distance des criminels par la folie. Le film n'essaie pas du tout d'expliquer les gestes, ni de les valoriser ; on a juste le droit à un embrouillamini de raisons différentes (les troubles familiaux, en grande partie) mais la folie semble exclue. Dans la manière directe de montrer la violence, ce film préfigure une autre grande figure du cinéma autrichien : Michael Haneke. Du côté de la mise-en-scène, j'ai trouvé ça pas si mal et notamment les plans un peu en contre-plongée sur le visage de l'assassin (un peu la position d'un selfie, en fait ; je sais pas trop comment ils ont fait ça lorsque le personnage se déplaçait) ; le jeu de l'acteur principal (Erwin Leder) est remarquable ; je ne sais pas encore quoi penser exactement de ce film mais c'est difficilement oubliable.

Et il y a un petit teckel trop mignon

Emeryck a écrit:

Du côté de la mise-en-scène, j'ai trouvé ça pas si mal et notamment les plans un peu en contre-plongée sur le visage de l'assassin (un peu la position d'un selfie, en fait ; je sais pas trop comment ils ont fait ça lorsque le personnage se déplaçait) ; le jeu de l'acteur principal (Erwin Leder) est remarquable ; je ne sais pas encore quoi penser exactement de ce film mais c'est difficilement oubliable.

Je ne sais plus où j'avais lu ça, mais je crois que la caméra était attachée avec un harnais à l'acteur pour ces plans, qui donnent l'impression que son visage est le seul point fixe et que tout vacille autour.

Emeryck a écrit:

Friedrich Wilhelm Murnau : Le dernier des hommes        1924


le film est bien sûr muet mais ne fait appel qu'à un seul intertitre qui annonce l'épilogue

Je m'y connais vraiment mal en films muets de cette époque, mais c'est ce qui m'a le plus étonné quand je l'ai vu récemment à la Cinémathèque, juste avant Nosferatu qui pour le coup en est truffé. Dans Tabu, la plupart des informations sont données par des éléments écrits intradiégétiques (lettres, carnets, affiches), comme dans Der letzten Mann à une ou deux reprises, mais en plus grand nombre. C'est assez impressionnant – et formidablement efficace, car les intertitres ont tendance à tout ralentir je trouve, et semblent la plupart du temps totalement inutiles ! Ici, ce sont les mouvements de la caméra et le montage qui donnent des informations qui seraient sinon glissées dans des intertitres sous forme de dialogue.

Adalbéron a écrit:

Emeryck a écrit:

Du côté de la mise-en-scène, j'ai trouvé ça pas si mal et notamment les plans un peu en contre-plongée sur le visage de l'assassin (un peu la position d'un selfie, en fait ; je sais pas trop comment ils ont fait ça lorsque le personnage se déplaçait) ; le jeu de l'acteur principal (Erwin Leder) est remarquable ; je ne sais pas encore quoi penser exactement de ce film mais c'est difficilement oubliable.

Je ne sais plus où j'avais lu ça, mais je crois que la caméra était attachée avec un harnais à l'acteur pour ces plans, qui donnent l'impression que son visage est le seul point fixe et que tout vacille autour.

On trouve pas mal de détails ici : https://theevild.wordpress.com/2015/05/09/schizophrenia-angst-1983-de-gerald-kargl-ou-la-subjectivite-a-la-lisiere-de-la-folie/
Ces plans sont le fruit d’un dispositif mis au point par le chef-opérateur, monteur et coscénariste du film, Zbigniew Rybczynski. Le réalisateur explique : « La caméra était fixé sur un pivot circulaire qui se balançait librement autour de l’acteur. Cela permettait de toujours garder la mise au point sur lui, l’isolant de tout ce qui l’entourait. Il vit dans son monde »

Avec les photos du tournage pour se rendre compte :



Le procédé avait déjà été partiellement utilisé pour Seconds de Frankenheimer lequel est par ailleurs truffé d'effets surréalistes (gros plan, générique de Saul Bass, Rock Hudson, décors tordus).





Je suis très fan du film Angst, j'adore particulièrement le contraste entre la voix tranquille du tueur et les atrocités qu'il est en train de commettre.
Il y a un élément assez bien trouvé c'est le fait qu'il analyse et fantasme son meurtre alors qu'en réalité rien ne se passe vraiment comme il le prévoit et que les actions semblent finalement plus dictées par son subconscient et ses pulsions que par sa raison, plus froide et clinique. Mais le film est tout de même très éprouvant à regarder.

Adalbéron a écrit:

Emeryck a écrit:

Friedrich Wilhelm Murnau : Le dernier des hommes        1924

le film est bien sûr muet mais ne fait appel qu'à un seul intertitre qui annonce l'épilogue

Je m'y connais vraiment mal en films muets de cette époque, mais c'est ce qui m'a le plus étonné quand je l'ai vu récemment à la Cinémathèque, juste avant Nosferatu qui pour le coup en est truffé. Dans Tabu, la plupart des informations sont données par des éléments écrits intradiégétiques (lettres, carnets, affiches), comme dans Der letzten Mann à une ou deux reprises, mais en plus grand nombre. C'est assez impressionnant – et formidablement efficace, car les intertitres ont tendance à tout ralentir je trouve, et semblent la plupart du temps totalement inutiles ! Ici, ce sont les mouvements de la caméra et le montage qui donnent des informations qui seraient sinon glissées dans des intertitres sous forme de dialogue.

Je crois que c'était quelque chose de très rare ; en tout cas, c'est la première fois que je voyais un film avec aussi peu d'intertitres.
Cela dépend, mais effectivement, lorsqu'ils sont là simplement pour jouer le rôle de la voix et/ou donner des éléments de contexte, c'est pas incroyable - je suppose qu'il y a des films où les intertitres sont davantage considérés en tant que moyen d'expression. Après, dans Der letzte Mann, ça fonctionne parce que l'histoire est vraiment très simple mais j'imagine que si l'histoire était relativement étoffé, ça serait un peu plus compliqué de tout faire passer sans intertitre - mais je n'ai pas encore vu Tabu, peut-être qu'il y parvient merveilleusement.

Justine Triet : La bataille de Solférino        2013

 /   +
Il s'agit du premier long-métrage de la réalisatrice française Justine Triet ; c'est assez amusant car on retrouve pas mal de gens du cinéma d'auteur de sa génération (Harari, Macaigne, Vernier, notamment) et on trouve déjà le même genre de personnage principal que dans ses films suivants (notamment assez proche de Victoria avec le baby-sitter) ; ici, on suit une journaliste à i-télé qui couvre les quelques heures avant les résultats du second tour des élections présidentielles de 2012, devant le siège du PS rue de Solférino - et aussi pour quelques séquences drôlatiques devant le siège de l'UMP, notamment où un militant (j'espère que c'était un acteur parce que dire un truc si débile...) nous dit qu'être de droite est conforme à la nature. Parallèlement, son ancien mari essaie de s'introduire à tout prix dans son appartement alors qu'il sait que son ex-copine ne veut pas ; et le baby-sitter fait ce qu'il peut - pour les enfants mais surtout pour l'ex lourdingue. J'ai l'impression que le film essayait de mettre en tension cette dichotomie entre le privé et le public (notamment lorsque l'ex tente de rejoindre la journaliste rue de Solférino) mais je n'ai pas trouvé ça très intéressant ; c'est sans doute le film de Triet que j'aime le moins, en fait ; cependant, j'ai aimé le jeu de tous les acteurices (Macaigne en tête car il se donne tellement dans le rôle, mais aussi Dosch, Vernier - réalisateur très intéressant par ailleurs, c'était le petit instant pub - et Harari ) mais ça n'a pas suffit à véritablement éveiller (vivement) mon intérêt ; quelques scènes restent, malgré tout.

Arthur J., Jr. Bressan : Buddies        1985

 +
Le réalisateur américain Arthur J. Bressan Jr. a souvent donné la parole aux hommes gays ; que ce soit dans des documentaires (comme dans Gay USA sorti sept ans auparavant) ou alors dans des récits de fiction (comme ici). Ce film est le premier évoquant le sujet du SIDA - bien sûr, aux USA, il était hors de question pour Hollywood de parler de ça, puisque c'était "un truc de gay" et quand l'on sait que lorsque Foucault est mort en 1984, il me semble que les véritables causes de son décès n'étaient connus que par le cercle de ses amis et proches. Dans ce film, on suit principalement deux hommes : l'un est atteint du SIDA et l'autre est son buddy (j'ignorais jusqu'alors que cela existait mais il s'agit de gens qui se portent volontaire pour tenir compagnie, discuter et aider les malades) ; leur manière de vivre leur homosexualité est assez complémentaire : le malade est beaucoup plus extraverti, alors que son buddy est moins à l'aise et beaucoup moins emancipé vis-à-vis des discours d'état hostiles aux minorités - il y a par exemple cette très belle séquence où ils regardent des images de la gaypride de l'année en cours à laquelle le malade n'avait naturellement pas pu se rendre, ils en parlent et le buddy dit que c'est pas mal mais que ça divise les gens, ça met seulement les gays en avant, etc. Le récit est très simple mais très émouvant et beau - et le contexte assez tragique : le réalisateur mourra du SIDA deux ans après et l'acteur jouant le rôle du malade en mourra quatre ans plus tard. Au-delà des choses que j'ai déjà évoquées, le film parle de beaucoup d'autres choses (sans aucune lourdeur, c'est assez fort : il arrive toujours à faire comme si le récit était très simple et coulait tout seul) : la difficulté à mettre des mots sur le SIDA, sur la mort (l'écrivain et photographe Hervé Guibert en parle d'ailleurs très bien dans son passage à Apostrophes) mais aussi le fait que l'on laisse se répandre tout et n'importe quoi sur le sujet (y compris dans des revues de bonne foi), notamment le grand classique selon lequel le SIDA serait une vengeance personnelle de Dieu. C'est en tout cas une très belle découverte.

Emeryck a écrit:

lorsque Foucault est mort en 1984, il me semble que les véritables causes de son décès n'étaient connus que par le cercle de ses amis et proches

C'est en fait une question compliquée, où la méconnaissance de ce qu'était le SIDA en 1984 est sans doute la donnée la plus déterminante: https://www.liberation.fr/livres/2004/06/19/les-derniers-jours_483626/

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

lorsque Foucault est mort en 1984, il me semble que les véritables causes de son décès n'étaient connus que par le cercle de ses amis et proches

C'est en fait une question compliquée, où la méconnaissance de ce qu'était le SIDA en 1984 est sans doute la donnée la plus déterminante: https://www.liberation.fr/livres/2004/06/19/les-derniers-jours_483626/

Effectivement, c'était un peu rapide. Merci pour l'article, en tout cas !

Francis Veber : Tais-toi !        2003

 
Bon, on a à nouveau le droit au canevas des Fugitifs mais en nettement moins bien : on a à nouveau un duo un peu loufoque, Reno joue le rôle d'un gars mis en prison pour avoir volé l'argent de son patron qui a tué sa femme, cloîtré dans le mutisme pour qu'on l'interne et pour qu'il puisse négocier son évasion avec un infirmier ; entre temps, il rencontre Quentin (interprété par Depardieu) qui le bassine avec ses histoires mais il tient bon et ne devient pas fou comme les autres - super ; s'ensuit toute une série de gags assez convenus, ils sont se rapprocher, etc. C'est un peu drôle au début mais ça devient vite très répétitif : ce film n'est vraiment que du réchauffé - et le jeu de Reno, c'est pas possible... les personnages sont tellement vides...

@Emeryck,
Alors, tu as décidé de TOUT regarder ?

tod a écrit:

@Emeryck,
Alors, tu as décidé de TOUT regarder ?

Comment ça ? Tous les films de Veber ? Tout ce film ? ou tous les films ? 

Jacques Doillon : La pirate        1984

 +
La filmographie de Doillon est décidément assez étrange : ce film est presque à l'opposé du dernier Doillon que j'avais vu (La vengeance d'une femme) et n'a pas non plus beaucoup à voir avec l'autre Doillon que j'avais vu (et beaucoup aimé) : La drôlesse. Ici, on dirait un mélange entre un Téchiné genre Hôtel des Amériques (certains passages en voiture semble presque en être des citations) et Le silence de Bergman - avec aussi une petite pointe de Rivette ; le résultat est donc assez étrange : une sorte de mélodrame échevelé (volontiers caricatural) à l'histoire assez vague (pas tellement importante, je pense : une histoire de trio amoureux avec détective privé et une enfant aussi, on sait pas trop ce qu'elle fait là ; même si Alma est naturellement plus au centre de l'histoire car les deux autres personnages la convoitent, j'ai trouvé qu'il y avait une égalité dramatique de tous les personnages et c'est peut-être un peu perturbant car on ne voit pas trop où le film veut aller). Malgré tout, j'ai trouvé l'ambiance assez envoûtante, une très belle photo (eh oui... encore... Bruno Nuytten) et très beaux cadres ; en plus, j'ai trouvé que le fait que le film migre sur un bateau ajoute quelque chose à l'aspect dramatique, comme si les personnages se détachaient de tout ; j'ai aussi bien aimé les acteurs (qui cabotinent sérieusement, c'est vrai) : Jane Birkin et Philippe Léotard en tête.

Prosopopus a écrit:

Adalbéron a écrit:

Emeryck a écrit:

Du côté de la mise-en-scène, j'ai trouvé ça pas si mal et notamment les plans un peu en contre-plongée sur le visage de l'assassin (un peu la position d'un selfie, en fait ; je sais pas trop comment ils ont fait ça lorsque le personnage se déplaçait) ; le jeu de l'acteur principal (Erwin Leder) est remarquable ; je ne sais pas encore quoi penser exactement de ce film mais c'est difficilement oubliable.

Je ne sais plus où j'avais lu ça, mais je crois que la caméra était attachée avec un harnais à l'acteur pour ces plans, qui donnent l'impression que son visage est le seul point fixe et que tout vacille autour.

On trouve pas mal de détails ici : https://theevild.wordpress.com/2015/05/09/schizophrenia-angst-1983-de-gerald-kargl-ou-la-subjectivite-a-la-lisiere-de-la-folie/
Ces plans sont le fruit d’un dispositif mis au point par le chef-opérateur, monteur et coscénariste du film, Zbigniew Rybczynski. Le réalisateur explique : « La caméra était fixé sur un pivot circulaire qui se balançait librement autour de l’acteur. Cela permettait de toujours garder la mise au point sur lui, l’isolant de tout ce qui l’entourait. Il vit dans son monde »

Avec les photos du tournage pour se rendre compte :



Le procédé avait déjà été partiellement utilisé pour Seconds de Frankenheimer lequel est par ailleurs truffé d'effets surréalistes (gros plan, générique de Saul Bass, Rock Hudson, décors tordus).



 

Je suis très fan du film Angst, j'adore particulièrement le contraste entre la voix tranquille du tueur et les atrocités qu'il est en train de commettre.
Il y a un élément assez bien trouvé c'est le fait qu'il analyse et fantasme son meurtre alors qu'en réalité rien ne se passe vraiment comme il le prévoit et que les actions semblent finalement plus dictées par son subconscient et ses pulsions que par sa raison, plus froide et clinique. Mais le film est tout de même très éprouvant à regarder.

En effet, merci !

Michel Audiard : Faut pas prendre les enfants du bon dieu pour des canards sauvages        1968


Bon bah c'est un film de Michel Audiard, quoi : un générique très dynamique, un scénario vraiment pas terrible qui tient sur un timbre-poste, le film ne raconte rien mais... il cause. Il s'agit ici du premier film réalisé par Michel Audiard et j'ai l'impression qu'il y a repris (ironiquement) beaucoup de choses de la nouvelle vague (enfin, surtout de Godard, en fait) : les personnages qui regardent franchement la caméra, le montage très haché, Marlène Jobert en Brigitte Bardot du Mépris ; il y a aussi quelques passages un peu à la Demy, mais assez peu. Ce qui est assez étonnant, c'est que le film n'est pas tellement ennuyeux parce qu'il y a des dialogues pas mal écrits - bon, volontiers misogynes, par contre  - et qu'il se passe beaucoup de trucs - mais sans que ça raconte grand-chose ; les acteurs/trices sont également pas mal, Bernard Blier en tête, évidemment. En général, rien de bien mémorable, tout de même.

Stéphane Bailly : Féminin plurielles        2018

 +
Je ne connaissais absolument pas ce réalisateur, qui n'en est pourtant pas à son coup d'essai et j'avoue que je trouve ça assez étrange car la réalisation de ce film n'est vraiment pas terrible ; enfin, pour être plus exact, il n'y en a quasiment pas : on dirait vraiment que le réalisateur a collé quatre histoires qui pourraient se lier thématiquement mais pas plus --- cela dit, je crois que la partie avec Hafsia Herzi était l'objet d'un court-métrage antérieur ; je trouve d'ailleurs que c'est la partie la plus intéressante et la plus réussie. Le film nous propose quatre portraits de femmes : une infirmière travaillant dans un service pour patients en fin de vie (interprétée par Lise Bellynck), une étudiante en histoire de l'art qui subit les foudres de la "laïcité républicaine" (vous savez, si vous soufflez dessus, le mot "islamophobie" apparaît) - interprétée par Hafsia Herzi -, une femme qui invite une photographe allemande et en tombe amoureuse et honnêtement, j'ai oublié l'autre portrait. En fait, à part celui de l'étudiante, qui questionne à la fois sur cette "laïcité républicaine" (dont on voit le caractère axiomatique) mais également, notamment en questionnant la question du regard et du fantasme ; le portrait avec la photographe est également assez joli mais les autres... celui avec l'infirmière est en plus assez gênant. Cela dit, il y a un fil rouge : ce sont des femmes qui désobéissent mais dommage que ça n'ait pas été augmenté et que la réalisation ne soit pas plus intéressante.

Pedro Almodóvar : Todo sobre mi madre        1999


Ce film figure dans mon top 3 du réalisateur espagnol - aux côtés de Mujeres al borde de un ataque de nervios et de Dolor y gloria - et il se dispute la première place avec le premier ; ici, comme le titre l'indique, il sera question d'hommage mais d'emblée, Almodóvar écarte un hommage qui serait un hommage à la mère définie comme génitrice et comme figure familiale inaliénable, etc. ; pour le réalisateur, la mère semble être une figure qui nous a juste aidé à un moment de notre vie (que ce soit une actrice, que ce soit notre propre mère, que ce soit une autre femme). Le film est très beau : il y a tout d'abord un hommage évident au cinéma (la citation de All about Eve - dont le titre a inspiré celui du film -  mais surtout les références à Opening night de Cassavetes, un film qui m'a beaucoup touché ; la manière dont évolue le personnage calqué sur celui de Rowlands), il y a également la trajectoire de la mère qui a perdu son fils (ce dernier ayant été renversé par une voiture lorsqu'il courrait après la voiture de l'actrice de théâtre dont il voulait un autographe) ; s'ensuit alors un travail de deuil, de reconstruction qui prend la forme d'un jeu de téléscopage(s) : il s'agit à la fois de retrouver le père de son enfant mais également de poursuivre les velléités du fils (la belle séquence de l'autographe posthume) ; cependant, le film ne s'embourbe pas dans quelque chose de lourd : il y a toujours des petits moments drôles, et le personnage de la mère est toujours actrice par rapport à son passé. L'utilisation des couleurs un peu pastel par aplats est assez apaisante et chaleureuse (le rouge est aussi constamment utilisé, je ne suis pas sûr qu'il y ait un plan sans rouge - sauf peut-être les plans de scène où le bleu vient lui répondre) et la mise en scène est vraiment admirable. On pourrait peut-être reprocher au film de se complaire un peu dans ses revirements très nombreux et de traîner parfois un peu en longueur mais ça reste tout de même un très beau film.

Brian de Palma : Raising Cain        1992

 + / 
J'ai été assez déçu par ce de Palma : en gros, on a un scénario fourre-tout (un homme aux personnalités multiples - et ce n'est pas tellement pour parler de schizophrénie) qui lui permet de mettre à peu près ce qu'il veut dans le film et de rattraper n'importe quelle incohérence et une fois qu'il a installé ça, il se fait plaisir : citations de ses propres films à gogo, moments assez ironiques (et un peu drôles), mais aussi de beaux plans-séquence. Pour moi, ça n'a pas vraiment pris (surtout quand le film fait des revirements en disant "eh non ! en fait, ce n'était qu'un rêve !") et malgré quelques scènes plaisante, je me suis pas mal ennuyé devant ce film et n'ai pas trouvé qu'il racontait grand-chose d'intéressant.

Rob Reiner : Stand by me        1986

 +
Le film est assez simple (certain(e)s le trouveront peut-être même un peu mielleux ou caricatural par moments - et je peux les comprendre) mais ça m'a semble très sincère et assez juste. Je ne connais pas vraiment l'état du teen-movie au milieu des années 80 (encore moins aux États-Unis) mais j'ai l'impression que le film ouvre un espace d'expression un peu différent : les (jeunes) adolescentes ne sont plus caractérisés par leur différence générationnelle (comme ça peut être le cas dans La boum, par exemple) et ici, on ne parle quasiment pas de la famille - ou alors quand elle intervient (rarement), ce n'est pas du tout dans cette optique - : les adolescents existent pour eux-mêmes, ils ont des préoccupations, des peurs ; ils les expriment. Le reste est à mon avis plus classique et balisé : ils partent (à pied) à la recherche d'un garçon mort sur le bord d'une voie ferrée, en espérant qu'on parle d'eux comme les découvreurs du corps ; classiquement, le trajet va être également leur trajet, l'occasion de se découvrir, etc. J'ai bien aimé le fait qu'ils longent une voie ferrée et soient parfois confrontés à certains obstacles sur leur parcours, se posent des questions sur la manière de les contourner ; ce n'est peut-être pas d'une originalité folle mais ça fonctionne. Le film parle aussi de l'écart entre la vision des choses des garçons puis la réalité des choses (mais sans que ça soit négatif) - je pense à la scène du chien, mais aussi au fait qu'ils renoncent finalement à "devenir des héros" en découvrant le corps. Les quatre adolescents sont peut-être légèrement cliché et le caractère doux-amer (et le propos - "les meilleur(e)s ami(e)s sont ceux de l'adolescence") de la fin est peut-être un peu convenu mais c'est globalement assez beau ; j'imagine que ç'a pas mal compté pour les adolescent (e?)s de l'époque.

Emeryck a écrit:

j'imagine que ç'a pas mal compté pour les adolescent (e?)s de l'époque.

Exactement.
(Content que ça t'ait plu - même si je ne l'ai pas revu depuis plus de vingt ans.)

Raoul André : Le grand bidule        1967


J'avais déjà écrit quelque chose sur un autre film de Raoul André (un chef-d'œuvre, bien sûr !) : Ces messieurs de la gâchette et j'avais conclu mon texte en disant qu'il y avait longtemps que je n'avais pas vu un film aussi débile. Ici, je ne serais peut-être pas aussi virulent mais on n'en est pas loin : on suit un savant d'un pays de l'est(interprété bien sûr par Francis Blanche) qui est sur le point d'inventer un nouveau carburant, il est alors sollicité par la France qui lui offre un laboratoire dernier-cri, le loge, etc. mais ce dernier préfère la vie parisienne à ses recherches. Bon, l'histoire est vraiment calamiteuse car le savant se fait enlever en boucle, ou alors est la cible de violences ou tentatives de meurtre ; on sent vraiment qu'au scénario, ils se sont dit "bon, comment on fait pour caser ce gag ?" ; ensuite, on a le droit à des running-gags vraiment désespérants du genre Francis Blanche qui a les oreilles qui se déplacent toutes seules dès lors qu'il voit une femme (super !). De manière générale, le film est vraiment ennuyeux, sans surprise, et Serrault ne cabotine pas assez (même si quelques de ses séquences sont un peu amusantes) pour que ça soit plaisant ; la seule chose à sauver, c'est la fin : le savant prend sa 2cv avec son carburant miraculeux et bien sûr, on a des effets visuels incroyables pour faire croire que la voiture va à toute allure. Le prochain, ce sera Y'a un os dans la moulinette, le titre lui-même promet déjà de grandes choses...

Bruno Merle : Felicità        2020

 +
Le réalisateur français Bruno Merle revient sur le grand écran après treize ans d'absence avec son deuxième long-métrage que je ne saurais pas tellement résumer : on suit un couple et sa fille, ils sont un peu fantasques mais cette année, c'est décidé, ils ont décidé d'être sérieux sauf qu'évidemment, rien ne va se passer comme prévu. Le film prend principalement le point de vue de la fille (qui est d'ailleurs la fille du réalisateur, Rita Merle) dont la trajectoire va constituer un axe de référence autour duquel graviterait son environnement ; vous me direz "oui, c'est le principe d'un point de vue..." et effectivement, mais j'ai trouvé qu'ici, c'était beaucoup plus fort : le film montre même une certaine imperméabilité entre Rita et le reste ; le film exprime du reste assez bien cela à travers les scènes où Rita met son casque anti-bruit ou les scènes avec l'astronaute ; autour d'elle, ses parents courent à droite à gauche, au gré de leurs (mes)aventures et elle attend, comme si elle allait leur dire "c'est bon, vous avez fini, là ?". En fait, c'est un peu la réaction que j'ai eu face à ce film : j'ai trouvé ça beau par moments mais je n'ai vraiment pas compris où ça allait, on aurait pu continuer pendant plusieurs heures comme ça ; moi aussi, j'aimerais dire au réalisateur "c'est bon, tu as fini, là ?".

Serge Korber : L'homme orchestre        1970

 /   +
J'ai été assez agréablement surpris par ce film: les deux autres films de Korber que j'avais vus étaient des comédies gentillettes, comme on dit ; des films pas tellement originaux qui se coulaient un peu dans ce qui se faisait à l'époque, à peu de choses près. Ici, j'ai trouvé ça beaucoup plus original et le propos un peu plus aventureux (sans être beaucoup plus creusé pour autant, cela dit, mais c'est déjà une avancée) : le film est écrit comme une comédie musicale, avec ses numéros comme des intermèdes ; bon, une comédie musicale assez kitch mais une comédie musicale quand même - et assez drôle, parfois, en plus. Dans ce film, Louis de Funès joue de rôle d'un directeur de troupe, extrêmement autoritaire, contrôlant absolument tout le monde (interdiction d'avoir des relations extérieures, etc.) ; mais en fait, tout le monde va un peu s'en foutre. L'histoire se suit relativement bien et dénonce un peu (sans être non plus hyper profond sur le sujet) l'autoritarisme de certaines de ces personnes et il nous offre aussi certaines scènes de danse de de Funès assez kitch et improbables.

Hiroshi Shimizu : Pour une épingle à cheveux        1941


Curieusement, c'est le premier film de Shimizu que je vois, il a pourtant une filmographie assez chargée puisqu'il a réalisé un peu plus de 160 films - en allant jusqu'à dix films par an pour certaines années. J'ai assez aimé, l'histoire est ici très simple : le film se passe dans une station thermale, en marchant dans un bassin, l'un des protagonistes se blesse à cause d'une épingle à cheveux restée dans le fond du bassin ; cela devient l'objet de toutes les discussions ; un jour, une lettre écrite par la propriétaire de l'épingle à cheveux en question arrive ; elle quitte Tokyo et arrive sur place, se rapproche du blessé et l'aide dans sa rééducation. Malgré la simplicité de l'histoire, j'ai aimé la place accordée à l'impromptu : tout ce qui a une véritable prise sur le récit et les trajectoires des personnages, c'est l'évènement complètement fortuit que constitue la rencontre du gars et de la pince à cheveux et cette petite rencontre va ensuite déterminer tout le reste du film ; j'ai également beaucoup aimé les scènes avec les lettres ou les textes écrits affichés à l'écran et puis, évidemment, et sans grande originalité, j'ai trouvé les scènes finales assez fortes, notamment cette montée d'escalier et l'écho qu'elle trouve par la suite, lorsque la propriétaire de la pince les remonte seule.

Luc Moullet : Ma première brasse        1981

 + / 
Je n'ai en fait pas tellement de choses à dire sur ce moyen-métrage d'une quarantaine de minutes (quarante-trois minutes, plus précisément ! logique, me direz-vous puisque Moullet avait à l'époque quarante-trois ans !) si ce n'est qu'il m'a beaucoup fait rire et que je l'ai donc beaucoup aimé. Pour donner la couleur, le film commence sur Luc Moullet, face caméra, disant "Je m'appelle Luc Moullet, je suis cinéaste, j'ai quarante-trois ans. C'est l'âge où chez les romains, on pouvait devenir sénateur, mais on n'est plus chez les romains, et de toute façon, je n'ai aucune espèce d'envie d'être sénateur." ensuite, il nous raconte que pour un cinéaste, faire un nouveau film, c'est trop banal, c'est presque la routine alors lui, il a décidé d'apprendre à nager et ce sera le fil rouge du film ; vous l'aurez compris, le film passe de sortes de postulats tout-à-fait arbitraires, toujours avec un ton très sérieux (c'est sans doute ça qui me fait autant rire) ; pêlemêle, on a le droit à une scène de danse (mise en ligne sur Youtube) du réalisateur sur la musique Popcorn (très en vogue à l'époque, je crois), on a aussi une scène digne des embrouilles entre Jean-Pierre Mocky et son directeur de la photo, le grand Edmond Richard ; ce que j'ai aussi beaucoup aimé, c'est la manière dont Moullet parle : je trouve qu'il arrive à rendre compte d'une logique (alors que ce sont souvent des choses qui viennent de  nulle part !) juste à travers le ton de sa voix. C'est de loin mon film préféré de Moullet, en espérant que cet humour pince-sans-rire soit présent dans d'autres œuvres de sa filmographie.

Yves Robert : Clérambard        1969

 +
Ce film est l'adaptation de la pièce homonyme de Marcel Aymé, on y suit un Clérambard (interprété par Philippe Noiret) qui veut absolument garder son château coûte que coûte, même s'il doit exploiter sa famille dans sa petite fabrique textile et même s'il doit manger les chats et les chiens des voisins ; mais un jour, tout va changer, il va rencontrer Saint François d'Assise (ça rappelle l'apparition de Don Juan dans Les hommes ne pensent qu'à ça) et c'est la métamorphose - spoiler: ce qui est drôle, c'est que Robert (et du coup Aymé j'imagine) singe cet aspect sacré puisque Saint François d'Assise, c'est juste le voisin de Clérambard qui en a ras le bol que tous ses chats et autres animaux soient tués et décide d'offrir à Clérambard, sous les atours de Saint François d'Assise, un livre sur la violence contre les animaux. Il y a aussi quelques autres drôleries comme ça, notamment Clérambard qui veut à tout prix s'attacher à un patrimoine, à une image, alors que ça n'a plus vraiment de sens ; mais globalement, j'ai trouvé qu'il y avait quand même pas mal de creux dans ce film ; plus sérieux, même s'il met en place quelques trouvailles, je n'ai pas trouvé que ce film avait la fantaisie et la malice de certains d'autres films du réalisateur ; certain(e)s diraient sans doute qu'il s'agit d'un petit Robert.

Sébastien Betbeder : 2 automnes 3 hivers        2013


J'avais découvert la filmographie de Betbeder avec Marie et les naufragés qui m'avait pas mal laissé sur ma faim et dont je peinais à voir véritablement l'intérêt ; trois ans auparavant sortait 2 automnes 3 hivers, une sorte de comédie romantique qui s'interroge de manière très explicite sur la place de la fiction au cinéma ; dans le duo de tête, on trouve Vincent Macaigne et Maud Wyler, tous deux bien convaincants. Le film adopte un format assez original : il s'agit d'une série de petites vignettes titrées alternant des passages en off genre commentaire a posteriori façon émission de télé-réalité et passages plus traditionnels - sur lesquels interfèrent tout de même les passages de l'autre espèce ; en fait, en y repensant, c'est peut-être une sorte de transposition de la télé-réalité au cinéma : il n'y a pas vraiment juste des actions mais des rencontres (entre personnes mais aussi avec des œuvres d'art - Le monde vivant de Green, Quatre nuits d'un rêveur de Bresson ou les dernières peintures de Munch voire les chansons de Michel Delpech), provoquées ou pas ; le film circonscrit également un peu le domaine des possibles (et parle pas mal de la mort, notamment et de son influence sur la vie). Une citation (enfin, tout ce que j'ai cité ici n'est peut-être pas à entendre comme citation mais c'est plutôt un paysage de vie pour les personnages : ce sont des œuvres qui les accompagne plus ou moins longtemps) est sans doute plus pertinente que les autres, c'est celle du film La salamandre de Tanner où les personnages principaux écrivent un film autour d'un fait divers et l'un choisit la méthode de l'enquête alors que l'autre choisit la méthode de la fiction et ils font régulièrement le point. De manière générale, même si le film montre un peu ses limites sur le sujet, j'ai trouvé l'ambiance qu'il propose bien sympathique, bien chaleureuse et du coup, ça colle (évidemment) bien à un personnage joué par Macaigne.

Claude Chabrol : Le boucher        1970


J'ai trouvé ce Chabrol assez étonnant parce que, contrairement à d'habitude, rien de vraiment bizarre ne s'y passe au premier plan, tout est renvoyé en hors-champ. Malgré tout, et c'est sans doute une des grandes forces de ce film, une tension assez impressionnante se développe : cette relation entre un boucher (interprété par Jean Yanne) et cette institutrice (interprétée par Stéphane Audran) n'est absolument pas crédible et assez gênante ; parallèlement à ça, une série de meurtres a lieu aux alentours. Je crois que jamais Chabrol n'a tant joué avec le distance qu'ici : il y a pas mal de travellings avant et (surtout) arrière et je trouve que c'est ce qui fait marcher tout le film, des actions complètement banales peuvent devenir hautement dramatiques (la scène de descente et de montée des escaliers par l'institutrice, à la fin) ; d'ailleurs, j'ai été assez surpris par la fin (spoiler) : je pensais qu'on ne saurait absolument rien sur le meurtrier et que le réalisateur forcerait en quelque sorte le spectateur à assigner le rôle du meurtrier au boucher puisque c'est un peu le coupable idéal (en dépit de son humanité, je pensais que c'était pour ça que Yanne avait été choisi) - comme s'il fallait absolument mettre un visage sur le meurtrier pour localiser le problème ; mais j'ai également beaucoup aimé la fin proposée, tout particulièrement la scène finale entre Audran et Yanne (je n'ai pas complètement été convaincu par son jeu mais dans cette scène, oui !) dans la voiture et la dernière séquence, extrêmement froide, avec le voyant "occupé" de l'ascenseur de l'hôpital et l'annonce apathique d'un homme travaillant à l'hôpital.

Samuel Benchetrit : Chien        2018


J'ai été assez déçu par ce film : contrairement à Asphalte - qui se base aussi sur un livre préalablement écrit par le réalisateur -, j'ai trouvé que ce film se renouvelait assez peu et était beaucoup plus dans un bloc de continuité que dans la mosaïque. Dans le film, on suit un homme qui se fait lâcher de toutes parts, il décide de prendre un chien mais à peine sorti de l'animalerie, il détourne son attention quelques secondes du chien et ce dernier se fait écraser et finalement (je fais court), cet homme renonce et va être accueilli par le patron de l'animalerie et va devenir son chien, en gros - le film se finit sur un aboiement triomphant de l'homme en question. Je n'aime pas trop ce que raconte le film, notamment les implications politiques de ce qu'il raconte : il y a des choses peut-être assez juste, notamment du côté du patron de l'animalerie qui semble prendre des animaux juste pour satisfaire ses besoins de violence et/ou de domination, pour se défouler ; en revanche, le propos sur la servitude volontaire assez lourd et à l'arrière-fond assez libéral me déplaît pas mal, surtout que le film ne va pas tellement plus loin sur cet aspect (et, bon, il est quand même assez littéral) alors ça fait vraiment "vous avez vu ?? ils demandent carrément de la servitude !!". Bref, sinon, je dois tout de même admettre qu'il y a plusieurs scènes assez drôles et les deux acteurs principaux sont assez remarquables : Vincent Macaigne dans le rôle du chien et Bouli Lanners dans le rôle du patron de l'animalerie.

Philippe de Broca : Un monsieur de compagnie        1964


 +
Il s'agit du dernier film de la première série de collaboration entre Philippe de Broca et Jean-Pierre Cassel - ils se retrouveront ensuite pour Chouans ; j'avais vu L'amant de cinq jours il y a plusieurs mois mais ça n'a rien à voir : ici, le style est ouvertement comique. L'histoire est assez simple : un riche héritier, dont le plaisir est de rien faire, il va alors voyager un peu partout, en s'accompagnant bien sûr d'hommes riches - et de femmes ; j'ai trouvé que l'histoire était un peu sommaire (et du coup, ça tourne parfois un peu en rond) mais le film est tout de même assez dynamique, avec de bons dialogues, assez drôles, de bons acteurs (Marielle avec son superbe accent anglais, au début) ; j'ai également bien aimé la photo et l'utilisation de couleurs vive - photo de Coutard, il me semble. Sur le même sujet, je préfère cependant Alexandre le bienheureux d'Yves Robert qui me semble raconter des choses plus intéressantes (qui pose en tout cas des questions simples, mais intéressantes) et qui n'est pas exclusivement axé sur le comique ; ce de Broca reste tout de même pas mal.

Pierre Schoendoerffer : Objectif 500 millions        1966

 +
C'est le premier film de Schoendoerffer que je vois et j'avoue que ça me fait pas mal penser au film La dénonciation de Doniol-Valcroze que j'avais découvert complètement par hasard au cinéma ; les deux films parlent de l'OAS et les deux films partagent une atmosphère assez mystérieuse où l'OAS est très présente mais évoquée toujours avec une certaine gêne. Cependant, dans ce film, il s'agit plus d'une toile de fond de laquelle émergent les personnages : un ancien capitaine vient de sortir de prison où il avait été mis à cause d'accointances avec l'OAS ; il décide de revenir un peu dans la vie, sans grand succès, même en faisant jouer ses relations ; un jour, une femme vient le solliciter pour un coup de détournement d'avion avec 500 millions d'anciens francs à la clef, le seul problème, c'est que l'autre gars dans le coup, c'est celui qui l'a balancé. Le scénario est assez simple mais j'ai bien aimé la réalisation, notamment avec l'incrustation des images d'actualité, la photo très très film noir (bon, vous allez me dire : mais c'est un film noir !) avec de très beaux moments et l'ambiance est assez prenante ; malgré tout, on peut déplorer l'(unique !) rôle féminin qui est vraiment un faire-valoir, vraiment pas écrit de manière intéressante et on peut également déplorer la prévisibilité de la résolution ; en fait, je crois que je préfère le film de Doniol-Valcroze.

Mikio Naruse : À l'approche de l'automne        1960

 +
Dans ce film, Naruse raconte l'histoire d'une femme veuve qui rejoint Tokyo pour trouver un emploi là-bas ; elle en trouve un dans un hôtel ; elle laisse son fils chez son frère ; son fils se lie alors d'amitié avec la fille de la gérante de l'hôtel dans lequel la femme travaille. L'histoire est vraiment simple mais j'ai beaucoup aimé tous les changements soudains qu'elle met en œuvre, et toujours dans une grande égalité de ton - pourtant, on ne peut pas dire que la fin soit franchement joyeuse ; le film nous montre beaucoup les deux enfants discuter et/ou jouer ensemble, ce sont à mon avis les plus belles scènes du film ; il y a également quelques scènes très fortes, notamment lorsque la fille de la gérante voit la mer pour la première fois.

Patrice Leconte : Ma femme s'appelle reviens        1982


Je poursuis ma découverte de la filmographie de Leconte, ce film vient juste après Viens chez moi j'habite chez une copine et ça se sent : on reprend Michel Blanc à l'écriture des dialogues et dans le rôle de loser ; sauf qu'ici, c'est encore moins bon parce que le rythme est vraiment d'une lenteur terrible, le film met environ une demi-heure à lancer sa trame et même après ça, ce n'est pas franchement passionnant, les dialogues ne sont pas extrêmement drôles et parfois un peu gênants. Il y a par contre quelques moments qui ne sont pas si mal, notamment le moment de l'interrogatoire de police avec Michel Blanc et peut-être la scène d'ouverture un peu amusante mais franchement, à peine plus.

Emeryck a écrit:

Sébastien Betbeder : 2 automnes 3 hivers        2013


J'avais découvert la filmographie de Betbeder avec Marie et les naufragés qui m'avait pas mal laissé sur ma faim et dont je peinais à voir véritablement l'intérêt ; trois ans auparavant sortait 2 automnes 3 hivers, une sorte de comédie romantique qui s'interroge de manière très explicite sur la place de la fiction au cinéma ; dans le duo de tête, on trouve Vincent Macaigne et Maud Wyler, tous deux bien convaincants. Le film adopte un format assez original : il s'agit d'une série de petites vignettes titrées alternant des passages en off genre commentaire a posteriori façon émission de télé-réalité et passages plus traditionnels - sur lesquels interfèrent tout de même les passages de l'autre espèce ; en fait, en y repensant, c'est peut-être une sorte de transposition de la télé-réalité au cinéma : il n'y a pas vraiment juste des actions mais des rencontres (entre personnes mais aussi avec des œuvres d'art - Le monde vivant de Green, Quatre nuits d'un rêveur de Bresson ou les dernières peintures de Munch voire les chansons de Michel Delpech), provoquées ou pas ; le film circonscrit également un peu le domaine des possibles (et parle pas mal de la mort, notamment et de son influence sur la vie). Une citation (enfin, tout ce que j'ai cité ici n'est peut-être pas à entendre comme citation mais c'est plutôt un paysage de vie pour les personnages : ce sont des œuvres qui les accompagne plus ou moins longtemps) est sans doute plus pertinente que les autres, c'est celle du film La salamandre de Tanner où les personnages principaux écrivent un film autour d'un fait divers et l'un choisit la méthode de l'enquête alors que l'autre choisit la méthode de la fiction et ils font régulièrement le point. De manière générale, même si le film montre un peu ses limites sur le sujet, j'ai trouvé l'ambiance qu'il propose bien sympathique, bien chaleureuse et du coup, ça colle (évidemment) bien à un personnage joué par Macaigne.

J'avais beaucoup aimé de mon côté : le film cite aussi à plusieurs reprises, il me semble, Judd Apatow que je m'étais du coup promis de découvrir. J'avais renoncé (à tort qui sait ?).

Alain Resnais
Hiroshima mon amour

En bonus, si l'on peut dire après ce film et à propos de ces courts métrages exigeants et engagés, en DVD 2 :

Alain Resnais - Chris Marker
Les statues meurent aussi
Alain Resnais - Robert Hessens
Guernica
Alain Resnais
Toute la mémoire du monde

On ne peut que remercier les éditions Argos de ce très beau travail éditorial sur ce double DVD, avec en plus un vrai livret sur un beau papier cartonné - textes de Duras, Resnais, fac-similé de correspondances de Resnais à Duras lors de ses repérages au Japon, etc. (et des reprises d’interviews radiophoniques d'Emmanuelle Riva et Resnais sur le DVD 1) !
Pas trouvé d'image du double DVD

programme:

xoph a écrit:

Emeryck a écrit:

Sébastien Betbeder : 2 automnes 3 hivers        2013

J'avais découvert la filmographie de Betbeder avec Marie et les naufragés qui m'avait pas mal laissé sur ma faim et dont je peinais à voir véritablement l'intérêt ; trois ans auparavant sortait 2 automnes 3 hivers, une sorte de comédie romantique qui s'interroge de manière très explicite sur la place de la fiction au cinéma ; dans le duo de tête, on trouve Vincent Macaigne et Maud Wyler, tous deux bien convaincants. Le film adopte un format assez original : il s'agit d'une série de petites vignettes titrées alternant des passages en off genre commentaire a posteriori façon émission de télé-réalité et passages plus traditionnels - sur lesquels interfèrent tout de même les passages de l'autre espèce ; en fait, en y repensant, c'est peut-être une sorte de transposition de la télé-réalité au cinéma : il n'y a pas vraiment juste des actions mais des rencontres (entre personnes mais aussi avec des œuvres d'art - Le monde vivant de Green, Quatre nuits d'un rêveur de Bresson ou les dernières peintures de Munch voire les chansons de Michel Delpech), provoquées ou pas ; le film circonscrit également un peu le domaine des possibles (et parle pas mal de la mort, notamment et de son influence sur la vie). Une citation (enfin, tout ce que j'ai cité ici n'est peut-être pas à entendre comme citation mais c'est plutôt un paysage de vie pour les personnages : ce sont des œuvres qui les accompagne plus ou moins longtemps) est sans doute plus pertinente que les autres, c'est celle du film La salamandre de Tanner où les personnages principaux écrivent un film autour d'un fait divers et l'un choisit la méthode de l'enquête alors que l'autre choisit la méthode de la fiction et ils font régulièrement le point. De manière générale, même si le film montre un peu ses limites sur le sujet, j'ai trouvé l'ambiance qu'il propose bien sympathique, bien chaleureuse et du coup, ça colle (évidemment) bien à un personnage joué par Macaigne.

J'avais beaucoup aimé de mon côté : le film cite aussi à plusieurs reprises, il me semble, Judd Apatow que je m'étais du coup promis de découvrir. J'avais renoncé (à tort qui sait ?).

Oui, tout à fait, je ne connais pas ce réalisateur à vrai dire.

Raoul Ruiz : L'éveillé du pont de l'Alma        1985


Assez déçu par ce Ruiz, notamment parce que le scénario (plus que jamais dans une veine surréaliste - et assez difficilement compréhensible) est également bien bien problématique ; je ne comprends pas vraiment pourquoi mettre des choses pareilles dans un scénario... En plus, je n'ai pas trouvé que le scénario racontait grand-chose ; c'est dommage car l'idée de départ autour du sommeil était plutôt pas mal et aurait pu donner de belles choses quand on connaît la créativité de Ruiz, mais là, je ne marche pas.

Mikhaël Hers : Montparnasse        2009

 /   +
J'aime en général assez bien/beaucoup Hers (hâte de voir Les passagers de la nuit, son nouveau film qui sort le mois prochain !) ; il s'agit ici de son troisième moyen-métrage, il est composé de trois épisodes, tous trois tournés dans le quartier Montparnasse, chacun portant le nom d'une femme, celle qui sera au centre du chapitre - mais pas toujours présente, comme dans le chapitre médian. Je n'ai pas toujours trouvé les histoires extrêmement passionnantes ni même particulièrement fortes mais j'ai (comme d'habitude) aimé la spatialité du cinéma de Hers, que ce soit à travers la manière dont les personnages sont inscrits dans le lieux qu'ils occupent (ça m'avait particulièrement touché dans Amanda) mais également tous ces lieux que l'on mentionne, des souvenirs qui se rapportent toujours particulièrement à des lieux, et Hers peut alors mettre en place une expressivité principalement spatiale (avec ces plans récurrents de rues occupées mais sans personnages) ; j'ai bien aimé l'ambiance et certains passages, notamment lorsqu'ils passent à côté du 7 parnassiens, cinéma parisien bien atypique dont l'entrée se trouve dans un passage.

Jim Jarmusch

Broken Flowers
un peu déçu à le revoir, surtout la fin que je trouve longuette et un peu balourde (ce désir de paternité semble déjà si manifeste hors cette rencontre, et dérobade, finale)



The Limits of Control
jamais vu auparavant. Plutôt drôle et bien foutu : une forme d'ironie dans ces maximes à deux balles somme toute fonctionnelles, le comique de situations répétées ou analogues, la boucle aussi bien menée qu'absurde, le suspens "à plat" qui tient lieu de thriller.



-------

https://classik.forumactif.com/viewtopic.php?t=9770