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Vous me tentez avec votre neige à Noël, en plus en ce moment il est dispo dans mon vidéoclub, il va falloir que je me le programme un soir

Patrice Leconte : Viens chez moi, j'habite chez une copine        1981


Ce film vient juste après Les bronzés font du ski dans la filmographie de Leconte et on retrouve d'ailleurs Michel Blanc (en acteur principal et aux dialogues) ; en tout cas, ils ne se sont pas beaucoup foulés pour ce film, il s'agit de l'adaptation de la pièce de théâtre homonyme, écrite notamment par Luis Rego, un des membres des Charlots. En fait, pour faire court, vous avez déjà tout dans le titre : un gars (interprété par Michel Blanc) a été viré de son job de pompiste parce qu'il essayait d'arnaquer les client(e)s, il se retrouve à loger temporairement chez un ami (interprété par Bernard Giraudeau) mais tout cela s'éternise, ça devient assez gênant, il ramène toutes les femmes qu'il rencontre chez son ami, etc. ; en plus, il demande à son ami de le pistonner dans sa boîte, ce dernier accepte mais va être ensuite renvoyé de la société de déménagement car il a piqué des bouteilles de Château Margaux dans les caisses d'une cliente. Bref, c'est parfois un peu drôle mais globalement, c'est vraiment de l'ordre de l'insignifiant.

David Cronenberg : Shivers        1975


Après deux moyen-métrages intéressants mais tout de même assez ennuyeux, Cronenberg réalise ici son premier long-métrage et c'est dans ce film que vont naître la plupart de ses thématiques de prédilection : le rapport au corps et ses métamorphoses, l'organicité, la diffusion et d'une certaine manière le rapport à la virtualité - on pourrait aussi ajouter les pulsions mais ça me semble peut-être moins important et intéressant - ; le corps étant toujours plus ou moins un témoin. Ici, le film commence sur une espèce d'annonce publicitaire pour un complexe de vacances sur une île, véritable macrocosme ; on découvre ensuite des personnages, et notamment un homme qui fait une expérience sur une femme, lui ouvrant le ventre pour y insérer un truc ; peu de temps après, une espèce de créature se propage à travers l'hôtel et rend tous les contaminé(e)s complètement obsédés par le sexe - voilà, c'est à peu près tout, j'ai été un peu déçu que le film ne soit pas plus dense. En revanche, ce n'est pas non plus complètement ridicule/ennuyeux puisque Cronenberg veut ici vraiment montrer le phénomène de diffusion, notamment en montrant d'un côté les gens normaux et de l'autre les contaminé(e)s - avec parfois quelques scènes assez drôles, notamment cette scène où un personnage vomit du sang depuis son balcon et cela tombe sur le parapluie d'une cliente âgée en bas, et elle dit "pauvre oiseau, c'est terrible !" ; de manière générale, le film comporte tout de même quelques scènes plutôt drôles - et la frontière va devenir de plus en plus mince, évidemment. J'ai aussi trouvé que le film se rapprochait énormément de certains concepts développés dans certains livres de Deleuze, par exemple la critique du capitalisme à travers cette approche très socialement ancrée de la pulsion ; je ne sais pas si c'est vraiment une inspiration car L'anti-Œdipe était sorti il y a seulement trois ans et sans doute pas encore traduit ; très curieux, en tout cas. Un des aspects sur lequel je suis un peu sceptique, c'est la représentation des femmes dans le film qui est assez cringe, tout de même : entre les nombreuses paires de seins et puis les personnages féminins sont toujours les plus stupides, les plus passifs, etc.

Yves Robert : La guerre des boutons        1962

 +
Il s'agit de la deuxième des cinq adaptation du roman homonyme de Louis Pergaud, je n'ai ni lu le livre, ni vu aucune autre adaptation cinématographique de celui-ci. J'ai pu lire que l'adaptation était assez académique et lisse mais même si je ne connais pas le roman, je trouve qu'au contraire, on retrouve l'intelligence si souvent à l'œuvre d'Yves Robert : le film laisse la part belle aux enfants mais n'est jamais infantilisant ; au contraire, il raconte des choses intéressantes, questionne les habitudes éducatives de l'époque ; il montre également des enfants qui interrogent les idées et pas simplement des enfants en tant qu'enfants. Le film montre vraiment des enfants qui remettent en question ce qui leur est assené de manière absolue, on a comme l'impression qu'ils essaient de tester ça dans une petite société qu'ils montent et découvrent ce qui marche, ce qui marche moins bien. On pourrait alors penser que le film est assez forcé mais ce n'est pas du tout le cas: tout est très naturel, les enfants sont adorables et les quelques adultes (Dufilho, Galabru, Etiévant) sont assez drôles - et on sent qu'ils appartiennent à une autre génération. Il y a également quelques belles scènes (celle de la course dans les bois, par exemple) et quelques idées très efficaces de mise-en-scène (la scène où le père frappe et on film ensuite l'écho de l'onde de choc dans la soupe de l'enfant) ; un (très) bon Robert, sans doute un peu sous-estimé, visiblement.

En revanche, je n'ai jamais eu l'impression que c'était un film sous-estimé: au contraire, j'ai plutôt souvenir que c'était un «classique» - la réplique de Petit Gibus «si j'aurais su, j'aurais pas venu» est même devenu une espèce de locution populaire.

(Mais de toute façon, j'aime beaucoup Yves Robert.)

Benedictus a écrit:

En revanche, je n'ai jamais eu l'impression que c'était un film sous-estimé: au contraire, j'ai plutôt souvenir que c'était un «classique» - la réplique de Petit Gibus «si j'aurais su, j'aurais pas venu» est même devenu une espèce de locution populaire.

(Mais de toute façon, j'aime beaucoup Yves Robert.)

Oui, c'est vrai que cette expression est restée - j'ignorais d'ailleurs qu'elle venait de là - mais le film est souvent ramené à un film avec des enfants pour enfants, touchant mais sans plus ou académique comme je le disais.

Georges Lautner : Le septième juré        1962

 +
Alors là ! Une très belle surprise : je n'attendais pas grand-chose en lançant ce film puisque jusque-là, certains films de Lautner m'avaient plu (Mort d'un pourri, par exemple) mais de manière général, c'était assez moyen ; ici, rien à voir, j'ai trouvé ça vraiment très bien : belle photographie noir et blanc, dialogues très bien écrits, acteurs très bons et surtout un film qui parle de choses intéressantes, d'une manière intéressante. Le film commence sur l'assassinat d'une femme par un homme (Bernard Blier, impeccable) au bord d'un lac, simplement cet homme n'est pas comme on aimerait qu'il soit : ce n'est pas un marginal, c'est même un homme bien inséré dans la société, pharmacien assez reconnu ; on va alors accuser un innocent, parce qu'il a des mœurs un peu légères, notamment. Immédiatement après le crime, on a un épisode intégralement en voix-off subjective, du point de vue du meurtrier, essayant de trouver une excuse à son geste, du genre "de toute façon, elle l'a bien cherché", ses introspections en voix-off côtoient sa vie de tous les jours ; il apprend ensuite qu'il est désigné comme juré d'assises au procès du meurtre qu'il a commis et pour lequel un innocent sera dans le box des accusés, il est alors face à un dilemme : il ne peut pas sciemment laisser condamner un mort un innocent, mais à la fois, il ne veut pas que sa tête tombe ; le film joue sur ce porte-à-faux pendant la partie centrale, mettant l'accent sur la défense effrénée du personnage de Blier, sur laquelle on s'interroge un peu : pourquoi est-il si fermement convaincu qu'il est innocent et pourquoi le défend-il bec et ongles ? L'innocent est alors acquitté grâce à la défense du vrai meurtrier, mais pour les gens du village, il est toujours coupable : il leur faut un vrai coupable ; c'est alors que le personnage de Blier va choisir de se dénoncer mais lorsqu'il va le faire, on ne va pas vouloir le croire, et sa femme va même le faire interner prétextant qu'il est fou. Là encore, le film touche quelque chose d'intéressant : l'utilisation de la figure du fou comme mise-à-distance immédiate et qui complète bien le propos initial puisqu'il est encore courant qu'on dise que les meurtriers sont des fous ou des malades pour nettement circonscrire la catégorie des meurtriers et la tenir clairement à distance. Je trouve que c'est vraiment un film remarquable, soutenu par de très bons dialogues --- aussi bien les parties subjectives en voix-off que le reste ; et Blier, comme un roc, magistral.

Oui, le meilleur que j'ai pu voir de Lautner de mon point de vue.

Dans ses films sérieux alors, parce que, excusez moi d'être très traditionnel et grand public, le meilleur de Lautner ça reste quand même Les Tontons flingueurs et Les Barbouzes (bon pour le second je veux bien le mettre au conditionnel, je ne l'ai pas revu depuis longtemps).

Parsifal a écrit:

Dans ses films sérieux alors, parce que, excusez moi d'être très traditionnel et grand public, le meilleur de Lautner ça reste quand même Les Tontons flingueurs et Les Barbouzes (bon pour le second je veux bien le mettre au conditionnel, je ne l'ai pas revu depuis longtemps).

Je ne les ai pas encore vus, mais c'est prévu !

Parsifal a écrit:

Dans ses films sérieux alors, parce que, excusez moi d'être très traditionnel et grand public, le meilleur de Lautner ça reste quand même Les Tontons flingueurs et Les Barbouzes (bon pour le second je veux bien le mettre au conditionnel, je ne l'ai pas revu depuis longtemps).

Ce film est devenu tellement mythique qu'il est hors concours. En ce qui concerne Les barbouzes, c'est un très bon Lautner mais sans plus

Pierre Kast : Vacances portugaises        1963


Il s'agit du premier film de Pierre Kast que je vois, il avait été soutenu par Truffaut à l'époque de sa sortie - on trouve un bref billet dans Les films de ma vie ; c'est un objet cinématographique assez curieux, aux dialogues rarement aussi écrits. Un couple en vacances dans leur villa au Portugal décide d'inviter plusieurs couples d'amis, ça va être l'occasion pour le réalisateur de porter à l'écran tout autant de visions de l'amour (le principal sujet du film) mais le tout avec un très grand sérieux - même si certaines scènes sont assez amusantes, notamment les scènes autour de l'écrivain ; cependant, je n'ai pas réussi à entrer véritablement dans le film, ce n'est pas l'abondance des dialogues écrits qui me gêne mais j'ai trouvé que le film était vraiment trop empesé et n'a pas la fantaisie d'un Rohmer, par exemple. C'est dommage parce que la photo est assez belle (Raoul Coutard !) et les paysages également ; on trouve également une belle distribution (Deneuve - un de ses premiers films, sans doute -, Auclair, Aumont, Arnoul, etc.) ; il faudrait que j'essaie un autre film de ce réalisateur.

J'ai vu un autre film de lui, La Morte-Saison des amours, mais je ne pense pas qu'il puisse changer ta perception, parce que c'est vraiment tout à fait la même chose: photographie raffinée (mais je crois que c'est Sacha Vierny dans celui-là), décors superbes (la Saline royale d'Arc-et-Senans - au fait, tu as déjà vu le Don Juan de Bluwal?), acteurs remarquables et très photogéniques (et plus ou moins les mêmes: Françoise Arnoul, Françoise Prévost, Pierre Vaneck, Daniel Gélin) et marivaudages surécrits et un peu guindés (comme tu dis: du Rohmer sans fantaisie.)

Benedictus a écrit:

 au fait, tu as déjà vu le Don Juan de Bluwal?

Non, j'ai envie de le voir pour Piccoli mais j'avais été refroidi par Carambolages qui m'avait agacé - même si je pense que les deux films n'ont pas beaucoup de points communs excepté le fait qu'ils aient tous deux été réalisés par Bluwal.

En effet, un peu comme Les Perses, ce Dom Juan m'a paru surtout typique du cahier des charges des productions culturelles de prestige de l'ORTF des années 60 (je ne suis pas sûr de connaître d'autres réalisations de Bluwal.)

Pialat : Sous le soleil de Satan

Je refusais de voir le film avant de lire le livre ... et comme ce livre me faisait beaucoup trop peur (peur de ne pas être du tout à la hauteur) ... le film a attendu ...

Difficile d'adapter un chef d'oeuvre absolu ... et plus difficile encore quand il s'agit d'une oeuvre où il se passe si peu de choses.
Peut-on comprendre le film sans avoir lu le livre ? (pour peu qu'on puisse comprendre un tel livre évidemment) Difficile de répondre.
Je trouve que Pialat s'en sort admirablement ... mais admirablement dans la limite de ce que peut faire le cinéma quand il s'attaque à adapte un tel chef d'oeuvre de la littérature.
Autrement dit, pas sûr qu'on puisse faire mieux en la matière. Le film a pour lui une partie de la force du livre (ce n'est pas rien).
Il a le mérite de m'avoir replongé dans ce livre ... et en parler plus serait beaucoup trop personnel (et aussi au dessus de mes capacités).

Mais quelle bonne idée d'avoir choisi la Symphonie n°1 de Dutilleux pour la musique du film ! J'ai toujours trouvé un côté Berg à Dutilleux ... et comme Pialat utilise merveilleusement cette musique dans des sortes d'interludes ... impossible de ne pas penser aux interludes de Wozzeck.
Etrange ... je considère cette symphonie comme un chef d'oeuvre ... mais on dirait que le film en montre une profondeur que je n'avais pas perçue.

Thomas Kruithof, Les promesses

Je suis allé voir ce film hier au MK2 Gambetta comme j'étais sur Paris ce week-end, notamment à Bastille pour Khovanschina samedi soir. Pour l'anecdote, pour la première séance de l'après-midi hier, j'ai cru reconnaître Roselyne Bachelot dans la salle ou quelqu'un lui ressemblant fortement. J'ai beaucoup aimé ce film, notamment pour les prestations et incarnations de leurs personnages de Reda Kateb et Isabelle Huppert. Laurent Poitrenaux dans le rôle de Jérôme Narvaux, Président du Grand Paris est également très bon en particulier. Le scénario co-écrit par le réalisateur avec Jean-Baptiste Delafon est maîtrisé. En terme de réalisation, y'a rien de bouleversant bien sûr mais ce film est pour moi une réussite. Je vous encourage à aller le voir si la politique vous intéresse, pour les deux comédiens principaux entre autres.

René Clément : Les félins        1964

 +
J'avoue avoir été un peu déçu par ce film : j'en ai beaucoup aimé l'ambiance mais j'ai trouvé que se traînait considérablement dans la partie centrale. Le casting de ce film (le deuxième de Clément aux USA) est assez étonnant : Alain Delon, bien sûr, mais également Jane Fonda ; ce dernier joue le rôle d'un homme qui tente de séduire un peu toutes les femmes qu'il rencontre, et notamment la femme d'un bandit américain qui va donc mettre des hommes à ses trousses ; il trouve refuge chez une femme (Jane Fonda) en tant que chauffeur. Comme souvent chez Clément (enfin, comme dans Plein soleil, au moins), l'histoire est bien ficelée et les atmosphère étouffantes et instables sont souvent assez captivantes - ici, Clément pousse encore plus loin l'étrangeté mais je trouve que c'est un peu ce qui le perd. Je n'ai pas tellement de choses à ajouter : c'est plutôt bien fait mais ça ne (me) raconte pas tellement de choses. D'ailleurs, petite anecdote amusante : Jane Fonda ne comprenait pas trop le français l'époque et ne comprenait donc pas grand-chose à ce qu'il se passait - Delon aurait pu faire un effort et tourner en anglais, quand même : je crois qu'il est quasiment le seul acteur francophone dans le film...

Cololi a écrit:

Pialat : Sous le soleil de Satan
Je trouve que Pialat s'en sort admirablement ... mais admirablement dans la limite de ce que peut faire le cinéma quand il s'attaque à adapte un tel chef d'oeuvre de la littérature.

Bah c'est un quasi-chef d'œuvre, quoi.

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Pialat : Sous le soleil de Satan
Je trouve que Pialat s'en sort admirablement ... mais admirablement dans la limite de ce que peut faire le cinéma quand il s'attaque à adapte un tel chef d'oeuvre de la littérature.

Bah c'est un quasi-chef d'œuvre, quoi.

Vi.
Je me mettais juste à la place de celui qui n'a pas lu le livre avant ... ça doit être bien cryptique
Et la fin ... n'est pas du tout celle du bouquin.

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Pialat : Sous le soleil de Satan
Je trouve que Pialat s'en sort admirablement ... mais admirablement dans la limite de ce que peut faire le cinéma quand il s'attaque à adapte un tel chef d'oeuvre de la littérature.

Bah c'est un quasi-chef d'œuvre, quoi.

Vi.
Je me mettais juste à la place de celui qui n'a pas lu le livre avant ... ça doit être bien cryptique
Et la fin ... n'est pas du tout celle du bouquin.

Je sais pas, j'ai pas (encore) lu le bouquin ; cela ne m'a pas empêché d'apprécier l'intensité du film. 

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Pialat : Sous le soleil de Satan
Je trouve que Pialat s'en sort admirablement ... mais admirablement dans la limite de ce que peut faire le cinéma quand il s'attaque à adapte un tel chef d'oeuvre de la littérature.

Bah c'est un quasi-chef d'œuvre, quoi.

Vi.
Je me mettais juste à la place de celui qui n'a pas lu le livre avant ... ça doit être bien cryptique
Et la fin ... n'est pas du tout celle du bouquin.

Je sais pas, j'ai pas (encore) lu le bouquin ; cela ne m'a pas empêché d'apprécier l'intensité du film. 

Tant mieux (ça serait dommage de dégoûter du livre par avance), ça prouve que c'est possible.
Je pense sincèrement que je serais passé complètement à côté du film sans le livre (car le livre a sa bonne part de mystère, et le film forcément bien plus elliptique, n'arrange pas cela).
Après la réalisation, la photo, l'intensité de ce qu'il se passe à l'écran (mais là ... je crois que la lecture rajoute de l'intensité quand on regarde le film), les prestations de Depardieu, Bonnaire ... et même Pialat lui-même, c'est énorme.
Très étrange cette fin : pourquoi Pialat a-t-il changé (et précipité) ainsi la fin par rapport au roman ...

Emeryck a écrit:

Il s'agit de la deuxième des cinq adaptation du roman homonyme de Louis Pergaud, je n'ai ni lu le livre, ...

C'est fort dommage.
On n'en retient que les "gros mots" et ... l'adaptation -qui reste dans l'esprit- d'Yves Robert, mais l'histoire replacée dans la géographie franc-comtoise et le contexte historique de la fin du XIXème siècle est beaucoup plus intéressante; mais ce qui en fait pour moi la saveur, c'est le magnifique français de Louis Pergaud.

Claude Sautet : L'arme à gauche        1965


Les trois premiers films de Sautet (Bonjour sourire, Classe tous risques et celui-ci) sont assez à part dans sa filmographie, ils sont dans la situation générique de production de l'époque, très axée autour du film noir (sauf pour Bonjour sourire qui a l'air d'être une comédie gentillette --- pas  encore vu) - Alphaville, Tirez sur le pianiste, Ascenseur pour l'échafaud, Compartiments tueurs, et même Blier a commencé avec un film noir, je ne sais d'ailleurs pas ce que ça vaut. Si Classe tous risques était un très bon film, ce n'est pas le cas de L'arme à gauche: il s'agit d'une adaptation du roman Aground de Charles Williams, le film est à cheval entre film noir et film d'aventures - même s'il lorgne beaucoup plus du côté du film d'aventures ; il s'agit pour moi du plus mauvais film de Sautet. Le film se passe aux Caraïbes, un homme (interprété par Lino Ventura) est appelé pour expertiser un bateau, il le fait et le bateau disparaît ensuite ; en essayant de le retrouver avec une femme (Sylva Koscina), ils sont capturés par ceux qui ont volé le premier bateau, dans l'espoir de l'utiliser pour faire passer des armes en Amérique centrale ; le scénario est assez basique et pas vraiment intéressant - ça n'a pas beaucoup d'écho au-delà de l'histoire elle-même, qui ne m'a pas beaucoup intéressé. Malgré tout, il y a quelques  belles scènes, c'est bien filmé et certaines séquences arrivent à installer des atmosphères crédibles mais j'ai trouvé que le fait qu'il y ait plusieurs langues de manière un peu aléatoire donnait à ce film (qui n'est déjà pas très bon) un aspect "production fauchée des années 70" ; très oubliable pour moi, il ne me reste plus qu'à voir Quelques jours avec moi dans la filmographie de Sautet, en espérant que ce soit bien meilleur - et aussi Bonjour sourire.

Bernard Stora: Villa Caprice
J'ai trouvé ça vraiment très, très mauvais. De formidables acteurs (Niels Arestrup, Michel Bouquet, Irène Jacob, Laurent Stocker, Eva Darlan - même Patrick Bruel, que, contre toute attente, j'ai souvent trouvé bon comme acteur) font vraiment tout ce qu'ils peuvent pour sauver le film. Malheureusement, le scénario ne fait qu'accumuler les poncifs d'actualité sur une trame narrative particulièrement pauvre (comme les thèmes qui pourraient être développés ne le sont jamais, on imagine quelque chose comme un vrai gros plot twist final, mais en fait, non), avec des dialogues incroyablement stéréotypés dans ce genre qu'on dit «ciselé» (alternance de pointes perfides totalement téléphonées et de gros lieux communs qui posent à la profondeur); en plus, c'est filmé de manière assez complaisante (en termes d'image, c'est vraiment le monde des ultra-riches en mode magazine de luxe sur papier glacé.)
On imagine ce qu'un Chabrol aurait pu en faire, mais là...

(Un truc qui m'a surpris aussi, c'est l'espèce de fausse pudeur lourdement allusive avec laquelle l'homosexualité masculine est suggérée-mais-jamais-montrée: de ce point de vue-là, on se croirait vraiment dans du cinéma français mainstream des années 70 ou 80.)

Ç'a l'air amusant, ce film. 

Seijun Suzuki : Le vagabond de Tokyo        1966


La filmographie de Suzuki est un territoire assez dangereux : les films exceptionnels côtoient les films très mauvais ; je l'avais découvert avec La marque du tueur (qui est sans doute son chef d'oeuvre) et avais poursuivi ma découverte avec L'homme à la mitraillette qui était absolument mauvais et inintéressant. Le vagabond de Tokyo (ou Tokyo drifter pour les anglophones) vient un an avant La marque du tueur et figure parmi les réussite du cinéaste japonais : on trouve déjà une gestion similaire des espaces avec des brèves scènes totalement coupées du reste dans des espaces génériques ; ici, le film est en couleurs donc on a en plus une superbe gestion des couleurs : beaucoup de très belles scènes (non-fonctionnelles) de néons, et de manière générale, les intérieurs sont souvent hauts en couleurs - et superbes. Concernant le scénario proprement dit, c'est assez étonnant : le rythme du montage est effréné, beaucoup de plans durent à peine une seconde ; et j'avoue que l'histoire est assez bordélique mais il y a quand même une ligne intelligible : on sent bien que le film veut saturer et brouiller cette logique de gang, il y a tellement de revirements dans tous les sens ; l'histoire n'est pas extrêmement passionnante en elle-même mais l'esthétique est mémorable, on sent bien que Suzuki, en dépit du fait que la Nikkatsu lui impose plein de contraintes, il a envie de pousser tous les curseurs et de rien respecter - d'ailleurs, il se fera renvoyer des studios à cause de La marque du tueur qui était beaucoup trop ambitieux.

Vi c'est pas mal (pas celui que je préfère cependant).

Tu as vu La trilogie Taisho ?

Cololi a écrit:

Vi c'est pas mal (pas celui que je préfère cependant).

Tu as vu La trilogie Taisho ?

Moi, je trouve ça même vraiment bien - ce n'est certes pas au niveau de La marque du tueur, mais quand même !

Non, quels sont les films qui la composent ?

Emeryck a écrit:

Ç'a l'air amusant, ce film. 

Non, même pas, parce qu'on a vraiment de la peine pour tous ces excellents acteurs qui se donnent un mal de chien pour donner essayer de l'épaisseur et de la crédibilité au truc. (C'est particulièrement triste pour Michel Bouquet, je trouve, absolument génial ici comme toujours - mais à près de 95 ans, on aimerait mieux le voir se fatiguer pour un film qui en vaille la peine, quoi.)

Yumeji / Brumes de chaleur / Mélodie Tzigane

Jacques Besnard : Estouffade à la caraïbe        1967


Comme C'est pas parce qu'on a rien à dire qu'il faut fermer sa gueule m'avait assez fait rire, j'ai décidé de remettre le couvert, sachant bien sûr qu'on restait sur une réalisation de Jacques Besnard, c'est-à-dire une subtilité ouvertement inexistante, mais pour celui-ci, j'ai été très déçu car c'est un film tout à fait conventionnel et inintéressant - si on enlevait son nom du générique, il serait très difficile de deviner qu'il avait réalisé ce film. Il nous pond ici une sorte de film d'aventure où un homme qui sauve une femme est en fait pris dans un guet-apens par son père qui veut l'utiliser pour subtiliser les réserves d'or d'un dictateur d'une île des Caraïbes - bon, en fait, la partie avec les réserves d'or occupe seulement la dernière demi-heure. C'est bien long (et inintéressant), je préfère quand Besnard donne dans la comédie... le casting est en plus ici assez hétéroclite (je me demande comment s'est passé le tournage) : Jean Seberg, Frederick Stafford, Serge Gainsbourg, Paul Crauchet et aussi quelques acteurs italiens (Vittorio Sanipoli et Marco Gugliemi), ç'a dû être un sacré bazar.

Big bug

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Robert Enrico : Tante Zita        1968


Je ne m'attendais pas tellement à ça de la part d'Enrico, j'ai l'impression que ce film est vraiment à part dans sa filmographie : il s'agit d'un film très éclaté autour du thème du deuil ; une fille trouve un jour sa tante inconsciente au sol, qui n'est pas morte mais qui est dans un état assez statique ; la fille est d'abord à son chevet (avec sa mère) puis fuit cette femme qui lui rappelle la mort pour vivre sa vie. Cette formulation peut sembler caricaturale et facile (c'est tout-à-fait vrai) mais le film est aussi caricatural que cette phrase ; il n'est pas tellement caricatural mais il joue en permanence sur cette dualité (de manière assez peu intéressante, je dois dire... - je ne parle même pas de la fin...), typiquement en nous montrant des moments de vie, des rencontres, etc. ; il y a également une autre composante, qui inscrit peut-être beaucoup plus le film dans l'année de sa sortie, mais qui n'est pas vraiment plus intéressante car il s'agit principalement de name-dropping. Ce n'est pas complètement nul mais ça m'a semblé très générique dans le genre vie-pour-échapper-à-la-mort - dit comme ça, on pourrait penser à un extrait d'une chanson de François Valéry...

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

Ç'a l'air amusant, ce film. 

Non, même pas, parce qu'on a vraiment de la peine pour tous ces excellents acteurs qui se donnent un mal de chien pour donner essayer de l'épaisseur et de la crédibilité au truc. (C'est particulièrement triste pour Michel Bouquet, je trouve, absolument génial ici comme toujours - mais à près de 95 ans, on aimerait mieux le voir se fatiguer pour un film qui en vaille la peine, quoi.)

Tu n'es pas le seul à avoir détesté :

https://www.liberation.fr/culture/cinema/villa-caprice-un-certain-ringard-20210602_QVWGO5XO5FGVZDHMTGMYKFSD2M/

Claude Chabrol : La femme infidèle        1969

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À mon avis un grand Chabrol, faisant pourtant appel à une intrigue si banale, presque un lieu commun chabrolien : un couple de bourgeois vit dans une grande maison dans une banlieue un peu retirée, le mari suspecte sa femme de le tromper, il engage alors un détective privé pour vérifier ses suspicions. La réussite est avant tout la conséquence d'acteurs/trices d'une placidité superbe (Michel Bouquet en premier lieu, mais aussi Stéphane Audran et, dans ses quelques minutes d'apparition, Maurice Ronet - existe-t-il un film où il ne se fait pas tuer ? ou alors où il n'est pas proche de la mort ?) et d'une manière de filmer remarquable, avec énormément de travellings, souvent très signifiants - ne serait-ce que celui de fin, vraiment superbe. Ces travellings pour rendre compte de la distance entre les personnages peuvent paraître assez basique mais je trouve que leur effectivité réside dans le fait que ça donne véritablement corps à l'aspect très mécanique et implacable du film : tout (y compris les scènes les plus violentes) est traité sur une égalité de ton et le film est une sorte de réactions en chaîne sans en exulter le côté dramatique, au contraire ; et, bien sûr, les acteurs donnent une crédibilité incroyable à l'histoire. C'est pour moi, c'est vraiment une réussite, sans doute aussi jouissif que des films plus connus comme La cérémonie mais l'aspect cathartique de la fin : à la fin on atteint quelque chose d'assez opposé à la fin de La cérémonie : une sorte de point nodal (Guillemette Odicino avait écrit quelque chose à propos du dernier plan disant que Bouquet et Audran n'avaient jamais été aussi proches que dans cette scène, alors que la fin est un grand travelling arrière où Bouquet s'éloigne de sa femme ; je trouve ça très juste) ; et on retrouve bien sûr l'ironie mordante de Chabrol ; agréable surprise pour ma part - et qui me conforte dans l'idée que Michel Bouquet est un très très grand acteur.

Ah oui, un sacré chef-d'œuvre, celui-là!

Claude Berri : Le pistonné        1970

 +
Il s'agit du troisième film de Claude Berri (en général plus (re)connu comme producteur), c'est la suite de Le vieil homme et l'enfant qui raconte l'enfance du réalisateur pendant l'occupation ; ici, il raconte la période de son service militaire, au milieu des années cinquante ; il se mettra ensuite en scène (ici, c'est Guy Bedos qui joue son rôle) dans deux films : Le cinéma de papa l'année d'après et La débandade à la fin des années quatre-vingt-dix. On n'est pas au même niveau que dans le premier opus : malgré quelques points intéressants (jamais abordés de manière complètement satisfaisante mais quand même un peu drôle, parfois), le contenu est quand même un peu limité et cela induit quelques longueurs - en particulier la partie au Maroc très longue. Dans ce film, Claude Langmann (le nom de naissance du réalisateur) est réquisitionné pour faire son service militaire ; heureusement, il a été pistonné par un ami, ce qui lui permet de se retrouver non loi de chez lui, aux Lilas ; il va cependant découvrir que seul le centre administratif se trouve aux Lilas et va se retrouver à Provins - puis au Maroc, pour des opérations de "pacification", le film est assez critique à propos de ça ; il est également assez critique - et c'est assez drôle - à propos du statut absurde de l'ordre chez les militaires. Malgré tout, cela ne suffit pas pour faire un film véritablement intéressant, le résultat est un peu quelconque et je ne sais pas pourquoi Guy Bedos a été choisi comme rôle principal, je n'ai pas trop aimé la façon dont il jouait.

Xavier a écrit:

Big bug

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... je serais moins tendre...

Je viens de voir la bande-annonce d'un Maigret de Patrice Leconte avec Depardieu qui vient de sortir ou qui va bientôt sortir: c'est vraiment curieux, on a vraiment l'impression que c'est moins une nouvelle adaptation de Simenon avec Depardieu qu'une espèce de décalque cinématographique de la série de France 2 des années 90 avec Bruno Cremer (et la musique de Petitgirard) - même photographie (colorimétrie, contrastes), même style de décors et de costumes (années 30 très stylisées alors que le contexte est supposé être les années 50), même lettrage du générique, et, encore plus surprenant, même la posture corporelle et le jeu de Depardieu ont l'air de reproduire ceux de Cremer.

Aldo Lado : La corta notte delle bambole di vetro        1971

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Il s'agit du premier film du réalisateur italien Aldo Lado et ce n'est pas véritablement un giallo : pas de grandguignolesque, pas de meurtres en série ; ici, le film commence sur un journaliste américain retrouvé allongé et immobile dans un parc à Prague, mais il n'est pas mort, il est simplement en état de catalepsie et le film va procéder par flashback afin de savoir comment cet homme en est arrivé là. D'abord, il y a bien sûr la confrontation de deux temporalités (celle du flashback et celle de la temporalité initiale) et on se demande laquelle va prendre le dessus sur l'autre : est-ce que le journaliste va être définitivement considéré comme mort ou est-ce qu'il va se réveiller? On découvre qu'il était alors d'enquêter sur la mort de sa copine, ce qui l'a mené à un curieux groupe de musique. J'ai trouvé l'histoire assez intéressante, notamment dans la manière dont elle procédait par strates mais aussi dans son aspect très fragmenté, souvent interrompue par le retour à la première temporalité ; malgré tout, je trouve que le rythme est peut-être un peu trop lent et la fin un peu décevante car éventée de longue date. Il y a bien évidemment des échos politiques, avec toute cette histoire de sacrifices ; par ailleurs, je dois aussi mentionner le casting assez étonnant (dont l'hétérogénéité est assez typique des films italiens un peu fauchés de ces années-là) : Ingrid Thulin et Jean Aurel dans les deux rôles principaux ; j'ai également assez aimé le travail sur les lumières. Je crois que ce film est encore assez inconnu - même s'il a bénéficié d'un coup de projecteur il y a un ou deux ans à l'occasion de sa restauration et de sa sortie en Blu-Ray chez Le chat qui fume (le titre de l'édition française est Je suis vivant !) ; si ce n'est peut-être pas un chef-d'œuvre, il gagnerait peut-être à être davantage connu car ce n'est pas une daube hors-concours.

Guy Gilles : Absences répétées        1972


Ce film est le troisième de Guy Gilles, venant donc après Le clair de terre ; ce dernier était un film sur l'envie de vivre, et Absences répétées reprend ici cette thématique mais peut-être dans son envers - même s'il aborde des autres thèmes comme la solitude - : on suit un jeune homme de vingt-deux ans, employé de banque, qui semble considérablement las de la vie : il ne se rend plus à son travail et erre dans sa chambre, consommant parfois de l'héroïne ; dans un premier temps, le film met en parallèle le monde du personnage principal et le monde officiel (notamment à travers ce recours - usuel chez Gilles - à l'affichage des dates sur l'écran - Gilles était sans doute un amoureux du format journal, qui, du point de vue de sa bizarrerie en terme d'énonciation, s'accorde assez bien avec son cinéma, en fait) qui deviennent de plus en plus disjoints - renforcé par l'alternance noir et blanc/couleur - mais le personnage principal a tout de même des amis, une copine, sort de chez lui - et en cela, le film parle sans doute assez bien de la dépression. Comme d'habitude, le montage est superbe et assez aventureux ; j'ai cependant trouvé que le film était peut-être un peu inégal ; certaines parties sont vraiment superbes - la scène à la gare, sans doute la plus bouleversante du film, là où la disjonction sociale de "partir" (à mettre en parallèle avec la scène de la soirée mondaine juste avant) s'incarne ; le choix de la gare est tellement pertinent, d'une part pour réaliser cette disjonction du "partir" mais également dans ce que raconte le film sur la solitude : la gare est un lieu qui est un peu tous les lieux à la fois, c'est le lieu des départs et des arrivées ; il y a également des scènes moins sophistiquées mais qui sont très fortes comme la scène de lecture de la lettre écrite par le personnage principal à ses parents et notamment la réaction d'Yves Robert qui ne sait pas trop quoi faire mais on sent qu'il est profondément affecté. Comme d'habitude, j'aime aussi beaucoup le recours à des formats multiples, notamment à l'écrit, à la voix-off, aux photos ; ça épouse peut-être encore plus le format du journal. Je suis assez étonné que le film ait été produit par la Gaumont car j'ai l'impression que Guy Gilles avait un succès assez confidentiel ; c'est sans doute grâce à la présence d'Yves Robert dans la distribution - ou alors, c'est peut-être l'inverse car le couple Robert/Delorme me semble assez estampillé Gaumont.

Un jour peut être en BR

Cololi a écrit:

Un jour peut être en BR

Oui, un jour...

René Laloux : La planète sauvage        1973


Ce film est tout de même un OVNI dans la production cinématographique de l'époque puisqu'il s'agit d'un film d'animation - sur Wikipédia, on peut même lire qu'il s'agit du "premier film d'animation pour adultes centré sur autre chose que le gag ou la caricature" ; je trouve que ça n'a peut-être pas énormément de sens - comme si l'un excluait l'autre... -, mais on voit l'idée. Le film est une sorte de conte qui, en opérant un décalage (ici, les personnages sont des géants bleus d'une dizaine de mètres de haut et les humains (ou oms) sont des sortes d'animaux domestiques pour eux) qui est peut-être assez simple mais qui fonctionne tout de même un peu, nous fait nous interroger sur la place que l'homme s'accorde et plus généralement sur notre rapport à l'altérité ; mais pour être tout-à-fait honnête, ce propos un peu édulcoré (et la fin didactiquement téléphonée et abrupte) n'est pas ce qui m'a séduit en premier lieu dans ce film ; ce n'est cependant pas le seul thème abordé dans le film : on parle aussi du pouvoir de la connaissance. Ce que j'ai aimé, ce sont les dessins de Topor, leur fantaisie et les teintes sont assez particulières (pastel), je pense que c'est dû au fait que le film soit fait en cut-out directement d'après les dessins de Topor sur papier. La musique m'a par ailleurs  assez amusé tant elle est caractéristique des années soixante-dix.

Raoul Taburin

Chris Marker : La solitude du chanteur de fond        1974

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À la suite du coup d'état de Pinochet au Chili en 1973, Yves Montand décide de remonter sur scène pour l'occasion et c'est le point de départ de ce documentaire : Marker filme la préparation du concert, notamment les répétitions du chanteur avec son pianiste - avec lequel il n'est pas toujours très sympathique, d'ailleurs -, son sport du matin, etc. Le film alterne ces moments avec de brefs extraits filmés du concert ; le montage n'est pas mal mais peut-être un peu trop systématique pour un Marker ; de manière générale, j'ai trouvé que les séquences de répétition prenaient trop de place dans ce documentaire ; malgré tout, durant ces séquences, Marker arrivait parfois à saisir certaines gestuelles ; sinon, certains passages à propos du Chili sont beaucoup plus markeriens, c'est-à-dire réussis. Mais bon, ce documentaire nous montre quand même un bref instant durant lequel Montand a vraiment été de gauche, ce qui est notable, tout de même.

Pierre Granier-Deferre : La cage        1975


Le film commence mal : un générique en vert et bleu, une sorte de négatif assez hideux ; sur le papier, il semble assez curieux, notamment en terme de casting (Lino Ventura et la bergmanienne Ingrid Thulin) mais aussi en terme de scénario (une femme attire son mari dans un guet-apens et l'enferme dans une cage pour l'avoir à proximité d'elle). En fait, le résultat est un film qui ne va absolument nulle part, qui ne raconte pas grand-chose, un Ventura qui cabotine dans le rôle du gars hors de lui et Thulin fait ce qu'elle peut mais avec un scénario aussi inintéressant, difficile de faire des miracles ; les dialogues sonnent parfois justes mais ne sont jamais intéressants ; la réalisation, bien sûr, on est sur du Granier-Deferre donc il ne faut pas avoir beaucoup d'attentes ; le montage aurait été un moyen d'expression privilégié ici mais rien. Je ne comprends pas le délire franchement... en plus, on n'a pas véritablement de contexte sur cet ancien couple : on dirait que Granier-Deferre met tous les moyens en œuvre pour faire un film aussi inintéressant que possible.

Alain Cavalier : Le plein de super        1976


Après quelques films plutôt conventionnels (Le combat dans l'île avec Trintignant ou L'insoumis avec Delon), Cavalier prend ici un virage assez radical avec ce road-movie où tout semble improvisé : un garagiste du nord de la France doit amener un break Chevrolet à un client dans le sud de la France ; il rechigne puis va chercher un ami et part ; sur la route, ils rencontrent deux autres gars qui semblent très différents et c'est parti pour un voyage dans le sud de la France. Les conversations des différents protagonistes n'étaient en général pas extrêmement passionnantes mais j'ai beaucoup aimé la manière de filmer et le rythme du film : j'ai parlé de road movie mais je trouve que malgré tout, il y a quelque chose de très discontinu dans ce film (alors que j'imagine le road movie comme quelque chose d'assez continu) et notamment dans la manière de filmer les deux couples de protagonistes ; c'est peut-être assez inégal et bordélique mais cette liberté m'a plus et les acteurs (Bouchitey, Chicot, Crombey et Saint-Macary) sont convaincants.