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Strangers when we meet

L'Agence - George Nolfi - 2011



C'est une comédie romantique qui tente de philosopher avec de grosses ficelles mal nouées.

Shane Carruth : Primer        2004

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Il s'agit du premier long-métrage du réalisateur américain Shane Carruth, sélectionné et lauréat du grand prix du jury au festival de Sundance en 2004. Avec un budget de seulement 7000$, Carruth arrive à réaliser quelque chose d'une heure quinze qui tient bien la route, une sorte de récit de science-fiction axé autour du voyage dans le temps : quatre ingénieurs (surtout deux, en fait) passent leur temps à mettre au point un appareil qui fait perdre de la masse aux objets, ils décident alors de mettre cela à profit pour construire une machine à voyager dans le temps. On aboutit ensuite sur les conséquences naturelles de la possibilité d'un voyage dans le temps : reconsidération du hasard (à travers les phénomènes boursiers, ici), de la responsabilité mais aussi de l'identité ; la manière dont le scénario est déroulé est assez ludique, délibérément touffue ; les acteurs sont plutôt bons mais là encore (comme avec Réalité de Dupieux par exemple), je suis un peu circonspect face à ce film (qui m'a cependant pas mal plu) mais leur aspect systématique me dérange un peu : c'est comme si au bout d'un certain moment, le film était en pilotage automatique ; pour moi, le film manque un peu d'idées cinématographiques : bien sûr, ce n'est pas un traitement purement littéraire, il y a une nette modification dans le rythme du montage au fur et à mesure que le film avance mais si c'est une idée pertinente, ce n'est pas non plus une idée extrêmement originale ; il y a par contre de bonnes idées dans l'utilisation de la voix-off qui donne à la fois une certaine beauté au film et va bien avec l'ubiquité des personnages. Il faut cependant garder en tête que c'est un premier film et c'est donc assez prometteur pour la suite.

Xavier a écrit:

Strangers when we meet

Pour moi c'est un chef d'oeuvre, un des plus beaux films de la période (et avec Picnic, mon Kim Novak préféré).

Ah, j'ai trouvé ça assez convenu, certes bien joué.

Un peu pareil pour Picnic.

Avec Kim Novak, j'ai largement préféré The Notorious Landlady, Bell, book & candle, Kiss me stupid, The Man with the golden arm et évidemment Vertigo. (mais tous ces films n'ont rien à voir entre eux à part Kim Novak et Richard Quine pour certains)

Kim Novak ça fait déjà un corpus, en fait, de mon point de vue, dans la mesure où la plupart de ces films joue sur sa personna et où, en plus, ils sont le fait du même studio. Pour moi, c'est aussi cohérent que le fait d'un réalisateur, en réalité (je ne suis pas opposé par principe au théorie des auteurs mais je crois que ça se nuance de pas mal de choses)

Je ne pense qu'un film qui tienne ce discours sur le désir (en particulier féminin), qui renverse les codes les plus essentiels du woman's picture (pour se focaliser sur l'homme, ce qui est rare pour le genre) et qui atomise la vie suburbaine des années 50 puisse être convenu (ça me rappelle le très beau Derrière le miroir). Non et puis ce final poignant, tout ce qui se passe autour de cette maison (faite pour Novak et Quine mais elle l'a quitté pendant le tournage) et certaines séquences (Novak qui supplie son mari de faire l'amour, l'agression de Barbara Rush), je trouve ça d'une force incroyable, vraiment .... c'est un film que je n'arrête pas de réévaluer (mais qui ne m'avait pas bouleverser la première fois, cela dit).

Merci pour ton avis en tout cas.

J'ai revu ce soir Bell book and candle.

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C'est sympathique de voir Kim Novak et James Stewart dans ce film plus léger la même année que Vertigo.

J'ai lu que c'était un des films préférés de Tavernier dans cette période-là.

Stalag 17

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Avec le tout jeune Peter Graves et Otto Preminger en tant qu'acteur.

Stephen C. Apostolof : Orgy of the dead        1965

+ - et même 0.5/10, c'est un peu surévalué.
Il était à peu près donné d'avance que ce film allait être mauvais mais je pensais qu'il faisait partie de ces films comme Le baltringue ou les films de Godfrey Ho qui sont mauvais mais où on ne s'ennuie pas et qui sont plutôt drôles, il n'en est rien. Adapté du roman éponyme d'Ed Wood (ça commence bien), ce film ne raconte absolument rien : un couple dont le mari est écrivain se rend dans un cimetière de nuit pour qu'il y "trouve de l'inspiration" ils vont alors assister à une suite de danses (assez nulles, en plus) de femmes à moitié nues (bah oui, évidemment...) et vont être à moitié prisonniers de cette sorte de secte ; je crois que j'ai rarement vu un film qui ne racontait rien comme ça. Il n'y a vraiment rien à sauver de ce film, la musique est complètement à côté de la plaque, les acteurs sont nuls, le scénario est inexistant et ce n'est même pas drôle ; le fait que Refn ait fait restaurer ce film en dit long sur sa vision des choses...

Gna, gna, gna:

Ca fait envie en tout cas ...  

Ah ! Ça ne s'utilise pas pour un objet ? Parce que c'est bien le roman qui a donné son nom au film ; enfin, il y aurait un cas où ça serait ambigu, c'est celui où on reprend juste le titre du roman mais là, c'est carrément une adaptation.

Oui, ça se réserve en principe à cette situation. C'est à dire que si on avait un roman ou un film d'ailleurs qui s'appelait la bouillotte, j'imagine qu'on pourrait parler d'objet éponyme. Enfin, ça n'est pas grave du tout, de toute manière, tout le monde fait la confusion depuis 10 ans, y compris dans les médias ou les concours alors bon ... ça m'agaçait avant mais si l'usage prime sur le reste, il n'y a pour ainsi dire plus de faute.

Ces derniers jours, j’ai regardé les films où Anthony Hopkins incarne le personnage de Hannibal Lecter.


Jonathan Demme: The Silence of the Lambs (1991)
Je ne l’avais pas revu depuis sa sortie (j’avais beaucoup aimé), et ça se tient vraiment très, très bien. Le jeu des acteurs confère aux personnages une ambivalence intéressante, le scénario n’est pas trop bavard et les ficelles du suspense y sont maîtrisées au cordeau; surtout l’atmosphère y est remarquablement travaillée (dès les premiers plans), tant par la photographie (cette Amérique provinciale et automnale à la Twin Peaks, avec ses forêts dénudées, ses petites villes, ses maisons isolées…) que par la musique sobre et sombre de Howard Shore.

Cette impression très favorable est renforcée par le visionnage des deux volets suivants: The Silence of the Lambs possède en fait toutes les qualités d’un film de genre «à l’ancienne», bien tenu et assez sec, là où les volets suivants ont un caractère beaucoup plus démonstratif, bavard et / ou maniéré.


Brett Ratner: Dragon rouge (2002)
Remake assez plat de Manhunter de Michael Mann dont je garde un excellent souvenir. Je trouve en particulier que les personnages sont ici beaucoup moins fouillés (alors que, sur le papier, la distribution est bien plus prestigieuse): j’ai l’impression que faute de pouvoir jouer là-dessus, on a mis le paquet sur les effets spéciaux et qu’on en a rajouté une louche sur le personnage de Lecter (dans Manhunter - où il ne s’appelle d’ailleurs pas Lecter mais «Lecktor», le personnage est plus fruste et joue un rôle moins central, dans mon souvenir), avec un Anthony Hopkins qui en fait déjà des tonnes. Disons que ça fait un gros blockbuster mais qui se laisse encore tout à fait regarder - ce qui n’est plus vraiment le cas avec Hannibal.


Ridley Scott: Hannibal (2001)
Je sais bien que Ridley Scott est un cinéaste très inégal, mais à ce point-là, je ne pensais pas. On y sombre si spectaculairement dans le grand-guignol (le paralytique défiguré, les cochons carnivores, le trépané vivant) et le kitsch (cette volonté de faire classe - assez bien résumée par la B.O. de Hans Zimmer, en particulier cette musique façon Bocelli supposée être de l'opéra qui revient à plusieurs reprises dans le film) qu’on se prend souvent à ricaner et qu’à la fin on en vient à se demander si on n’a pas en fait regardé une parodie sans s’en rendre compte (hypothèse convaincante, après coup, avec la multiplication des citations cinématographiques en forme de clin-d’œil.) Impression d’ailleurs renforcée par le cabotinage, cette fois totalement en roue libre, d’Anthony Hopkins, et le rappel subliminal de Y a-t-il un pilote dans l’avion? dans la scène finale.

Au demeurant, qu’il soit volontaire ou non, ce caractère parodique a aussi le mérite de montrer le côté radicalement factice et caricatural de la figure de serial killer cultivé et raffiné sur laquelle s’appuie ce type de films (et de romans: j’ai l’impression qu’il y a pas mal de simili-Hannibal Lecter dans les thrillers français) - je veux dire: sérieusement, vous voyez Francis Heaulme ou Émile Louis pérorer comme ça en écoutant de la musique classique dans leur cellule?

L 627

+

Très, très sombre.

Shinoda: La guerre des espions (1965)

Plastiquement assez réussi, mais, quand on n'est pas un spécialiste de l'histoire du Japon au XVIIème siècle, on peut légitimement trouver l'intrigue passablement embrouillée ...

 C'est l'effervescence, ici !

Michel Blanc : Grosse fatigue        1994


Bertrand Blier a contribué au scénario de ce film et c'est extrêmement sensible. Tout d'abord, il y a le fait que les acteurs jouent tous/tes leur propre rôle mais également tout ce jeu autour du double utilisé à des fins comiques - on pense bien sûr aux prémices du film de Blier Les acteurs ; les répliques font ensuite bien sûr penser à du Blier. Ici, Michel Blanc joue son propre rôle et est subitement pris dans une série de choses qui se sont passées ; il ne comprend pas, il n'a apparemment jamais rien fait et ses proches mettent ça sur le compte de sa fatigue grandissante - je crois que c'est ironique car le film opère une critique (classique mais pertinente) sur le milieu du cinéma où les metteurs en scènes/scénaristes prétextent n'importe quoi pour coucher avec n'importe qui. Le personnage de Michel Blanc découvre en fait qu'un homme du nom de Patrick joue son sosie et semble faire tout et n'importe quoi ; ceci va ensuite déboucher sur un jeu de doubles où l'on ne sait plus qui est qui mais je trouve qu'à partir de ce moment, le film se repose trop sur ce jeu qui aboutit bien sûr à des scènes comiques mais qui devient un peu lassante au bout d'un certain moment - il n'y a que la dernière partie qui renouvelle un peu la chose mais elle se termine trop rapidement, c'est dommage.

André Cayatte : Mourir d'aimer        1971


Le film est inspiré de l'histoire de Gabrielle Russier, professeure de lettres, qui avait été mise en prison parce qu'elle avait une relation avec un de ses élèves qui était alors âgé de dix-sept ans ; Charles Aznavour en a d'abord fait une chanson puis Cayatte fait ce film. Alors je pense que comme on peut le deviner, le cringe est bien présent : dans un élan post-soixante-huitard, il s'agit de dénoncer l'aspect conservateur de la société d'alors et c'est là que surgit le cringe puisqu'au fond, le constat initial est raisonnable et ça n'a pas de sens de mettre cette professeure en prison mais ce n'est pas non plus innocent. Ici, la professeure est interprétée par Annie Girardot (tranchant clairement avec le niveau moyen des autres acteurs/trices), l'aspect dramatique fonctionne assez bien même si le film est un peu long et que l'histoire d'amour est assez rapidement expédiée : on sent alors que ce qui intéresse Cayatte n'est pas tellement l'histoire d'amour mais plutôt l'affaire judiciaire (à juste titre) et c'est là que le film devient assez peu subtil à coup de citations placées dans le plan, de personnages extrêmement binaires (les étudiants fans de Marx - l'élève a un énorme poster de Marx dans sa chambre et dans une scène d'affrontement avec son père il est filmé devant, le visage orienté parallèlement à celui de Marx - vs. les vieux réacs ; ce qui est peut-être une peinture juste de la polarisation d'alors mais ç'a un peu mal vieilli) et la mise en scène, à part quelques scènes qui proposent tout de même de belles idées, est un peu anecdotique et l'utilisation de la voix-off dans une temporalité ultérieure ne sert à pas grand-chose ; en fait, ce n'est pas un film complètement mauvais mais j'ai été un peu déçu.

Emeryck a écrit:

(les étudiants fans de Marx - l'élève a un énorme poster de Marx dans sa chambre et dans une scène d'affrontement avec son père il est filmé devant, le visage orienté parallèlement à celui de Marx - vs. les vieux réacs ; ce qui est peut-être une peinture juste de la polarisation d'alors mais ç'a un peu mal vieilli)

Non, au contraire: c'est même justement à des trucs comme ça qu'on voit que Cayatte est resté sur les polarisations d'avant (c'est-à-dire: d'avant 68, en gros.) Parce que chez les jeunes gauchistes contestataires, l'iconographie n'est pas du tout marxo-centrée.

En fait, quand on voit Marx, il n'est jamais tout seul mais accompagné de Lénine et de Mao (c'est un peu la trinité de la Gauche prolétarienne - d'ailleurs c'est rigolo: le PCF comme la droite les appelle «maoïstes», mais eux se qualifient toujours seulement de «marxistes-léninistes.»)

Typiquement:

ou bien:

Et parfois, comme à la Jeunesse Communiste Révolutionnaire, on ne le voit même plus du tout - remplacé par Trotsky et Che Guevarra,

comme ici:

En fait, la jeunesse révolutionnaire de ces années-là elle s'oppose certes aux «vrais vieux réacs» (en gros: les droites), mais tout autant - et peut-être même encore plus - aux «vieux réacs de gauche», c'est-à-dire à la tradition communiste «historique» incarnée par le PCF (cf. les accrochages entre Cohn-Bendit et Marchais, Aragon conspué à la Sorbonne - ou à l'Odéon? je ne sais plus.)
Or, justement, comme Marx est (avec Lénine) la seule figure qu'ils peuvent avoir en commun, ce n'est pas son image seule qu'un jeune contestataire de 1971 mettra en avant (et s'il le fait, il risquera d'être pris pour un «crypto-réviso», c'est-à-dire un militant PCF closeted, parce qu'il n'affiche pas aussi Mao, ou Trotsky.)


(Évidemment, tu auras reconnu les lieux... )

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

(les étudiants fans de Marx - l'élève a un énorme poster de Marx dans sa chambre et dans une scène d'affrontement avec son père il est filmé devant, le visage orienté parallèlement à celui de Marx - vs. les vieux réacs ; ce qui est peut-être une peinture juste de la polarisation d'alors mais ç'a un peu mal vieilli)

Non, au contraire: c'est même justement à des trucs comme ça qu'on voit que Cayatte est resté sur les polarisations d'avant (c'est-à-dire: d'avant 68, en gros.) Parce que chez les jeunes gauchistes contestataires, l'iconographie n'est pas du tout marxo-centrée.

En fait, quand on voit Marx, il n'est jamais tout seul mais accompagné de Lénine et de Mao (c'est un peu la trinité de la Gauche prolétarienne - d'ailleurs c'est rigolo: le PCF comme la droite les appelle «maoïstes», mais eux se qualifient toujours seulement de «marxistes-léninistes.»)

Typiquement:

ou bien:

Et parfois, comme à la Jeunesse Communiste Révolutionnaire, on ne le voit même plus du tout - remplacé par Trotsky et Che Guevarra,

comme ici:

En fait, la jeunesse révolutionnaire de ces années-là elle s'oppose certes aux «vrais vieux réacs» (en gros: les droites), mais tout autant - et peut-être même encore plus - aux «vieux réacs de gauche», c'est-à-dire à la tradition communiste «historique» incarnée par le PCF (cf. les accrochages entre Cohn-Bendit et Marchais, Aragon conspué à la Sorbonne - ou à l'Odéon? je ne sais plus.)
Or, justement, comme Marx est (avec Lénine) la seule figure qu'ils peuvent avoir en commun, ce n'est pas son image seule qu'un jeune contestataire de 1971 mettra en avant (et s'il le fait, il risquera d'être pris pour un «crypto-réviso», c'est-à-dire un militant PCF closeted, parce qu'il n'affiche pas aussi Mao, ou Trotsky.)


(Évidemment, tu auras reconnu les lieux... )

D'accord, merci pour ces précisions. Je savais que les leaders soviétiques et chinois avaient une place importance dans la vie culturelle de la gauche à l'époque, j'avais soupçonné cette importance particulière du maoïsme qui tranchait avec l'avant soixante-huit mais la plupart des gens de gauche que j'ai rencontrés et qui étaient de cette génération qui était jeune au moment de soixante-huit semblait être extrêmement focalisée sur le marxisme - en même temps, Mao, bon, voilà quoi... - pour le meilleur et pour le pire.
Mais en fait, je n'ai pas reconnu toutes les figures présentes dans la chambre de l'étudiant ; et vu la subtilité du film, je me suis dit "bon bah, il met juste Marx parce qu'il se fout de nuancer davantage le truc" mais à la fois, c'est vrai que le film, alors qu'il veut s'opposer à une certaine France un peu rance, fait tout de même vieille école.

Emeryck a écrit:

Je savais que les leaders soviétiques et chinois avaient une place importance dans la vie culturelle de la gauche à l'époque

Oui, enfin, soviétiques d'avant Staline, hein.
(C'est aussi de ces milieux-là que vient la gauche anti-totalitaire, la découverte de Soljenitsyne, etc. - avec ceux qui resteront sérieux et de gauche, comme Lefort ou Castoriadis, et les guignols dits nouveaux philosophes qui vingt ans plus tard retrouveront la droite néo-libérale et pro-américaine - où ils croiseront souvent d'anciens gudards...)

Emeryck a écrit:

mais la plupart des gens de gauche que j'ai rencontrés et qui étaient de cette génération qui était jeune au moment de soixante-huit semblait être extrêmement focalisée sur le marxisme - en même temps, Mao, bon, voilà quoi... - pour le meilleur et pour le pire.

Des élèves d'Althusser, sans doute?

En même temps en 68, des étudiants disaient : "Al tu sers à rien"

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

Je savais que les leaders soviétiques et chinois avaient une place importance dans la vie culturelle de la gauche à l'époque

Oui, enfin, soviétiques d'avant Staline, hein.

Oui oui, évidemment, c'est ce que je sous-entendais.

Elia Suleiman: It Must Be Heaven (2019).

Une sorte de Tati palestinien qui revisite le burlesque pour faire passer un message politique, mais avec une heureuse discrétion. C'est très drôle et je me suis bien amusé . Seule la musique m'a parfois saoulé ...

Anaxagore a écrit:

Elia Suleiman: It Must Be Heaven (2019).

Une sorte de Tati palestinien qui revisite le burlesque pour faire passer un message politique, mais avec une heureuse discrétion. C'est très drôle et je me suis bien amusé . Seule la musique m'a parfois saoulé ...

 Comme je l'avais écrit il y a quelques semaines, j'avais découvert Suleiman (sans même connaître son nom) en salle avec ce film et j'avais vraiment beaucoup aimé - et j'avais aussi beaucoup ri. 

Emeryck a écrit:

Anaxagore a écrit:

Elia Suleiman: It Must Be Heaven (2019).

Une sorte de Tati palestinien qui revisite le burlesque pour faire passer un message politique, mais avec une heureuse discrétion. C'est très drôle et je me suis bien amusé . Seule la musique m'a parfois saoulé ...

 Comme je l'avais écrit il y a quelques semaines, j'avais découvert Suleiman (sans même connaître son nom) en salle avec ce film et j'avais vraiment beaucoup aimé - et j'avais aussi beaucoup ri. 

Oui, il y a quelques scènes hilarantes , et fichtrement bien mises en scène en plus ...

Alain Guiraudie : Ce vieux rêve qui bouge        2001

 + / 
Il s'agit du moyen-métrage, présenté à la quinzaine des réalisateurs à Cannes en 2001, qui a fait connaître et lancé Guiraudie - il avait été notamment particulièrement apprécié et soutenu par Godard. On trouve déjà certains éléments présents dans L'inconnu du lac (le seul autre film de ce réalisateur que j'ai vu jusqu'à présent) : les relations homosexuelles entre hommes (et comme corollaire, la peinture d'une homophobie ambiante comme cet homme qui dit au personnage principal du film qu'étant donné son âge, il devrait songer à se marier bientôt ; l'intéressé lui répondant qu'il aime les hommes et l'autre décide de partir) et un goût pour les hommes touchants et bien en chair (le vieil homme de ce film fait penser au personnage interprété par Patrick d'Assumçao dans L'inconnu du lac, aussi touchant). Ici, un jeune homme rejoint une usine quelques jours avant sa fermeture définitive, afin d'y réparer quelques machines. Ce qui m'a beaucoup touché dans ce film, c'est la simplicité avec laquelle il parle de la fin : par certains plans, on peut penser à La sortie de l'usine Lumière à Lyon des frères Lumière où une fin est filmée mais elle est surtout filmée pour le début qu'elle implique - le début d'un temps de convivialité et de loisirs pour les ouvrièr(e)s, et c'est également un début pour le cinéma ; dans le Guiraudie, la fin est beaucoup plus dramatique puisqu'elle n'ouvre sur rien du tout et les travailleurs ne semblent pas avoir beaucoup de perspectives ; ce qui fait fonctionner cette atmosphère, c'est ce plan de l'usine à lumière tombante qui revient comme un refrain. J'ai également beaucoup aimé les scènes de discussions qui semblaient en général toutes très naturelles - notamment les discussions entre le personnage principal et le vieil ouvrier aux cheveux blancs.

Amjad Abu Alala : Tu mourras à 20 ans (2019).

Très beau premier film du réalisateur soudanais, Abu Alala, qui raconte l'émancipation progressive d'un jeune homme, Muzamil, le « héros » de l'histoire. Le chef religieux de son village natal a prophétisé sa mort à l'âge de 20 ans et le film raconte la manière dont il va s'affranchir de cette malédiction superstitieuse. Du cinéma de poésie, silencieux, très suggestif et magnifiquement mis en scène, comme je l'aime. Cela vaut le détour  ...

Pierre Granier-Deferre : Le chat        1971

 +
J'avais été assez agacé par La horse dont je n'avais retenu que des points négatifs, je reviens à Granier-Deferre avec une bonne surprise. Bien sûr, techniquement, c'est toujours assez mauvais : la pseudo-complexité temporelle de l’intrigue est vraiment mal gérée, certaines scènes sont vraiment mal filmées et la plupart des cadres sont quelconques et assez monotones dans les mouvements de caméra. Il y a cependant de bonnes choses : tout d'abord, bien sûr, le duo Signoret et Gabin (qui est sorti de son pilotage automatique de La horse) qui est plutôt convaincant (bien qu'improbable) et pour un scénario où le dialogue est si peu présent, je trouve que ça marche bien ; j'ai également bien aimé la musique de Philippe Sarde qui contribuait pas mal à l'atmosphère un peu tombante ; je ne connais pas le roman de Simenon mais j'ai trouvé l'histoire agréable. En revanche, la métamorphose d'une ville parallèle à l'évolution de ce couple qui ne s'aime plus est un peu caricaturale ; en tout cas, elle est vraiment montrée de manière peu subtile - je pense notamment à ce plan récurrent sur ce gros appareil destiné à démolir les bâtiments - mais c'est peut-être une allégorie visuelle de la subtilité dont fait preuve Granier-Deferre...

Anaxagore a écrit:

Amjad Abu Alala : Tu mourras à 20 ans (2019).

[…] Cela vaut le détour  ...

+1
J'avais aussi aimé ce film (tout comme It Must Be Heaven, d'ailleurs)

Benedikt Erlingsson : Des chevaux et des hommes        2013


Il s'agit du premier film du réalisateur islandais Benedikt Erlingsson, c'est un film assez curieux : tantôt comique (la scène qui figure sur l'affiche), tantôt tragique (les scènes de mort), - et surtout de la malléabilité de la frontière entre les deux - mais j'avoue que j'ai eu du mal à voir où il voulait en venir. Finalement, quasiment tout est dans le titre : dans ce film, on voit plusieurs hommes/femmes (mais surtout des hommes) avec des chevaux, souvent en déplacement - vraiment toute sorte de déplacements, il y a même un gars qui choisit de rejoindre un bateau depuis la côte avec son cheval ; il ne se passe rien de particulier. Il y a par contre un motif que j'ai bien aimé - et qui traduit cette volonté (je crois) de tisser un lien étroit et une sorte de réciprocité entre l'homme  et le cheval - c'est cette façon de filmer le reflet d'une image dans l'œil du cheval, il y a d'ailleurs à un moment un plan en réponse à celui-ci où on filme le reflet d'une image dans un œil humain. Du coup, je ne suis pas vraiment rentré dans le film mais je suis curieux de voir le film suivant dans sa filmographie - Woman at war.

Emeryck a écrit:

Benedikt Erlingsson : Des chevaux et des hommes        2013

Il s'agit du premier film du réalisateur islandais Benedikt Erlingsson, c'est un film assez curieux : tantôt comique (la scène qui figure sur l'affiche), tantôt tragique (les scènes de mort), - et surtout de la malléabilité de la frontière entre les deux - mais j'avoue que j'ai eu du mal à voir où il voulait en venir. Finalement, quasiment tout est dans le titre : dans ce film, on voit plusieurs hommes/femmes (mais surtout des hommes) avec des chevaux, souvent en déplacement - vraiment toute sorte de déplacements, il y a même un gars qui choisit de rejoindre un bateau depuis la côte avec son cheval ; il ne se passe rien de particulier. Il y a par contre un motif que j'ai bien aimé - et qui traduit cette volonté (je crois) de tisser un lien étroit et une sorte de réciprocité entre l'homme  et le cheval - c'est cette façon de filmer le reflet d'une image dans l'œil du cheval, il y a d'ailleurs à un moment un plan en réponse à celui-ci où on filme le reflet d'une image dans un œil humain. Du coup, je ne suis pas vraiment rentré dans le film mais je suis curieux de voir le film suivant dans sa filmographie - Woman at war.

je n'ai pas vu Des chevaux et des hommes, mais j'ai un bon souvenir de Woman at War, un film très drôlatique et original. Curieux de lire ta réaction .

Sang-soo Hong : In another country        2012


Enfin ! Après de multiples tentatives infructueuses, je crois que je tiens enfin un film de Hong Sang-soo que j'aime. Pourtant, ça ressemble bel et bien à un film du réalisateur coréen, avec ses obsessions habituelle : le goût pour la variation, pour l'histoire (et surtout la façon dont on la raconte, de manière plus ou moins détournée) et pour l'ivresse ; simplement, ici j'ai trouvé qu'il allait plus loin que d'habitude : tout d'abord, l'humour a beaucoup plus de prise (les discussions autour du phare sont vraiment drôles) et des choses qui avaient déjà été amorcées comme l'attitude prédatrice des hommes (dans La femme est l'avenir de l'homme, de façon assez peu intéressante) prennent ici beaucoup mieux - je pense notamment à la relation entre Anne et Joon-so dans la première partie. En fait, le postulat est assez simple : une femme écrit des histoires et chacune d'elles va s'incarner sous nos yeux ; il y en a trois et à chaque fois, les personnages changent un tout petit peu mais les acteurs/trices sont toujours les mêmes ; c'est intéressant car ça rend compte d'une espèce de rémanence du processus créatif : les histoires sont différentes mais nous, spectateurs/trices, on a toujours les images des histoires précédentes et c'est là qu'est tout le sel du film. Il y a également un propos sur le langage et la capacité à se comprendre - qui ne repose heureusement pas tellement sur une logique identitaire - notamment par l'accumulation des moyens de communication (gestes, écrit, anglais, coréen) et il y a toujours une béance variable entre les langages (cf. la scène à la fois en coréen et en anglais lorsque Anne arrive où deux discussions se tiennent ; ou alors lorsque Anne laisse un papier au sauveteur). Enfin, on a le droit à quelques scènes vraiment amusantes avec Huppert - je sais pas vous, mais je ne l'avais encore jamais vue imiter une chèvre. Enfin, voilà, quand Hong Sang-soo se lâche un peu (aussi bien dans ce qu'il raconte que dans sa manière de filmer), ça donne des choses pas mal.

Jacques Rouffio : Sept morts sur ordonnance        1975

 +
C'est le premier film de Rouffio que je vois et je dois dire que je ne m'attendais pas vraiment à ce genre de thriller un peu elliptique. Le film s'inspire d'un fait divers ayant eu lieu dans les années soixante à Reims : à dix ans d'intervalle, deux chirurgiens rémois reconnus se sont donnés la mort dans des circonstances très similaires et tous deux fréquentaient régulièrement un club de jeu ; le fait divers n'est pas inintéressant - et d'ailleurs, l'histoire du film n'est pas inintéressante et est portée par des acteurs remarquables (Piccoli, Depardieu) - mais le montage et la gestion des deux temporalités parallèles sont vraiment ratés : Rouffio essaie de les monter en parallèle pour mettre l'accent sur le fait que les deux chirurgiens, en dépit des différences dans leur style de vie, avaient tout de même des points communs et du coup, il change parfois de temporalité sans crier gare - au début, j'avoue qu'on ne comprend pas très bien d'où sort le personnage de Depardieu. De plus, ce personnage est vraiment mal géré notamment parce que Rouffio ne veut pas être trop abstrait et se sent comme obligé d'illustrer les conversations mentionnant ce personnage, ce qui donne parfois des scènes complètement inutiles où l'on a juste une image de Depardieu dans sa voiture et puis c'est tout ; cette gestion induit beaucoup de répétitions, en plus, ce qui renforce le sentiment d'inutilité de ce personnage. Cette gestion désastreuse de la narration et la photographie un peu terne du film lui donnent un sacré coup de vieux mais bon, malgré tout, ce film n'est pas complètement mauvais, on a même le droit à un Depardieu avec une moustache.

John Ford : Stagecoach        1939

 + / 
Bien qu'il soit assez éloigné du genre de Ford que j'aime le plus (Wagon master), ce film m'a finalement bien plu ; c'est certainement parce qu'il n'est finalement pas tant axé sur l'histoire mais plutôt sur les histoires de ses protagonistes - bien sûr, le film est globalement animé par cette logique moralement binaire entre les américains et les apaches ; la séquence du couple dont l'homme est mexicain et la femme est apache vient heureusement légèrement contrebalancer cette binarité. Ce film est souvent considéré comme l'un des films qui avaient redonné un coup de neuf au genre du western à la fin des années trente aux États-Unis - et a permis de bien lancer la carrière de Ford ; personnellement, ça m'a beaucoup rappelé certains road movies indépendants américains (on peut penser à van Sant, à Rockwell, à Hellman ou même à Wenders en Europe) où un groupe de personnes très différentes et parfois assez marginalisées (toutes proportions gardées, on parle de Ford : ses marginaux sont des alcooliques, des prostituées, un banquier escroc, un hors-la-loi évadé de prison - donc, bon, pas si marginaux que ça) partent ensemble pour un long voyage qui sera l'objet du film. Dans ce film, sept (?) personnages d'horizons assez différents partent de l'Arizona vers le Nouveau Mexique sur fond de combats, on va suivre leur voyage à bord de la diligence. Ici, il y a quelques beaux plans de paysages mais je n'ai pas retrouvé cet élan un peu berçant de Wagon master ; mon intérêt s'est porté ailleurs : il y a plusieurs plans vraiment très beaux, notamment sur les visages, la manière de les saisir.

Holiday

Nanni Moretti : Bianca        1984

 +
J'avais découvert Moretti il y a quelques mois avec Sogni d'oro qui n'avait réussi à me séduire complètement notamment à cause de son côté extrêmement bordélique, je n'arrivais à vraiment à voir où il voulait en venir. Ici, au contraire, tout est plus calibré (peut-être pas autant que le personnage de Michele mais tout de même) et c'est nettement mieux. Dans ce film Moretti joue un professeur de mathématiques nouvellement engagé à l'école Marilyn Monroe où tous les professeur(e)s semblent plus atypiques les un(e)s que les autres. Il va alors camper un personnage qui est une caricature de ce que les gens imaginent être un mathématicien : un gars extrêmement maniaque - il va tout de même jusqu'à ficher toutes ses connaissances -, socialement étrange, etc. J'ai bien aimé l'incursion de l'enquête policière où il y a une sorte d'affrontement de deux logiques très rationnelles (celle du scientifique et celle de l'enquêteur) mais pourtant différente : à ce titre, les scènes où Michele est questionné par la police sont assez amusantes. J'ai également aimé cette idée que Moretti joue le rôle principal, étant bien sûr auteur et réalisateur mais ici avant tout spectateur - on ne compte plus les scènes du film où il se cache pour observer les gens, il y a même une scène où on le remarque et on ferme les volets. Enfin - et surtout - c'est aussi plusieurs scènes amusantes aux répliques bien senties (la réunion des professeurs au début ou alors la scène avec la barque) ; j'ai bien aimé ce film, mais peut-être manquait-il un peu d'ampleur.

Comme un avion

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J'aime beaucoup les films de Bruno Podalydès en général, et celui-ci m'a particulièrement réjoui.

A la fois simple, lent, tranquille, souvent très drôle, et en même temps assez profond et onirique.

Xavier a écrit:

Comme un avion

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J'aime beaucoup les films de Bruno Podalydès en général, et celui-ci m'a particulièrement réjoui.

A la fois simple, lent, tranquille, souvent très drôle, et en même temps assez profond et onirique.

Oui ! 

Pascal Laugier : Saint Ange        2004


J'avais été assez enthousiasmé par Incident in a ghostland, le dernier film en date de Laugier ; il s'agit ici de son premier film, j'ai été assez déçu. L'histoire est assez simple (et classique) : une jeune femme prénommée Anna est envoyée pour nettoyer l'orphelinat de Saint Ange qui ferme ses portes suite à la mort inexpliquée d'un de ses enfants ; après la fermeture, il ne restera que trois femmes : Anna, une gouvernante et une femme qui semble être une allégorie de l'orphelinat : elle refuse de dire son âge et semble bien traumatisée ; petit à petit, Anna va découvrir l'histoire de cet orphelinat. Hormis le personnage un peu allégorique qui permet(trait) un rapport intéressant à l'histoire de cet orphelinat, le reste est extrêmement balisé et c'est à mon avis le problème de ce film : ça manque d'originalité - et même l'issue du film est finalement assez banale dans le paysage du film d'horreur ; je ne parle pas de la scène qui clôt vraiment le film (qui n'a - à mon avis - aucun intérêt à part dire "héhé, vous avez vu, je vous fais un petit mindfuck, sa fé réfléchire, hein ?" et qui semble parfois lorgner du côté d'un Kubrick au rabais - la colorimétrie fait penser à la fin de 2001) mais plutôt de ce qu'il se passe avant ; c'est dommage car le film n'est pas complètement nul.

Michel Audiard : Une veuve en or        1969


J'avais été un peu déçu par Le cri du cormoran le soir au-dessus des jonques et j'avoue que malgré son aspect répétitif et un peu systématique, ce film me plaît mieux. Ici, l'histoire est beaucoup plus simple : une femme (interprétée par Michèle Mercier) doit hériter de cent millions de dollars à condition que son mari (très bien interprété par Claude Rich) soit mort ; elle va essayer par tous les moyens de le tuer. Bon, qu'on se le dise, ce film part dans tous les sens (et j'ai parfois ressenti un sentiment similaire à celui que j'avais ressenti en visionnant Carambolages de Bluwal mais il y a quelque chose ici de constamment plus jubilatoire) notamment dès le générique avec ces petits taquets à la censure au début du film - qui frappait beaucoup à cette époque ; le générique est vraiment très fouillé, d'ailleurs, mais c'était déjà un peu le cas dans l'autre film. L'un des mauvais points de ce film, comme je le disais ci-dessus, c'est qu'il a tendance à faire constamment proliférer du bizarre qui ne fait pas du tout avancer et qui ne complète pas vraiment l'histoire - pourquoi pas, mais quand on sait qu'Audiard (et sa team) est à fond sur l'histoire d'un film, c'est pas terrible - : par exemple, dès lors que le personnage de Mercier va engager une bande rocambolesque de tueurs à gages, le film va stagner pendant au mois trois bons quarts d'heure sur une accumulation de tentatives (spoiler : ratées) pour tuer son mari ; cependant, la fin relève un peu le tout avec ce mot "FIN" qui arrive, et l'un des personnages le repousse en disant "vous croyez tout de même pas que ça va se finir comme ça ??" et le film repart pour dix minutes. Il y a également quelques passages un peu problématiques mais pas autant qu'on pourrait l'imaginer dans ce genre de film qui tire sur tout ce qui bouge.

Emeryck a écrit:

L'un des mauvais points de ce film, comme je le disais ci-dessus, c'est qu'il a tendance à faire constamment proliférer du bizarre qui ne fait pas du tout avancer et qui ne complète pas vraiment l'histoire - pourquoi pas, mais quand on sait qu'Audiard (et sa team) est à fond sur l'histoire d'un film, c'est pas terrible

Ah non, il faut faire attention: Audiard est un grand dialoguiste; mais comme scénariste, c'est plus compliqué - justement, parce que lui n'est pas «à fond sur l'histoire» mais «à fond sur les dialogues» (et donc potentiellement prêt à bousiller toute la logique narrative pour le plaisir d'accumuler les bons mots et les gags.)

En gros: quand il est scénariste original, il produit toujours ce genre de récits complètement foutraques et bordéliques: lorsqu'il travaille pour un réalisateur qui a le savoir-faire pour recadrer un peu, notamment en termes de rythme narratif (comme dans certains films avec Georges Lautner ou Philippe de Broca), ça peut encore bien fonctionner en termes d'«histoire», mais quand il est seul maître à bord (comme ici, ou dans Le cri du cormoran...), ça part effectivement en nawak complet (parfois tout à fait jubilatoire, un peu à la façon d'un Mocky - j'avoue que je suis assez fan de Comment réussir quand on est con et pleurnichard.)

En revanche, quand il est seulement dialoguiste (c'est-à-dire qu'on lui demande de rajouter ses bons mots à l'intérieur du cadre narratif élaboré par quelqu'un d'autre) ou adaptateur et dialoguiste (c'est-à-dire qu'il écrit le scénario - et les dialogues - , mais en ayant à respecter au minimum le cadre narratif d'un roman), là, ça fonctionne très bien (Un singe  en hiver, Un taxi pour Tobrouk, Cent Mille Dollars au soleil, Les Tontons flingueurs, Mort d'un pourri, Garde à vue, Espion lève-toi...)

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

L'un des mauvais points de ce film, comme je le disais ci-dessus, c'est qu'il a tendance à faire constamment proliférer du bizarre qui ne fait pas du tout avancer et qui ne complète pas vraiment l'histoire - pourquoi pas, mais quand on sait qu'Audiard (et sa team) est à fond sur l'histoire d'un film, c'est pas terrible

Ah non, il faut faire attention: Audiard est un grand dialoguiste; mais comme scénariste, c'est plus compliqué (justement, parce que lui n'est pas «à fond sur l'histoire» mais «à fond sur les dialogues» - et potentiellement, prêt à bousiller sa narration pour le plaisir d'accumuler des répliques savoureuses.)

En gros: quand il est scénariste original, il produit toujours ce genre de récits complètement foutraques et bordéliques: lorsqu'il travaille pour un réalisateur qui a le savoir-faire pour recadrer un peu, notamment en termes de rythme narratif (comme dans certains films avec Georges Lautner ou Philippe de Broca...), ça peut encore bien fonctionner en termes d'«histoire», mais quand il est seul maître à bord (comme ici, ou dans Le cri du cormoran...), ça part effectivement en nawak complet.

En revanche, quand il est seulement dialoguiste (c'est-à-dire qu'on lui demande de rajouter ses bons mots dans le cadre d'un récit élaboré par quelqu'un d'autre) ou adaptateur et dialoguiste (c'est-à-dire qu'il écrit le scénario et les dialogues, mais en ayant à respecter le cadre narratif d'un roman), là, ça fonctionne très bien (Un singe  en hiver, Un taxi pour Tobrouk, Cent Mille Dollars au soleil, Les Tontons flingueurs, Mort d'un pourri, Garde à vue, Espion lève-toi...)

Ce que je voulais dire c'est qu'il pense qu'un film c'est simplement "une bonne histoire" - je crois que Gabin dit dans une interview quelque chose comme "Il faut trois choses pour faire un bon film : d'abord, une bonne histoire ; ensuite, une bonne histoire puis une bonne histoire." mais également que cette bizarrerie pourrait être signifiant - mais ce n'est pas le genre d'Audiard.

Justement, je crois que pour Audiard, un bon film ce n'est pas tant «une bonne histoire» que «des répliques qui font mouche» - et les acteurs «à gueule» qu'ils faut pour les porter (les Gabin, Belmondo, Delon, Blier, Ventura, Rochefort, Yanne, Carmet, Marielle, Serrault, Lefebvre, Dalban, Guiomar...)

Benedictus a écrit:

Justement, je crois que pour Audiard, un bon film ce n'est pas tant «une bonne histoire» que «des répliques qui font mouche» - et les acteurs «à gueule» qu'ils faut pour les porter (les Gabin, Belmondo, Delon, Blier, Ventura, Rochefort, Yanne, Carmet, Marielle, Serrault, Lefebvre, Dalban, Guiomar...)

D'accord, je croyais plutôt qu'il était aussi proche de la phrase de Gabin mais c'est vrai que c'est plus logique.

Germaine Dulac : La cigarette        1919

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Ce film d'une cinquantaine de minutes est l'une des premières excursions de Dulac dans les contrées du moyen-métrage ; il n'est peut-être pas aussi aventureux que La souriante Madame Beudet mais je l'ai tout de même aimé - malgré la restauration déplorable. Dans ce film, Mme Guérande est mariée à un chercheur (qui semble être un égyptologue) extrêmement studieux et beaucoup plus vieux qu'elle ; un jour, elle prend des leçons de golf avec un homme de son âge et son mari croit qu'elle le trompe, il décide alors de se suicider mais choisit d'empoisonner une de ses cigarettes car il n'a pas vraiment envie de se sentir responsable de sa propre mort - ça rappelle avec humour ces gens qui ont ce goût pour le tragique (souvent sur fond de chantage) mais seulement quand il est à distance. Bien sûr, c'est de cette attente que va surgir la dramaturgie du film et c'est plutôt efficace de ce point de vue notamment à la fin. En revanche, la franche dichotomie entre les intellectuels chiants et les autres qui s'amusent dehors est assez caricaturale.

Patrice Leconte : Circulez y'a rien à voir        1983

 +
Il s'agit d'une comédie assez improbable où Villeret et Blanc jouent deux inspecteurs de police chargés d'enquêter sur une affaire de contrefaçon et recel de tableaux au détail près que le film se fout complètement de cette direction et préfère montrer Michel Blanc qui s'entiche de la principale suspecte (interprétée par Jane Birkin) mais sans raison apparente ; c'est du coup assez/très répétitif et même un peu usant même si quelques répliques sont tout de même bien senties et que le personnage (harceleur) de Michel Blanc n'est pas source de pitié - c'est déjà ça mais ça n'élève pas beaucoup l'intérêt du film qui est quasiment nul.

Emeryck a écrit:

Michel Blanc qui s'entiche de la principale suspecte (interprétée par Jane Birkin) mais sans raison apparente

 Tu ne trouves pas que Jane Birkin a un charme fou? (Et au début des années 80, je la trouve en plus d'une beauté vraiment troublante.)

(Cela dit, oui, j'ai le souvenir d'un film pas terrible: mieux vaut regarder La Fille prodigue, L'Amour par terre, Meurtre au soleil ou La Pirate.)

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

Michel Blanc qui s'entiche de la principale suspecte (interprétée par Jane Birkin) mais sans raison apparente

 Tu ne trouves pas que Jane Birkin a un charme fou? (Et au début des années 80, je la trouve en plus d'une beauté vraiment troublante.)

(Cela dit, oui, j'ai le souvenir d'un film pas terrible: mieux vaut regarder La Fille prodigue, L'Amour par terre, Meurtre au soleil ou La Pirate.)

Oui, un peu ; mais je veux dire, c'est très en mode coup de foudre ; ça prend pas très bien d'un point de vue scénaristique.

John Carpenter : Halloween        1978


Il me semble que c'est seulement le deuxième Carpenter que je vois, le premier étant The thing - que j'avais vraiment bien aimé mais dont je garde un souvenir plutôt flou. Même si j'ai trouvé le film peut-être un peu long, je l'ai vraiment bien aimé et je pense que le travelling initial me restera longtemps en tête tant je l'ai trouvé surprenant : en général, dans les films d'horreur, on commence souvent à l'intérieur en faisant connaissance avec ce qui sera en général le lieu de l'horreur puis progressivement, la peur s'immisce mais ici, Carpenter choisit de commencer de l'extérieur - pourquoi pas, ça donne une toile de fond sociologique immédiate puisque l'on voit qu'on est dans une banlieue pavillonnaire mais là, il va faire un grand travelling de l'extérieur vers l'intérieur et mieux encore, le travelling sera subjectif - du point de vue de la source d'épouvante ; j'ai trouvé ça vraiment étonnant. De toute façon, en général, le film est bien mené (et assez beau) d'un point de vue technique, pétri d'influences hitchcockiennes notamment avec ces nombreux plans derrière des stores. Cela semble évident (notamment depuis Romero) mais ce film est finalement très politique : sur une sorte de dialectique entre l'intérieur et l'extérieur, Carpenter mène une critique assez vive de ces banlieues pavillonnaires atomisées - où une femme crie à l'aide, quelqu'un vient voir ce qu'il se passe à la fenêtre et repart comme si de rien était - il y a notamment cette inversion de dynamique selon laquelle, au début du film, la maison est le lieu de refuge - à exception près de cette maison inhabitée que l'on dit être hantée - et plus le film avance, plus la maison devient un lieu dangereux et les personnages fuient à l'extérieur.