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Quel éditeur ?

Cololi a écrit:

Quel éditeur ?

C'est Elephant films.

Rubato a écrit:

Cololi a écrit:

Quel éditeur ?

C'est Elephant films.

Hum bizarre. Jamais eu de problèmes avec leurs disques.
Tu peux essayer de les contacter.

Cololi a écrit:

Rubato a écrit:

Cololi a écrit:

Quel éditeur ?

C'est Elephant films.

Hum bizarre. Jamais eu de problèmes avec leurs disques.
Tu peux essayer de les contacter.

Je n'ai pas trouvé d'adresse email pour l'instant; peut-être par téléphone.

Moi non plus, jamais eu de problèmes jusqu'à présent.

Rubato a écrit:

En début de semaine, j'ai voulu regardé "The man who knew too much " de 1934.
Malheureusement, gros défaut du blu ray:

Les sous-titres étaient en total décalage par rapport à l'image; film incompréhensible (sous-titres non débrayables).

Des dialogues sans sous-titres (ou sans aucun rapport), ou des sous-titres sans dialogues!!...du jamais vu !

Ne le dis pas trop fort, Stefano P va encore trouver un moyen de râler contre le Blu-Ray. 

Ça me semble compliqué à régler - à moins, peut-être de le lire sur un ordinateur avec VLC et de décaler les sous-titres - puisqu'il faudrait "re-graver" le disque. 

Emeryck a écrit:

Ne le dis pas trop fort, Stefano P va encore trouver un moyen de râler contre le Blu-Ray. 

Je ne râle pas, je reste simplement indifférent au Bluray ; cela dit, avec le système de plus en plus répandu du "combo", on se retrouve maintenant avec des Bluray dans des coffrets alors qu'on n'a rien pour les lire. Si ça intéresse quelqu'un, j'ai actuellement trois Bluray regroupant des films de Barbet Schroeder que je peux céder : Général Idi Amin Dada, Koko le gorille qui parle, Maîtresse, Tricheurs et La Vierge des tueurs, rien que de très bons films...

Brian de Palma : The fury        1978


J'ai été déçu par ce de Palma que j'ai trouvé vraiment inégal. Il y a vraiment des séquences ennuyeuses surtout dans le milieu et l'image apparaît comme assez plate. Il faut passer la moitié pour que de Palma déploie un peu son esthétique - qui ne marche pas toujours bien, mais qui (au moins) fait rire : le coup des yeux bleus en surbrillance, c'est génial.   J'ai été surpris de voir John Cassavetes dans ce film, qui donne d'ailleurs lieu à un final... explosif. Il y a toutefois quelques séquences plaisantes.

Bertrand Bonello : Saint Laurent        2014

 + / 
Je ne connaissais quasiment rien de la vie d'Yves Saint-Laurent et j'ai énormément aimé ce film ; ce n'est pas un biopic traditionnel, le réalisateur prend certaines libertés et il y a même un léger goût de romanesque. J'ai trouvé que la photographie et les cadrages étaient particulièrement soignés, la manière de filmer a quelque chose d'assez physique, qui rend compte des textures (mais aussi à travers la prise de son) ; j'ai d'ailleurs beaucoup aimé les cadres en mosaïque dans le défilé final ; Ulliel est très bon dans le rôle de Saint Laurent. J'ai aimé la manière dont Bonello rendait compte de l'extraction du monde de Saint Laurent : il laisse bien volontiers toutes les tâches concrètes à son compagnon (on lui reproche d'ailleurs de ne savoir rien faire de pratique et il répond que ça ne l'intéresse pas). Le réalisateur fait aussi état de son extraction par les paradis artificiels - plus classique. L'extraction spatiale est d'ailleurs claire lorsque Saint Laurent dit "l'âme n'est pas ici mais ailleurs" ou même dans la séquence assez éloquente de sa photo - qui doit être mise à l'exposition à défaut de sa présence - qui ne rentre pas dans le camion de transport. Plus intéressant encore, Saint Laurent est également au centre d'une extraction temporelle : plus le récit avance et plus il est temporellement brouillé ; cela confère une certaine éternité au couturier qui me semble particulièrement explicite puisque la (véritable) mort n'est pas dans le récit, il n'y a que cette fausse mort prête à être relayée par les journaux à laquelle le couturier répond par un sourire mutique qui éteint le film.

Emeryck a écrit:

Bertrand Bonello : Saint Laurent        2014
 + / 
Je ne connaissais quasiment rien de la vie d'Yves Saint-Laurent et j'ai énormément aimé ce film ; ce n'est pas un biopic traditionnel, le réalisateur prend certaines libertés et il y a même un léger goût de romanesque. J'ai trouvé que la photographie et les cadrages étaient particulièrement soignés, la manière de filmer a quelque chose d'assez physique, qui rend compte des textures (mais aussi à travers la prise de son) ; j'ai d'ailleurs beaucoup aimé les cadres en mosaïque dans le défilé final ; Ulliel est très bon dans le rôle de Saint Laurent. J'ai aimé la manière dont Bonello rendait compte de l'extraction du monde de Saint Laurent : il laisse bien volontiers toutes les tâches concrètes à son compagnon (on lui reproche d'ailleurs de ne savoir rien faire de pratique et il répond que ça ne l'intéresse pas). Le réalisateur fait aussi état de son extraction par les paradis artificiels - plus classique. L'extraction spatiale est d'ailleurs claire lorsque Saint Laurent dit "l'âme n'est pas ici mais ailleurs" ou même dans la séquence assez éloquente de sa photo - qui doit être mise à l'exposition à défaut de sa présence - qui ne rentre pas dans le camion de transport. Plus intéressant encore, Saint Laurent est également au centre d'une extraction temporelle : plus le récit avance et plus il est temporellement brouillé ; cela confère une certaine éternité au couturier qui me semble particulièrement explicite puisque la (véritable) mort n'est pas dans le récit, il n'y a que cette fausse mort prête à être relayée par les journaux à laquelle le couturier répond par un sourire mutique qui éteint le film.

Oui, c'est très juste ce que tu dis, et j'aime aussi beaucoup ce film, très loin du biopic officiel et autorisé de Jalil Lespert, sorti quelques mois plus tôt. Il n'est pas indifférent que sur l'affiche le mot "saint" soit en plus gros, Bonnello met vraiment en avant cet aspect "sainteté", avec un personnage qui se consume littéralement pour son art, avec un sens de l'ascèse qui rejoint l'image que l'on peut se faire des saints (il vit une "passion", dans tous les sens du mot, mais surtout dans le sens christique). Cette conception du personnage, très originale, rejoint ce que tu appelles l'"extraction" de la vie ; il se repose sur Bergé pour tout ce qui est concret et matériel et lui n'existe que dans une sorte de dimension parallèle.

On est évidemment très loin de la simple biographie filmée et c'est certainement le meilleur film de Bonnello, tant on sent que le côté baroque du cinéaste, son refus de la dimension chronologique et de la narration linéaire trouve ici une adéquation parfaite avec son sujet. Et c'est aussi esthétiquement très réussi, d'autant plus que tout a été refait pour le film (les décors mais aussi tous les costumes magnifiques, Bergé ayant refusé toute participation au film alors qu'il a prêté généreusement à Lespert les créations de Saint-Laurent). Bonnello a dû tout recréer, et c'est finalement ce qui fait la force et l'originalité du film...

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Bertrand Bonello : Saint Laurent        2014
 + / 
Je ne connaissais quasiment rien de la vie d'Yves Saint-Laurent et j'ai énormément aimé ce film ; ce n'est pas un biopic traditionnel, le réalisateur prend certaines libertés et il y a même un léger goût de romanesque. J'ai trouvé que la photographie et les cadrages étaient particulièrement soignés, la manière de filmer a quelque chose d'assez physique, qui rend compte des textures (mais aussi à travers la prise de son) ; j'ai d'ailleurs beaucoup aimé les cadres en mosaïque dans le défilé final ; Ulliel est très bon dans le rôle de Saint Laurent. J'ai aimé la manière dont Bonello rendait compte de l'extraction du monde de Saint Laurent : il laisse bien volontiers toutes les tâches concrètes à son compagnon (on lui reproche d'ailleurs de ne savoir rien faire de pratique et il répond que ça ne l'intéresse pas). Le réalisateur fait aussi état de son extraction par les paradis artificiels - plus classique. L'extraction spatiale est d'ailleurs claire lorsque Saint Laurent dit "l'âme n'est pas ici mais ailleurs" ou même dans la séquence assez éloquente de sa photo - qui doit être mise à l'exposition à défaut de sa présence - qui ne rentre pas dans le camion de transport. Plus intéressant encore, Saint Laurent est également au centre d'une extraction temporelle : plus le récit avance et plus il est temporellement brouillé ; cela confère une certaine éternité au couturier qui me semble particulièrement explicite puisque la (véritable) mort n'est pas dans le récit, il n'y a que cette fausse mort prête à être relayée par les journaux à laquelle le couturier répond par un sourire mutique qui éteint le film.

Oui, c'est très juste ce que tu dis, et j'aime aussi beaucoup ce film, très loin du biopic officiel et autorisé de Jalil Lespert, sorti quelques mois plus tôt. Il n'est pas indifférent que sur l'affiche le mot "saint" soit en plus gros, Bonnello met vraiment en avant cet aspect "sainteté", avec un personnage qui se consume littéralement pour son art, avec un sens de l'ascèse qui rejoint l'image que l'on peut se faire des saints (il vit une "passion", dans tous les sens du mot, mais surtout dans le sens christique). Cette conception du personnage, très originale, rejoint ce que tu appelles l'"extraction" de la vie ; il se repose sur Bergé pour tout ce qui est concret et matériel et lui n'existe que dans une sorte de dimension parallèle.

On est évidemment très loin de la simple biographie filmée et c'est certainement le meilleur film de Bonnello, tant on sent que le côté baroque du cinéaste, son refus de la dimension chronologique et de la narration linéaire trouve ici une adéquation parfaite avec son sujet. Et c'est aussi esthétiquement très réussi, d'autant plus que tout a été refait pour le film (les décors mais aussi tous les costumes magnifiques, Bergé ayant refusé toute participation au film alors qu'il a prêté généreusement à Lespert les créations de Saint-Laurent). Bonnello a dû tout recréer, et c'est finalement ce qui fait la force et l'originalité du film...

Je n'ai pas vu le film de Lespert, c'est pas un peu ennuyeux ? J'ai vu que Bergé avait carrément qualifié le film de Bonello de "méchant et homophobe", ça me semble tout-à-fait hors-propos.
Oui, je n'avais pas songé au "Saint" sur l'affiche mais effectivement, ça rejoint tout ça.

Georges Franju : Judex        1963

 + / 
C'est un hommage au Judex de Louis Feuillade - que je n'ai pas vu. L'ambiance du film est assez curieuse, assez naïve, je ne suis pas entré totalement dans le film sans doute à cause de ça, les personnages paraissent assez plats. L'esthétique du film est cependant assez remarquable, notamment par la lumière et ces scènes avec les miroirs. L'hommage est très net dans le style employé et surtout par les intertitres. On n'est cependant pas au niveau des Yeux sans visage.

Emeryck a écrit:

Je n'ai pas vu le film de Lespert, c'est pas un peu ennuyeux ?

Pas ennuyeux, ça se laisse voir, mais c'est très calibré et attendu, exactement ce que l'on peut imaginer d'un biopic classique d'YSL. C'est un peu ce que l'on appelait dans les années soixante la "qualité française", avec des acteurs très classiques (Niney, Gallienne) et un filmage propre et impersonnel. Rien à voir avec l'intensité, le lyrisme, la beauté plastique du film de Bonnello...

Abbas Kiarostami : Le vent nous emportera        1999


J'ai bien aimé, certains moments sont très poétiques - les passages de la voiture dans les blés, à la fin. Il y a aussi, plus littéralement, les fragments de poème de Farrokhzad énoncés à travers le film. Comme souvent chez Kiarostami, tout est très mouvent et le récit est souvent une quête ; cependant, ici, la quête reste assez indéfinie, il y a d'ailleurs cette séquence initiale qui me semble représentative où le personnage principal dit que si l'on demande ce que font les journalistes ici, il faut répondre qu'ils cherchent un trésor. Le récit est donc mis en fond, soutenu par quelques motifs récurrents (le coup de téléphone, le petit garçon) et laisse place à la contemplation de la nature et des gens. J'ai toutefois trouvé le film bien long - une vingtaine de minutes en moins n'aurait pas été de trop.

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Je n'ai pas vu le film de Lespert, c'est pas un peu ennuyeux ?

Pas ennuyeux, ça se laisse voir, mais c'est très calibré et attendu, exactement ce que l'on peut imaginer d'un biopic classique d'YSL. C'est un peu ce que l'on appelait dans les années soixante la "qualité française", avec des acteurs très classiques (Niney, Gallienne) et un filmage propre et impersonnel. Rien à voir avec l'intensité, le lyrisme, la beauté plastique du film de Bonnello...

Tout à fait. Alors que le Bonnello, en effet, est vraiment éblouissant !

Emeryck a écrit:

Emeryck a écrit:

Joon-ho Bong : Parasite        2019


Un chef d'oeuvre, le film est à la fois drôle, intelligent, beau : il ne l'a pas volée, la palme d'or! Les acteurs sont tous très convaincants. Ce film est avant tout un film de strates, de hiérarchie(s) : un film spatial. Tout d'abord, le propos prend une teinte très sociale par l'omniprésence de la hiérarchie pécuniaire - énormément de plans d'escaliers ponctuant véritablement le récit ; il y a notamment le retour de la famille pauvre à la maison après la soirée assez animée qui se fait tout en descentes ; sans parler de la scène du canapé durant la soirée. Le cinéaste fait part d'un certain hermétisme social - notamment lorsque le père de la famille riche parle de la ligne entre le chauffeur et la banquette arrière dans sa voiture. Il y a également beaucoup de plans de portes - et le bruit de la première porte d'entrée est si lourd, comme si elle était impénétrable, qui est d'ailleurs le même que celle de ce souterrain secret, lugubre dont tout le monde ignore totalement l'existence. Cela amène donc naturellement à la question de l'image dans la société, image à laquelle la famille riche semble accorder une importance toute particulière - organisation de la garden party, licenciement du chauffeur au moindre "travers" - enfin, travers... si on veut.
À cette hiérarchie pécuniaire unidimensionnelle, Bong Joon-ho confronte l’émancipation tridimensionnelle du réseau mais de façon assez intéressante : il va jouer sur la polysémie du mot réseau : le réseau téléphonique/WiFi et le réseau de connaissances - ce jeu polysémique est totalement assumé lorsque la mère de la famille riche déclare quelque chose comme "heureusement que le réseau est là" ; et c'est ce(s) réseau(x) qui va/vont permettre précisément de créer une fuite sociale - avec un peu de triche, aussi - : le fils de la famille pauvre va devenir le professeur d'anglais de la fille de la famille riche sur les recommandations de son ami. Cependant, ce n'est pas aussi simple que cela car dans ce réseau semble persister une hiérarchie unidimensionnelle mais assez paradoxale : le réseau WiFi/téléphonique semble être dominant dans les familles "pauvres" (cf. la scène d'ouverture du film) alors que le réseau de connaissance semble l'être pour les familles riches - il suffit de voir la confiance aveugle qu'ils lui accordent ; j'ai toutefois l'impression que cette différence d'unifie avec la jeunesse - cf. la fille de la famille riche qui privilégie la communication par SMS. 

Spoil:

Le scénario du film est vraiment ficelé de manière excellente et est mené avec une grande intelligence de façon totalement maîtrisée.

Je l'ai revu aujourd'hui et je l'ai toujours autant apprécié. Ça m'a permis de voir d'autres choses, notamment la dimension ludique : aussi bien dans le film à travers la scène où la famille pauvre répète les dialogues de façon théâtrale qu'à l'extérieur du film par le jeu sur les genres cinématographiques, le réalisateur nous guide sur des fausses pistes - mais de manière assez subtile, c'est-à-dire que "l'erreur" n'est pas totale.

Très enthousiaste aussi ; je craignais d'être déçu, après toutes les louanges entendues, et aussi, je dois l'avouer, parce que les Palmes d'or ne sont pas toujours décernées à des films que j'apprécie vraiment.
Mais c'est vraiment intelligemment construit, très fin (chaque fois qu'on pourrait craindre que la dimension politique/polémique du film soit explicitée, l'accident est très brillamment contourné). Et puis, ce mélange de tragique et de caustique me touche assurément (ça m'a parfois fait penser un peu à Lanthimos, pour cette dimension). Il y a beaucoup, beaucoup de choses à dire, mais je souscris à tout ce que tu dis, en ajoutant que la fin du film est particulièrement virtuose – l'exemple même des potentialités narratives et polysémiques du seul montage.

Adalbéron a écrit:

ça m'a parfois fait penser un peu à Lanthimos, pour cette dimension.

Oui, mais en bien. 
Je plaisante, Canine, c'était quand même très bien. 

Dario Argento : Il gatto a nove code        1971


Je crois que j'ai préféré L'uccello dalle piume de cristallo qui me semble plus emporté mais j'ai tout de même aimé celui-ci. Le twist me semble moins surprenant même si le cadre du giallo est toujours très présent. J'ai aimé les plans en caméra subjective et les plans de d'un œil du tueur (en fait, c'est celui de Dario Argento  ), ça ponctue le récit, tout comme les inserts tordant la temporalité du film aussi.

On connait la chanson - Alain Resnais - 1997

Découvert ce film par hasard : du boulevard un peu divertissant : le scénario est très décousu, on a l'impression de voir une suite de sketchs, l'insertion des chanson est parfaitement artificielle, et la distribution pléthorique, et sur le papier de haut niveau, est sous utilisée ....
Au final cela ressemble à un Bacri - Jaoui médiocre : bizarre que ce film ait été primé : sur le nom du réalisateur ??

Belcore

Belcore a écrit:

On connait la chanson - Alain Resnais - 1997

Découvert ce film par hasard : du boulevard un peu divertissant : le scénario est très décousu, on a l'impression de voir une suite de sketchs, l'insertion des chanson est parfaitement artificielle, et la distribution pléthorique, et sur le papier de haut niveau, est sous utilisée ....
Au final cela ressemble à un Bacri - Jaoui médiocre : bizarre que ce film ait été primé : sur le nom du réalisateur ??

Belcore

Oui, comme c'est signé Resnais, beaucoup de critiques ont trouvé ça génial, alors que j'ai la même impression que toi : une blague de potache étirée sur deux heures, plus embarrassante que réellement drôle ; les seuls qui semblent s'amuser, ce sont les comédiens qui font le playback, mais ça ne suffit pas pour faire un film réussi...

Alain Resnais : L'amour à mort        1984

 + /
Un film assez étrange. Les plans de coupe totalement musicaux - musique écrite par Henze - (dont Resnais dit qu'ils sont un temps de répit pour favoriser la réflexion) sont parfois peu heureux et leur répartition est un peu maladroite : parfois, ils sont espacés de trente seconde alors qu'ils sont peu présents à la fin, zone où le film est le plus dense. Sinon, j'ai aimé la manière dont la dichotomie précise glisse progressivement vers quelque chose de plus épars : au début du film, le couple Élisabeth/Simon représente l'amour-passion alors que le couple Judith/Jérôme représente un amour plus réservé et progressivement, l'éclairage sur Simon et Judith va changer souligné par le glissement des couples. Le même genre de glissement s'opère sur la valeur morale du suicide, évoqué la première fois lors de la distinction (perdue) entre eros et agapè sous un angle plutôt négatif ; il prend une toute autre couleur à travers le personnage d'Élisabeth. La musique joue aussi un rôle important, indicible, qui hante Simon puis Élisabeth (à travers ce dernier). C'est en somme un film sympathique mais qui ne fonctionne parfois pas très bien, qui peine à s'incarner.

J'avais gardé un souvenir encore plus atterré que Belcore et Stefano d'On connaît la chanson, mais un souvenir beaucoup plus positif qu'Emeryck de L'Amour à mort - je ne les ai vus qu'une fois tous les deux.

Attention, troll inside:

Benedictus a écrit:

J'avais gardé (...) un souvenir beaucoup plus positif qu'Emeryck de L'Amour à mort.

Je n'ai pas détesté mais j'ai trouvé ça pas trop mal, comme on dit. Qu'avais-tu aimé dans ce film ? 

Je ne pourrais pas te dire en détail: je ne l'ai vu qu'une fois il y a plus de 25 ans - mais je me souviens que j'avais vraiment beaucoup aimé, alors que le ton général de la critique était plus proche de ce que tu dis de ce film.

Je l'ai vu il y a quelques années, j'avais bien aimé aussi.
Qui mettrait une telle bande-son aujourd'hui??

Pas un grand film, mais un traitement intéressant du voyage dans le temps.

Xavier a écrit:

Je l'ai vu il y a quelques années, j'avais bien aimé aussi.
Qui mettrait une telle bande-son aujourd'hui??

Ça va, ce n'est pas comme s'il avait mis du Neuwirth ou du Manoury. 
Elle a d'ailleurs soutenu un mémoire sur l'utilisation de la musique dans ce film !
Mais effectivement, les musiques de film actuelles ne me laissent pas une forte impression.

Emeryck a écrit:

Mais effectivement, les musiques de film actuelles ne me laissent pas une forte impression.

Je ne vois pas tout ce qui sort… mais pour l'essentiel, on sort rarement d'une soupe toujours à peu près identique d'un film à l'autre.
C'est pour ça qu'ici ça sort complètement du lot.

Christophe Honoré : Les chansons d'amour        2007


Je ne connais pas beaucoup le cinéma de Christophe Honoré, n'ayant vu que Plaire, aimer et courir vite qui m'avait plus séduit. J'ai trouvé que le réalisateur proposait quelque chose d'un peu original, dans le sillage de Demy - à qui la structure tripartite "départ-absence-retour" fait directement écho - mais à la fois assez bien ancré dans son époque. L'utilisation des chansons est ici simple mais fonctionnelle comme un simple reflet expressif des personnages ; je les ai cependant pas trouvées fameuses. J'ai aussi trouvé que le propos sur les relations amoureuses "alternatives" était un peu superficiel par moment.

Emeryck a écrit:

L'utilisation des chansons est ici simple mais fonctionnelle comme un simple reflet expressif des personnages ; je les ai cependant pas trouvées fameuses. J'ai aussi trouvé que le propos sur les relations amoureuses "alternatives" était un peu superficiel par moment.

Voila c'est un le problème constant d'Honoré, il y a des ambitions mais ça reste toujours en surface et surtout bien trop esclave de ses références a la nouvelle vague dont il se contente de décalquer les dispositif sans vraiment proposer quelque chose de très nouveau (c'est original parce qu'il n'y a pas beaucoup de comédie musicale française, mais la comparaison avec les plus grandes réussites de Demy fait mal... )
Je le préfère (un peu plus) dans ce registre que dans le pseudo-pasolini de Ma mère (film particuliérement insupportable)

Parsifal a écrit:

Emeryck a écrit:

L'utilisation des chansons est ici simple mais fonctionnelle comme un simple reflet expressif des personnages ; je les ai cependant pas trouvées fameuses. J'ai aussi trouvé que le propos sur les relations amoureuses "alternatives" était un peu superficiel par moment.

Voila c'est un le problème constant d'Honoré, il y a des ambitions mais ça reste toujours en surface et surtout bien trop esclave de ses références a la nouvelle vague dont il se contente de décalquer les dispositif sans vraiment proposer quelque chose de très nouveau (c'est original parce qu'il n'y a pas beaucoup de comédie musicale française, mais la comparaison avec les plus grandes réussites de Demy fait mal... )

Je n'ai pas vu le film dont tu parles ; j'ai Métamorphoses en stock, je ne sais pas ce que ça vaut.

Emeryck a écrit:

Je n'ai pas vu le film dont tu parles ; j'ai Métamorphoses en stock, je ne sais pas ce que ça vaut.

Hum, c'est vraiment très spécial et ça m'a laissé plutôt dubitatif ; finalement, le seul film d'Honoré qui m'a convaincu, c'est le dernier avec Vincent Lacoste.

Chan-wook Park : Mademoiselle        2016

 +
J'ai beaucoup aimé. Le début du film m'a évidemment rappelé Parasite à travers l'infiltration par le mensonge dans un milieu social différent. Cependant, c'est à mon avis le seul point de convergence des deux films tant ils prennent des trajectoires différentes. Outre les cadres temporels disjoints et malgré l'importance de l'aspect stratifié de la société qui prime dans les deux films, ils offrent chacun quelque chose de différent. Les strates de Parasite sont assez discrètes et imperméables alors que les strates de Mademoiselle sont continues, leur usage se fait par l'effeuillage : un peu à travers des procédés à tiroirs d'untel envoyé par un autre, l'effeuillage temporel, aussi. En effet, le flashback qui ouvre la deuxième partie nous fait entrer plus profondément dans la vie de Hideko ; le pointillisme temporel dans l'utilisation des flashbacks évoque bien ce processus d'effeuillage lent et progressif. Mais l'aspect le plus marquant dans l'effeuillage réside dans les vêtements ; cet aspect rejoint d'ailleurs l'aspect profondément sensuel voire érotique mais surtout préliminaire du film. De plus, alors que les strates sociales semblent invariantes dans Parasite ; ici, il y a comme une hétérogénéité impossible, ne serait-ce qu'au début : Sook-hee fait une sorte de pied-de-nez à son oncle à propos de Mademoiselle, les classes sociales deviennent de plus en plus homogènes et la fin est particulièrement significative de ce point de vue - cet aspect homogène se retrouve d'ailleurs dans plusieurs choses comme la fumée bleue des cigarettes de l'oncle. 
Sinon, le scénario est suffisamment dense pour que l'on ne s'ennuie pas durant le film, la photographie est vraiment très belle, et notamment les plans de nature ; c'est à mon sens le meilleur film de ce réalisateur - en tout cas, parmi ceux que j'ai vus.

The Big Lebowski

+

Au revoir là-haut



My name is Bruce

+

Hier soir, j'ai revu (tout à fait par hasard) Pauline à la plage ; c'est toujours aussi merveilleux, d'une grâce, d'une cruauté, d'une finesse dans l'observation des sentiments, d'une sensualité magnifiques (sur cet aspect-là, Rohmer est vraiment le plus libéré de toute la bande un peu coincée de la Nouvelle Vague ; il y a des moments incroyablement hot dans le film, par exemple le réveil de Pauline par le personnage que joue Atkine...). L'image de Nestor Almendros est sublime, et les acteurs fabuleux : Dombasle n'a jamais été aussi bien, la jeune Amanda Langlet, troublante et culottée (sans jeu de mots), Pascal Greggory, Atkine et le plaisir de revoir Simon de la Brosse, trop tôt disparu. Vraiment un régal !

Ingmar Bergman : Les communiants        1963


Il s'agit d'un Bergman très axé sur le rapport entre la religion et la souffrance. Au centre du récit, un pasteur en proie aux doutes sur sa foi notamment à cause de la souffrance perpétuelle suivant la mort de sa femme. Tout le monde dans ce film semble désespéré : le pasteur en proie au doute, le personnage de von Sydow qui se suicide, le personnage joué par Thulin et son monologue face caméra, les yeux rivés sur la caméra. Côté photographie, la restauration nous permet de profiter pleinement du superbe noir et blanc, notamment des plans extérieurs enneigés.

Stefano P a écrit:

Hier soir, j'ai revu (tout à fait par hasard) Pauline à la plage ; c'est toujours aussi merveilleux, d'une grâce, d'une cruauté, d'une finesse dans l'observation des sentiments, d'une sensualité magnifiques (sur cet aspect-là, Rohmer est vraiment le plus libéré de toute la bande un peu coincée de la Nouvelle Vague ; il y a des moments incroyablement hot dans le film, par exemple le réveil de Pauline par le personnage que joue Atkine...). L'image de Nestor Almendros est sublime, et les acteurs fabuleux : Dombasle n'a jamais été aussi bien, la jeune Amanda Langlet, troublante et culottée (sans jeu de mots), Pascal Greggory, Atkine et le plaisir de revoir Simon de la Brosse, trop tôt disparu. Vraiment un régal !

Mario Monicelli : I compagni        1963


Le sujet est assez proche de La classa operaia va in paradiso de Petri - tout part aussi d'un accident de travail - mais le film de Monicelli est beaucoup plus intéressant et a beaucoup moins vieilli. En effet, Monicelli est beaucoup moins caricatural que Petri, je pense notamment à la séquence où les ouvriers décident de quitter une heure plus tôt, le coup ne marche pas bien et la grève peine à prendre. Vient ensuite le personnage assez mystérieux, interprété par Mastroianni, qui est sans doute l'un des plus intéressants du film.

Soleil vert

+

Wim Wenders : L'angoisse du gardien de but au moment du penalty        1972


C'est le deuxième film de Wenders, certains thèmes qui se révéleront centraux dans l'oeuvre du réalisateur sont déjà installés (l'errance, la musique, l'omniprésence de la quête, la passion pour le cinéma) mais le film est porté par des acteurs très moyens dans une photographie terne et franchement pas très jolie. De plus, le scénario ne suscite pas vraiment l'intérêt - en tout cas, pas le mien - les personnages ne sont pas très attachants. Seule la scène finale où le personnage principal établit un parallèle entre l'aptitude du gardien à prévoir le tir d'un penalty et la façon de gérer les gens dans la vie (à l'aide de leurs habitudes), c'est franchement bien maigre. C'est vraiment un Wenders anecdotique pour moi.

1941 (director's cut)

+

Encore plus jubilatoire que dans mon souvenir!

Patrice Leconte : L'homme du train        2002

 /  +
Comme dans Tandem, c'est un duo qui est au cœur du film : le duo Rochefort/Hallyday remplace le duo Rochefort/Jugnot. Le résultat a moins de saveur, le jeu de Hallyday étant très monotone et l'histoire a moins de charme. J'ai trouvé que le film reposait trop sur un jeu d'oppositions (un Rochefort encyclopédique et sédentaire dont on sait tout et un Hallyday mystérieux et mouvant) et le film devient rapidement assez prévisible - notamment la fin. J'ai toutefois aimé l'utilisation du poème d'Aragon (Sur le pont Neuf j'ai rencontré) et la photographie extérieure très bleutée qui s'accorde bien avec les lieux assez vides et l'ambiance spectrale.

J'ai toujours trouvé qu'Hallyday avait un jeu très bressonien ; je l'aurais bien vu par exemple dans le rôle du héros de Pickpocket... Godard exploite bien cet aspect-là de son jeu dans Détective (dans un genre très différent, c'est aussi très évident dans la version française du Spécialiste...).

Stefano P a écrit:

J'ai toujours trouvé qu'Hallyday avait un jeu très bressonien ; je l'aurais bien vu par exemple dans le rôle du héros de Pickpocket...

Je l'ai vu jouer dans seulement deux films (celui-ci et Détective de Godard) mais ça ne me semble pas absurde, effectivement.

Frenzy - Hitchcock - 1972

Les derniers Hitchcock n'ont pas bonne réputation - Le Rideau déchiré est un pénible ratage - pourtant celui là est assez délectable - tourné dans les marchés de Covent Garden il offre un mélange d'intrigue policière, sur un schéma assez classique - l'innocent que toutes les apparences accablent - avec une légère dose de sadisme et pas mal d'humour ....

Belcore

Xiaoshuai Wang : So long, my son        2019


J'ai été un peu déçu par ce film duquel j'attendais pas mal de choses. La présentation temporelle du récit est intéressant d'autant qu'elle convoque des scènes rémanentes - heureusement car l'ordre est suffisamment tortueux pour s'y perdre ; cependant, l'esthétique globale, assez terne, reste très simple. J'ai trouvé le propos un peu caricatural, il semble dire que c'était problématique en Chine durant la révolution culturelle (oui) mais que maintenant, tout est réglé... De plus, certains éléments de scénario ne vont nulle part, sont introduits mais jamais développés : je pense notamment à l'enfant de la femme à la webcam à la fin. Il y a toutefois des beaux moments, et certains sont vraiment drôles - notamment pendant la période de révolution culturelle. Curieusement, le film ne m'a pas semblé si long que ça malgré ses trois heures.

Jacques Audiard : Dheepan        2015


Mais comment ce film a-t-il pu avoir la palme d'or ? Il y avait de bien meilleurs concurrents cette année-là notamment Notre petite soeur de Kore-eda. C'est dommage car le film commence bien avec cette brève séquence introductive au Sri-Lanka, assez peu démonstrative, avec un beau montage qui apporte quelque chose d'intéressant à travers cette famille composée au hasard. La séquence d'arrivée en France est bien menée, avec un propos social sur les banlieues, très typique du cinéma de Jacques Audiard, quelques passages toutefois plus légers - je pense notamment au passage sur l'humour. Mais pour la dernière demie-heure, Audiard décide de renforcer le lien avec la première partie qui était jointe à la seconde par une ellipse et c'est là que la descente aux enfers commence. Le réalisateur essaie de faire resurgir les traumas de guerre de Dheepan, du coup, il tord la vision jusque là plutôt nuancée de la banlieue pour que ça rentre dans son scénario : barrage, fouille de la part des boss du quartier, échanges de tirs systématiques ; en bref, ça devient vraiment n'importe quoi et ça entache vraiment tout le film, je trouve. Une assez grande décéption pour ma part.

Jacques Rivette : Merry-go-round        1981


Le film est fait avec trois fois rien, le scénario assez évasif et pourtant, le film m'a captivé pendant ses deux heures quarante. Comme dans les films-fleuves de Rivette, nous sommes embarqués dans une machine infernale, absolument labyrinthique mais parfaitement cohérente. Après une séquence sur les deux musiciens qui ponctueront le film, on suit les deux personnages principaux, Marie et Joe, auxquels une certaine Elizabeth avait donné rendez-vous à côté de l'aéroport de Roissy. C'est plutôt banal mais Rivette va ouvrir tout un monde intriguant avec cela - le titre me semble d'ailleurs assez parlant puisqu'il fait écho aux côtés divertissant et cyclique du manège - et notamment grâce à la succession des plans ainsi qu'à la variation des lieux. Cela donne vraiment une impression de macrocosme fou très clos sur lui-même, un jeu géant dans lequel on contemple les trajectoires multiples des personnages, haut sur notre siège. C'est une véritable expérience cinématographique - et je trouve même que Céline et Julie vont en bateau est encore plus réussi de ce point de vue-là.

Jim Jarmusch : The limits of control        2009

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C'est sans doute l'expérience de Jarmusch la plus radicale, je ne savais pas trop à quoi m'attendre. Les références du film noir sont nombreuses : comment ne pas penser au Samouraï de Melville quand Isaach de Bankolé quitte une de ses chambres en fermant la porte, ses bagages à bout de bras ? Ou même aux références qui sont explicitement citées : La dame de Shanghai de Welles ou Suspicion de Hitchcock. En convoquant ces références, Jarmusch mène une anesthésie du film noir : le personnage joué par Isaach de Bankolé (très bon dans ce rôle par sa rigidité) est comme immuable, et certaines scènes sont particulièrement significatives - je pense notamment à la scène où il décharge d'emblée le pistolet, puis son désintérêt total pour Paz de la Huerta nue. En fait, la rigidité étant quand même partiellement constitutive d'un personnage principal de film noir, Jarmusch pousse ici les curseurs du genre au maximum jusqu'à son implosion et le film prend ensuite ses aises - avec des discussions à la Coffee and cigarettes ; Jarmusch produit en fait quelque chose de très personnel. J'ai aussi aimé le petit leitmotiv de la boîte d'allumettes aux couleurs alternées. C'est une agréable surprise pour ma part.

Yesterday, Danny Boyle

Ce n'est certainement pas un très grand film, le scénario coche toutes les cases de la comédie romantique et de fait c'est bien plus une œuvre du scénariste Richard Curtis (Love Actually, mais il a aussi écrit les célébrissime Quatre mariages et un enterrement, Coup de foudre a Nothing Hill, Bridget Jones) ce n'est donc pas trés original tout est même assez attendu, mais pour peu qu'on aime le versant britannique du genre (et j'aime beaucoup) et les Beatles (et j'adore) c'est aussi très agréable et ça n'a pas d'autres ambitions, l'acteur principal (et son personnage) est très attachant!

Agnès Varda : L'opéra-mouffe        1958


Un court-métrage d'une vingtaine de minutes sur ce qu'était la rue Mouffetard à la fin des années cinquante - très différente d'aujourd'hui. Dans ce court-métrage, Varda dépeint d'une part un couple d'amoureux dont la femme est enceinte et d'autre part la foule de la rue Mouffetard. Si la réalisatrice semble opposer les cadres soignés, arrêtés, les poses conscientes prises par leur couple, leur intimité au bouillonnement et à l'immédiateté de la foule (populaire) de la rue Mouffetard, il y a quand même un point commun : une peinture de la vie à travers la femme enceinte, le mouvement de la foule et leur discussion.