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Charlie Chaplin : Behind the screen        1916

 +
Un Chaplin assez amusant mais qui m'a semblé être assez mineur, aucune fulgurance ne surgit véritablement.

Il est bien dommage que les films de Gérard Blain (je veux dire ceux qu'il a réalisés, car il a par ailleurs une grande carrière d'acteur) soient devenus pratiquement invisibles aujourd'hui ; on attend toujours une intégrale DVD qui malheureusement n'arrive jamais... C'est à mon avis le seul véritable disciple de Bresson ; il s'inspire du maître sans l'imiter et son oeuvre est une preuve convaincante qu'il est possible de s'inscrire dans la démarche bressonienne du "cinématographe" sans tomber dans la parodie ou le ridicule.

Son premier film, Les Amis, est le seul que l'on peut voir facilement (il est en DVD et on le trouve même intégralement sur YT) ; c'est un film de 1971 et il a gardé toute sa force et son originalité, qui vient surtout de la manière naturelle dont est traité le thème principal du film, autrement dit la relation entre le jeune Paul et son "protecteur", remarquablement interprétés par le jeune Yann Favre et le très juste Philippe March, plus expressifs que les "modèles" bressoniens, mais en même temps retenus, secrets, comme si la vérité de leurs sentiments restait toujours cachée derrière une ambiguïté qui intrigue et passionne le spectateur. On pourrait évidemment réduire le scénario à une affaire de gigolo, et il y a de cela en effet dans leur histoire, mais Blain traite leurs rapports avec beaucoup de finesse et de justesse, et il y a entre eux beaucoup plus qu'une simple affaire d'intérêt matériel ou d'exploitation, comme on s'en apercevra à la fin du film ; cette manière à la fois frontale et subtile de traiter un thème délicat, surtout pour l'époque, fait vraiment de ce film un objet singulier assez à part dans le cinéma français das années soixante-dix. Le filmage est d'une grande rigueur que l'on peut qualifier de bressonienne, mais Blain n'est pas seulement un imitateur, et il a une vraie personnalité de cinéaste. C'est un très beau film, et ceux qui suivront confirmeront la grandeur de son cinéma, qui mériterait d'être beaucoup plus connu et fréquenté par les cinéphiles d'aujourd'hui...

Je ne connaissais que ce réalisateur lointainement et de nom, j'ai trouvé deux de ses films (Un enfant dans la foule et Les amis) ; merci !

Emeryck a écrit:

Je ne connaissais que ce réalisateur lointainement et de nom, j'ai trouvé deux de ses films (Un enfant dans la foule et Les amis) ; merci !

Un enfant dans la foule est certainement son film le plus autobiographique, et la référence à Bresson est encore plus évidente dans le filmage. Le film est sorti en DVD il y a un bon moment, mais il n'a jamais été réédité et il est épuisé depuis longtemps (on le trouve d'occasion sur les plateformes habituelles à des prix complètement dingues). C'est très bien si tu l'as trouvé, c'est un excellent film !

Nadine Labaki : Et maintenant on va où ?        2011

 + /
On est véritablement quelque part entre Caramel et Capharnaüm : on retrouve l'importance des groupes féminins du premier et ses scènes légères et on retrouve les scènes grandiloquentes, peu subtiles (la croix cassée, la mère avec le fusil lors de la découverte du véritable état de Nassim). L'aspect conflictuel entre le christianisme et l'islam prend parfois des allures de guéguerre et j'ai trouvé ça un peu superficiel d'autant plus que je trouve que le film peine à former un ensemble très cohérent et équilibré. Il y a cependant des beaux moments, notamment ceux où la parole est laissée à la voix-off ; la photographie est vraiment jolie et l'irruption finale du titre est très bien vue puisqu'elle induit une multiplicité de sens : l'enterre-t-on chez les chrétiens ou chez les musulmans ? mais aussi : après toutes ces guerres et ces morts, où va-t-on ? Si l'évolution de Labaki continue sur la même trajectoire, j'ai peur de voir son prochain film tant Capharnaüm était déjà pénible.

Ben voilà, c'est le cinéma libanais d'aujourd'hui, quoi: au mieux, de très beaux talents (comme Nadine Labaki ou Ziad Douaihy) qui finissent malheureusement par s'enliser dans la grandiloquence allégorique et/ou la virtuosité démonstrative - et dans le ressassement des thématiques identitaires et idéologiques liées à la guerre civile.

Citation :

L'aspect conflictuel entre le christianisme et l'islam prend parfois des allures de guéguerre et j'ai trouvé ça un peu superficiel

Ah, non, justement, ça, c'est extrêmement juste par rapport aux sociétés proche-orientales. Les questions de coexistence religieuse-identitaire (chrétiens / musulmans, mais aussi bien sunnite / chiite, maronite / orthodoxe...) sont fondamentalement vécues au quotidien sur ce mode de guéguerres clochemerlesques un peu dérisoires - mais toujours susceptibles de virer à la guerre d'extermination, selon le contexte, les intérêts locaux et régionaux en jeu...

Ayouch : Much loved



Costa-Gavras : Missing



Wilson : Le Mercenaire de minuit

Maurice Pialat : À nos amours        1983

 +
J'ai beaucoup aimé, plus encore que Nous ne vieillirons pas ensemble. La séquence d'ouverture me semble en dire long sur le personnage de Suzanne : seule à la proue du bateau, elle sera finalement toujours un peu seule durant tout le film, et ce malgré ses nombreuses conquêtes ; les gens ne la comprennent pas : "pas assez aimante" pour le père, ses amis ne semblent pas la comprendre, sa mère et son frère qui la prennent pour une traînée. Là encore, avec une simplicité extrême, Pialat met en scène un groupe assez contrasté, sans cesse sur le fil du rasoir, une sorte d'amour explosif, assez maladroit mais finalement très touchant par moments. Le film parle aussi assez bien de la jeunesse, je trouve ; en tout cas, il le fait sans jugement particulier et avec même une perspective plutôt libertaire - surtout à travers le personnage de Suzanne. Je crois que ce que j'ai préféré, c'est la scène finale, sans doute la plus belle de tout le film : le retour du père, déjà en train de vendre l'appartement ; et puis Pialat parle directement : le journaliste qui égratigne l'écrivain, la discussion sur la peinture. Quelques mots sur la scène de répétition de On ne badine pas avec l'amour qui entre en résonance avec la totalité du film : écho entre la relation metteur en scène/actrice et la relation père/fille, j'ai trouvé ça bien vu.

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Emeryck a écrit:

Maurice Pialat : À nos amours        1983
 +
J'ai beaucoup aimé, plus encore que Nous ne vieillirons pas ensemble. La séquence d'ouverture me semble en dire long sur le personnage de Suzanne : seule à la proue du bateau, elle sera finalement toujours un peu seule durant tout le film, et ce malgré ses nombreuses conquêtes ; les gens ne la comprennent pas : "pas assez aimante" pour le père, ses amis ne semblent pas la comprendre, sa mère et son frère qui la prennent pour une traînée. Là encore, avec une simplicité extrême, Pialat met en scène un groupe assez contrasté, sans cesse sur le fil du rasoir, une sorte d'amour explosif, assez maladroit mais finalement très touchant par moments. Le film parle aussi assez bien de la jeunesse, je trouve ; en tout cas, il le fait sans jugement particulier et avec même une perspective plutôt libertaire - surtout à travers le personnage de Suzanne. Je crois que ce que j'ai préféré, c'est la scène finale, sans doute la plus belle de tout le film : le retour du père, déjà en train de vendre l'appartement ; et puis Pialat parle directement : le journaliste qui égratigne l'écrivain, la discussion sur la peinture. Quelques mots sur la scène de répétition de On ne badine pas avec l'amour qui entre en résonance avec la totalité du film : écho entre la relation metteur en scène/actrice et la relation père/fille, j'ai trouvé ça bien vu.

C'est aussi le film qui a lancé Sandrine Bonnaire, et c'est vrai qu'elle est très étonnante de naturel et d'énergie pure, on l'a beaucoup comparé à Bardot à l'époque. Pialat aimait beaucoup improviser des sortes de happenings dans ses films, et la scène finale dont tu parles (tournée en plan séquence) est comme un psychodrame où il règle pas mal de comptes, en particulier avec les critiques (par l’intermédiaire du journaliste Jacques Fieschi qui joue dans la scène et s'en est pris plein la tronche...). Si je me souviens bien, il y a aussi une violente dispute avec l'actrice qui joue sa femme et qui s'est blessée à la tête en tombant, Pialat a bien sûr gardé la prise et on voit d'ailleurs du sang sur son visage qui n'est pas faux. Pialat a aussi beaucoup regretté d'avoir gardé dans le film la version de l'air du froid de Purcell par Klaus Nomi ; il trouvait ça légèrement putassier et effectivement, ça l'est un peu...

Je ne sais pas quel est le statut de Pialat aujourd'hui chez les jeunes cinéphiles ; j'ai beaucoup aimé ses films, mais curieusement, je n'ai plus trop envie de les revoir, même si je les ai tous en DVD. Je garde quand même un grand souvenir de Van Gogh, il cite d'ailleurs dans A nos amours une phrase de Van Gogh : "La tristesse durera toujours", qui résume bien à la fois le caractère de Pialat et l'essence de son cinéma, très autobiographique.

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Sincèrement … j'ai trouvé ça très hollywoodien. Une femme beaucoup moins nunuche/monolithique que d'habitude … Brynner beaucoup moins monolithique d'habitude … c'est vrai : mais les autres personnages … on est dans le 100% Hollywwod. Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude : il y a de vrais ordures parmi les Nordistes, et de grands cœurs parmi les Sudistes. Plutôt un beau décor … mais le tout peine à passionner.
Regardable, mais pas de quoi sauter au plafond, ça c'est clair.

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Maurice Pialat : À nos amours        1983
 +
J'ai beaucoup aimé, plus encore que Nous ne vieillirons pas ensemble. La séquence d'ouverture me semble en dire long sur le personnage de Suzanne : seule à la proue du bateau, elle sera finalement toujours un peu seule durant tout le film, et ce malgré ses nombreuses conquêtes ; les gens ne la comprennent pas : "pas assez aimante" pour le père, ses amis ne semblent pas la comprendre, sa mère et son frère qui la prennent pour une traînée. Là encore, avec une simplicité extrême, Pialat met en scène un groupe assez contrasté, sans cesse sur le fil du rasoir, une sorte d'amour explosif, assez maladroit mais finalement très touchant par moments. Le film parle aussi assez bien de la jeunesse, je trouve ; en tout cas, il le fait sans jugement particulier et avec même une perspective plutôt libertaire - surtout à travers le personnage de Suzanne. Je crois que ce que j'ai préféré, c'est la scène finale, sans doute la plus belle de tout le film : le retour du père, déjà en train de vendre l'appartement ; et puis Pialat parle directement : le journaliste qui égratigne l'écrivain, la discussion sur la peinture. Quelques mots sur la scène de répétition de On ne badine pas avec l'amour qui entre en résonance avec la totalité du film : écho entre la relation metteur en scène/actrice et la relation père/fille, j'ai trouvé ça bien vu.

C'est aussi le film qui a lancé Sandrine Bonnaire, et c'est vrai qu'elle est très étonnante de naturel et d'énergie pure, on l'a beaucoup comparé à Bardot à l'époque. Pialat aimait beaucoup improviser des sortes de happenings dans ses films, et la scène finale dont tu parles (tournée en plan séquence) est comme un psychodrame où il règle pas mal de comptes, en particulier avec les critiques (par l’intermédiaire du journaliste Jacques Fieschi qui joue dans la scène et s'en est pris plein la tronche...). Si je me souviens bien, il y a aussi une violente dispute avec l'actrice qui joue sa femme et qui s'est blessée à la tête en tombant, Pialat a bien sûr gardé la prise et on voit d'ailleurs du sang sur son visage qui n'est pas faux. Pialat a aussi beaucoup regretté d'avoir gardé dans le film la version de l'air du froid de Purcell par Klaus Nomi ; il trouvait ça légèrement putassier et effectivement, ça l'est un peu...

Je ne sais pas quel est le statut de Pialat aujourd'hui chez les jeunes cinéphiles ; j'ai beaucoup aimé ses films, mais curieusement, je n'ai plus trop envie de les revoir, même si je les ai tous en DVD. Je garde quand même un grand souvenir de Van Gogh, il cite d'ailleurs dans A nos amours une phrase de Van Gogh : "La tristesse durera toujours", qui résume bien à la fois le caractère de Pialat et l'essence de son cinéma, très autobiographique.

Oui, d'ailleurs, j'ai lu que la scène finale a été totalement modifiée de manière imprévue : dans le scénario, il était écrit que le père devait mourir et en fait, il débarque comme ça, à l'improviste. Je ne crois pas qu'il y ait de sang mais effectivement, la scène est assez violente.

Je crois qu'il bénéficie d'une certaine reconnaissance auprès des jeunes cinéphiles - sans toutefois être hyper connu comme le sont les cinéastes de la nouvelle vague, par exemple.

Cololi a écrit:

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude 

Ah parce que le propos des films hollywoodiens sont finis à la truelle ? 

Agnès Varda : Uncle Yanco        1967
 + /
Un court-métrage sympathique de la réalisatrice à propos de son oncle peintre, exilé aux États-Unis, Jean Varda. Il y a parfois quelques propos caricaturaux/simplistes sur la peinture mais le court-métrage est globalement assez touchant. Je crois que ce que j'ai préféré, c'était le fait que Varda mette en avant le côté fabriqué : aussi bien de la peinture de son oncle puisqu'il explique un peu sa méthode de travail mais aussi dans le court-métrage lui-même dans lequel figurent des scènes où l'on voit les claps, où l'on entend la réalisatrice annoncer la coupure de la prise de vue.

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude 

Ah parce que le propos des films hollywoodiens sont finis à la truelle ? 

C'est méchant pour les maçons

Emeryck a écrit:

Oui, d'ailleurs, j'ai lu que la scène finale a été totalement modifiée de manière imprévue : dans le scénario, il était écrit que le père devait mourir et en fait, il débarque comme ça, à l'improviste. Je ne crois pas qu'il y ait de sang mais effectivement, la scène est assez violente.

En fait, je me trompe, c'est dans une autre scène, vers le milieu du film quand la mère fait une crise de nerfs et qu'elle est retenue par son fils (Dominique Besnehard) ; on voit nettement qu'elle tape de tête très violemment contre un mur et ensuite qu'elle saigne au visage et au cou ; Besnehard et Bonnaire ont d'ailleurs l'air vraiment paniqués, mais Pialat laisse tourner et il a évidemment gardé cette prise dans le film...

J'ai revu rapidement A nos amours pour retrouver cette scène, c'est très émouvant de revoir Cyril Collard dans toute la grâce de sa jeunesse, je ne me souvenais plus qu'il jouait dans le film (il était assistant-réalisateur sur le film et Pialat a décidé de lui donner aussi un petit rôle).

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude 

Ah parce que le propos des films hollywoodiens sont finis à la truelle ? 

C'est méchant pour les maçons  

Mais Wilder, Lubitsch et Preminger - et beaucoup d'autres, aussi - ils ne sont pas subtils ?

Cololi a écrit:

Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude : il y a de vrais ordures parmi les Nordistes, et de grands cœurs parmi les Sudistes.

Excuse-moi, mais le propos est beaucoup plus subtil que le résumé que tu en fais. En l'occurrence, on a un quarteron venu de Louisiane (fils d'une esclave et d'un propriétaire terrien français - et à la fois rongé par une révolte qui éclate plusieurs fois violemment contre son père, mais aussi imbu des manières aristocratiques sudistes) qui fait éclater la bonne conscience nordiste en disant très explicitement que ces propriétaires terriens nordistes avaient beau jeu d'être «contre l'esclavage» puisqu'ils disposaient d'une main d'œuvre mexicaine pauvre et sans droits.

Par ailleurs, non, il n'y a pas que Janice Rule et Yul Brynner qui échappent aux stéréotypes: le personnage du mari de Janice Rule (un type idéaliste et raffiné que son retour estropié de la guerre a transformé en un personnage plein de haine impuissante) est lui aussi beaucoup plus complexe; même la résignation sarcastique de l'aubergiste mexicain ne correspond pas au stéréotype folklorique de ce genre de personnage (par exemple, l'aubergiste mexicain de Rio Bravo.) En fait, il n'y a que le «méchant» (propriétaire terrien profiteur de guerre et vrai «parrain» d'une petite ville) qui soit réellement stéréotypé.

Quant à la mise en scène, entre les intérieurs (qu'il s'agisse de l'opulence viscontienne des décors ou de la construction d'espaces contigus avec des profondeurs de champ toujours partiellement obstrués par des cloisons et des encadrements) ou la multiplicité des points de vue (spectaculaire dans la scène de furie destructrice de Brynner - avec le relai entre ces plans d'ébriété en caméra subjective, les panoramas qui s'identifient au regard de Janice Rule et les plans larges à celui des membres de la foule), je ne comprends pas comment un fan de westerns italiens ne serait pas sensible à leur baroquisme.

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude 

Ah parce que le propos des films hollywoodiens sont finis à la truelle ? 

C'est méchant pour les maçons  

Mais Wilder, Lubitsch et Preminger - et beaucoup d'autres, aussi - ils ne sont pas subtils ?

Et Mankiewicz, Cukor, Hitchcock, Hawks, Huston, Kazan, Sirk, Ray, c'est pas aussi Hollywood ?

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude 

Ah parce que le propos des films hollywoodiens sont finis à la truelle ? 

C'est méchant pour les maçons  

Mais Wilder, Lubitsch et Preminger - et beaucoup d'autres, aussi - ils ne sont pas subtils ?

Et Mankiewicz, Cukor, Hitchcock, Hawks, Huston, Kazan, Sirk, Ray, c'est pas aussi Hollywood ?

Si si, c'est pour ça que j'ai ajouté "et beaucoup d'autres", mais j'ai cité en priorité ceux que j'adore - en tout cas pour Wilder et Lubitsch.

Emeryck a écrit:

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude 

Ah parce que le propos des films hollywoodiens sont finis à la truelle ? 

C'est méchant pour les maçons  

Mais Wilder, Lubitsch et Preminger - et beaucoup d'autres, aussi - ils ne sont pas subtils ?

Et Mankiewicz, Cukor, Hitchcock, Hawks, Huston, Kazan, Sirk, Ray, c'est pas aussi Hollywood ?

Si si, c'est pour ça que j'ai ajouté "et beaucoup d'autres", mais j'ai cité en priorité ceux que j'adore - en tout cas pour Wilder et Lubitsch.

C'était pour aller dans ton sens ; "Je trouve ça très hollywoodien", à mon avis, ça ne veut rien dire, parce que tous les noms que l'on a cités ici, c'est aussi Hollywood, et personne ne dira que ça manque de dimension artistique et de subtilité...

Et si on passe dans la série B: de Toth, Ulmer, Lewis, Tourneur, Boetticher...

Stefano P a écrit:

personne ne dira que ça manque de dimension artistique et de subtilité...

Ben si: Cololi...

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Emeryck a écrit:

Cololi a écrit:

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Wilson : Le Mercenaire de minuit

Alors? Intéressant, non?

Bon … certes … le propos est un tout petit peu plus subtil que d'habitude 

Ah parce que le propos des films hollywoodiens sont finis à la truelle ? 

C'est méchant pour les maçons  

Mais Wilder, Lubitsch et Preminger - et beaucoup d'autres, aussi - ils ne sont pas subtils ?

Et Mankiewicz, Cukor, Hitchcock, Hawks, Huston, Kazan, Sirk, Ray, c'est pas aussi Hollywood ?

Si si, c'est pour ça que j'ai ajouté "et beaucoup d'autres", mais j'ai cité en priorité ceux que j'adore - en tout cas pour Wilder et Lubitsch.

C'était pour aller dans ton sens ; "Je trouve ça très hollywoodien", à mon avis, ça ne veut rien dire, parce que tous les noms que l'on a cités ici, c'est aussi Hollywood, et personne ne dira que ça manque de dimension artistique et de subtilité...

C'est sûr et puis ils sont quand même bien différents les uns des autres.

Bon, perso, j'arrête là, définitivement avec ce fil.

Cololi a écrit:

Bon, perso, j'arrête là, définitivement avec ce fil.

C'est dommage car il n'y avait rien de méchant dans les messages au-dessus : ce n'est pas de l'attaque personnelle ou que sais-je encore. Simplement, on (bon, au moins Stefano et moi) veut juste dire que "rejeter le cinéma hollywoodien" n'a pas vraiment de sens : ce serait comme dire "la nouvelle vague, c'est nul" alors qu'il y a tout de même un monde en Truffaut et Rivette. Bien sûr, il y a un point commun entre tous les films dont tu parles : ils ont été produits/réalisés à Hollywood et... il n'y en a à mon avis pas beaucoup à l'échelle globale tant les styles foisonnent à Hollywood. Si tu n'en as jamais vus, tu devrais essayer les films de Lubitsch qui sont vraiment d'un raffinement extraordinaire et si drôles ! Et il y en a des personnages féminins qui ont de l'emprise sur le récit : Hepburn dans Cluny brown, Hopkins dans Design for living. Tu pourrais aussi essayer les films de Wilder notamment Sunset boulevard qui est justement acide à propos d'Hollywood.

Je serais désolé que tu aies pris ma réponse comme une attaque, Cololi, et je te prie de m'excuser si, même involontairement, j'ai pu te blesser.

Je voulais juste, au sujet du Mercenaire de minuit, en creusant ou en nuançant tes propres arguments, t'amener (peut-être) à réévaluer ce film en prêtant attention à des éléments qui ne t'auraient pas forcément frappé à un premier visionnage.

Luca Guadagnino : Call me by your name        2017

 +
J'avais beaucoup entendu parler de ce film, je ne savais pas trop à quoi m'attendre ; j'ai surtout beaucoup entendu de parallèles avec Rohmer. Si le cadre estival, la scène d'ouverture et les plans extérieurs - et même en fait l'année 1983 durant laquelle commence l'histoire, année de sortie du film d'été sans doute le plus connu de Rohmer : Pauline à la plage. Cependant, je trouve que c'est un raccourci un peu facile puisque dans le film de Guadagnino, il y a un côté un peu coq savant (qui m'a d'ailleurs agacé), du name-dropping musical, on parle aussi de Buñuel sans que ça ait vraiment de rapport ; chez Rohmer, on parle de Pascal ou de Verne mais cette gratuité n'est pas du tout présente ; et c'est un peu pareil sur le plan esthétique - que j'ai apprécié, cela dit. Ce qui m'a le plus intéressé dans ce film, c'est la question de l'identité et son exploration, exploration indécise qui coïncide avec une certaine lenteur de l'été. La recherche de l'identité se traduit ici à travers plusieurs plans : la recherche de l'identité sexuelle, la recherche de l'identité religieuse (peu développée et amenée de manière un peu artificielle) mais aussi la recherche d'une identité culturelle. La première est avant tout donnée par une approche désirante (il y a notamment la scène connue de la pêche, sans doute choisie pour son homophonie) mais sans jugement ; la troisième est particulièrement frappante dans le film : trois langues alternativement parlées par les personnages (anglais, italien et français). Il y aussi la figuration d'une sorte de transfert d'identité (comme l'indique le titre et la scène "call me by your name and I call you by my name (quelque chose comme ça)). J'ai aussi aimé la scène de fin, un peu douce-amère, un fond de paysage triste et glacé comme l'on dit. En somme, je trouve ce film quand même un peu surévalué même s'il est tout de même bon, c'est sûr.

Henri Verneuil : Le président        1961

 +
Malgré l'aspect manichéen parfois un peu pénible (notamment à l'assemblée où l'on oppose langue des hommes et langue des chiffres), son montage et sa caméra assez timides, ce film m'a plu. Jean Gabin a la prestance nécessaire pour endosser le rôle du président - et ressemble d'ailleurs curieusement à certains anciens hommes politiques, auxquels plusieurs allusions sont faites dans les dialogues. En parlant des dialogues, c'est sans doute la meilleur chose du film ; signés Michel Audiard, ils ont parfois un tranchant assez savoureux - notamment lors de la séquence à l'assemblée.

Ingmar Bergman : Le silence        1963

 +
Il s'agit sans doute du premier film que Bergman réalise hors de la Suède et ce n'est pas un hasard : l'espace me semble être un des enjeux principaux du film. Tout d'abord, le film est ceint par des scènes de train introduisant un certain flou géographique, tout ce que l'on voit, ce sont des chars. L'on arrive ensuite dans un pays inconnu, dans un hôtel qui préfigure Lynch (les nains) où l'on parle une langue incompréhensible - même pour la traductrice. Finalement, c'est l'enfant qui semble le moins décontenancé qui arpente les longs couloirs, un peu comme dans un rêve. L'aspect projectif est d'ailleurs assez important dans ce film : comme dans La honte, la guerre extérieure n'est que la projection de l'espace qui règne entre les deux sœurs : nombreux plans où les visages s'entrechoquent (très récurrent chez Bergman), l'une des deux soeurs aimerait même que l'autre meure. Ce qui est plutôt surprenant au prime abord, c'est que toute la tension s'installe grâce aux non-dits entre les deux sœurs (qui parlent pourtant la même langue) plutôt que dans l'immersion des trois protagonistes dans le milieu dont on ne connaît strictement rien. Sinon, la photographie noir et blanc est très belle, vraiment dépouillé, ça sied très bien au film. C'est en somme un très bon Bergman.

Philippe Garrel : Les amants réguliers        2005

 +
On m'avait dit que c'était bien mais... c'est bien long, oui, ça c'est sûr ; pourtant, sur le papier, ça semblait pas trop mal notamment pour le noir et blanc un peu saturé. On retrouve évidemment les thèmes habituels de Garrel : la figure de l'artiste, la drogue, la politique, l'argent, l'amour - des thèmes très originaux, en somme. Ici, le film prend évidemment une dimension autobiographique : l'acteur principal interprété par le fils du réalisateur a une petite vingtaine d'années dans le film (qui se passe durant l'année soixante-huit), tout comme son père à l'époque. Ce qui m'a le plus dérangé (voir irrité) dans le film, c'est le côté poseur de la réalisation, ses longueurs interminables (surtout dans la première partie, le reste est plus intéressant, plus intime) et le fait que le réalisateur se prenne très au sérieux - alors que les propos sur l'artiste ne sont pas très intéressants, ni même les propos politiques. Cependant, il y a heureusement quelques belles scènes dans le film : la fin, en priorité, certaines lectures de poèmes ou de lettres, certains plans sur Clotile Hesme - dont c'est le premier film, il me semble. Si le film avait été raccourci d'une petite heure, je pense que ç'aurait été moins désagréable.

Emeryck a écrit:

Philippe Garrel : Les amants réguliers        2005
 +
On m'avait dit que c'était bien mais... c'est bien long, oui, ça c'est sûr ; pourtant, sur le papier, ça semblait pas trop mal notamment pour le noir et blanc un peu saturé. On retrouve évidemment les thèmes habituels de Garrel : la figure de l'artiste, la drogue, la politique, l'argent, l'amour - des thèmes très originaux, en somme. Ici, le film prend évidemment une dimension autobiographique : l'acteur principal interprété par le fils du réalisateur a une petite vingtaine d'années dans le film (qui se passe durant l'année soixante-huit), tout comme son père à l'époque. Ce qui m'a le plus dérangé (voir irrité) dans le film, c'est le côté poseur de la réalisation, ses longueurs interminables (surtout dans la première partie, le reste est plus intéressant, plus intime) et le fait que le réalisateur se prenne très au sérieux - alors que les propos sur l'artiste ne sont pas très intéressants, ni même les propos politiques. Cependant, il y a heureusement quelques belles scènes dans le film : la fin, en priorité, certaines lectures de poèmes ou de lettres, certains plans sur Clotile Hesme - dont c'est le premier film, il me semble. Si le film avait été raccourci d'une petite heure, je pense que ç'aurait été moins désagréable.

Je sais que c'est pas bien de dire ça parce qu'il a tellement la carte (presque autant que Honoré) que ça ressemble a un blasphème, mais j'ai toujours trouvé le cinéma de Garrel particulièrement emm...ant...

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Philippe Garrel : Les amants réguliers        2005
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On m'avait dit que c'était bien mais... c'est bien long, oui, ça c'est sûr ; pourtant, sur le papier, ça semblait pas trop mal notamment pour le noir et blanc un peu saturé. On retrouve évidemment les thèmes habituels de Garrel : la figure de l'artiste, la drogue, la politique, l'argent, l'amour - des thèmes très originaux, en somme. Ici, le film prend évidemment une dimension autobiographique : l'acteur principal interprété par le fils du réalisateur a une petite vingtaine d'années dans le film (qui se passe durant l'année soixante-huit), tout comme son père à l'époque. Ce qui m'a le plus dérangé (voir irrité) dans le film, c'est le côté poseur de la réalisation, ses longueurs interminables (surtout dans la première partie, le reste est plus intéressant, plus intime) et le fait que le réalisateur se prenne très au sérieux - alors que les propos sur l'artiste ne sont pas très intéressants, ni même les propos politiques. Cependant, il y a heureusement quelques belles scènes dans le film : la fin, en priorité, certaines lectures de poèmes ou de lettres, certains plans sur Clotile Hesme - dont c'est le premier film, il me semble. Si le film avait été raccourci d'une petite heure, je pense que ç'aurait été moins désagréable.

Je sais que c'est pas bien de dire ça parce qu'il a tellement la carte (presque autant que Honoré) que ça ressemble a un blasphème, mais j'ai toujours trouvé le cinéma de Garrel particulièrement emm...ant...

Oui, je suis d'accord ; il y a des beaux moments mais c'est quand même minoritaire. En fait, je crois que j'aime bien ses films avant 85 (Le révélateur, L'enfant secret !!) ; après, ça devient vraiment systématique et du coup, plus très intéressant. Mais il n'est plus si à la mode que ça, non ? Alors qu'Honoré...

Duck Soup

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Une Nuit à l'opéra

Tu veux dire que ça te fait pleurer de rire?

Herzog : Fitzcarraldo
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Blier : Buffet froid
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Ça faisait longtemps que je n'avais pas vu d'aussi beaux films (ça faisait longtemps que je n'avais pas vu de films en fait, ce qui aide aussi).

Costa-Gavras : L'aveu        1970

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Tout juste un an après Z qui s'attaquait à la dictature des colonels en Grèce et donc à un extrémisme issu d'extrême-droite, L'aveu s'atèle ici à l'extrémisme soviétique issu d'extrême-gauche ; le résultat a d'autant plus d'impact que le réalisateur et le couple d'acteur principaux (Montand et Signoret avaient des accointances communistes). Ce qui fonctionne le mieux dans le film, c'est le montage : aussi bien d'un point de vue du rythme (lenteurs interminables de l'incarcération de Montand, régulièrement ponctuée par des "marchez" ou par le numéro de matricule ; mais aussi les répétitions agressives des termes lors du procès final) que du point de vue de l'image (superpositions des images d'archives, interpénétration des temporalités). Le film comporte également quelques touches d'humour (parfois très caustique) : la répétition obstinée de "l'objectivité" chez les soviétiques, ou même le rejet des cendres à la fin. Tout comme Z, ce film montre des trajectoires entre le vrai et le faux (et montre également les limites d'un tel dualisme) mais contrairement à Z où le juge joué par Trintignant va vouloir se convaincre que le gouvernement n'a aucune responsabilité dans l'assassinat du personnage joué par Montand et finit par être confronté à la vérité (c'est-à-dire d'un mouvement du faux vers le vrai, si l'on veut) ; dans L'aveu, c'est d'un mouvement du vrai vers le faux dont il est question : le personnage joué par Montand va aller jusqu'à réciter sa propre accusation écrite par les dirigeants soviétiques - heureusement, le film ne s'arrête pas ici.

Xavier a écrit:

Tu veux dire que ça te fait pleurer de rire?

Non. 
Simplement, j'avais beaucoup aimé ce film - quel rythme !

Pareil pour moi!
Je ne mets pas plus parce que ce n'est pas non plus un chef d'œuvre du cinéma, mais j'adore. (j'ai encore plus aimé la Nuit à l'opéra)

Stanley Kubrick : Paths of glory        1957

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J'ai beaucoup aimé, le film est d'une grande concision - à peine une heure et demie. Il s'agit d'un film de guerre un peu particulier puisque la guerre n'est pas vraiment où on l'attend : il n'est pas ici question de montrer les français contre les allemands - petit détail amusant : les soldats français sont joués par des policiers allemands - mais il s'agit de montrer la puanteur de certains haut-gradés. Le propos n'est heureusement pas tout à fait manichéen (le colonel Dax tranche quand même parmi les autres). L'horreur des décisions des haut-gradés se lit directement dans les mouvements de caméra : le travelling arrière dans les tranchées contre le travelling avant qui mène au trois poteaux d’exécution, cliniquement centrés. En plus, la photographie noir et blanc est vraiment très belle - avec quelques séquences magnifiquement éclairées, lorsque le prêtre parle avec le premier accusé, notamment. Il faudrait que je revoie Full metal jacket, maintenant, peut-être aimerai-je.

Otto Preminger : Anatomy of a murder        1959


Un rythme constant durant les deux heures quarante de film, et quel rythme ! À la fin du film, Parnell McCarthy se demande comment toutes les personnes qui composent l'audience du procès, avec toutes leurs différences, peuvent-elles tomber d'accord sur un verdict. Et c'est à mon sens la grande spécificité de ce film, il opère une dissection extrêmement méticuleuse du procès qui occupe plus d'une heure et demie du film ; le titre est parlant de ce point de vue et le titre français "Autopsie d'un meurtre" me semble moins parlant puisque Anatomy induit un aspect fonctionnel et la présence de mécanismes, de petites mouvances internes. Ici, l'on décortique de fond en comble : jusqu'aux mots employés (parfois de façon un peu humoristique, notamment sur le slip), aux postures des gens, on va déterrer des articles de lois dans des vieux bouquins ; et finalement, la vérité n'importe peu car le verdict est balayé en même pas une minute, Preminger fait d'ailleurs une coupe très courte après l'annonce du verdict. Durant le film, il y a un curieux mouvement de zoom sur les zones d'indiscernabilités du procès (les personnages évoquent de nombreuses fois ces flous) qui coïncide avec l'extension géographique (on va chercher de plus en plus de témoins, de plus en plus loin - je pense notamment au voyage de McCarthy pour se renseigner sur la patronne de l'auberge). Il y a aussi un aspect un peu touchant par le personnage joué par Stewart et son associé McCarthy : l'un, avocat de province, parfois maladroit ; l'autre, avocat en perte de vitesse - la scène finale dans la voiture est d'ailleurs agréable de ce point de vue. On pourrait éventuellement rapprocher ce film de La vérité de Clouzot sorti l'année suivante qui pointe cependant un autre problème du doigt : la rouille grippant l'appareil judiciaire ; ou même de Beyond a reasonable doubt de Lang sorti trois ans avant même s'il interroge plutôt sur la nature même de la vérité et en raison de son extrême concision ne bénéficie pas de cet aspect de l'ordre de l'autopsie alors que Clouzot est plus proche de cet aspect. C'est une très belle découverte pour moi, tout comme Laura découvert il y a quelques mois.

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