Votre dernier film visionné

Jacques Deray : Flic story        1975


Un polar assez classique, adaptation d'un livre, tout se déroule plutôt bien sans que ce soit passionnant ni surprenant pour autant. Trintignant est brillant de froideur dans le rôle d'Émile Buisson. Le film se suit cependant sans déplaisir. Affiche véritablement hideuse, en passant.

Carl Theodor Dreyer : Les fiancés de Glomdal        1926


Un beau film qui témoigne déjà du grand sens du cadre de Dreyer ; le film se passe dans la campagne norvégienne et la façon dont Dreyer filme le paysage et les personnages donne une impression de profonde sérénité malgré les trajectoires peu sympathiques de certains personnages. L'utilisation de la rivière est intéressante puisqu'elle sépare les terres des deux amoureux (propriétaires terriens à échelles bien différentes, c'est pour ça que les parents sont circonspects à propos de leur mariage) et à la fin, c'est elle qui est au centre de l'écran et sur elle que repose le scénario - belle séquence d'ailleurs, qui manquerait peut-être un peu de rythme. On trouve déjà dans ce film la composante profondément religieuse du cinéma de Dreyer avec toutes les discussions qui en découlent.

Certo, certissimo, anzi probabile (Certes, certainement), de Marcello Fondato (1969)



C'est une petite comédie comme il s'en est tourné beaucoup dans les années soixante, l'âge d'or commercial et créatif du grand cinéma italien ; il y a deux comédiennes merveilleuses, Claudia Cardinale (parfaite comme toujours, mais un peu desservie par la permanente frisée qu'elle porte pendant tout le film) et Catherine Spaak, moins connue en France bien qu'elle soit d'origine française, et délicieuse de charme et d'intelligence pétillante. C'est tourné à Rome (essentiellement dans l'île Tiberina), en couleurs, avec une photo très soignée, surtout pour une comédie qui au départ n'a pas une grande ambition esthétique.

Il y a aussi dans le film une dimension sociale, avec une critique légère mais très perceptible de l'exploitation des femmes dans certains métiers (Claudia est ici employée dans un standard téléphonique, et le côté harassant et aliénant de ce type de travail est bien représentée). On est la plupart du temps dans le vaudeville léger, avec les deux jeunes filles qui cherchent un compagnon voire un mari, l'une s'ingéniant à piquer systématiquement celui de l'autre... Mais vers le dernier tiers du film, le ton change de façon très surprenante pour un film de 1969 : le mari de Claudia (Nino Castelnuovo, le fameux amoureux des Parapluies de Cherbourg) voit débarquer au domicile conjugal une sorte de géant viking barbu qui se révélera très vite être beaucoup plus qu'un ami. Et à l'époque (les années soixante) où l'homosexualité est presque toujours montrée dans le cinéma italien (voir La Dolce Vita de Fellini) sous l'angle de la caricature outrée et de la dérision systématique, Fondato tourne complètement le dos à cette optique pour en faire une chose très naturelle et s'inscrivant parfaitement dans le fil de la narration. La dernière scène, une sorte d'adieu au couple traditionnel parfaitement assumé par l'homme comme par la femme, avec mélancolie mais sans drame, est un moment particulièrement fort et beau.

Vraiment un film à découvrir, il existe en DVD en France dans la série Les Maîtres italiens, pas cher, avec un master restauré.

La Valse des pantins (The King of Comedy)

+

Accion mutante

Alice et Martin, d'André Téchiné (1998)



J'avais vu le film à sa sortie et j'avais été plutôt déçu, surtout venant peu après Les Roseaux sauvages, sans doute le plus beau film de Téchiné ; mais le film a très bien vieilli et malgré un scénario un peu trop démonstratif et appuyé, c'est vraiment bien ! Le filmage a cette grâce, cette fluidité typiques du cinéma de Téchiné, et les acteurs sont tous excellents. Binoche semble d'une certaine façon prolonger son personnage de Rendez-vous (violoniste ici au lieu de comédienne dans le premier film), Mathieu Amalric campe le mec cool et un peu ahuri qu'il resservira ensuite de façon (trop) régulière, avec ici une nuance homosexuelle, et Alexis Lioret, qui m'avait semblé à l'époque un peu lisse et inconsistant gagne finalement avec le temps un certain mystère, une sorte d'opacité butée qui lui donne une présence singulière et attachante. C'est très étonnant cette façon dont les films mûrissent aussi dans l'inconscient et la mémoire du spectateur avec les différentes visions plus ou moins éloignées dans le temps (ici, ça fait donc vingt ans de décalage).

Emeryck a écrit:

Jacques Deray : Flic story        1975
Affiche véritablement hideuse, en passant.

Spoiler:

Une affiche signée par Michel Landi, qui, des années 60 aux années 80, en aura conçu une quantité invraisemblable. Et dans tous les genres : aussi bien Sonate d'Automne que Predator ...

Emeryck a écrit:

Carl Theodor Dreyer : Les fiancés de Glomdal        1926

Spoiler:

Les affiches suédoises des années 1920/1930, je crois que ce sont mes préférées

Jacques Tati : Trafic        1971

 
Tati reprend ici à l'écran celui qui est sans doute son personnage le plus connu : Monsieur Hulot ; il a cependant beaucoup évolué depuis, on est loin des modestes vacances en tacot au bord de la mer de ses débuts, c'est ici le dessinateur pour ce qui semble être une grande firme automobile. Il sera ici cependant question d'automobiles dans un traitement droit dans le sillage de Play time : le processus de fabrication à la chaîne ouvre le film. Dans ce film, Tati travaille de manière pointilliste, surtout sur la bande sonore, globalement constitué d'un mélange de plusieurs langues - français, anglais allemand - assez uniforme dont surgissent quelques bribes d'expression intelligibles ; ce procédé trouve son écho à l'image dans l'uniformité des étapes de production à la chaîne, l'uniforme densité du trafic ou des personnages et c'est là que surgit l'aspect profondément visuel du cinéma de Tati : malgré ces aplats inintelligibilisants surgit une trame portée par quelques brèves incises sensiques. Je trouve le procédé cependant un peu systématique dans la façon dont Tati l'utilise même si j'ai parfois bien ri, le film comporte quelques longueurs.

docteur mabuse a écrit:

Emeryck a écrit:

Carl Theodor Dreyer : Les fiancés de Glomdal        1926

Spoiler:

Les affiches suédoises des années 1920/1930, je crois que ce sont mes préférées

Je ne les connais pas tant que ça mais c'est vrai que celle-ci est jolie.

Emeryck a écrit:

Jacques Tati : Trafic        1971
 
Tati reprend ici à l'écran celui qui est sans doute son personnage le plus connu : Monsieur Hulot ; il a cependant beaucoup évolué depuis, on est loin des modestes vacances en tacot au bord de la mer de ses débuts, c'est ici le dessinateur pour ce qui semble être une grande firme automobile. Il sera ici cependant question d'automobiles dans un traitement droit dans le sillage de Play time : le processus de fabrication à la chaîne ouvre le film. Dans ce film, Tati travaille de manière pointilliste, surtout sur la bande sonore, globalement constitué d'un mélange de plusieurs langues - français, anglais allemand - assez uniforme dont surgissent quelques bribes d'expression intelligibles ; ce procédé trouve son écho à l'image dans l'uniformité des étapes de production à la chaîne, l'uniforme densité du trafic ou des personnages et c'est là que surgit l'aspect profondément visuel du cinéma de Tati : malgré ces aplats inintelligibilisants surgit une trame portée par quelques brèves incises sensiques. Je trouve le procédé cependant un peu systématique dans la façon dont Tati l'utilise même si j'ai parfois bien ri, le film comporte quelques longueurs.

Oui, j'ose à peine le dire parce que j'admire beaucoup la démarche de l'artiste, qui est sans doute avec Bresson celui qui a été le plus loin dans l'affirmation d'un style unique et d'une démarche formaliste rigoureuse et souvent géniale, mais ses films ont plutôt tendance à très vite m'ennuyer...

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Jacques Tati : Trafic        1971
 
Tati reprend ici à l'écran celui qui est sans doute son personnage le plus connu : Monsieur Hulot ; il a cependant beaucoup évolué depuis, on est loin des modestes vacances en tacot au bord de la mer de ses débuts, c'est ici le dessinateur pour ce qui semble être une grande firme automobile. Il sera ici cependant question d'automobiles dans un traitement droit dans le sillage de Play time : le processus de fabrication à la chaîne ouvre le film. Dans ce film, Tati travaille de manière pointilliste, surtout sur la bande sonore, globalement constitué d'un mélange de plusieurs langues - français, anglais allemand - assez uniforme dont surgissent quelques bribes d'expression intelligibles ; ce procédé trouve son écho à l'image dans l'uniformité des étapes de production à la chaîne, l'uniforme densité du trafic ou des personnages et c'est là que surgit l'aspect profondément visuel du cinéma de Tati : malgré ces aplats inintelligibilisants surgit une trame portée par quelques brèves incises sensiques. Je trouve le procédé cependant un peu systématique dans la façon dont Tati l'utilise même si j'ai parfois bien ri, le film comporte quelques longueurs.

Oui, j'ose à peine le dire parce que j'admire beaucoup la démarche de l'artiste, qui est sans doute avec Bresson celui qui a été le plus loin dans l'affirmation d'un style unique et d'une démarche formaliste rigoureuse et souvent géniale, mais ses films ont plutôt tendance à très vite m'ennuyer...

J'aime beaucoup Les vacances de monsieur Hulot et assez Mon oncle mais Playtime m'ennuie pas mal sur la longueur surtout que le propos sur la critique de la mécanisation (de la modernité ?) est un peu court. Mais effectivement, la démarche de Tati est jusquauboutiste - au plus grand dam de ses producteurs, parfois.

Raging bull

+

Orson Welles : Touch of evil        1958


J'ai énormément aimé ; la mise en scène, les mouvements de caméra (!) et la lumière sont vraiment superbes. J'ai cru comprendre que c'est avec ce film que Welles faisait son retour à Hollywood, c'est assez osé en raison du brouillage que le film opère entre bien et mal et surtout du renversement de l'attribution des "bons" rôles aux américains : ici, c'est le policier américain qui magouille et le policier mexicain qui semble intègre. Cette zone d'indiscernabilité entre le bien et le mal est d'ailleurs figurée à travers la scène d'ouverture et cette bombe jetée dans la voiture par une main quelconque avant qu'elle ne passe la frontière mais elle est aussi figurée par ces jeux incessants sur l'ombre et la lumière (qui rappellent beaucoup Le corbeau de Clouzot et la fameuse scène de la lampe vacillante) notamment la séquence au début du film où Leigh finit par jeter l'ampoule qui éclairait sa chambre. Les prises de vues - notamment celle qui ouvre le film, totalement anthologique - parfois très virtuoses ou dans des axes très divers mettent aussi en lumière ce trouble ; c'est une très belle découverte.

Le Voyeur

Fred Zinnemann : High noon        1952

 +
Un western très étonnant qui déplace un peu les lieux de la tension (et donc ceux de l'attention) : ici le temps est l'élément principal du récit, aussi bien par le fait que le film soit en temps réel que par son montage (fréquence croissante des plans d'horloges - et son apogée avec ces gros plans successifs de visages - mais aussi des plans sur les rails vides). Ici, la menace n'est pas visible et le shérif est très souvent en proie au doute, on est loin de la figure autoritaire habituelle - à laquelle le retour fait référence, d'ailleurs - il n'arrive même pas à rallier des gens à sa cause. La scène finale est très éloquente dans cette perspective-là.

Oui, ce western, après avoir été excessivement porté aux nues pour sa «maturité», a ensuite été encore plus excessivement dégommé pour son «formalisme»; ça reste un très beau film.

Un autre très beau western, qui joue sur les mêmes ressorts dramatiques, mais d'une écriture beaucoup plus lyrique (les mouvements de caméra y sont aussi prégnants que le montage peut l'être dans High Noon), c'est 3:10 to Yuma de Delmer Daves; et si tu as aimé Coop' dans ce rôle de héros en proie au doute, il faut absolument que tu voies (si ce n'est pas déjà fait) le crépusculaire Man of the West d'Anthony Mann.

Benedictus a écrit:

Oui, ce western, après avoir été excessivement porté aux nues pour sa «maturité», a ensuite été encore plus excessivement dégommé pour son «formalisme»; ça reste un très beau film.

Un autre très beau western, qui joue sur les mêmes ressorts dramatiques, mais d'une écriture beaucoup plus lyrique (les mouvements de caméra y sont aussi prégnants que le montage peut l'être dans High Noon), c'est 3:10 to Yuma de Delmer Daves; et si tu as aimé Coop' dans ce rôle de héros en proie au doute, il faut absolument que tu voies (si ce n'est pas déjà fait) le crépusculaire Man of the West d'Anthony Mann.

Merci, je note les deux ! 

Cristian Mungiu : Au-delà des collines        2012


Dans la lignée du précédent film du réalisateur que j'avais vu (4 mois, 3 semaines, 2 jours), le réalisateur continue l'auscultation de son pays - qu'il poursuivra dans Baccalauréat ; ici, cela prend un versant un peu différent, plus centré sur la religion. Mungiu nous confronte à un trio amoureux un peu spécial dans ce film : Voichita, Alina et... dieu ; il étudie conjointement deux types d'amour différents - de passion, en fait, comme nous l'indique la fin du film - ; Voichita et Alina s'étaient perdu de vue, l'une était en Allemagne, l'autre en Roumanie et Alina vient l'y retrouver, sauf que Voichita est entrée dans un couvent et ne veut plus partir. Heureusement, le film n'est pas véritablement caricatural - bien qu'un peu grandiloquent, parfois -, c'est plutôt le prêtre qui est critiqué, qui use d'un pouvoir excessif sur les femmes du couvent. Le film m'a toutefois semblé un peu long et volontiers poseur par moments même si la photographie est assez jolie et les cadres soignés.

L'été meurtrier : Jacques Becker.

Je n'avais jamais vu ce film, dont je croyais qu'il avait contribué à la réputation d'Adjani .....
En réalité ce film au scénario alambiqué est un ratage parfait - ce pauvre Souchon ne sort pas grandi de cette aventure ...
Mais j'ai découvert depuis qu'Adjani avait beaucoup hésité avant d'accepter le rôle - je crois me souvenir que les producteurs préféraient Valérie Kaprisky  : elle aurait du s'abstenir : Adjani est une grande comédienne, pas une starlette ....

Belcore

Belcore a écrit:

L'été meurtrier : Jacques Becker.

Je n'avais jamais vu ce film, dont je croyais qu'il avait contribué à la réputation d'Adjani .....
En réalité ce film au scénario alambiqué est un ratage parfait - ce pauvre Souchon ne sort pas grandi de cette aventure ...
Mais j'ai découvert depuis qu'Adjani avait beaucoup hésité avant d'accepter le rôle - je crois me souvenir que les producteurs préféraient Valérie Kaprisky  : elle aurait du s'abstenir : Adjani est une grande comédienne, pas une starlette ....

Belcore

Non, Jacques Becker, c'est le père, très grand cinéaste, là, c'est Jean, le fils, beaucoup moins grand....

Confusion bien énorme effectivement.

Mais cela dit … ce film du fils est vraiment pas mal.

François Ozon : Dans la maison        2012

 + / 
Ce film vient juste avant Jeune et jolie dans la filmographie du réalisateur et il partage avec ce dernier l'aspect inconfortable découlant du non-positionnement d'Ozon d'autant plus qu'il aborde des thèmes peu communs ; mais ici, cet estompage de la subjectivité du réalisateur se double d'un estompage de la frontière entre la réalité et la fiction - dont on sait qu'elle est poreuse au cinéma mais aussi clivante. Ça ne semble pas très original mais le réalisateur l'utilise de manière intéressante : un élève rédige à son professeur un feuilleton sous forme de rédactions successives le récit du soutien scolaire qu'il propose à son camarade dans la maison de ce dernier. Luchini est ici sans excès, le rôle lui va bien, cet élève va piquer sa curiosité et il décide de l'aider. L'entreprise d'Ozon est en fait profondément cinéphilique puisqu'elle est référencée : on pense d'abord à Teorema de Pasolini (qui est une grande source d'inspiration du réalisateur, déjà dans son premier long métrage) conjugué au voyeurisme d'Hitchcock (omniprésence de la fenêtre) et Ozon fait même appel à la référence imbriquée par l'écho de la captivité voyeuriste de Body double de de Palma. Cependant, ce film n'est pas qu'une preuve de la passion qu'à Ozon pour le cinéma, c'est également le moyen pour lui de parler ici de littérature - il a adapté une pièce de Fassbinder et ce film est lui-même une (libre adaptation). La frontière entre la réalité et la fiction est ici intéressante puisqu'elle est mobile et surtout, le récit fictionnel dans le film a lui-même beaucoup de prise sur la réalité du film à un tel point que chacun des personnages du film se trouve tour à tour acteur ou spectateur ; cette frontière est tellement estompée et les deux parties sont tellement homogènes que cela mène immédiatement à un brouillage de la frontière cadre/hors cadre ; Ozon dilue un peu le film dans un humour plaisant : les critiques imbéciles sur l'art contemporain, l'obsession du personnage joué par Ménochet pour la Chine (avec un petit pied-de-nez à l'appropriation culturelle, au passage). C'est en somme un film très intéressant, que j'ai beaucoup aimé, traitant de beaucoup de sujets, grossissant parfois le trait ; j'émet toutefois des réserves sur la lisibilité de la fin qui me semble peu cohérent avec le processus global du film.

L'étrangleur de Boston
Richard Fleischer - 1968

Bon film et un Tony Curtis époustouflant.

Emeryck a écrit:

François Ozon : Dans la maison        2012
 + / 
Ce film vient juste avant Jeune et jolie dans la filmographie du réalisateur et il partage avec ce dernier l'aspect inconfortable découlant du non-positionnement d'Ozon d'autant plus qu'il aborde des thèmes peu communs ; mais ici, cet estompage de la subjectivité du réalisateur se double d'un estompage de la frontière entre la réalité et la fiction - dont on sait qu'elle est poreuse au cinéma mais aussi clivante.

Ozon, c'est vraiment un des cinéastes qui m’intriguent le plus, surtout comme tu le fais remarquer pour ce film, mais c'est vrai pour presque tous, en raison de cet "estompage de la subjectivité" du réalisateur. Il y a dans ses films un côté lisse et extérieur qui est à la fois énervant et passionnant. Il joue beaucoup avec les références cinématographiques (depuis son premier film effectivement, Sitcom, une sorte de parodie déjantée de Théorème), les ambiances souvent oppressantes (son très étonnant moyen métrage Regarde la mer, Sous le sable, Swimming Pool, L'Amant double), la légèreté vaudevillesque couplée à une satire bourgeoise (Huit Femmes, Potiche) sans qu'on discerne nettement un point de vue d'auteur. Chez Bresson, Rohmer, Chabrol, Truffaut (pour ne citer que quelques exemples français), on sent toujours un auteur, un style, un regard ; chez Ozon, tout glisse sans qu'on puisse vraiment sentir le point de vue de celui qui est derrière la caméra. Et pourtant, c'est indubitablement un auteur, et son savoir faire est évident, mais ce côté fuyant et lisse est vraiment troublant chez lui.

Il y a des films superbes esthétiquement comme Franz et Angel, des drames en costumes presque dignes de Sirk ou Mankiewicz, mais on se dit après les avoir vus que c'est surtout de beaux exercices de style ; en fait, il frôle à chaque fois la réussite sans l'atteindre jamais, par ce côté retenu, hyper soigné, mais trop froid et trop détaché pour qu'on soit vraiment touché. Tu remarques que la fin de Dans la maison n'est pas très lisible, mais c'est vrai de la plupart de ses films, ça se termine en queue de poisson parce qu'on a l'impression qu'Ozon ne sait pas vraiment en fait où il veut en venir, ce qu'il veut nous dire et nous communiquer. C'est le mec hyper doué mais qu'on ne "sent" pas vraiment, qui ne suscite aucune empathie, c'est difficile à expliquer (c'est pas loin de Haneke qui a ce même côté du savant vaguement sadique qui utilise ses acteurs et ses personnages comme des animaux de laboratoire). Parfois, il y a quand même un trouble qui passe, comme dans Le Temps qui reste ou le dernier film sur la pédophilie dans l'Eglise, Grâce à Dieu ; il arrivera peut-être à "fendre l'armure" un jour, comme on dit, ou alors peut-être que cette froideur presque abstraite fait justement son style ; comme je le disais au début, c'est très intrigant...

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

François Ozon : Dans la maison        2012
 + / 
Ce film vient juste avant Jeune et jolie dans la filmographie du réalisateur et il partage avec ce dernier l'aspect inconfortable découlant du non-positionnement d'Ozon d'autant plus qu'il aborde des thèmes peu communs ; mais ici, cet estompage de la subjectivité du réalisateur se double d'un estompage de la frontière entre la réalité et la fiction - dont on sait qu'elle est poreuse au cinéma mais aussi clivante.

Ozon, c'est vraiment un des cinéastes qui m’intriguent le plus, surtout comme tu le fais remarquer pour ce film, mais c'est vrai pour presque tous, en raison de cet "estompage de la subjectivité" du réalisateur. Il y a dans ses films un côté lisse et extérieur qui est à la fois énervant et passionnant. Il joue beaucoup avec les références cinématographiques (depuis son premier film effectivement, Sitcom, une sorte de parodie déjantée de Théorème), les ambiances souvent oppressantes (son très étonnant moyen métrage Regarde la mer, Sous le sable, Swimming Pool, L'Amant double), la légèreté vaudevillesque couplée à une satire bourgeoise (Huit Femmes, Potiche) sans qu'on discerne nettement un point de vue d'auteur. Chez Bresson, Rohmer, Chabrol, Truffaut (pour ne citer que quelques exemples français), on sent toujours un auteur, un style, un regard ; chez Ozon, tout glisse sans qu'on puisse vraiment sentir le point de vue de celui qui est derrière la caméra. Et pourtant, c'est indubitablement un auteur, et son savoir faire est évident, mais ce côté fuyant et lisse est vraiment troublant chez lui.

Il y a des films superbes esthétiquement comme Franz et Angel, des drames en costumes presque dignes de Sirk ou Mankiewicz, mais on se dit après les avoir vus que c'est surtout de beaux exercices de style ; en fait, il frôle à chaque fois la réussite sans l'atteindre jamais, par ce côté retenu, hyper soigné, mais trop froid et trop détaché pour qu'on soit vraiment touché. Tu remarques que la fin de Dans la maison n'est pas très lisible, mais c'est vrai de la plupart de ses films, ça se termine en queue de poisson parce qu'on a l'impression qu'Ozon ne sait pas vraiment en fait où il veut en venir, ce qu'il veut nous dire et nous communiquer. C'est le mec hyper doué mais qu'on ne "sent" pas vraiment, qui ne suscite aucune empathie, c'est difficile à expliquer (c'est pas loin de Haneke qui a ce même côté du savant vaguement sadique qui utilise ses acteurs et ses personnages comme des animaux de laboratoire). Parfois, il y a quand même un trouble qui passe, comme dans Le Temps qui reste ou le dernier film sur la pédophilie dans l'Eglise, Grâce à Dieu ; il arrivera peut-être à "fendre l'armure" un jour, comme on dit, ou alors peut-être que cette froideur presque abstraite fait justement son style ; comme je le disais au début, c'est très intrigant...

Je suis assez d'accord avec tout ce que tu dis ; c'est assez difficile de dire si cette froideur lui est idiosyncrasique tant sa filmographie est diverse (cette froideur est très claire dans des films comme Jeune et jolie et Dans la maison mais plus discrète (absente?) dans des films comme Huit femmes ou Grâce à dieu) ; je trouve cependant que ça ne tourne jamais à vide, il y a toujours un propos intéressant derrière. En tout cas, ce "gommage des traces du réalisateur" ne me gêne absolument pas (même si c'est évidemment inconfortable a posteriori), je trouve ça souvent saisissant car ça donne lieu à des situations très curieuses ; et c'est pour cela qu'Ozon est aussi un cinéaste qui m'intrigue beaucoup.

D'ailleurs, Arte va diffuser beaucoup de films de Ozon dans les semaines à venir. 

Die Stadt ohne Juden
Hans Karl Breslauer - 1924

Jean Eustache : Offre d'emploi        1980
Court métrage d'une vingtaine de minutes, c'est une commande que l'INA a passé à Eustache à propos du monde du travail. Le réalisateur met ici l'accent sur le processus de sélection à l'oeuvre dans un recrutement, il y ajoute d'ailleurs beaucoup d'humour quand il met en évidence l'absurde des critères de séléction notamment la graphologue qui classe très rapidement les CV en les discriminant parce que l'écriture n'est pas droite ou trop étalée. C'est sympathique à voir mais assez anecdotique.

Quentin Tarantino : Once upon a time in... Hollywood        2019

 +
Même si j'ai passé un bon moment, j'avoue avoir été un peu déçu : je m'attendais à quelque chose de plus distancié, peut-être plus abstrait ; il est évident que ce film est un virage dans la filmographie de Tarantino mais un virage logique. Le titre fait directement écho à l'univers du conte ; Tarantino nous donne ici à voir son conte d'Hollywood en l'année soixante-neuf, pétri de rémanences cinéphiliques mais aussi d'entorses souriantes à la réalité notamment autour du personnage de Sharon Tate. Ce que j'ai apprécié, c'est que le réalisateur porte à l'écran la nostalgie sans pour autant teinter son propos de conservatisme : c'est simplement le conte d'une époque charnière, grouillante, que l'on contemple à travers de longs voyages en voiture à la manière du Model shop de Jacques Demy. Le réalisateur va même un peu à l'encontre de ce conservatisme qui veut réduire à néant l'importance de la télévision sur le cinéma en lui donnant une part de choix dans le film puisque le duo di Caprio/Pitt vient de la télévision. Ce duo est d'ailleurs intéressant puisqu'il s'agit d'un acteur et de son double (cascadeur), produits en fin de course du système hollywoodien - Pitt déclare d'ailleurs qu'il est un "has been", qui se fait gentiment recaler par une jeune fille d'une tendre lucidité ; et c'est d'ailleurs Pitt qui va prendre le pas sur di Caprio mais ce n'est guère étonnant puisque c'est le chauffeur (posture significative nécessaire à l'existence du personnage de di Caprio). Je suis assez partagé sur la fin qui me paraît un peu maladroite : d'un côté, c'est très beau puisque di Caprio atteint son idéal (ouverture du portail comme la montée au paradis dans les dessins-animés) mais ça pose des questions morales quand on sait le futur de Polanski (alors certes, il n'avait rien encore fait en 1969 mais la séquence finale s'ouvre s'inscrit dans l'intemporalité) et ce réglage de compte au lance-flamme du groupuscule exterminateur (qui fait écho à la carbonisation de nazis avec le même outil au début du film) me semble d'une part peu pertinent et d'autre part un peu limite. Je crois que ce qui est le plus beau dans ce film, c'est la sincérité avec laquelle Tarantino nous raconte son amour du cinéma.

Thelonious a écrit:

L'étrangleur de Boston
Richard Fleischer - 1968

Bon film et un Tony Curtis époustouflant.

Spoiler:

Stanley Donen : Two for the road        1967


Qu'est-ce que c'est beau ! À partir d'un couple au bord de la rupture, Donen va nous plonger dans un voyage aux temporalités entrecroisées non pas pour comprendre cette scission progressive puisqu'il n'y a rien à comprendre mais pour inscrire l'amour dans un cadre temporel, voir la façon dont les personnages évoluent. Ce qui est génial avec ce film, c'est le montage, à la fois dynamique mais également plein d'humour notamment puisqu'il est réactif aux répliques des personnages. Il est amusant de suivre l'évolution du couple et de la comparer à l'évolution des habits ainsi que des voitures qui semblent aller dans un sens opposé - de plus en plus luxueux. Le duo Hepburn/Finney est excellent, très touchant ; la mise en scène est très variée, fraîche et surprenante. C'est une belle découverte, très pétillante, pleine de vie - qui rappelle, dans un style très différent, Nous ne vieillirons pas ensemble de Pialat.

The Way
Emilio Estevez - 2010

Joli film avec beaucoup de bons sentiments, mais sans outrances.

Louis Malle : My dinner with Andre        1981

 +
Un film assez curieux qui est tout de même un petit tour de force puisqu'il s'agit en fait tout simplement d'une discussion filmée dans un restaurant assez neutre. La discussion se fait de plus en plus ouverte, commençant par les récits de voyage d'Andre sous la forme d'un long monologue, puis cela prend davantage la forme d'un dialogue (ponctué par les changements de plats et les petites interactions amusantes avec le serveur) traitant de thèmes plus généraux et plus actuels - parfois de façon un peu caricaturale (le passage sur la société orwellienne, notamment). C'est plutôt prenant, l'épilogue est d'une belle simplicité, un peu intemporel, renforçant le caractère épisodique de la (longue) discussion.

Ruben Östlund : The square        2017

 +
Je crois que j'aime plutôt ce film. Il s'agit pour le réalisateur à la fois de pointer du doigt l'hypocrisie sociale des artistes contemporains ainsi que de la théorie fumeuse qui règne autour de certaines œuvres contemporaines mais il s'agit également de montrer un milieu institutionnel artistique en déphasage avec l'art. Le film va étayer son discours autour d'une oeuvre intitulée The square qui est un carré de quatre mètres sur quatre dans lequel règne l'égalité en terme de droits et de devoirs, inspirée d'une exposition menée à Stockholm en 2015. 
Le personnage principal, Christian, un conservateur de musée - qui nous dit clairement que l'art est affaire d'affaires et d'argent -, se fait voler son porte-feuille, son portable et ses boutons de manchette au début du film par une femme qui demandait de l'aide et c'est là que Östlund va faire entrer une certaine violence puisque Christian va mettre dans toutes les boîtes aux lettres de l'immeuble où est localisé son téléphone, c'est-à-dire accuser tout le monde sans savoir quoi que ce soit ; cette séquence sera doublée pendant tout le film par le motif de l'escalier (descendant pour Christian, ascendant pour le jeune homme ; et il y a une idée que j'ai trouvée bonne vers la fin : la caméra monte en même temps que Christian créant un effet de sur-place ; la façon de filmer en plaçant le centre des escaliers au milieu du plan rappelle d'ailleurs ce fameux carré). 
Le réalisateur emploie un humour assez caustique (manquant parfois un peu de subtilité) pour le personnage de Christian : erreurs insérées volontairement dans son discours pour le scénariser, réparation d'une exposition en mode "ni vu, ni connu", refus de jeter à la poubelle le préservatif qu'il a utilisé, utilisation des mendiants pour garder ses achats après lui avoir dit ne pas avoir d'argent pour lui mais il se donne bonne conscience en achetant un sandwich à une mendiante dont il lui laisse retirer les oignons elle-même. Christian semble d'ailleurs assez irresponsable avec ses enfants.
Le point d'envol du film est la campagne publicitaire putassière menée pour l'exposition donnant à voir une jeune fille explosée dans le fameux carré ; et pour bien enfoncer le clou, on a le droit à une scène (réussie) d'une performance qui dégénère où le performeur (animal) se rapproche trop des spectateurs et provoque leur peur et vont ainsi tous se mettre sur le performeur.
J'ai trouvé la mise en scène réussie, très clinique, avec quelques moments de bravoure (performance, scène finale de l'escalier) et un véritable sens du cadre ; mais le traitement du sujet (passionnant) est un peu lourd et caricatural - voire un peu trop accusateur par moments - même s'il dit quand même quelque chose sur une certaine partie de l'art contemporain (et c'est ça qui est important). Le résultat est tout de même plutôt satisfaisant même si un peu trop long, avec quelques points de démarcation : le réalisateur n'étale pas de conservatisme - il n'est rien dit sur l'art avant la période portée à l'écran - et ne reproduit pas les mécanismes qu'il dénonce : la trame est tout à fait claire, il n'y a pas d'enfumage ni d'hypocrisie sociale puisque le film ne se prétend pas social. 
En regard des longs métrages en compétition (que je n'ai pas tous vus et dans lesquels on retrouve un peu cet aspect caricatural par moments : Happy end de Haneke dans la scène finale du repas, Faute d'amour de Zviaguintsev dans la course sur le tapis à moteur, 120 battements par minute de Campillo avec cette Seine de sang et aussi Une femme douce de Loznitsa même si c'est plus inhérent à son style et mené avec peut-être plus d'adresse) et du thème (qui ne semble pas tant porté à l'écran que ça), la palme d'or me semble appropriée mais apporte un écho curieux aux revendications du film.

Lucio Fulci : Una lucertola con la pelle di donna        1971


Un giallo très personnel, déjà plus proche d'Argento que de Bava puisque la composante sexuelle est très importante, elle est ici alliée à la composante psychanalytique. L'esthétique est baroque à souhait : inserts de rêves, sang très kitsch, grands bâtiments voire limite particulièrement crues (les chiens) ; je regrette un peu que Fulci ne se soit pas un peu plus lâché sur les lumières. On retrouve également l'oeil, très récurrent dans le giallo (à travers l'oeil des protagonistes ou de l'appareil photo). Le récit est surprenant (la fin!) et bien pensé et vraiment très amusant par son réglage de compte à la psychanalyse de bas étage ; le récit met d'ailleurs l'accent sur les deux classes sociales : les bourgeois et les hippies ; Fulci renvoie d'ailleurs au tapis les premiers. C'est une très belle découverte!

Once upon a time : j'ai bien aimé - comme toujours chez Tarantino il y a des longueurs, mais il nous épargne la séquence finale hyper violente qui est une de ses marques de fabrique...
Di Caprio et Pitt sont bons, mais pour moi ils sont surpassés par Margot Robbie : la séquence où elle se revoit dans un parfait nanar : Matt Helm !! est délectable !

Belcore

Belcore a écrit:

Once upon a time : j'ai bien aimé - comme toujours chez Tarantino il y a des longueurs, mais il nous épargne la séquence finale hyper violente qui est une de ses marques de fabrique...
Di Caprio et Pitt sont bons, mais pour moi ils sont surpassés par Margot Robbie : la séquence où elle se revoit dans un parfait nanar : Matt Helm !! est délectable !

Belcore

On a quand même le droit à un brûlage de hippie au lance-flamme un peu juste avant la séquence finale...
Le moment où Robbie se voit à l'écran (et observe les spectateurs) est vraiment bien vu, effectivement : une d'inversion du voyeurisme cinématographique traditionnel.

Kenji Mizoguchi : La marche de Toyko        1929


Le film faisait à l'origine 1h41 mais la plupart en a été perdu : il ne subsiste qu'un peu moins de trente minutes ; cependant, cela ne nuit pas à la compréhension du récit, il y a juste quelques petits trous de rythme mais arrive tout de même à imposer une légère teinte mélodramatique. On trouve déjà beaucoup de thèmes ultérieurs développés par Mizoguchi : l'impossible amour entre les différentes classes sociales et la prostitution à travers le rôle de la geisha - toujours double chez Mizoguchi. Le film comporte des plans assez marquants notamment la séquence de rêve où la défunte mère dit à sa fille Michiyo : "les hommes se détournent de toi dès que tu leur ouvres ton cœur, ne tombe jamais amoureuse." ou une séquence où le visage de Michiyo se superpose sur l'ombre d'un masque (de théâtre kabuki ?) à cornes mais la séquence la plus marquante (la plus longue, aussi) reste la séquence du tennis où le marchant Fujimoto et son fils jouent au tennis et font tomber la balle dans les bas-fonds de Tokyo, Michiyo (Orie, à ce moment-là) essaie de la renvoyer mais elle ne parvient pas à la faire passer au-dessus des imposantes grilles du court de tennis.

Ice cold in Alex - Le désert de la peur.

Film britannique sur la guerre contre l'Afrika Korp, en réalité un anti film de guerre : quatre militaires dans une ambulance tentent de percer les lignes allemandes après la prise de Tobrouk : pas de combat, rien que l'affrontement contre le pire ennemi : le désert.
Un des quatre est un agent allemand qui est démasqué, mais qui finalement fait corps avec ses ennemis, unique chance qu'ils ont de sauver leur peau ; ces derniers sauront le remercier une fois arrivés à "Alex".
Le réalisateur a signé quelques années plus tard "Les canons de Navarone" ; Ice cold est nettement supérieur, plastiquement très beau avec une photo noir et blanc, et captivant de la première à la dernière image.

Belcore

Arnaud Desplechin : Un conte de Noël        2008

 + / 
J'ai encore plus aimé ce film que Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle) avec lequel il partage des personnages notamment le personnage de Paul Dédalus ; ce personnage n'est toutefois plus joué par Amalric mais par le jeune Émile Berling qui partagent la compatibilité pour le don de moelle osseuse avec le personnage de Junon, il y a comme un transfert de personnage. L'idée du transfert est d'ailleurs assez importante dans le film puisque tout le film est basé sur un transfert (Paul qui doit donner sa moelle à Junon) et dont le principal virage est un transfert (c'est en fait Henri qui va la donner), c'est l'occasion de réunir toute la famille et c'est aussi l'occasion pour Desplechin de filmer Roubaix, la ville dans laquelle il a grandi - et cela donne d'ailleurs lieu à de très belles séquences notamment celle où les devantures éclairées au néons défilent à la caméra, on sent que le réalisateur y met véritablement du sien. 
Dans ce film, le réalisateur déploie également la pluralité au sein d'un groupe : la famille - déjà mal en point : ouverture sur un cimetière et par l'évocation de la mort de Joseph, le frère de Junon - que plus rien ne semble relier, dont tous les membres ont une veste double-face (cf. la séquence entre Junon et Henri dans le jardin, "je ne t'ai jamais aimé" avec le sourire), le réalisateur met en place ici une atmosphère assez intangible et grinçante qui est parfois délicieuse. Cette présentation de la famille prend d'ailleurs un aspect spatial physiognomonique à travers la maison qui est également une unité (spatiale) qui contient toute la famille ; cependant, cette maison semble regorger de pièces, sur plusieurs étages mais elle semble à la fois très étroite voire gênante ; d'ailleurs, Desplechin filme souvent les personnages entre deux pièces, séparés par une cloison (parfois ouverte) - la séquence finale entre Junon et Henri met d'ailleurs cet aspect particulièrement en exergue.
Enfin, comme l'indique le titre, on retrouve quand même un peu la dimension du conte dans le film et à plusieurs niveaux : il y a évidemment le film en lui-même (et sa très belle fin, tout droit venue du conte) mais aussi le spectacle préparé par les deux enfants - amplifié par le métier d'Élizabeth ; cependant, le conte n'est pas aussi enchanté qu'ordinairement comme le montre déjà le début du film : un théâtre en faillite dont Henri était le propriétaire et dont Élizabeth éponge les dettes ; cette scène me semble importante. Il y a aussi évidemment tout le cadre de Noël qui contribue à enrichir l'atmosphère du conte, la neige, le sapin, et tout ce qui s'en suit. C'est vraiment un très beau film, avec de très bons acteurs (Amalric, Devos, Deneuve, Consigny et Roussilon).

Costa-Gavras : Un homme de trop        1967


C'est sans doute le film de Costa-Gavras qui m'a le moins séduit pour l'instant, je l'ai trouvé plus conventionnel. Cependant, il amène un éclairage intéressant sur la résistance à l'époque (ce qui explique d'ailleurs son moins bon nombre d'entrées que les autres films du réalisateur à cette époque) : il montre que la résistance n'est pas unique comme on pouvait bien le dire à l'époque mais plurielle : les communistes, les non-communistes, les actifs, les pacifistes : d'ailleurs, le personnage interprété par Piccoli semble tenir compte de ce mythe de la France entièrement dans la résistance puisqu'il ne se dévoile pas tout de suite. La fin est assez spectaculaire, également et peut-être l'évasion initiale mais il y a tout de même quelques longueurs dans le centre du film. C'est un assez bon film, malgré tout.

Quelques courts-métrages diffusés par Arte :

Sarah Al Atassi : Bleu reine        2018

 /  +
La couleur et les lumières néon sont jolies, le montage est bien rythmé. Ce court-métrage parle de harcèlement au travail, il y a notamment une réplique qui fonctionne bien et qui guide le film : le patron du bar lui demande "qu'est-ce que tu ferais pour cent balles ?" sous-entendant quelque chose à caractère sexuel et une fois le braquage du bar terminé, elle lui répond : "Ça." ; ces points mis à part, c'est plutôt moyen, le personnage blond n'est quasiment pas développé et les dialogues sont parfois mal écrits.

Tommaso Usberti : T'avais pas peur avant        2018

 +
J'ai trouvé que ce court-métrage était assez intelligent et profondément spatial en questionnant la frontière entre le champ et le hors-champ. Au début, le hors-champ semble majoritaire, à la fois le hors-champ temporel à travers le souvenir mais aussi le hors-champ spatial à travers la recherche du chien mais plus on avance dans le film et plus cette netteté s'effrite : le champ temporel (temps de l'image) migre vers le hors-champ temporel (souvenir) à travers la formule "t'avais pas peur avant" qui engendre le saut du personnage principal alors que le hors-champ spatial (chien) migre vers le champ spatial (caméra) puisqu'il est filmé à la fin ; c'est intéressant car les migrations sont contraires et ça ne résout pas le conflit champ/hors-champ. 

Zornitsa Dimitrova : Inspection        2018


J'ai trouvé ce court-métrage vraiment caricatural. Le propos est pourtant légitime (liberté de la presse et de l'art) et très actuel dans son écho à l'autorité violente. Malheureusement, c'est traité avec une immense superficialité, en succession de topoï : répétition d'une pièce qui fait écho aux manifestations et le propos qui se résume à "la censure, c'est mal ; c'est-à-dire que ce n'est pas bien".

Chiara Fleischhacker : Ce qui reste        2018


C'est sans doute le meilleur du lot. Le propos n'est tant porté à l'écran que ça (ritualisation excessive de la virginité et notamment avant le mariage, directement sortie de la religion) à travers cette femme qui veut se faire poser un hymen artificiel avant son mariage, il l'est en plus avec humour : "en espérant que dieu me pardonne" dit la protagoniste ; il y a également un jeu plus simple sur l'omniprésence du blanc de la robe de mariée et de la salle de bain rappelant ironiquement la pureté prétendue (et absurde) si l'hymen est intact avant le mariage. Le titre est alors clair : ce qui reste, ce sont les traditions, encore bien ancrées.

Thilo Gundelach : Liridona        2018


Je pense que ce court-métrage est raté. Sur le papier, ça semble intéressant mais même déjà un peu incompréhensible ; à l'écran, c'est encore pire, on a l'impression de séquences juxtaposées sans véritable rapport si ce n'est le même personnage qui les lie et la réponse des séquences ceignant le film. Il manque suffisamment de morceaux pour que la trame logique soit perturbée : la femme est enceinte et doit donc épouser un inconnu (pourquoi ?) mais une femme lui apprend une danse rituelle pour le mariage (pourquoi ?) qu'elle peine à exécuter. Ce n'est cependant pas agaçant comme Inspection de Dimitrova, c'est juste raté.

Guillaume Nicloux : Thalasso        2019


Je pensais que ç'allait être quelque chose de plutôt drôle, légèrement absurde avec une certaine gouaille sans en attendre toutefois des tonnes mais finalement j'ai malgré tout été très déçu. Nicloux pousse tous le curseur de l'absurde au maximum, pourquoi pas, certains s'en tirent parfois très bien : Lanthimos, Loznitsa et créent un véritable style ; ici, c'est très artificiel : cette histoire rajoutée autour de l'enlèvement de Houellebecq est ajoutée pour créer de l'absurde de façon très visible ; tout comme la fin, qui est téléphonée, avec un peu de racisme en prime. En plus, malgré tout, il y a quand même une logique de distribution des personnages : d'un côté les rationnels (Depardieu, et les deux personnages masculins du groupe menaçant Houellebecq) et les éthérés (Houellebecq et la femme qui tire les cartes) qui est risible. Il y a bien quelques répliques amusantes mais c'est globalement (très) mauvais.

Par contre, j'ai revu la bande-annonce de Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma et ça :  .

Ernst Lubitsch : The merry widow        1934


Il s'agit du troisième et dernier film musical avec Maurice Chevalier, c'est un peu plus réussi que One hour with you mais moins que The smiling lieutenant. Les chansons ne sont pas terribles, même si l'accent français très marqué de Chevalier est amusant - c'est aussi ce qui fait le charme de ces trois films. Les dialogues sont cependant bien écrits avec quelques scènes très drôle - révélation de l'identité de Fifi et le quiproquo qui s'en suit lorsque le personnage joué par Chevalier rencontre Sonia et son mari ; l'effervescence des scènes de danse est très bien filmé - ça préfigure déjà le final de French cancan de Renoir -, l'ambiance dynamique et joyeuse passe très bien à la caméra. Certains passages sont cependant un peu trop mièvres, c'est dommage.

Jean-Pierre & Luc Dardenne : Deux jours, une nuit        2014


Je n'ai pas été convaincu par cet opus des deux frères, il m'a semblé beaucoup plus lisse qu'à l'accoutumée - on évite d'emblée toutes les scènes potentiellement caricaturales, cela dit. Le canevas du film fait penser à celui de 12 angry men de Lumet à ceci près que ce n'est pas véritablement un huis-clos ; au contraire, le personnage (bien) joué par Marion Cotillard se déplace à droite à gauche pour convaincre ses collègues de voter pour qu'elle reste dans l'entreprise (le patron a proposé aux employés de garder une prime de 1000€ mensuels ou ça). Le problème majeur du film, c'est qu'il ne se renouvelle pas beaucoup - à part dans le dernier tiers - : tous les employés lui répondent à peu de choses près la même chose, tiraillés entre leur propre survie et leur humanité. Le film a cependant le mérite de proposer une fin qui ne soit pas caricaturale et d'aborder discrètement quelques problèmes essentiels (les choix imposés aux femmes par leur mari, les employés obligés de travailler de manière non-déclarée à côté de leur travail officiel) mais ça ne réussit pas à chasser l'ennui qui nous guette dans les deux premiers tiers.

Once upon a time in Hollywood, de Quentin Tarantino

Deux heures quarante très laborieuses, avec quelques séquences amusantes, surtout grâce à Brad Pitt, vraiment très bien. Di Caprio cabotine à tout va, c'est parfois drôle et souvent très pénible (tout le passage sur le western avec la gamine, d'une lenteur et d'une lourdeur assommantes). La bande-son est un vrai juke box ; rien qu'avec les droits musicaux, on doit avoir le budget de deux super-productions françaises. Sinon, c'est très bourrin, comme du Tarantino, et du point de vue moral plus que limite : la bande de Manson est montrée comme un groupe de bras cassés décérébrés, un peu comme des méchants de série B, alors qu'il s'agissait dans la réalité de redoutables assassins, et la manière dont il joue avec le personnage de Sharon Tate est complètement dégueulasse : dans le monde enchanté de Tarantino, où rien n'est grave et tout devient attraction pour parc à thèmes, un massacre n'est plus qu'une sorte d'hallu rigolote qui se termine bien, mais Sharon Tate a été éventrée avec seize coups de couteau alors qu'elle était sur le point d'accoucher, et je ne vois pas ce qui peut autoriser cette uchronie inconsciente et très bête sur laquelle le film se conclut (le même procédé était déjà très limite dans Inglorious Bastards).

Bref, c'est le denier jouet hyper cher de Tarantino, qui cite vaguement Demy avec Model Shop (les pérégrinations en voiture dans Los Angeles) et Corbucci avec les spaghetti-westerns, mais ces deux cinéastes faisaient avec mille fois moins d'argent des films plus drôles et plus réussis que ces interminables super-productions tarantiniennes, truffées de références à un cinéma qu'il adore, mais qu'il ne sait que réévoquer platement avec une grâce de diplodocus...

Stefano P a écrit:

Once upon a time in Hollywood, de Quentin Tarantino

Deux heures quarante très laborieuses, avec quelques séquences amusantes, surtout grâce à Brad Pitt, vraiment très bien. Di Caprio cabotine à tout va, c'est parfois drôle et souvent très pénible (tout le passage sur le western avec la gamine, d'une lenteur et d'une lourdeur assommantes). La bande-son est un vrai juke box ; rien qu'avec les droits musicaux, on doit avoir le budget de deux super-productions françaises. Sinon, c'est très bourrin, comme du Tarantino, et du point de vue moral plus que limite : la bande de Manson est montrée comme un groupe de bras cassés décérébrés, alors qu'il s'agissait dans la réalité de redoutables assassins, et la manière dont il joue avec le personnage de Sharon Tate est complètement dégueulasse : dans le monde enchanté de Tarantino, où rien n'est grave et tout devient attraction pour parc à thèmes, un massacre n'est plus qu'une sorte d'hallu rigolote qui se termine bien, mais Sharon Tate a été éventrée alors qu'elle était sur le point d'accoucher, et je ne vois pas ce qui peut autoriser cette uchronie inconsciente et très bête sur laquelle le film se conclut.

Bref, c'est le denier jouet hyper cher de Tarantino, qui cite vaguement Demy avec Model Shop (les pérégrinations en voiture dans Los Angeles) et Corbucci avec les spaghetti-westerns, mais ces deux cinéastes faisaient avec mille fois moins d'argent des films plus drôles et plus réussis que ces interminables super-productions tarantiniennes, truffées de références à un cinéma qu'il adore, mais qu'il ne sait que réévoquer platement avec une grâce de diplodocus...

Je me suis posé des questions aussi mais je trouve que la fin est tout de même acceptable puisqu'il me semble qu'il ne dit pas "ah non non, le terrible assassinat de Tate n'a jamais eu lieu" mais il s'inscrit dans toute la trajectoire plutôt enchantée du film (le titre l'annonce) ; enfin, je me questionne toujours sur ce film, cela dit - que j'ai tout de même apprécié sans le trouver extraordinaire. Je te trouve un peu sévère, cela dit, le film comporte des belles séquences (la séquence de Tate dans le cinéma !) et c'est quand même un tournant dans la production de Tarantino.

Emeryck a écrit:

Je me suis posé des questions aussi mais je trouve que la fin est tout de même acceptable puisqu'il me semble qu'il ne dit pas "ah non non, le terrible assassinat de Tate n'a jamais eu lieu" mais il s'inscrit dans toute la trajectoire plutôt enchantée du film (le titre l'annonce) ; enfin, je me questionne toujours sur ce film, cela dit - que j'ai tout de même apprécié sans le trouver extraordinaire. Je te trouve un peu sévère, cela dit, le film comporte des belles séquences (la séquence de Tate dans le cinéma !) et c'est quand même un tournant dans la production de Tarantino.

Qu'est-ce qu'on voit dans la séquence sur Tate dans le cinéma ? L'actrice très contente d'elle-même qui jubile en entendant les rires du public à ses performances sur l'écran : hors, selon ce que dit Polanski dans ses mémoires, Tate était timide, très réservée et jamais satisfaite de son travail ; rien à voir avec cette petite vamp qui met les pieds sur le dossier du fauteuil devant elle en jubilant de l'effet qu'elle produit sur le public. Quant à la trajectoire enchantée du film, elle me semble révélatrice de cette manière de considérer le monde comme un parc à thèmes, et la réalité comme une attraction (venez voir le hippie passé au lance-flammes dans la piscine), qui est le cœur du cinéma purement ludique de Tarantino. Adapter ainsi la réalité à son petit moi immature me semble moralement discutable, ne serait-ce que vis-à-vis des proches de Sharon Tate dont certains doivent être encore en vie aujourd'hui.

Cela dit, j'ai beaucoup aimé Brad Pitt et grâce à lui, il y a plusieurs moments très sympas : le passage avec Bruce Lee, tout le sketch avec le chien dans la roulotte, la séquence dans le décor de western envahi par les hippies avec l'histoire de la roue crevée ; tout ça est vraiment très drôle, je ne crache pas complètement dans la soupe...

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Je me suis posé des questions aussi mais je trouve que la fin est tout de même acceptable puisqu'il me semble qu'il ne dit pas "ah non non, le terrible assassinat de Tate n'a jamais eu lieu" mais il s'inscrit dans toute la trajectoire plutôt enchantée du film (le titre l'annonce) ; enfin, je me questionne toujours sur ce film, cela dit - que j'ai tout de même apprécié sans le trouver extraordinaire. Je te trouve un peu sévère, cela dit, le film comporte des belles séquences (la séquence de Tate dans le cinéma !) et c'est quand même un tournant dans la production de Tarantino.

Qu'est-ce qu'on voit dans la séquence sur Tate dans le cinéma ? L'actrice très contente d'elle-même qui jubile en entendant les rires du public à ses performances sur l'écran : hors, selon ce que dit Polanski dans ses mémoires, Tate était timide, très réservée et jamais satisfaite de son travail ; rien à voir avec cette petite vamp qui met les pieds sur le dossier du fauteuil devant elle en jubilant de l'effet qu'elle produit sur le public. Quant à la trajectoire enchantée du film, elle me semble révélatrice de cette manière de considérer le monde comme un parc à thèmes, et la réalité comme une attraction, qui est le cœur du cinéma purement ludique de Tarantino. Adapter ainsi la réalité à son petit moi immature me semble moralement discutable, ne serait-ce que vis-à-vis des proches de Sharon Tate dont certains doivent être encore en vie aujourd'hui.

Polanski dit ça, d'accord mais comment le prendre ? Tarantino n'a-t-il pas le droit de faire une séquence avec une Tate heureuse de sa prestation ? Ce qui m'avait semblé intéressant dans cette séquence, c'est ce voyeurisme inversé mis à l'oeuvre.
Et donc, c'est un problème de faire un tel cinéma ? Je ne vois pas le problème, c'est une manière de faire du cinéma. On pourrait d'ailleurs se poser cette question : Tarantino fait de Polanski le personnage idéal dans le final (et dans la séquence où on le voit la première fois) ; est-ce bien raisonnable sachant ce qu'il adviendra quelques années plus tard avec Polanski dont Tarantino a évidemment conscience ? Sur Tate rien n'est dit, si elle va se faire tuer ou non ; mais c'est effectivement peut-être peu habile de jouxter ce terrible assassinat ainsi.

Emeryck a écrit:

Et donc, c'est un problème de faire un tel cinéma ? Je ne vois pas le problème, c'est une manière de faire du cinéma. On pourrait d'ailleurs se poser cette question : Tarantino fait de Polanski le personnage idéal dans le final (et dans la séquence où on le voit la première fois) ; est-ce bien raisonnable sachant ce qu'il adviendra quelques années plus tard avec Polanski dont Tarantino a évidemment conscience ? Sur Tate rien n'est dit, si elle va se faire tuer ou non ; mais c'est effectivement peut-être peu habile de jouxter ce terrible assassinat ainsi.

Bien sûr, c'est une façon de faire du cinéma ; simplement je la trouve infantile et moralement suspecte, mais bien sûr, c'est du cinéma !

Je ne crois pas que Polanski soit idéalisé dans le film ; il apparaît très peu (deux ou trois plans furtifs) et il est simplement évoqué comme on le voyait aux USA en 1969 : un jeune cinéaste polonais brillant, ambitieux, séducteur et plein d'avenir. Pour le coup, Tarantino est pile dans la vérité historique ! (Il y a un joli moment dans le film, quand Tate va acheter Tess d'Uberville pour l'offrir à son mari, si j'ai bien vu le libraire est joué par John Irving...)

Sinon, je ne voudrais pas ouvrir la boîte de Pandore car c'est un sujet qui déchaîne les passions et que l'on ne peut pratiquement plus aborder sereinement, mais cette façon assez répandue sur le Net de parler aujourd'hui de Polanski comme si c'était Lucifer en personne me semble très exagérée et même franchement ridicule. Je précise que ma remarque est d'ordre général, tu n'es pas visé personnellement.

Stefano P a écrit:

Emeryck a écrit:

Et donc, c'est un problème de faire un tel cinéma ? Je ne vois pas le problème, c'est une manière de faire du cinéma. On pourrait d'ailleurs se poser cette question : Tarantino fait de Polanski le personnage idéal dans le final (et dans la séquence où on le voit la première fois) ; est-ce bien raisonnable sachant ce qu'il adviendra quelques années plus tard avec Polanski dont Tarantino a évidemment conscience ? Sur Tate rien n'est dit, si elle va se faire tuer ou non ; mais c'est effectivement peut-être peu habile de jouxter ce terrible assassinat ainsi.

Bien sûr, c'est une façon de faire du cinéma ; simplement je la trouve infantile et moralement suspecte, mais bien sûr, c'est du cinéma !

Je ne crois pas que Polanski soit idéalisé dans le film ; il apparaît très peu (deux ou trois plans furtifs) et il est simplement évoqué comme on le voyait aux USA en 1969 : un jeune cinéaste polonais brillant, ambitieux, séducteur et plein d'avenir. Pour le coup, Tarantino est pile dans la vérité historique !

Sinon, je ne voudrais pas ouvrir la boîte de Pandore car c'est un sujet qui déchaîne les passions et que l'on ne peut pratiquement plus aborder sereinement, mais cette façon assez répandue sur le Net de parler aujourd'hui de Polanski comme si c'était Lucifer en personne me semble très exagérée et même franchement ridicule. Je précise que ma remarque est d'ordre général, tu n'es pas visé personnellement.

Oui, j'avais bien compris. 

D'accord !

Je ne sais pas - je ne vois à vrai dire pas spécialement ce que tu pointes du doigt chez ces gens-là - mais cette façon d'en parler est quand même plutôt légitime ; beaucoup de gens rétorquent que la victime le lui a pardonné, mais ça n'enlève rien à ce qu'il a fait, il ne faudrait pas tomber dans la banalisation du viol.