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Les deux films m'ont paru assez différents, dans le premier ça m'a semblait reposer énormément sur des scènes de dialogues avec des prises assez longues, c'est pas mal parce que ça laisse se développer la joute verbale notamment entre le couple Frederic March et Claudette Colbert et les actes peuvent s'exprimer. Mais du coup c'est aussi pas mal en retrait (je n'ai pas non plus regardez le film d'un œil analytique).

Par contre Merrily we go to hell est beaucoup plus "brillant" avec une caméra souvent assez mobile, pas mal de surcadrages, bref la mise en scène est plus visible, plus expressive et c'est dans l'ensemble assez beau. Mais c'est peut être aussi qu'il s'agit d'un mélodrame, un genre qui appelle une certaine effusion.
Après ça n'est certainement pas baroque ça reste très classique et assez typique de ce que je connais de cette époque du cinéma américain (c'est a dire pas grand chose au final, puisque a part Franck Capra que j'adore, je suis plus familier des décennies suivantes).

J'aime beaucoup Arzner en général mais je pense qu'effectivement Merrily We Go to Hell est son film le plus visiblement brillant. Mais Craig's Wife est passionnant et quoi qu'on en pense (le film fait toujours controverse sur ses intentions), j'adore Dance, girl, Dance, que je personnellement je perçois comme féministe et dont j'aime beaucoup l'écriture et le rythme (sans oublier Lucille Ball, brillante).

Pascal Rabaté : Les sans-dents        2020


Rabaté a commencé (et est toujours, d'ailleurs) dessinateur, il a aussi réalisé cinq films, je ne sais pas du tout à quoi il ressemble mais celui-ci est assez radical puisqu'il n'y a pas de dialogues. Comme son titre l'indique, le film prend pour point de départ l'expression qu'aurait dite François Hollande et de grossir le trait puisque le film nous montre des gens qui ne parlent pas mais se comprennent et arrive à construire une sorte de lieu de vie commun à côté d'une décharge avec des objets récupérés à droite à gauche, à ceci près que la surveillance de la police perturbe leur vie paisible. Je n'ai vraiment pas trop compris ce qu'essayait de dire le film : les pauvres peuvent vivre simplement en autonomie ?? ils se débrouillent avec trois bouts de ficelles ?? rien d'intéressant, en somme. Pour moi, le point le plus énervant du film est l'absence de dialogues (les personnages communiquant par sons et grommellement), qu'est-ce que ça essaie de nous raconter ? Toutes les choses que j'imagine sont soit inintéressantes soit cringe ; de toute façon, je ne trouve pas cette approche pertinente : ça ne fait que donner plus d'ampleur à une dynamique déjà existante, à savoir la négation/invisibilisation de la parole des personnes précaires et de leur expérience ; il n'y a rien à trouver dans un tel film qui ne fait que clôturer cette part des sans-parts.

Emmanuel Gras : Un peuple        2021

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Emmanuel Gras est à la fois directeur de la photographie et réalisateur, il n'a pour l'instant réalisé que des documentaires, celui-ci est le troisième qu'il réalise seul. Dans ce documentaire, le réalisateur va suivre les gilets jaunes de Chartres durant les années 2018 et 2019 ; il se démarque des deux autres films que j'ai pu voir sur les gilets jaunes (à savoir Un pays qui se tient sage de Dufresne et J'veux du soleil de François Ruffin et Gilles Perret) : ici, les gilets jaunes sont vraiment au premier plan du film, il ne s'agit pas de commenter ni de se constituer porteur d'une parole - ce qui est également intéressant, c'est juste pour dire que c'est une démarche différente. Ce documentaire est également plus long (environ une heure quarante-cinq) et brasse pas mal de choses : les organisations de manifestation, la décision de monter à Paris, l'image dans les médias, la nécessité de déclarer ou non la manifestation, la gestion de la violence, les dissensus internes, les violences de la police, la réponse du gouvernement (il y a un passage à la fin sur le grand débat et une séquence assez ironiquement drôle où quand une gilet jaune dit qu'elle a gagné 6.47€ par mois et la politicienne en face lui répond "mais c'est déjà ça !") ; cette diversité est à mon avis un point singulier de ce documentaire et même si ça peut sembler un peu fouillis par moments, je trouve que c'est toujours intéressant.

Padoue a écrit:

Xavier a écrit:

je ne comprends pas ce que tu veux dire par film boomer.

Mon fils (15 ans) à qui je disais que je ne comprenais pas ce qu'il voulait dire par "boomer" m'a rétorqué "si tu ne sais pas ce que veut dire être un boomer, c'est que t'en es un".
S'ensuit une explication sentencieuse au cours de laquelle je me fais traiter de baby boomer. J'ai du lui rappeler que le 20ème siècle avait compté 100 années et plusieurs générations et que si ses grands-parents pouvaient être à bon escient qualifiés de "baby boomers", ce n'était pas mon cas. Ce faisant je n'ai réussi qu'à l'aggraver, mon cas, justement.
Quelques railleries plus loin, j'ai fini par avoir une sorte d'éclair d'illumination: "Ah en fait, ça veut dire ringard: boomer = ringard !". Nuance de condescendance dans ses yeux, comme si j'avais fini par entrevoir une vague lueur de sens à travers la vitre de l'éternité.
Mais je crois que j'ai définitivement sapé tout espoir de retrouver ma dignité, en ajoutant:
"Pourquoi aller chercher un anglicisme, qui en plus est incorrect historiquement, alors que le mot français ringard dit exactement la même chose, voire mieux ?".
Contrairement à moi, mon éventuel.le lecteur.trice aura anticipé ce qui m'a été répondu:
"t'es vraiment un boomer !".
CQFD.

Bonne fin de semaine. Bon week-end.

Boomer, je pense savoir ce que ça veut dire, mais pour moi c'est associé à une personne, un film boomer j'ai du mal à voir.

Merci Emeryck d'avoir explicité, hélas ça ne m'éclaire pas vraiment plus, j'ai l'impression que dans ce que tu dis, "boomer" signifie humour que tu trouves pas drôle.

Xavier a écrit:

Merci Emeryck d'avoir explicité, hélas ça ne m'éclaire pas vraiment plus, j'ai l'impression que dans ce que tu dis, "boomer" signifie humour que tu trouves pas drôle.

Je ne connais pas les films dont il est question, mais ce que je crois en discerner d'après ce que dit Emeryck, il me semble que c'est peut-être un peu plus que ça (et que je perçois, pour ma part, comme davantage boomer-au-sens-étymologique): j'ai l'impression que c'est non seulement de l'humour qu'Emeryck ne trouve pas drôle, mais un certain type d'humour (que beaucoup de gens dans la génération d'Emeryck - ou plus jeunes - ne trouvent pas drôle) qui, historiquement, me semble en effet assez typé «soixante-huitard» et qui s'est généralisé dans les années 80: un humour qui a d'abord été très subversif au regard des valeurs traditionnelles de bienséance encore très prégnantes dans la société française des années 60, et qui se caractérise par une volonté d'irrévérence et de dérision généralisée («on peut rire de tout» - de la mort de de Gaulle, des curés, des flics, des militaires, des fachos, des bourgeois, mais aussi des féministes, des pédés, des cocos, des juifs, des arabes ou des petits africains victimes de famine) et un goût revendiqué pour le choquant quitte à tomber dans des trucs assez graveleux (au nom de la «libération sexuelle») ou un humour noir vraiment très grinçant - je vois une espèce de continuum qui va de Hara-Kiri à «l'esprit Canal» en passant par Coluche, les films de Bertrand Blier, les pièces du Splendid, etc. (Le genre de chose qui effectivement, à l'époque, faisait un peu pincer le nez dans des familles catho-gaullistes comme la mienne.)

Et puis, le temps passant (et les porteurs de cet état d'esprit-là ayant gagné en assise sociale - et parfois dérivé vers des postures franchement réac), cela peut être perçu comme une forme de cynisme de gens arrivés, surtout lorsque ça s'exprime face à des thématiques apparues plus récemment et portées avec sérieux par les jeunes générations (éco-anxiété, violences sexuelles, discriminations...) Je pense que c'est ça qui doit sembler très boomer.

Francesco a écrit:

J'aime beaucoup Arzner en général mais je pense qu'effectivement Merrily We Go to Hell est son film le plus visiblement brillant. Mais Craig's Wife est passionnant et quoi qu'on en pense (le film fait toujours controverse sur ses intentions), j'adore Dance, girl, Dance, que je personnellement je perçois comme féministe et dont j'aime beaucoup l'écriture et le rythme (sans oublier Lucille Ball, brillante).

Que penses-tu de Christopher Song? Il m'attirait pas mal aussi, à cause d'Hepburn, mais j'ai l'impression qu'il ne fait pas vraiment l'unanimité.

Benedictus a écrit:

Xavier a écrit:

Merci Emeryck d'avoir explicité, hélas ça ne m'éclaire pas vraiment plus, j'ai l'impression que dans ce que tu dis, "boomer" signifie humour que tu trouves pas drôle.

Je ne connais pas les films dont il est question, mais ce que je crois en discerner d'après ce que dit Emeryck, il me semble que c'est peut-être un peu plus que ça (et que je perçois, pour ma part, comme davantage boomer-au-sens-étymologique): j'ai l'impression que c'est non seulement de l'humour qu'Emeryck ne trouve pas drôle, mais un certain type d'humour (que beaucoup de gens dans la génération d'Emeryck - ou plus jeunes - ne trouvent pas drôle) qui, historiquement, me semble en effet assez typé «soixante-huitard» et qui s'est généralisé dans les années 80: un humour qui a d'abord été très subversif au regard des valeurs traditionnelles de bienséance encore très prégnantes dans la société française des années 60, et qui se caractérise par une volonté d'irrévérence et de dérision généralisée («on peut rire de tout» - de la mort de de Gaulle, des curés, des flics, des militaires, des fachos, des bourgeois, mais aussi des féministes, des pédés, des cocos, des juifs, des arabes ou des petits africains victimes de famine) et un goût revendiqué pour le choquant quitte à tomber dans des trucs assez graveleux (au nom de la «libération sexuelle») ou un humour noir vraiment très grinçant - je vois une espèce de continuum qui va de Hara-Kiri à «l'esprit Canal» en passant par Coluche, les films de Bertrand Blier, les pièces du Splendid, etc. (Le genre de chose qui effectivement, à l'époque, faisait un peu pincer le nez dans des familles catho-gaullistes comme la mienne.)

Et puis, le temps passant (et les porteurs de cet état d'esprit-là ayant gagné en assise sociale - et parfois dérivé vers des postures franchement réac), cela peut être perçu comme une forme de cynisme de gens arrivés, surtout lorsque ça s'exprime face à des thématiques apparues plus récemment et portées avec sérieux par les jeunes générations (éco-anxiété, violences sexuelles, discriminations...) Je pense que c'est ça qui doit sembler très boomer.

Oui, c'est ça. Outre l'aspect parfois problématique, il en découle parfois un sentiment de "ouah, ok, hyper nuancé..." dont les figures les plus connues sont "ah les jeunes, avec leurs smartphones..." ou l'antienne "réseaux sociaux=virtuel" ; il y a également plein d'autres trucs : une manière d'utiliser certain smileys, la manière d'écrire, etc. Il y a plusieurs composantes dans le concept de boomer.   

Cololi a écrit:

Trop mainstream, ça... Il fallait citer éco-anxiété et y adjoindre : /watch?v=CrKmxPkV2jY

Sang-soo Hong : La romancière, le film et le heureux hasard        2022


J'avais récemment été agréablement surpris par La femme qui s'est enfuie parce que j'avais trouvé que Hong Sang-soo s'était pas mal renouvelé, avait fait un pas de côté par rapport à ses diagrammes habituels, ses sujets de prédilection et le film était du coup plutôt agréable à suivre, léger et rafraîchissant. Hélas, il revient ici en plein dans ce dont il s'était éloigné avec La femme qui s'est enfuie : on suit une romancière connue qui rencontre une amie libraire et va ensuite croiser un réalisateur et une actrice ; on retrouve les trucs habituels : plans très longs, longues discussions (parfois alcoolisées), le réalisateur comme double de Hong Sang-soo ; ce film est dans la lignée de ses "petits films" comme Grass : il a été tourné en deux semaines, il est en noir et blanc, etc. Malgré le fait que je me sois ennuyé, il y avait quelques passages plutôt plaisants notamment le passage autour de la langue des signes et le final qui permet de donner un peu corps de la trajectoire qui va des figures (la romancière connue, le réalisateur connu) vers les personnes (j'aime bien le plan où la romancière est filmée comme s'il s'agissait d'une interview puisqu'elle s'adresse directement à celui qui filme ; j'aime bien aussi le moment de passage à la couleur à la fin) ; c'est quand même pas extrêmement passionnant : d'une part parce que cette dichotomie n'est pas très exaltante et d'autre part parce que cette trajectoire ne prend pas complètement, elle a un temps d'allumage ; j'imagine que pour les fans du réalisateur sud-coréen, ç'a dû être l'extase.

Emeryck a écrit:

 
Trop mainstream, ça... Il fallait citer éco-anxiété et y adjoindre : /watch?v=CrKmxPkV2jY

Oui, mais là Lordon ne tape pas sur l'éco-anxiété (légitime) des jeunes ... il dénonce son utilisation par des boomers justement (les éditorialistes connus) pour psychologiser la chose, la dépolitiser ... pour que rien ne change.

Soit dit en passant ... restreindre l'éco-anxiété aux jeunes, voilà encore un truc de boomer non ? On peut avoir 60 ans et être légitimement (de mon point de vue du moins) éco-anxieux ... et pas seulement en pensant à l'avenir de ses enfants, de ses petits-enfants ou de l'humanité (ce qui est déjà très suffisant pour l'être) ... mais même en pensant à soi.

Cololi a écrit:

Soit dit en passant ... restreindre l'éco-anxiété aux jeunes, voilà encore un truc de boomer non ? On peut avoir 60 ans et être légitimement (de mon point de vue du moins) éco-anxieux ... et pas seulement en pensant à l'avenir de ses enfants, de ses petits-enfants ou de l'humanité (ce qui est déjà très suffisant pour l'être) ... mais même en pensant à soi.

Je ne la restreignais pas aux jeunes: je disais que c'était un thème apparu en tant que tel seulement récemment dans l'espace public et le champ médiatique, et, si, d'abord porté par des jeunes (ce qui serait boomer, pour le coup, ce serait de ne voir en Greta Thunberg qu'une invention des médias bien-pensants.)

Même chez les militants écolo les plus conséquents des générations d'avant (je pense par exemple à René Dumont), l'idée qu'on allait droit dans le mur se traduisait par de l'indignation, un activisme parfois un peu rageux, mais je n'ai jamais eu souvenir de cette coloration particulière d'anxiété.

Parsifal a écrit:

Francesco a écrit:

J'aime beaucoup Arzner en général mais je pense qu'effectivement Merrily We Go to Hell est son film le plus visiblement brillant. Mais Craig's Wife est passionnant et quoi qu'on en pense (le film fait toujours controverse sur ses intentions), j'adore Dance, girl, Dance, que je personnellement je perçois comme féministe et dont j'aime beaucoup l'écriture et le rythme (sans oublier Lucille Ball, brillante).

Que penses-tu de Christopher Song? Il m'attirait pas mal aussi, à cause d'Hepburn, mais j'ai l'impression qu'il ne fait pas vraiment l'unanimité.

C'est un film très intéressant, très bien joué par Hepburn qui est parfaite dans ce registre ... et avec des costumes stupéfiants. Ca fait partie de ces "mélodrames en avion" typique des années 30, mais quand je l'ai vu, j'ai surtout été frappé par son élégance un peu statique, mais très RKO.

PS : la question du boomer est également souvent agitée en salle des professeurs dans mon lycée, mais ça renvoie plutôt à des concepts datés (en particulier sur le genre). Dans ces cas là, "t'es vraiment un boomer" est encore plus fort que "tu es ringard" (malgré mon grand âge, j'échappe donc à l'insulte, fréquente, parfois sur le ton de la plaisanterie, entre vingtenaires/trentenaires et quadra). J'ai eu un peu de mal à comprendre qu'effectivement le concept était beaucoup large et impossible à cerner, pour ainsi dire.

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Soit dit en passant ... restreindre l'éco-anxiété aux jeunes, voilà encore un truc de boomer non ? On peut avoir 60 ans et être légitimement (de mon point de vue du moins) éco-anxieux ... et pas seulement en pensant à l'avenir de ses enfants, de ses petits-enfants ou de l'humanité (ce qui est déjà très suffisant pour l'être) ... mais même en pensant à soi.

Je ne la restreignais pas aux jeunes: je disais que c'était un thème apparu en tant que tel seulement récemment dans l'espace public et le champ médiatique, et, si, d'abord porté par des jeunes (ce qui serait boomer, pour le coup, ce serait de ne voir en Greta Thunberg qu'une invention des médias bien-pensants.)

Même chez les militants écolo les plus conséquents des générations d'avant (je pense par exemple à René Dumont), l'idée qu'on allait droit dans le mur se traduisait par de l'indignation, un activisme parfois un peu rageux, mais je n'ai jamais eu souvenir de cette coloration particulière d'anxiété.

Tu as raison et c'est assez logique, je pense, parce que, dans les faits, des gens de notre génération et de la précédente auront quand même relativement profité de l'existence (et beaucoup de la planète). Alors que bon, avoir 20 aujourd'hui ... moi aussi, je serais anxieux.

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

Soit dit en passant ... restreindre l'éco-anxiété aux jeunes, voilà encore un truc de boomer non ? On peut avoir 60 ans et être légitimement (de mon point de vue du moins) éco-anxieux ... et pas seulement en pensant à l'avenir de ses enfants, de ses petits-enfants ou de l'humanité (ce qui est déjà très suffisant pour l'être) ... mais même en pensant à soi.

Je ne la restreignais pas aux jeunes: je disais que c'était un thème apparu en tant que tel seulement récemment dans l'espace public et le champ médiatique, et, si, d'abord porté par des jeunes (ce qui serait boomer, pour le coup, ce serait de ne voir en Greta Thunberg qu'une invention des médias bien-pensants.)

Même chez les militants écolo les plus conséquents des générations d'avant (je pense par exemple à René Dumont), l'idée qu'on allait droit dans le mur se traduisait par de l'indignation, un activisme parfois un peu rageux, mais je n'ai jamais eu souvenir de cette coloration particulière d'anxiété.

L'anxiété c'est justement pour Mr TTLM, pas pour le militant non ?
Je voulais dire juste qu'il est parfaitement légitime d'être anxieux ... qu'on soit informé ou non, militant ou non, jeune ou vieux (c'est encore plus légitime de l'être quand on est jeune, ça je n'en disconviens pas).

Giordano Gederlini : Entre la vie et la mort        2022

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Le réalisateur chilien Giordano Gederlini avait commencé au cinéma en 2002 avec Samouraïs qui a l'air d'être une daube presque au niveau du Baltringue de Sebas et c'est à mon avis ce qui l'a conduit à faire une pause de vingt ans à la réalisation ; entre temps, il a contribué à quelques scénarios (plus ou moins réussis) comme celui de Duelles d'Olivier Masset-Depasse ou des choses plus réussies comme Les misérables de Ladj Ly. Ici, il revient avec un thriller vraiment classique d'un père confronté au suicide (enfin, pas vraiment) de son fils (sous le métro qu'il conduit) et découvre qu'il était impliqué dans un gros braquage qui a fait des morts ; le film va (sans véritable originalité) mettre côte à côte la trajectoires du père qui veut comprendre et de la police qui enquête ; techniquement, ça fait le job mais rien d'extraordinaire même si je dois reconnaître que le film ne traîne pas trop, c'est déjà ça ; je pense que le manque d'audace scénaristique et en terme de réalisation vient probablement de la production du film, distribuée entre plusieurs organismes nationaux de différents pays. Sinon, du côté des acteurs, je n'ai pas été très convaincu par l'acteur principal (Antonio de la Torre, même s'il a apparemment tout joué en phonétique, sacré truc !) qui me semble avoir un mode "on" et un mode "off" ; Marine Vacth et Olivier Gourmet font le job dans le rôle de policiers mais rien d'extraordinaire. En fait, dans ce film, tout est à peu près au même niveau : ça passe mais pas extraordinaire mais bon, on a l'air d'être à des années lumière de Samouraïs.

Didier Barcelo : En roue libre        2021

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Ce film est le premier long-métrage de Didier Barcelo, il s'agit d'un road movie assez originalement entamé : on suit Louise (interprétée par Marina Foïs), elle est rappelée à l'ordre par une policière parce que sa vieille Volvo break est mal stationnée ; lorsqu'elle rentre dans sa voiture, elle ne trouve pas de place et n'arrive alors plus du tout à sortir de sa voiture ; lorsqu'elle se gare sur un parking pour se reposer, un jeune homme (interprété par Benjamin Voisin) entre dans sa voiture, la démarre et part avec ; s'ensuit alors une longue embardée vers Cap Ferrat. Ce début était assez prometteur, notamment la manière assez originale dont le film territorialise le coup de pompe à travers cette Volvo break orange (ça ne s'invente pas), le fait de ne pas avoir trouvé de place, de se faire rappeler à l'ordre, d'essayer de trouver une place à nouveau, s'arrêter ; la suite, même si elle est parfois un peu touchante, est tout de même plus attendue : complémentarité des deux personnages à bord de la voiture, galerie de personnages (assez drôles, cela dit, en général) tous plus invraisemblables les uns que les autres. Au final, cela donne un peu l'impression que le film se perd un peu et ne nous raconte pas tant de choses ; c'est dommage car le tandem Foïs-Voisin, même s'il ne va pas de soi, fonctionne assez bien. Attendons de voir ce que donne son prochain film.

Diastème : Le monde d'hier        2022


Ce film est le quatrième long métrage de Diastème (qui a écrit plusieurs scénarios pour la télévision et le cinéma), je ne le connaissais pas du tout et franchement, à l'issue de ce film, je ne le regrette pas tant que ça puisque je crois qu'il s'agit de l'un des films les plus mauvais (si ce n'est le plus mauvais) que j'ai vu cette année : il n'y a rien qui va. Le film raconte l'histoire d'une présidente sortante qui décide d'arrêter la politique mais lorsqu'un de ses conseillers lui apprend qu'un scandale ayant eu lieu à l'étranger pourrait causer des ennuis à son/sa successeur/se et aussi que le candidat d'extrême-droite pourrait gagner. Tout d'abord, le film est d'un ennui mortel car le scénario n'est pas du tout rythmé, les dialogues sont vraiment risibles tant ils sonnent faux, les acteurices font ce qu'ils peuvent mais ce n'est pas bon (pourtant, la distribution n'est pas mal : Denis Podalydès puis Benjamin Biolay, Léa Drucker) ; je ne parle pas de la musique qui est vraiment lourdingue et beaucoup trop présente. Un des points qui m'a le plus agacé, c'est la vision de la politique qu'expose le film : c'est vraiment un personnage politique qui va sauver le monde par un choix ; c'est vraiment pénible et d'ailleurs, de façon amusante (mais assez logique) cette manière de montrer une seule personne politique qui va sauver tout le peuple de l'extrême-droite a pas mal de recoupements avec la rhétorique d'En Marche - enfin, bon, de toute façon, je pense qu'il y aurait des recoupements avec la rhétorique de n'importe quel parti ultra-libéral. Pour couronner le tout, le film se prend extrêmement au sérieux et on sent qu'à travers cette histoire, il veut nous faire remarquer qu'il analyse avec une finesse inégalable ce qu'on a pu voir récemment - lui, on sait pour qui il a voté en 2017 et en 2022, et avec le sourire ; enfin bref, ce film est vraiment pénible (si jamais vous ne l'aviez pas encore compris) : je n'ai d'ailleurs même pas terminé le film, ce qui n'arrive quasiment jamais.

Laurent Cantet : Arthur Rambo        2021


Je ne suis en général pas un grand fan de Cantet (que je ne connais pas tellement bien mais ce que j'ai vu ne m'avait pas véritablement convaincu) ; ici, le film est en très grande partie inspiré par l'histoire de Mehdi Meklat, un blogueur de banlieue qui a été repéré et qui a ensuite chroniqueur sur France Inter, il a aussi écrit plusieurs livres avec l'écrivain kényan Badroudine Saïd Abdellah et a réalisé plusieurs choses pour la télévision ; un jour, des tweets (nauséabonds) publiés sous le pseudo Marcelin Deschamps refont surface (bien qu'ils étaient apparemment bien connus de certain(e)s) et ç'a forcément fait beaucoup de bruit. Le film raconte ce moment, de manière assez plate et sans grande inspiration ; c'est un sujet intéressant mais je crois que Cantet a choisi l'angle d'attaque le moins intéressant, à savoir "ah bah voilà, identité double, mais qui est qui ??" alors qu'il aurait été, je trouve, intéressant de se pencher sur ce qui a mené à de telles choses, aux réactions - entre celleux qui sont en mode "les mystères de l'Âme humaine..." et ceux qui en profitent pour déverser leur racisme et leur attitude classiste (Sonia Devillers qui nous dit que "ils auraient dû se montrer bien plus vigilants" car c'était un gars en banlieue) en usant de détours qui n'ont parfois aucun rapport (Finkielkraut qui relève que les associations anti-racistes n'ont pas réagi à temps...)  ; bref, ici, rien de tout ça. Le film est moyen mais se suit sans peine ; les acteurices sont bien (en particulier Rabah Naït Oufella dans le rôle principal) mais par contre, la subtilité de la mise-en-scène, ce n'est pas ça du tout : il y a (au moins) deux scènes vraiment lourdingue et pénibles où le personnage principal essuie quelque chose qu'il a renversé - il y en a même une où il ouvre une bouteille de Coca-Cola préalablement secouée, du coup, elle mousse comme pas possible et la boisson coule par terre, du coup, il nettoie : très subtil, ce renvoi au film. Enfin bon, c'est du Cantet, quoi'. 

Elisabeth Subrin : Maria Schneider, 1983        2022

 +
Elisabeth Subrin est une réalisatrice américaine, également professeure à l'université Temple aux États-Unis ; elle a commencé à réaliser des films au milieu des années 90 ; je ne la connaissais pas du tout mais je vais me pencher sur sa filmographie qui semble très intéressante : dans son film de fin d'études Swallow, à travers un film-collage où l'on peut retrouver des extraits de Blade runner, de Poltergeist ou de Network, elle parle d'une adolescente luttant contre ses troubles alimentaires et la dépression. Elle a également adapté un script inachevé d'Antonioni et a créé un blog (intitulé "Who cares about actresses?") à la mémoire de l'actrice Maria Schneider qui a tourné avec Rivette, Antonioni ou (et c'est à mon avis le film dont on lui a le plus parlé) avec Bertolucci. Dans le court-métrage Maria Schneider, 1983, elle prend comme point de départ l'interview de Maria Schneider pour l'interview réalisé pour l'émission Cinémas cinémas ; il y est pas mal question du film Ultimo tango a Parigi de Bertolucci dans lequel elle a tourné et a été violée par Marlon Brando (avec la complicité de Bertolucci) avec des questions comme "Vous n'êtes pas capable de faire la part entre la force du film et ce que tu as vécu toi ?". J'ai trouvé ce court-métrage vraiment intelligent et d'une grande efficacité : trois actrices (Manal Issa, Aïssa Maïga et Isabel Sandoval) vont rejouer cette interview, avec parfois quelques variations dans les réponses où elle s'approprient cette interview puisque, finalement, une interview similaire (et de telles questions) semblent encore plausibles aujourd'hui.

Gaël Lépingle : L'été nucléaire        2020

 +
Ce film est le troisième long-métrage de fiction du réalisateur Gaël Lépingle (qui a d'ailleurs réalisé deux moyens-métrages documentaires sur Guy Gilles !), je le découvre avec ce film et je dois dire que je suis partiellement emballé : d'un point de vue visuel et formel, c'est assez réussi (notamment grâce à des idées qui sont véritablement filées) mais d'un point de vue scénaristique, ce n'est vraiment pas terrible. Comme indiqué sur l'affiche du film, ce dernier imagine une catastrophe nucléaire imminente ; un homme et une femme en couple décident alors de se confiner chez eux plutôt que d'évacuer la zone (cet aspect n'est pas extrêmement clair, je dois dire - l'histoire de la voiture plantée dans le champ au début est assez invraisemblable), ils sont avec des amis à eux et suivent via les médias l'évolution de la situation. Je pense qu'il est assez vain de commenter les personnages eux-mêmes et leur construction tant on est peu renseigné sur celleux-ci et ils ne sont vraiment pas intéressants. Ce qui m'a semblé intéressant dans ce film, c'est la manière dont le film travaille le concept de fuite : il est bien sûr au centre du récit puisque c'est la fuite d'un réacteur qui va conditionner les trajectoires des personnages ; cette fuite trouve aussi une incarnation dans les relations entre les personnages qui sont assez indistinctes ; on en trouve également une autre incarnation dans les informations rapportées par les médias qui arrivent (parfois contradictoires) de manière toujours assez informe et restreinte ; on pourrait également rattacher les différentes sorties hors de la maison à ce traitement ; ce n'est peut-être pas complètement abouti mais je trouve qu'il y a tout de même des idées et avec la belle photo de Simon Beaufils, je trouve qu'une ambiance arrive tout de même à s'installer - elle serait plutôt à chercher du côté de l'indistinct que de l'angoisse comme aurait pu laisser l'entendre le scénario aux accents catastrophes.

Pierre Salvadori : La petite bande        2022

 +
Dernièrement, j'avais été vraiment conquis par le premier film de Salvadori (Cible émouvante) ; je crois que celui-ci est mon second préféré (les autres venant très loin derrière) : j'y ai retrouvé l'intelligence de mise en scène et les petites trouvailles de son premier film. Le film met en scène une bande de quatre (puis cinq, puis tragiquement quatre) enfants, il se passe dans un grand flash-back à l'intérieur duquel est racontée l'histoire de la petite bande et notamment leur envie de mettre le feu à une usine qui pollue une rivière pas loin d'eux : sacré programme. On va alors suivre toutes leurs mésaventures (le transport de l'essence, les ennuis collatéraux lors de l'arrivée à l'usine, etc.) ; j'ai beaucoup aimé tous les jeux avec les sortes de masques vénitiens qu'ils portent pour pas que leur otage ne les reconnaisse, notamment les jeux d'ombres. Ce qui m'a plu dans ce film, c'est la manière dont il mettait les enfants au centre, sans les prendre pour des guignols et faire une intrigue à ras-de-terre ; j'ai trouvé de plus que les dialogues et la dynamique du film donnaient beaucoup de légèreté, de drôlerie et d'élan au film : on est vraiment assez loin de la surenchère constante (et assez ridicule) de En liberté.

Michel Hazanavicius : Coupez !        2022


Ce film est un remake de Ne coupez pas ! de Shin'ichirō Ueda, un petit film japonais au mince budget de vingt-cinq mille dollars ; il en reprend la structure tripartite : une petite équipe doit tourner un film de zombies composé d'un seul plan-séquence dans un vieil entrepôt crade, ils se font soudain attaquer par de véritables zombies, l'équipe apprend alors que c'est le réalisateur qui a activé une malédiction pour que les acteurices soient véritablement terrorisé(e)s et qu'il obtienne un vrai sentiment de peur à la caméra ; la deuxième partie est un flash-back où l'on en apprend davantage sur ce projet et la troisième partie est un retour à la temporalité initiale (mais du coup, plus informé) où on est du coup un peu surpris par les rôles que l'on avait initialement attribués. J'ai trouvé ce découpage est vraiment bizarre : plus exactement, je trouve que ce retour au tournage donne un aspect un peu trop didactique au film, comme si on disait "bon, c'est bon, vous avez compris, là ?" ; je trouve que le film aurait été plus digeste s'il avait été écourté d'une bonne vingtaine de minutes, peut-être en rabotant un peu les deux premières parties. Cette réticence mise à part, j'ai trouvé que le film était assez drôle, assez plaisant (comme dans tous les autres films de Hazanavicius que j'ai vus, il y a quelques chose d'assez confortable, de bienveillant avec le spectateur et avec le cinéma : il ne s'agit pas de rire des films de série Z, il s'agit d'en parler, de parler un peu de leur tournage) et l'écriture des rôles (je ne sais pas dans quelle mesure elle diffère du film original) est pas mal gérée (dans ce film, j'ai bien aimé Jean-Pascal Zadi et Finnegan Oldfield).

Julie Lecoustre & Emmanuel Marre : Rien à foutre        2021


Il me semble que ce film est la première réalisation de Julie Lecoustre et ça doit être aussi le premier long-métrage d'Emmanuel Marre ; ils avaient déjà travaillé ensemble sur un court-métrage de Marre (D'un château l'autre) dont Lecoustre avait co-écrit le scénario. Dans ce long-métrage, on retrouve l'aspect assez direct et le montage assez abrupt de D'un château l'autre ; le film a été filmé majoritairement à l'aide d'un téléphone ; il raconte la vie d'une jeune femme prénommée Cassandre (interprétée par Adèle Exarchopoulos) ayant fui sa famille et ayant trouvé un peu à l'arrache ce job d'hôtesse de l'air dans une compagnie low-cost, elle vit un peu au jour le jour, n'a le temps de s'attacher à personne (les séquences avec les messages d'applications de rencontre sont quand même vraiment drôles) ; dans cette première partie, le film met pas mal sur l'aspect hyper-normé de ce travail (il faut toujours sourire, il faut absolument se raser les jambes) et l'aspect parfois absurde (à un moment, la compagnie oblige Cassandre à prendre la tête de l'équipe de bord alors qu'elle n'en a pas du tout envie) ; j'ai aimé la manière dont le film arrivait à faire passer l'aspect sur-le-fil-du-rasoir du personnage de Cassandre, à la fois disant aux gens qu'elles rencontrent que c'est super car elle voit plein de lieux mais d'un autre côté, elle ne sait pas du tout où elle va, se retrouve à boire des fioles de vodka entre deux vols, etc. La seconde partie du film (qui semble être pensée comme un atterrissage) se focalise plus sur l'entourage familial de Cassandre et amène une tonalité du coup très différente : elle est sans doute moins déprimante (même si la scène de fin, aïe...) mais je la trouve moins originale. Pour finir, je dois dire que j'ai beaucoup aimé le jeu d'Adèle Exarchopoulos ; elle m'avait également agréablement surpris dans Les cinq diables de Léa Mysius, je ne sais pas si son jeu a fondamentalement changé mais j'aime bien.

Emeryck a écrit:

Michel Hazanavicius : Coupez !        2022


Ce film est un remake de Ne coupez pas ! de Shin'ichirō Ueda, un petit film japonais au mince budget de vingt-cinq mille dollars ; il en reprend la structure tripartite : une petite équipe doit tourner un film de zombies composé d'un seul plan-séquence dans un vieil entrepôt crade, ils se font soudain attaquer par de véritables zombies, l'équipe apprend alors que c'est le réalisateur qui a activé une malédiction pour que les acteurices soient véritablement terrorisé(e)s et qu'il obtienne un vrai sentiment de peur à la caméra ; la deuxième partie est un flash-back où l'on en apprend davantage sur ce projet et la troisième partie est un retour à la temporalité initiale (mais du coup, plus informé) où on est du coup un peu surpris par les rôles que l'on avait initialement attribués. J'ai trouvé ce découpage est vraiment bizarre : plus exactement, je trouve que ce retour au tournage donne un aspect un peu trop didactique au film, comme si on disait "bon, c'est bon, vous avez compris, là ?" ; je trouve que le film aurait été plus digeste s'il avait été écourté d'une bonne vingtaine de minutes, peut-être en rabotant un peu les deux premières parties. Cette réticence mise à part, j'ai trouvé que le film était assez drôle, assez plaisant (comme dans tous les autres films de Hazanavicius que j'ai vus, il y a quelques chose d'assez confortable, de bienveillant avec le spectateur et avec le cinéma : il ne s'agit pas de rire des films de série Z, il s'agit d'en parler, de parler un peu de leur tournage) et l'écriture des rôles (je ne sais pas dans quelle mesure elle diffère du film original) est pas mal gérée (dans ce film, j'ai bien aimé Jean-Pascal Zadi et Finnegan Oldfield).

J'ai vu les deux, et j'ai préféré le remake (qui est assez fidèle en fait), qui m'a beaucoup amusé.

L'anglais tel qu'on le parle



Très drôle. (on s'ennuie rarement avec Poiret et Serrault)

Ruben Östlund : Triangle of sadness        2022


Je crois que mon appréciation de Ruben Östlund va en décroissant : je l'avais découvert avec The square que j'avais apprécié (sans le trouver toutefois très subtil mais ça changeait un peu), j'ai ensuite découvert Snow therapy que j'avais trouvé pas nul mais beaucoup plus convenu (toujours pas subtil) puis Play que j'avais trouvé parfois assez drôle mais aussi plutôt pénible (notamment à cause de la position surplombante du réalisateur et de l'antipathie systématique envers ses personnages) ; avec Triangle of sadness, c'est l'apothéose : le film est en trois parties : la première nous montre une séance d'auditions menée par une grande marque de vêtements puis on file vers un des mannequins et sa copine influenceuse (!) qui se disputent autour de qui doit payer l'addition ; la seconde partie nous amène sur un énorme bateau de croisière peuplé de personnes riches pour un bref remake de La grande bouffe version iels-se-sont-goinfré(e)s-d'argent, vomi et merde inclus ; dans la troisième partie, très différente des deux autres, peut-être un peu moins agaçante - ou du moins, agaçante pour des raisons : ce n'est plus la posture surplombante du réalisateur qui agace mais la bêtise de ce qui est exposé : pour faire court, après le naufrage, on se retrouve sur une île déserte et dépourvus de tous leurs atours, ça y est, ils découvrent la vie véritable et c'est à présent Abigail, une des femmes de ménage sur le yacht, qui va un peu tout gérer. 


Bon, vous aurez pu comprendre que le film m'a grandement agacé, d'une part parce que Östlund doit se penser extrêmement subversif alors qu'il est sans doute le réalisateur le plus installé - oui, on pourrait dire "oui mais en fait, il est conscient de cette position et à chaque fois, il fait un gros doigt d'honneur à ce milieu", ça me semble soutenable pour The square mais ça me semble plus difficile à soutenir pour ce film, qui a d'ailleurs obtenu la palme d'or à Cannes en 2022 ; ce n'est pas complètement incompatible, bien sûr mais là, il semble vraiment répéter la même recette (à quelques variations près) - et ça ne semble pas s'arranger puisque son prochain film s'appelle pour l'instant The entertainment system is down (!) et mettra en scène un vol (dont on saura apparemment dès le début qu'il va s'écraser) dont tous les écrans tombent en panne : il n'y a plus de divertissement. D'autre part, je trouve que le film ne fait que dire des évidences : c'est déjà assez évident dans le choix des personnages (un homme qui "vend de la merde" (eh oui, c'est un homme qui a fait fortune dans la vente d'engrais), un couple de vieux anglais qui se proclament "protecteurs de la démocratie" puisqu'ils ont fait fortune dans la vente d'explosifs en tout genre, on a aussi le droit à l'ingénieur informaticien esseulé plein aux as et bien sûr, la cerise sur le gâteau, la preuve de son acuité à saisir les mutations de la domination capitaliste (non) : un couple composé d'un mannequin et d'une influenceuse) et puis dans ce que ça raconte (même si la dernière partie vient un peu tempérer tout ça) : "putain, les riches sont trop cons, ils sont trop hors de ce monde, ils sont dans un monde d'apparences... l'argent corrompt tout..." ; ce qui distingue Östlund du boomer, ce n'est que sa maîtrise technique (relative). 


Peut-être que je suis passé à côté de quelque chose mais pour moi, ce film est vraiment bête (et il fait vraiment des efforts dans cette direction) et n'a aucun intérêt : je ne le trouve même pas opérant d'un point de vue cathartique : il ne montre tellement rien, aucun mécanisme et se fout finalement tout à fait des conséquences de l'existence de tels personnages ; on sent qu'il essaie de donner dans la catharsis notamment à travers cette scène qui constitue l'acmé du film (l'analogue de la scène du mime de singe dans The square) : on essaie de dissimuler les reflux puis tout resurgit de plus belle : gerbes de vomi (auxquelles les passager(e)s essaient de rester indifférent(e)s) puis reflux venant des toilettes (accompagnés à l'extérieur par l'agitation de la mer) mais ça ne marche pas : il n'y a pas de puissance d'action, de redistribution du sensible, dites ça comme vous voulez ; des films comme Parasite de Bong Joon-ho (même s'il n'est pas parfait sur la question) ou comme Merci patron ! de François Ruffin ont une puissance cathartique parce qu'ils montrent des mécanismes.


Pour être tout à fait honnête, je dois dire qu'il y a quelques passages drôles dans ce film (certaines répliques isolées dans la seconde partie, le duel entre le capitaine qui écoute l'Internationale dans sa chambre et le gars qui vend de la merde à coup de citations piochées à droite à gauche), que les acteurices sont hyper impliqué(e)s et qu'il y a une certaine maîtrise technique (mais sans véritable grande idée) mais ça n'a pas beaucoup pesé dans la balance pour ma part ; en plus, le film dure quasiment deux heures et demi... 

L'Esquive

Bertrand Mandico : After blue (paradis sale)        2021

 +
Ce film est (seulement) le deuxième long-métrage de Mandico ; j'avais parlé du premier (Les garçons sauvages) il y a quelques mois, je l'avais découvert avec une certaine curiosité et cette manière de se réapproprier le récit d'aventure(s) m'avait pas mal plu et, bien sûr, l'image et l'esthétique étaient superbes. Pour After blue, je dois dire que le récit m'a moins séduit : le film est une sorte de western de science-fiction (ou peut-être un post-western) : le film se passe dans le futur et on interroge une jeune femme prénommée Roxy sur sa vie, elle nous raconte que tout le monde a migré sur une planète appelée After blue car la Terre était "pourrie" ; arrivée là-bas avec sa mère, elle aperçoivent une femme ensablée et décident de la déterrer, elles ne réaliseront que bien après, lorsque tout le monde les accusera de meurtre, que cette Kate Bush (!) était en fait une meurtrière ; le film raconte leur poursuite de cette Kate Bush. Ce que j'ai aimé dans ce récit, c'est la manière dont il se place par rapport au genre du western (en plus, plus proche de ceux que j'aime, c'est-à-dire les contemplatifs où il ne se passe pas grand-chose) : il y a tous ces pistolets qui se trouvent enfouis dans le sol, ces chevaux (ou autres créatures plus ou moins étranges) et cette idée de traquer à nouveau une tueuse, comme s'il s'agissait d'une exhumation (littérale) de la figure de la personne qu'on peut voir sur les affiches "wanted". Ce n'est toutefois pas ce qui m'a le plus intéressé dans ce film (notamment parce que le récit est assez étiré, très lent et assez mince) ; ce qui m'a davantage séduit/emporté, c'est (à nouveau) l'aspect visuel du film (costumes impressionnants, trouvailles remarquables à l'image) ; je trouve que le film va même plus loin que Les garçons sauvages sur cet aspect : le début est vraiment somptueux, avec cette plage colorée et ce prélude avec la superbe voix de Nathalie Richard. Ce qui m'a un peu refroidi - comme dans d'autres réalisations de Mandico - ce sont les quelques moments où le cringe n'est jamais très loin (ici, un peu dans une vibe féminin sacré, parfois).

Emeryck a écrit:

Ce que j'ai aimé dans ce récit, c'est la manière dont il se place par rapport au genre du western (en plus, plus proche de ceux que j'aime, c'est-à-dire les contemplatifs où il ne se passe pas grand-chose) : il y a tous ces pistolets qui se trouvent enfouis dans le sol, ces chevaux (ou autres créatures plus ou moins étranges) et cette idée de traquer à nouveau une tueuse, comme s'il s'agissait d'une exhumation (littérale) de la figure de la personne qu'on peut voir sur les affiches "wanted".

Tiens, au fait, est-ce que je t'ai déjà conseillé / tu as déjà regardé les deux westerns réalisés dans les années 60 par Monte Hellman (avec Jack Nicholson), Ride in the Whirlwind et The Shooting?

Benedictus a écrit:

Emeryck a écrit:

Ce que j'ai aimé dans ce récit, c'est la manière dont il se place par rapport au genre du western (en plus, plus proche de ceux que j'aime, c'est-à-dire les contemplatifs où il ne se passe pas grand-chose) : il y a tous ces pistolets qui se trouvent enfouis dans le sol, ces chevaux (ou autres créatures plus ou moins étranges) et cette idée de traquer à nouveau une tueuse, comme s'il s'agissait d'une exhumation (littérale) de la figure de la personne qu'on peut voir sur les affiches "wanted".

Tiens, au fait, est-ce que je t'ai déjà conseillé / tu as déjà regardé les deux westerns réalisés dans les années 60 par Monte Hellman (avec Jack Nicholson), Ride in the Whirlwind et The Shooting?

Pas du tout, mais je vais me procurer ça, du coup ; merci ! 

David Cronenberg : Crimes of the future        2022

 + / 
Après leurs trois collaborations (A history of violence, Eastern promises et A dangerous method), Mortensen et Cronenberg se retrouvent pour ce film, aux côtés (c'est plus étonnant) de Léa Seydoux ; honnêtement, concernant les acteurices, j'ai trouvé que Mortensen était bien au-dessus des autres (mais c'est sans doute parce que Cronenberg travaille plus son personnage) mais Seydoux n'était pas en reste non plus. Le film en lui-même est assez curieux : tout d'abord, il porte le même titre qu'un autre film réalisé par Cronenberg au début des années 70 - mais avec lequel il n'a aucun rapport ; ensuite, il marque un retour (durable ?) de Cronenberg au genre de film très organique qu'il faisait avant les années 2000 - d'ailleurs, ce scénario avait écrit au début des années 2000. Ce film est parsemé de seuils dans ce genre : les personnages sont articulés par tandems complémentaires, il y a tout ce truc autour de old sex/new sex et aussi ce procédé de désorientation qui consiste à extérioriser l'intérieur au sens propre. Ce film m'a également beaucoup rappelé Scanners notamment à travers la scène d'ouverture avec le garçon étouffé (parce qu'il pouvait digérer les plastiques - bah oui) dont on apprend par la suite qu'il est le fils du personnage joué par Scott Speedman ; il me rappelle également Scanners par son scénario assez alambiqué à l'issue duquel on se dit "ah oui d'accord, tout ça pour ça ?". De manière générale, je ne pense pas que le film soit tout-à-fait réussi : ce n'est pas un film qui va régulièrement m'accompagner parce que finalement, il ne m'a pas raconté tant de choses - même si je dois reconnaître qu'en terme d'atmosphères, c'est assez réussi, il y a vraiment quelque chose ; peut-être que son film à venir (pour l'instant intitulé The shrouds pour lequel on retrouvera Léa Seydoux mais aussi (beaucoup plus étonnant et je sais pas si ça va marcher) Vincent Cassel) poussera tout ça plus loin, au-delà de ce seuil dans lequel semble logé ce film.

Jonathan Barré : Les vedettes        2022

 +
J'avais été agréablement surpris par Grégoire Ludig et David Marsais dans Mandibules de Dupieux où leur duo fonctionnait vraiment bien ; pour cette raison, j'étais assez curieux à propos de ce film. Le duo est articulé sur un mode différent : il s'agit ici d'une figure plus classique de la comédie puisqu'il s'agit d'un duo qui est assez conflictuel au début du film, dont les personnalités sont assez différentes, qui vont finalement se retrouver ensemble, se supporter et qui vont finalement trouver en l'autre une agréable compagnie et une complémentarité. Ils travaillent tous deux dans un magasin d'appareils électroniques, l'un a été primé employé du mois à de multiples reprises et son boulot, c'est sa vie ; l'autre est à l'opposé, il a été chanteur et s'est retrouvé un peu là par hasard ; un jour, lors d'une diffusion d'un jeu modelé sur Le juste prix, le second réalise que le premier connaît tous les prix sur le bout des doigts, c'est alors qu'il décide de s'inscrire avec son collègue à ce jeu ; puisque le duo plaît à la chaîne de télévision en question (qui ne va pas se priver de les utiliser de manière complètement hypocrite et même de recycler l'un d'eux), ils vont écumer les jeux télévisés. Rien d'extrêmement passionnant en somme mais le film se suit agréablement, il y a quelques petits moments drôles, le tandem fonctionne mais on attend toujours le décollage qui ne vient véritablement jamais.

Arnaud Desplechin : Frère et sœur        2022

 /    +
J'étais curieux de voir quelle direction Desplechin allait prendre après Roubaix, une lumière et surtout Tromperie, deux films qui sortaient assez notablement de sa trajectoire habituelle - même si Roubaix et Philip Roth, c'est aussi très Desplechin. Avec Frère et sœur, Desplechin revient à ses amples récits familiaux, d'ailleurs, pour marquer explicitement la filiation, il reprend le nom de famille Vuillard et on va voir des acteurices qui apparaissent jusque-là ponctuellement dans certains films de Desplechin : le frère, c'est Melvil Poupaud et la sœur, c'est Marion Cotillard ; ils s'adoraient, elle est comédienne (plutôt au théâtre), il est écrivain, elle l'a lancé et c'est là que tout a basculé et que pour rire, elle lui a dit "en fait, je crois que je te hais", c'est le point de départ du film et notamment la confrontation de cette haine avec la mort imminente de leurs deux parents. Honnêtement, j'ai été assez déçu par ce Desplechin (j'aime habituellement beaucoup ce réalisateur) : l'image et la mise-en-scène sont certes très belles et les acteurices sont vraiment très convaincant(e)s mais j'ai trouvé que le récit n'était pas assez ramifié : on tourne juste autour de cette histoire de conflit, ce basculement vers la haine que l'on essaie de renverser mais ça ne fait pas grand-chose : ce que j'aime habituellement chez Desplechin, c'est les interférences des différentes trajectoires et l'amplitude de celles-ci - à cet égard, Conte de Noël et Trois souvenirs de ma jeunesse sont admirables. Ici, on n'atteint jamais de point nodal, de scènes où on se dit que c'est superbe ; on a même plusieurs scènes/dialogues pour lesquelles on souffle à cause de leur aspect convenu : ici, Desplechin est de manière assez claire plus ouvertement dans le mélodrame (ça donne quelques belles scènes grâce au talent des acteurices - et de la direction, aussi, je pense - et à la beauté de l'image) et je crois qu'il n'a pas encore trouvé les bons dosages : il y a des scènes qui sont complètement invraisemblables notamment la scène de retrouvailles au restaurant à la fin où ils se rabibochent en quelques secondes, faisant respectivement la part des choses, etc. (et je n'ai pas l'impression que ce soit une scène mentale) ; j'ai trouvé la scène de fin bien cringe et assez problématique aussi. J'aurais aimé que le frère et la sœur se retrouvent dans cette scène au supermarché, je trouve que ça aurait eu une certaine puissance notamment parce que le supermarché est (je crois) un lieu qui n'a jamais été filmé chez Desplechin et ça aurait contrasté avec l'aspect très intime, très non-dits qui a mené à leur brouille. Bon, en tout cas, j'espère que le prochain sera meilleur parce que là, c'est quand même pas ce qu'il a fait de mieux. 

Chan-wook Park : Decision to leave        2022

 + / 
Cela faisait six ans que Park Chan-wook n'avait pas réalisé pour le cinéma (le dernier film en date étant le très beau Mademoiselle) ; ici, j'y suis allé totalement à l'aveugle et c'est un retour assez différent de ce qu'il a pu faire avant mais bien réussi. Dans ce film, on suit un enquêteur que l'on devine assez confirmé, il va enquêter sur la mort d'un homme qui travaillait pour les services liés à l'immigration, retrouvé mort après une chute du haut d'une montagne, il va ensuite rencontrer la compagne de celui-ci, une aide-soignante (dont le travail lui fournit un alibi) chinoise. Ce que j'ai aimé dans ce film, c'est la construction du récit, la manière dont Park Chan-wook a de superposer des tuilages (il l'avait déjà nettement montré dans Mademoiselle plutôt selon la variante de l'effeuillage), c'est vraiment admirable et ça nous tient sans problème jusqu'au bout (le film dure tout de même environ deux heures vingt) : j'ai aimé tous ces allers-retours, ce brouillage entre la partie thriller et la partie drame. Malgré la profusion du récit et ses multiples revirements, il est finalement assez cerné : une descente de la montagne vers la mer, comme s'il s'agissait de mimer la chute qui donne naissance au récit (il y a aussi à un moment une citation avec la mer et la montagne dans le film qui était assez signifiante mais je l'ai oubliée... elles décrivaient deux attitudes très différentes) ; le récit est aussi parsemé de petits motifs répétés (la singularité de "en conséquence" et plusieurs choses qui tournent autour du fait que l'aide-soignante prétexte qu'elle ne parle pas parfaitement le coréen). Pour finir (spoiler), la fin est vraiment superbe : l'aide-soignante qui creuse dans le sable, s'installe dans le trou puis laisse la mer remplir le trou dans lequel elle est (sans doute un écho au téléphone à propos duquel l'enquêteur lui avait dit qu'il fallait le jeter ou l'enfouir (si je me souviens bien ?)) et ensuite, l'enquêteur court pour la retrouver, il hurle son nom alors qu'il est en fait juste au-dessus d'elle puis la caméra se recule - et bien sûr, la photo sublime le paysage à ce moment-là. C'est pour moi l'un des meilleurs films sortis en 2022 que j'ai pu voir.

Le Cabinet du docteur Caligari

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Quentin Dupieux : Fumer fait tousser        2022

 +
Ce film est assez curieux : après l'avoir vu, j'ai mis pas mal de temps à savoir si je l'avais aimé notamment parce que Dupieux a poussé à l'extrême le curseur de l'absurde-pour-l'absurde et en général, ce genre de choses me gonfle pas mal - c'est ce même genre de pilotage automatique qui m'avait agacé dans Réalité. Ici, je crois que ce pilotage automatique est moins balisé et raconte davantage de choses. Le film commence dans une voiture, un garçon demande à ses parents de s'arrêter sur le bord de la route pour uriner et lorsqu'il va uriner, il aperçoit les "tabac force" (un groupe de cinq justiciers très dans la vibe des groupes de justiciers costumés présents dans plusieurs dessins animés genre Les tortues ninja, Les totally spies et sans doute beaucoup d'autres (antérieurs ou postérieurs)) en train de combattre une tortue géante ; on va ensuite suivre ce quintette dans leur "stage de cohésion" puis dans leurs concours d'histoires flippantes ; vous l'aurez compris, le film procède par récits enchâssés de manière totalement systématique ; l'ambiance est agréable et plutôt drôle, les acteurices sont tou(te)s à fond et le casting est bon (Vincent Lacoste, Oulaya Amamra, Jean-Pascal Zadi, Anaïs Demoustier (je l'ai moins aimée), Gilles Lellouche (qui n'est pour une fois pas trop pénible) et dans des plus petits rôles, on trouve Adèle Exarchopoulos, Blanche Gardin, Benoît Poelvoorde (excellent), Grégoire Ludig, David Marsais et Alain Chabat dont la voix anime une espèce de créature dont la gueule dégouline de liquide vert gluant) mais on pourrait se dire "bon, ok, c'est quand même pas grand-chose". J'ai trouvé que le film racontait vraiment quelque chose sur la manière dont on reçoit et dont on produit les histoires : d'abord, il y a ces justiciers tout droit sortis d'un dessin animé (et les costumes font très 80's) mais il y a aussi ces séances de récit d'histoires flippantes autour du feu (scène-mythe du genre), le tout étant articulé par une logique de discussion ; on pourrait sans doute aller plus loin en confrontant tout ça avec le fait que la distribution fusionne à peu près tous les rôles principaux des derniers films de Dupieux, qu'il pousse sa logique cinématographique à l'extrême ; ce n'est pas non plus complètement passionnant mais le film fait son petit quelque chose.

Limelight

Yohan Manca : Mes frères et moi        2021

 +
Ce film est le premier long-métrage de Yohan Manca, il se passe dans le sud de la France (Sète ?) et raconte la vie de quatre frères en se focalisant sur la vie du plus jeune, Nour (interprété par Maël Rouin Berrandou). Ils habitent dans des HLM et veillent sur leur mère qui est en soin palliatifs chez eux ; Nour a un rapport particulier à l'air Una furtiva lacrima de Donizetti parce que son père (italien, issu de la région de Pavarotti) le chantait à sa mère. Un jour, lorsqu'il effectue ses travaux d'intérêt général dans son propre collège, il entend l'air dans le couloir et découvre un atelier de chant et l'animatrice (interprétée par Judith Chemla) lui propose de rejoindre l'atelier. On pourrait se dire "ohlà, encore un énième film où un(e) bourgeois(e) va sauver une personne non blanche de sa banlieue par l'Art (important, la majuscule !)" et en fait, le film évite ça tout d'abord parce qu'il avait déjà une connaissance préalable (c'est lui qui vient voir, c'est lui qui connaît l'air de Donizetti) et lorsqu'il rencontre l'animatrice, ça ne le fait pas entrer dans le monde de la pureté de l'art ou je ne sais pas quoi : le film montre bien que pour Nour, c'est difficile de venir, notamment parce qu'il doit aider sa famille ou alors parce qu'il a des problèmes ; Nour n'est pas non plus propulsé dans des concours ou je-ne-sais-quoi : il chante parce qu'il aime bien, voilà, c'est suffisant - bon, par contre, je suis un peu dubitatif sur la séquence de fin où Nour vient voir (sur son invitation) le spectacle donné par l'animatrice à l'opéra ; enfin, j'ai trouvé le film assez adroit de ce point de vue. Sinon, j'ai également beaucoup aimé la photographie et son grain, la manière de filmer les plages, etc. - cet aspect solaire m'a un peu rappelé Fragile d'Emma Benestan. Je regrette tout de même que le récit ne soit pas un peu plus fourni.

Frédéric Videau : Selon la police        2021


Je ne connaissais absolument pas Frédéric Videau, il s'agit pourtant de son quatrième long-métrage ; c'est en tout cas un film vraiment curieux. Le film se passe à Toulouse et commence par une scène où un vieux policier (interprété par Patrick d'Assumçao, que j'ai vraiment aimé) brûle sa carte de police et se barre ; on suit ensuite tour à tour plusieurs policier(e)s, avec parfois des séquences répétées (selon des points de vue différents). J'avoue que je n'ai vraiment pas compris ce que le film essayait de nous raconter : il nous parle du concours d'officier de police (et notamment le fait qu'il faille passer un peu de temps dans la police, pour faire une sorte de stage), de la baisse de moyens, la course aux chiffres  ; à la fois, j'ai trouvé les situations assez caricaturales (on sent que parfois, il veut dénoncer des trucs mais il ne sait pas comment faire - enfin, bon, du coup, autant ne rien faire sur des sujets comme ça...) et il y a des séquences assez bizarres notamment cette obsession sur les seins des officières (??) ; enfin bon, sur l'aspect structural, rien de très original et c'est un peu fatiguant. La mise en scène de Videau est assez curieuse : très dépouillée, pas du tout naturaliste ; pour donner une idée avec des noms : ce serait une hybridation entre Dumont et Bresson, je me demande vraiment à quoi peut ressembler le reste de sa filmographie mais bon, pour moi, le film n'a pas vraiment d'intérêt.

Clair de femme

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Dominik Moll : La nuit du 12        2022

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Je ne connaissais jusque-là Dominik Moll que de nom et ma curiosité particulière pour ce film (notamment en raison de son sujet) m'a fait sauter le pas. Le film commence par le meurtre d'une jeune femme, brûlée vive par un homme dans la rue ; on suit ensuite l'enquête avec un capitaine à l'ancienne (interprété par Bouli Lanners) et un policier plus jeune (interprété par Baptiste Bouillon) qui remet parfois un peu en question les méthodes de son collègue. Je suis un peu frustré par ce film : d'un côté, il y a des bons points de taille (le film mentionne explicitement que ce meurtre était un féminicide et se rend compte qu'il y a un problème à ce que ce soit toujours des hommes qui enquêtent sur des féminicides ; un autre bon point : les acteurices sont assez impliqué(e)s dans le film) mais je trouve qu'il y a aussi des mauvais points de taille (les dialogues ne sonnent vraiment pas très bien, la réalisation est assez ennuyeuse, les personnages ne sont pas toujours hyper intéressants ; en fait, je crois que le film aurait gagné à être ramené à quelque chose comme une heure vingt ou une heure trente tout au plus) qui gâchent un peu le film ; la métaphore avec le collègue cycliste est aussi un peu lourde et ne sert pas à grand-chose : en gros, jusqu'à l'arrivée de la nouvelle juge d'instruction, il fait ses course dans un stade (du coup, il tourne littéralement en rond) et une fois qu'elle est arrivée, il décide de faire des belles courses dans les montagnes.   

Sylvie Audcoeur : Une mère        2022

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Il s'agit du premier long-métrage de la réalisatrice Sylvie Audcoeur, il nous raconte (en gros) l'histoire d'une mère (interprétée par Karin Viard) qui veut venger la mort de son fils puis qui se repent. Honnêtement, à part l'ambiance étrange du film qui n'est pas mal (notamment parce que techniquement, ça passe), je n'ai vraiment pas trouvé le film intéressant puisque tout y est assez prévisible : on commence par le procès du meurtrier de son fils (un jeune homme du même âge, en gros) puis juste après cette partie introductive, elle découvre que celui-ci est sorti de prison et qu'il travaille pour un plombier ; elle va défoncer sa salle de bain pour le faire venir pour la réparer afin de l'intoxiquer à la mort-aux-rats ; ça ne fonctionne pas tout de suite (il la reconnaît assez vite, en plus) mais à un moment ça fonctionne et du coup, il est conduit à l'hôpital, du coup, elle se repent et va le voir à l'hôpital (où d'ailleurs, si l'on avait pas compris que le repentir de la mère venait de l'articulation symétrique des deux trajectoires, l'infirmière va prendre la femme qui s'est vengée pour la mère du gars qu'elle a essayé de tuer...) et les dernières séquences du film sont des alternances répétées entre le visage de celle-ci et de celui qu'elle a empoisonné... 

Jacques Audiard
Les Olympiades

Beaucoup aimé

La Fille aux allumettes

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xoph a écrit:

Jacques Audiard
Les Olympiades

Beaucoup aimé

Oui, c'est très beau ! 

Thomas Paulot : Municipale        2021

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Après un court-métrage réalisé deux ans avant, le réalisateur Thomas Paulot réalise ce premier long-métrage que j'ai trouvé vraiment original. Le film brouille complètement cette frontière entre fiction et documentaire mais ce n'est même pas son but en réalité, ça n'est qu'une conséquence du processus mis à l'oeuvre dans le film. Le film se passe dans les Ardennes françaises, à Revin, durant la période des élections municipales de 2020. L'acteur principal du film (Laurent Papot) va se présenter à celles-ci sous son propre nom (va se lancer à la recherche de colistier(e)s, va tracter, discuter avec les gens) et si jamais il était élu, il laisserait le siège de la mairie vide et Revin deviendrait une ville autogérée ; l'intérêt de cette démarche n'est peut-être pas à voir dans cette finalité de l'autogestion (d'ailleurs, Papot dit lui-même quelque chose de très clair à ce sujet "Je ne viens pas avec un discours supplémentaire mais avec un discours en moins, créant un vide duquel surgiront de nouvelles idées") mais plutôt dans le fait que ça propose quelque chose et ça redonne un peu aux gens de la confiance en la politique et le sentiment d'être mieux représentés (le film met pas mal l'accent sur les discussions entre les gens autour de ce projet).

Claire Denis : Avec amour et acharnement        2022


Ce film est d'une certaine manière la suite de Un beau soleil intérieur (dont Juliette Binoche interprète également le rôle principal et dont le scénario avait déjà été écrit avec Christine Angot) ; ce dernier ne m'avait déjà pas passionné mais il avait le mérite d'être plutôt court et j'avais un peu aimé l'ambiance un peu feutrée et un peu sombre - au sens premier. Malheureusement, Avec amour et acharnement (adaptation du roman Un tournant de la vie de Christine Angot) est encore moins intéressant et plus long ; le récit tient en quelques lignes (on commence le film avec un couple qui semble s'aimer puis la femme rencontre son ancien amant (qui est apparemment un collègue de son actuel compagnon) et là, ça y est, c'est fini, on a une relation triangulaire comme on les connaît, avec son supplément d'engueulades, etc.) et j'ai trouvé ça assez mal fichu car il y a pas mal de choses qui ne s'intègrent pas au récit et dont on peine à comprendre pourquoi elles sont là (la relation avec le fils, les quelques moments sur le racisme) ; je n'ai pas beaucoup aimé les dialogues non plus. En bref, je n'ai vraiment pas compris l'intérêt de ce film devant lequel je me suis beaucoup ennuyé.