Votre dernier film visionné

Quentin Dupieux : Incroyable mais vrai        2022


Même si je l'avais pas trouvé incroyable sur certains points, j'avais tout de même pas mal apprécié le dernier film de Dupieux en date (Mandibules), notamment pour le tandem principal tenu par David Marsais et Grégoire Ludig et l'histoire était tout de même assez drôle et fonctionnait bien. Pour ce film, j'ai trouvé que Dupieux renouait avec l'aspect très axiomatique de certains de ses films (Réalité en étant sans doute le meilleur exemple puisqu'il n'y a qu'une seule idée) : ici, on suit un couple (interprété par Alain Chabat et Léa Drucker) qui visite une maison et lors de la visite, l'agent immobilier leur dit que leur maison est très spéciale et après quelques minutes, on découvre qu'en fait, il y a une faille temporelle dans la cave ; cela ouvre beaucoup de possibilités intéressantes mais le film va finalement rouler sa bille en étant parfois un peu drôle et parfois (un peu plus rarement) intéressant : ça passe mais c'est tout. En fil rouge, on a une critique de la société qui refuse de plus en plus la vieillesse : le personnage interprété par Benoît Magimel qui s'est fait installé un pénis électronique, le personnage de Léa Drucker qui ne cesse d'utiliser la faille pour rajeunir et réaliser son rêve : devenir mannequin ; l'un va mourir dans un accident causé par l'incendie de son pénis et l'autre va devenir folle à cause de l'utilisation répétée de la faille - dont les conséquences étaient écrites en tout petit dans le contrat de vente. Bref, en fait, à part quelques passages bien montés (certaines translations de récit), pas grand-chose de neuf ni d'intéressant (malgré quelques références amusantes, notamment celle à Didier à la fin, je n'ai par contre pas trop compris l'intérêt de la référence à Un chien andalou) ; j'attends toutefois avec une certaine impatience son prochain (Fumer fait tousser notamment parce qu'on trouvera Vincent Lacoste dans sa distribution).

Samuel Theis : Petite nature        2021

 + / 
Ce film est le premier long métrage de Samuel Theis (qui avait déjà réalisé avec Claire Burger et Maire Amachoukeli le film Party girl), il se passe à Forbach et suit Johnny, un garçon d'une dizaine d'années (interprété par Aliocha Reinert), qui vit en HLM avec sa mère (interprétée par Melissa Olexa - vendeuse dans un bureau de tabac frontalier - et qui va tomber sur un instituteur muté ici (interprété par Antoine Reinartz) et qui va avoir confiance en lui. Pris comme ça, la trame peut sembler vraiment banale, c'est effectivement le cas mais j'ai trouvé que sur le chemin, le film racontait plein de petites choses que j'ai rarement vues abordées au cinéma : par exemple, les dynamiques réciproques de Johnny et de son instituteur dès que celui-ci croit un peu en lui (ça ne lui était jamais arrivé et il se prend du coup d'amour pour son instituteur et croit que si ce dernier lui fait confiance, c'est parce qu'il l'aime aussi) ; il y a aussi les scènes de colère et de mépris de la part de Johnny (gouvernées par la honte - on les trouve aussi dans les livres d'Eribon et de Louis) ; j'ai trouvé ce personnage vraiment bien écrit. En revanche, je suis un peu plus réservé sur le personnage de la mère : il est bien écrit sur les aspects qui n'ont pas trait aux liens avec son fils, en fait ; j'ai trouvé que le personnage manquait de contexte notamment dans sa relation avec son fils : sous cet angle-là, elle apparaît vraiment comme une caution explicative pour les affects de son fils ; c'est dommage, je trouve que c'est un peu réduire la complexité de la question et ça aurait été pas mal d'amplifier le film avec ça (en réduisant peut-être un peu les séquences de stalking de Johnny) et de manière générale, on ne sait pas trop grand-chose du personnage de la mère, c'est dommage. Pour résumer, j'ai trouvé que ce film était assez banal en terme de mise en scène mais il montre une véritable connaissance des questions qu'il porte à l'écran (et ça, c'est immédiatement appréciable), avec beaucoup de points où on se dit "c'est exactement ça" et c'est à mon avis ça qui m'a beaucoup touché dans ce film - amplifié par le talent de certains acteurices : Aliosha Reinert bien sûr, mais aussi Antoine Reinartz, extrêmement touchant.

Anne Paulicevich & Frédéric Fonteyne : Filles de joie        2020


Ce film est la première réalisation en commun de Anne Paulicevich et de Frédéric Fonteyne, il raconte l'histoire de trois femmes (interprétées par Noémie Lvovsky, Annabelle Lengronne et Sara Forestier) toutes trois assez différentes vivant pas loin de la frontière belge et se rendant régulièrement en Belgique dans une maison close afin d'arrondir les fins de mois. Je n'ai pas vraiment accroché au film et même s'il y a des moments assez drôles et si les actrices sont convaincantes, la réalisation du film n'a pas su retenir constamment mon intérêt sans être véritablement déplaisant.

Damiel Manivel : Les enfants d'Isadora        2019

 + / 
Ce film est le quatrième long-métrage de Manivel et c'est le premier qui touche à son autre spécialité (Damien Manivel était danseur contemporain avant d'être cinéaste) : le film se construit autour de la danseuse Isadora Duncan et notamment du solo de danse La mère qu'elle a écrit après la mort de ses deux enfants (lors d'un accident) ; on suit successivement trois différents personnages qui se placent dans trois strates différentes : on suit d'abord une danseuse qui travaille ce solo (interprétée par Agathe Bonitzer), puis une chorégraphe dirige une danseuse l'exécutant (la première étant interprétée par Elsa Wolliaston et la seconde par Manon Charpentier) et enfin, une personne regardant l'exécution de ce solo ; ce qui relie ces trois personnages, c'est le rapport affectif (pas seulement au sens de rapport sentimental mais vraiment au sens de rapports d'affects) qu'ils ont avec ce solo - qui a été pour Duncan une manière de tenter de faire le deuil de ses enfants - et en montrant ces trois strates différentes, le film nous montre différentes manières d'être affecté par l'œuvre et dans la plupart des cas (tous sauf le personnage de Bonitzer, il me semble) pour surmonter une peine ; du coup, ce point de vue, il serait plus juste d'ajouter la strate liminaire d'Isadora Duncan elle-même puisque la genèse de ce solo est un processus de deuil et ce solo (qui ne semble pas spécifique) apparaît alors comme un point de rencontre affectif. C'est une idée intéressante mais je trouve dommage que le film (notamment à cause de son extrême lenteur) ne pousse pas les choses plus loin : il nous montre que les œuvres d'art sont comme des foyers sensibles que chacun(e) peut fréquenter à sa guise mais il s'arrête là alors qu'on pourrait aller beaucoup plus loin, par exemple en parlant de la manière dont ils s'actualisent et réciproquement, la manière dont ses voisinages l'actualisent ; on pourrait également partir du côté de choses à la Rancière.

Naidra Ayadi : Ma fille        2018


Il s'agit du premier film de celle que l'on connaissait jusque-là comme actrice (chez Maïwenn ou chez Jolivet), il s'agit d'une libre adaptation du Voyage du père de Bernard Clavel. Le film met en scène un couple qui a quitté l'Algérie dans les années 90 pour s'installer dans le Jura ; au moment des fêtes de Noël, leur fille aînée, partie étudier la coiffure à Paris, leur dit qu'elle ne peut pas les rejoindre pour les fêtes de Noël parce qu'elle a trop de travail. Son père (interprété par Roschdy Zem, très bon) décide de se rendre à Paris et découvre qu'en fait, elle est introuvable et va découvrir toutes les strates de la vie de sa fille. Le film n'est pas désagréable mais il est vraiment sans aucune surprise notamment parce que le film dérive vers le thriller convenu régi par la logique de traque obsessionnelle du père ; du coup, c'est assez peu intéressant car le film ne raconte finalement pas grand-chose, a même certains passages désagréables (notamment dans le goût de "ah les jeunes avec leurs smartphones !!") et la dramaturgie du film est pénible car c'est pensé comme une gradation dans l'interlope, l'amoral, etc. et ça ne débouche finalement sur rien du tout ; en fait, le seul truc notable dans ce film, c'est Roschdy Zem.

Debra Granik
Leave no Trace



C'est pas l'affiche du DVD que j'ai vu, mais elle est différemment évocatrice : fuir (hors du monde), s'enfouir (dans la forêt). L'affiche du DVD, quant à elle, met l'accent sur le rapport père (en rupture et dérive) / fille (prise en tenaille entre son amour, et fidélité, pour son père et son envie de se confronter, de créer des liens)



Second film que je vois de Debra Granik, dont j'avais aimé Winter's Bone, et que je trouve réussi également. J'ai été sensible à ce que la "fuite" du père, et le huis-clos en pleine autarcie et forêt rendue sauvage (il s'agit d'un parc naturel) auquel, de fait, il contraint sa fille, ne se présente pas sous le jour de vertus éducatives (même si se joue tout un savoir-faire de survie), mais simplement comme son incapacité à participer au "monde". Et aussi, à contrario, que les alliances que sa fille essaye de nouer, ne constituent pas un retour aux "conventions", mais gardent leur part d'insoumission (partagée).

@ Emeryck, je serais moins sévère que toi, même si tout n'est pas également prenant : l'opacité du père est très statique, et le film semble parfois se rejouer.

Walid Mattar : Vent du nord        2017

 + / 
Ce film est le premier long métrage du réalisateur tunisien Walid Mattar, je l'ai plutôt aimé (sans le trouver fascinant et/ou splendide), on y suit Hervé (interprété par Philippe Rebbot) un employé renvoyé de son usine (avec une indemnité de trente mille euros pour trente-deux ans de travail dans cette entreprise - il ajoute "ah bah ça fait pas cher l'année") et sa femme Véronique (interprétée par Corinne Masiero), suite à cette délocalisation, il décide de s'acheter un petit bateau et de vivre de la pêche et d'un peu de marché noir (le moment transitoire où il doit déclarer sa société est assez amusant) ; parallèlement (c'est à mon avis une des idées principales du film), on suit Fouad (interprété par Mohamed Amine Hamzaoui) travaillant dans l'usine à présent délocalisée à Tunis ; j'ai trouvé ce contrepoint intéressant parce qu'habituellement, les films qui parlent de délocalisation ne parlent que des gens qui perdent leur emploi à la suite de ça, comme si l'usine disparaissait ensuite dans le néant alors qu'elle va s'implanter ailleurs avec d'autres travailleurs/euses aux conditions de travail quasiment toujours inférieures à celles qui étaient en place précédemment et surtout, iels vont sans doute être elleux aussi mis(es) sur le carreau à cause d'une nouvelle délocalisation. Malheureusement, ça ne suffit pas à rendre le film passionnant car je ne l'ai pas trouvé extrêmement équilibré (et en ce sens, il ne va pas complètement dans la direction que j'évoque) : le personnage de Rebbot m'a semblé être beaucoup plus développé que celui de Hamzaoui et le lien qui a été fait entre eux m'a semblé assez peu signifiant (ils se croisent juste - dans des directions opposées - lors d'un voyage) ; enfin, ce qui (je trouve) nous empêche d'être véritablement pris par le film, c'est la lissité de sa mise en scène : en fait, ça sonne très téléfilm produit par Arte. Enfin, ce n'est qu'un premier film, curieux de voir les prochains longs métrages de Mattar car il a des idées et une patte assez différente des autres cinéastes contemporains qui font des films sur ce sujet.

Antonin Peretjatko : La loi de la jungle        2016

 /   +
Trois ans après son premier long métrage La fille du 14 juillet (par lequel je l'avais découvert, et qui est à mon avis son film le plus réussi à l'heure actuelle), Peretjatko revient avec ce film (encore assez proche de son premier film) où Vincent Macaigne interprète un stagiaire au ministère de la norme (!) envoyé en Guyane pour vérifier la conformité d'un nouveau projet d'une piste de ski en intérieur en plein milieu de la forêt amazonienne où il va rencontrer une autre stagiaire (interprétée par Vimala Pons) avec qui il va se retrouver de fil en aiguille paumé au beau milieu de la jungle. La proximité avec son premier film se fait notamment à travers l'utilisation d'un rythme survolté, avec beaucoup d'idées (visuelles, dans les dialogues ou même dans le rythme - variations dans l'image mais aussi dans le son avec des séquences où les voix sont parfois un peu accélérées, ce qui donne une impression cartoonesque) ; les problèmes du personnage de Macaigne avec les huissiers sont assez drôles puisqu'ils vont jusqu'à le poursuivre au beau milieu de la forêt amazonienne et d'ailleurs, son arrestation va le délivrer d'un poteau auquel il était attaché ; cette trajectoire me semble assez bien résumer le dynamisme global du film : on y trouve beaucoup de revirements. Cet aspect survitaminé m'a personnellement beaucoup plu mais il amène aussi des problèmes de rythmes notamment dans la seconde partie qui est bien plus plan-plan, mais bon, ça reste pas mal du tout : le film sonne assez juste, les acteurices sont très bien (parmi celleux que je n'ai pas cité(e)s, on trouve notamment Amalric et Bideau qui sont tous deux excellents). Je ne sais pas trop quel cap va prendre Peretjatko maintenant mais La pièce rapportée montre déjà un assagissement.

Valérie Donzelli : Marguerite & Julien        2015


J'avais découvert la filmographie de Donzelli (en tant que réalisatrice) par son dernier film en date (Notre dame) dont la fantaisie et son dynamisme m'avaient séduit. Marguerite & Julien le précède et si l'on trouve déjà cette fantaisie, le film est tout de même assez différent : le film se base sur des personnages ayant existé, à savoir un frère et une sœur de la fin du seizième siècle ayant vécu une relation incestueuse, ils fuient alors pour cette raison mais seront condamnés et exécutés. Ce film a tout de même quelques problèmes : tout d'abord, et pas des moindres, il nous fait comprendre que la société de l'époque était vraiment terrible à ne pas accepter l'inceste (et le film ne cesse de romantiser cette relation, en plus : lettres lues en voix-off, relation résistante, etc.) et il me semble que c'est vraiment ce que veut raconter le film ; en plus de ça, il entretient un flou temporel pour nous faire comprendre que "ah bah ça n'a finalement pas beaucoup changé !!" (deep) - ça me semble assez malvenu quand on sait tous les traumas et autres problèmes que créent ces relations. Sinon, à part ça, j'ai trouvé le film techniquement assez réussi (superbe photo) mais je n'ai vraiment pas compris où tout ça allait, et la fantaisie que j'avais évoquée pour Notre dame ne va ici nulle part. Pour finir, un petit mot pour le scénario qui avait initialement été écrit par Jean Gruault pour François Truffaut qui l'aimait mais qui ne se sentait pas suffisamment à l'aise avec cette époque pour le tourner, il est ensuite passé entre les mains de Jean-Claude Brialy et François Villiers puis a terminé sa course avec Donzelli et son compagnon Elkaïm, légèrement aidés par Gruault : tout ça pour ça !

Thomas Lilti : Hippocrate        2014

 +
Ce film est le film qui a fait connaître Thomas Lilti au grand public, c'est son deuxième long-métrage et c'est le premier consacré au monde de la médecine (il était médecin généraliste de profession) et plus spécifiquement ici, le film nous raconte la période de l'internat - ainsi que la déliquescence des hôpitaux : baisse constante des moyens et des effectifs, bataille entre services, direction complètement hors-sol, exploitation des médecins étrangers, procédures parfois peu claires, etc. Vincent Lacoste (qu'il retrouvera dans Première année) joue le rôle de l'interne en question, arrivé dans le service de médecine interne de son père ; il rencontre ensuite un médecin arrivé d'Algérie également embauché en tant qu'interne ; la dynamique relationnelle préfigure énormément (pour être gentil) celle du tandem Lacoste/Lebghil dans Première année : l'un est expérimenté, l'autre non, l'approche est d'abord un peu farouche puis ils se rapprochent et s'entendent bien puis l'un finit par sauver l'autre. J'ai trouvé le film assez agréable à regarder, assez informatif, la fin semble peut-être un peu poussive mais ça ne constitue qu'une petite partie du film ; je crois que ce qui soutient en grande partie le film, c'est le jeu et la conviction des acteurices : en tout premier lieu, la prestation de Reda Kateb que j'ai trouvé excellent puis viennent Philippe Rebbot, Marianne Denicourt, Vincent Lacoste (même si je le trouve pas toujours tout à fait à l'aise dans ce rôle). Ce que je reprocherais à ce film, c'est peut-être le fait que sa mise en scène soit assez quelconque (et que le film manque parfois un peu de rythme malgré une gestion assez adroite des espaces) et peut-être que certains partages soient assez convenus/nets - je pense à celle bataille autour de la sonde ou même à la réunion à propos de la sanction qu'endosse le personnage de Reda Kateb ; malgré tout, je trouve que ça pèse beaucoup moins que la visibilité qu'il donne au travail dans le monde hospitalier.

Revu il y a quelques jours :

Jacques Demy : Les parapluies de Cherbourg        1964

 + 
Ça faisait longtemps que je n'avais pas revu ce film, qui est sans doute mon film préféré de Demy et c'est d'ailleurs un film que je trouve très beau et que j'aime énormément ; c'est amusant, dans ma tête, tout était extrêmement continu dans ce film mais en fait, le montage est assez étrange : ça ne semble pas évident mais sur ce point, je rapprocherais Demy de Bresson puisque la continuité n'est sans doute pas à rechercher à ce niveau-là mais dans une sorte de continuité expressive : on se fiche si cela créé ce que l'on appellerait des faux-raccords tant que cela sert la dramaturgie du film. Un autre point (assez peu éloigné de celui-ci, en fait) qu'il partage avec Bresson c'est l'expédition des scènes convenues : dans Pickpocket, à un moment le personnage prend le train pour aller je ne sais plus où et ce que l'on voit de ce voyage, c'est un panneau avec la destination inscrite dessus ; ici, les scènes de mariage et de funérailles sont sans exagérer expédiées en trente secondes, l'histoire de dire "bon, ça y est, vous avez compris ? allez, on passe". J'ai également trouvé assez intéressant le rapport de ce film vis-à-vis de ce qui se faisait à l'époque en France : il s'agit également d'un film sur la jeunesse (sans doute plus inscrite dans une logique d'évolution et d'opposition avec la génération précédente : les désaccords sur les relations, sur le mariage, la position à tenir lorsque la mère de Geneviève est sur la paille), inscrit dans son époque (la guerre d'Algérie est centrale dans le film), également inspiré par le cinéma américain mais un tout autre cinéma américain : ici, on est plutôt du côté des comédies musicales de la fin des années quarante ou plutôt de celles des années cinquante puisqu'il ne s'agit plus tellement d'une succession un peu sèche de numéros mais on est aussi du côté du mélo sirkien. Et puis bon, c'est avant tout un film magnifiques : mise en scène, décors et couleurs sublimes et avant toute chose, la musique de Michel Legrand qui accompagne très très bien le film, jouant adroitement avec les motifs, orchestration pas révolutionnaire (violon solo avec beaucoup de vibrato dans un moment particulièrement intense) mais très efficace. J'aime énormément l'ambiguïté expressive de la fin, aussi : il y a vraiment une sorte de disjonction (pas de ce qu'on voit, comme dirait Gillou) entre la ligne de fuite scénaristique (Geneviève n'a pas pu retrouver Guy) du mélo en tant que genre-type non actualisé et entre l'actualisation par les personnages eux-mêmes (finalement, Geneviève semble heureuse et Guy aussi), je trouve ça vraiment remarquable. Maintenant, c'est parti pour plusieurs semaines de réminiscences non contrôlées de la musique du film.

Rubato a écrit:

Cololi a écrit:

J'hésite encore à acheter la trilogie d'Inagaki. Vous rapprochez ça de quels films ?

La trilogie est l'adaptation du roman d'Eiji Yoshikawa en deux tomes; La Pierre et le Sabre et La Parfaite Lumière, que j'ai lu avant de découvrir les films.
Maintenant, faire un rapprochement...pas facile...mais j'ai cru comprendre que tu appréciais le cinéma japonais...donc.

Film d'initiation, de quête, et de sabre bien sûr.

Thelonious a écrit:

Cololi a écrit:

J'hésite encore à acheter la trilogie d'Inagaki. Vous rapprochez ça de quels films ?

Je n'ai pas assez de références pour t'orienter.
C'est un genre de western médiéval initiatique    .
J'ai regardé les trois films à la suite et j'y ai pris beaucoup de plaisir.

J'ai vu le 1° film, une vraie claque ! Bordel si on pouvait faire du cinéma grand public d'une telle qualité ...
Génial

1ère overdose de courts métrage. Entre la séance piou piou (5 dessins animés assez rigolos) et les cinq séries de courts je me suis mangé 29 films. Faut quand même être un peu maboule

La Fille du diable

+

(BO de Dutilleux!)

Katell Quillévéré : Suzanne        2013

 /   +
Par ce film, je découvre Quillévéré et je dois dire que je suis assez circonspect : je n'ai pas du tout réussi à rentrer dans le film - qui est assez quitte ou double vu la minceur du pitch : un homme veuf vit seul avec ses deux filles. Le film est extrêmement fragmenté, ce qui n'aide pas ; tout concourt à amplifier la rupture (ces nombreuses ellipses, la mort de la mère, les engueulades, les institutions) mais je ne suis pas très convaincu. Bref, la seule chose qui m'a convaincu, c'est la prestation du trio de tête (Sara Forestier, Adèle Haenel et François Damiens) mais c'est à peu près tout.

Dans le cadre du Poitiers Film Festival : Anette de Léos Carax avec Marion Cotillard, Adam Driver et Simon Helberg. C'est dans le même genre que Les demoiselles de Rochefort mais en plus tragique.

La Tribu

Leila Albayaty : Berlin telegram        2012


Je ne connaissais pas du tout Leila Albayaty avant de piocher ce film totalement par hasard, elle a étudié la musique et l'architecture et a ensuite composé la musique de plusieurs courts ; il me semble que ce film est son premier long-métrage : c'est une sorte de journal filmé entre Bruxelles, Berlin, Le Caire et Lisbonne dont le point de départ est son départ de Berlin suite à la rupture avec son copain juste après avoir appris qu'il la trompait avec une autre femme et ce journal filmé sera un peu l'occasion de lui faire la nique. Je n'ai pas du tout aimé le film, il m'a beaucoup ennuyé : ouais, ok, des rencontres, etc. mais bon, pas mal de films ont déjà tenté l'expérience (de manière plus réussie/intéressante) ; en plus de ça, j'ai trouvé les discussions dans le film assez inintéressantes, oui, l'amour, etc. En fait, de manière générale, j'ai trouvé le film bien cliché ; les seules scènes qui me semblent pas désagréables sont les scènes de concert, mais c'est tout ; en plus, ce n'est vraiment pas bien filmé mais bon, ça, ce n'est pas très important.

En avant première, et toujours dans le cadre du Poitiers Film Festival (anciennement Rencontres Henri Langlois) : Alma viva de Christèle Alves Meira avec la très jeune Lua Michel (elle n'a que 8 ans et c'est la fille de a réalisatrice) dans le rôle de Salomé.

Pendant le débat, fort intéressant au demeurant, Alves Meira nous a dit qu'elle avait cherché une Salomé pendant deux ans avant de prendre sa fille.

Edit : depuis vendredi soir j'ai donc vu 44 court-métrages, 3 long-métrages (Le parfim vert, La grande magie, Alma viva) et 1 comédie musicale (Annette). Reste encore 2 avant-premières (Mourir à Ibiza et La passagère) avant de pouvoir dire ouf

Michael Tully : Septien        2011


Ce film est la quatrième réalisation de l'acteur/réalisateur américain Michael Tully, c'est le premier film de sa filmographie que je vois et ça fait quand même un peu souffler, honnêtement : j'ai trouvé ça assez proche de Korine (que je connais pas très bien mais ce n'est pas le genre de cinéma que je trouve passionnant - d'ailleurs, c'est marrant mais la femme de Korine joue un rôle dans le film) mais en plus artificiel et plus ouvertement trash - pour donner la couleur : au générique, l'illustration qui apparaît en fond lorsque le nom du réalisateur, on aperçoit à gauche une créature avec des seins qui est assise sur un pénis tombant, montrant une fleur à un joueur de football américain ligoté à un arbre et à droite, on a un joueur de football américain pendu à une branche d'arbre. On retrouve cette gratuité (un peu amusante parfois mais bon... ça fait un peu souffler à la longue) dans l'histoire qui ne va pas vraiment quelque part : un gars (d'apparence christique, joué par le réalisateur, qui vit d'arnaques sur des paris hippiques) revient dans sa maison après plusieurs années d'absence, ses parents sont morts et ses frères sont des marginaux ; l'un des frères prophétise un peu ce qu'il va se passer via le dessin, ça donne des séquences assez drôles ; j'ai aussi trouvé la séquence d'exorcisation à la fin assez drôle mais ça ne va jamais plus loin que quelque chose d'un peu drôle. Un problème majeur d'ordre technique (je ne sais pas si c'est ma copie, je l'espère) : le mixage son est vraiment très mauvais avec des bruits de fond beaucoup plus audibles que les dialogues ; parfois, les dialogues sont carrément inaudibles (heureusement qu'il y avait les sous-titres !) alors que les insectes ou les bruits extérieurs, ça, on les entend très très bien - j'espère vraiment que ce n'est pas un parti-pris esthétique à des fins métaphoriques complètement éclatées.

Il me semble que xoph avait parlé de ce (télé)film :

Sólveig Anspach : Louise Michel        2010

 +
Ce film a été réalisé pour France 3 et je trouve que ça se sent car c'est beaucoup plus conventionnel que les autres films d'Anspach que j'ai pu voir par ailleurs : on ne trouve ni cette fantaisie délicieuse qui peuple Queen of Montreuil ni l'aspect très mobile de tous les films que j'ai pu voir ; le seul point de convergence, c'est le fait que l'histoire mette en scène un personnage principal féminin qui ne se laisse pas marcher sur les pieds. Ici, comme le titre l'indique, il s'agit de Louise Michel (le film est sous-titré "La rebelle", ça fait vraiment titre de téléfilm) ; le film se focalise sur la période de son exil en Nouvelle Calédonie (juste après La Commune, donc) et sur cet aspect, le film est assez linéaire et pas exaltant du point de vue de la réalisation (même si la photo est assez jolie, dommage qu'elle ne soit pas davantage mise en valeur) mais je l'ai trouvé assez informatif, notamment sur le rapports de Louise Michel aux autres exilé(e)s et aux kanaks dont elle a appris l'une des langues pour traduire des légendes kanaks en français ; comme elle était enseignante de métier, elle a également donné des cours là-bas et a soutenu les autochtones lors de la révolte à la fin des années 1870 ; il y a également des scènes indépendantes avec les autochtones, ce n'est pas du tout en mode "ah voilà, Louise Michel, elle est trop sympa/forte, elle leur a apporté l'éducation". En plus de l'aspect timoré de la réalisation, j'ai trouvé que l'aspect assez convenu (notamment dans le ton narratif un peu poussiéreux) des dialogues n'aidait pas trop le film ; malgré tout, ça reste un film intéressant et agréable à suivre - en plus, Sylvie Testud est convaincante dans le rôle de Louise Michel et puis c'est pas tous les jours qu'on parle de Louise Michel !

Les deux films du jour :

- Un transport en commun de la réalisatrice franco-sénégalaise Dyana Gaye : le film ne dure que 55 minutes mais il est extraordinaire tant les acteurs sont spontanés, joyeux, bien chantants, car c'est une comédie musicale. C'est là qu'onse dit que c'est dommage que le cinéma africain ne soit pas mieux connu et mis en valeur.

- Mourir à Ibiza, un film en trois étés de Anton Balekdjian, Mattéo Eustachon, Léo Couture. Avec Lucile Balézeaux, César Simonot, Mathis Sonzog. C'est un beau film mais par rapport aux trois long-métrages précédents il ne m'a pas enthousiasmée.

Sébastien Lifshitz : Plein sud        2009

 +
Il s'agit de la deuxième réalisation de Lifshitz que je vois, le premier (Les corps ouverts) ne m'avait pas complètement convaincu mais le scénario n'était pas si catastrophique. Ici, il y avait des scènes assez jolies (les scènes autour du feu - avoir Claire Mathon à la photo, ça aide) et le rapport au teen movie est intéressant mais j'ai trouvé le scénario assez mal écrit, comme si Lifshitz voulait se détourner du naturalisme au maximum mais le résultat est assez catastrophique : on ne ressent vraiment rien du tout et on (en tout cas, je) se fout complètement des personnages. Pour développer un peu sur le rapport au teen movie, j'ai trouvé intéressant son rapport au mouvement qui est en général, sous la forme de l'échappée, générique ou asymptotique alors qu'au contraire, il est ici très localisé et précis : c'est Tudela (en Espagne) et rien d'autre - en fait, on découvrira qu'il va là-bas pour régler des comptes avec sa mère ; malgré cet objectif très précis, le road-movie est sans cesse interrompu : il ne s'agit pas seulement d'interruption mais j'ai trouvé qu'il y avait vraiment une emphase sur le processus d'interruption - de manière général, le film est assez brutal, comme s'il essayait de jouer le jeu des contraires pour en faire surgir des émotions mais bon, spoiler : ça ne marche pas et les quelques aspects intéressants ne suffisent pas à sauver le film.

Emeryck a écrit:

Il me semble que xoph avait parlé de ce (télé)film :

Sólveig Anspach : Louise Michel        2010

 +
Ce film a été réalisé pour France 3 et je trouve que ça se sent car c'est beaucoup plus conventionnel que les autres films d'Anspach que j'ai pu voir par ailleurs : on ne trouve ni cette fantaisie délicieuse qui peuple Queen of Montreuil ni l'aspect très mobile de tous les films que j'ai pu voir ; le seul point de convergence, c'est le fait que l'histoire mette en scène un personnage principal féminin qui ne se laisse pas marcher sur les pieds. Ici, comme le titre l'indique, il s'agit de Louise Michel (le film est sous-titré "La rebelle", ça fait vraiment titre de téléfilm) ; le film se focalise sur la période de son exil en Nouvelle Calédonie (juste après La Commune, donc) et sur cet aspect, le film est assez linéaire et pas exaltant du point de vue de la réalisation (même si la photo est assez jolie, dommage qu'elle ne soit pas davantage mise en valeur) mais je l'ai trouvé assez informatif, notamment sur le rapports de Louise Michel aux autres exilé(e)s et aux kanaks dont elle a appris l'une des langues pour traduire des légendes kanaks en français ; comme elle était enseignante de métier, elle a également donné des cours là-bas et a soutenu les autochtones lors de la révolte à la fin des années 1870 ; il y a également des scènes indépendantes avec les autochtones, ce n'est pas du tout en mode "ah voilà, Louise Michel, elle est trop sympa/forte, elle leur a apporté l'éducation". En plus de l'aspect timoré de la réalisation, j'ai trouvé que l'aspect assez convenu (notamment dans le ton narratif un peu poussiéreux) des dialogues n'aidait pas trop le film ; malgré tout, ça reste un film intéressant et agréable à suivre - en plus, Sylvie Testud est convaincante dans le rôle de Louise Michel et puis c'est pas tous les jours qu'on parle de Louise Michel !

Oui tout à fait, et dans des termes pas très différents des tiens. De mémoire je disais que sa fantaisie était un peu bridée par ce sujet,  dont on sentait qu'il l'intimidait ; que néanmoins, et tout comme toi : le versant plutôt méconnu de Louise Michel en Nouvelle Calédonie faisait l’intérêt du film. J'ajouterais aux questions portant sur la reconnaissance des kanaks, tout le versant d'expérimentation scientifique-botanique qui m'avait semblé intéressant (ainsi que les rapports entre exilés et métropole, que j'avais trouvés pas assez développés par contre).

Le Poitiers Film Festival vient de se terminer. La dernière avant-première de cette édition était le film d'Elodie Pelloquet La passagère avec Cécile de France, Grégoire Monsaingeon et Félix Lefebvre. Sortie nationale : 28 décembre 2022

Jean Becker : Deux jours à tuer        2008


Je connais assez mal la filmographie de Jean Becker (c'est le troisième que je vois) mais j'ai l'impression que ce film est assez à part dans sa filmographie - au moins assez différent des deux autres : d'une part, il est beaucoup moins attendu (même si, bon, il ne déconcerte pas non plus complètement par son originalité) et beaucoup moins gentil que les autres films de Becker. Au centre de ce film, un publicitaire installé à la vie lisse mais confortable (interprété par Albert Dupontel, assez bon) décide de tout stopper d'un coup d'un seul et de tout envoyer voler, cela constitue la première partie du film où il est vraiment en roue libre avec tout le monde ; c'est parfois assez drôle - je pense notamment au dîner d'anniversaire où il commente les cadeaux qui lui sont faits - mais parfois, c'est un peu cringe. Après cette première partie en forme d'exutoire, il décide de partir pour de bon afin de rejoindre l'Irlande où vit son père (qui semble être féru de pêche à la mouche), ils apprennent à se connaître et là l'ambiance change et je dois dire que le film devient de moins en moins intéressant notamment parce qu'il se localise de plus en plus, jusqu'à tout expliquer (spoiler : en fait, le personnage de Dupontel est atteint d'un cancer, avait toujours tout caché à sa famille et voulait profiter des quelques jours de vie qu'il lui restait) ; j'ai trouvé ça assez décevant. En plus, je n'ai pas trop aimé la trajectoire globale du film : c'est vraiment comme s'il s'agissait d'un retour à l'origine et à la nature (au père, bourru...) qui serait à la fois le lieu privilégié de déploiement de la vérité. En tout cas, pris globalement, je pense que c'est le film de Becker que je préfère, ce n'est pas si nul, j'ai été (un peu) agréablement surpris malgré les réserves que j'émets.

A propos d'Albert Dupontel, as tu vu Adieu les cons ?

luisa miller a écrit:

A propos d'Albert Dupontel, as tu vu Adieu les cons ?

Oui, je l'avais vu à sa sortie.

Gaël Morel : Après lui        2007


J'avais découvert la filmographie de Gaël Morel il y a environ un mois par le film Le clan (qui précède celui-ci dans la filmographie du réalisateur) ; j'avais trouvé ça pas inintéressant, avec de beaux moments mais assez inégal - cela venait principalement du fait que le film était en trois parties dont chacun mettait au centre du récit un personnage différent et ces trois personnages étaient assez inégalement développés. Ici, on n'a plus tellement ce problème car le film est assez continu : une mère peine à faire le deuil de son fils, mort dans un accident de voiture et fait une sorte de transfert sur un des amis de son fils - qui est par ailleurs responsable de la mort de ce dernier - ; j'ai également trouvé que techniquement, c'était nettement meilleurs, il y a pas mal de beaux plans (j'ai trouvé que la lumière et le ton pictural rappelait beaucoup Téchiné - j'ai pensé à l'aspect nocturne du début de Hôtel des Amériques, sans doute pour Deneuve et pour l'accident, pour l'attirance pour le mélo) et surtout, Catherine Deneuve est vraiment très bien dans ce rôle sur lequel repose l'entièreté du film. Le gros problème du film, c'est qu'on ne sait pas où il veut aller : d'accord, le transfert, la difficulté du deuil ; ok, des gens se détournent d'elle, etc. mais finalement, ça n'aboutit nulle part et j'ai trouvé que cette trajectoire n'était pas non plus inconnue au cinéma ; du coup, ce n'est pas complètement passionnant.

La Folie douce

+

Xavier Giannoli : Quand j'étais chanteur        2006


Ce film ouvre mon exploration (au long cours) de la filmographie de Giannoli (dont j'ai beaucoup entendu parler par ailleurs, mais je n'avais encore jamais franchi le pas de la porte) ; il s'agit ici de son troisième long-métrage dans lequel on retrouve Gérard Depardieu dans le rôle d'un chanteur de bal amoureux de ce qu'il fait mais assez seul qui rencontre une stagiaire (interprétée par Cécile de France) présentée par un ami agent immobilier (interprété par Mathieu Amalric), ils vont progressivement se rapprocher. C'est amusant car il y a quelques semaines, j'avais vu un film d'apparence assez proche (Guy d'Alex Lutz) mais ce dernier adopte une approche assez différente : beaucoup plus humoristique et documentaire, mettant l'accent sur l'aspect has-been du chanteur ; Giannoli est beaucoup plus romanesque - d'ailleurs, je crois que l'histoire au centre du film ne m'a finalement pas trop intéressé. Ce qui m'a intéressé, c'est la mise-en-scène de Giannoli (qui est vraiment élégante, efficace et pertinente - tout comme les lumières et les mouvements de caméra), la manière dont il arrive à installer cette ambiance de bals populaires un peu rance (même s'il ne met pas l'accent là-dessus) et surtout dont il arrive à asseoir les personnages dans le film ; je pense en premier lieu à la manière dont Giannoli isole le personnage de Depardieu dans le cadre (il y a d'un côté un chanteur et de l'autre un public, avec parfois quelques interférences lorsqu'il rejoint le public), la manière dont il arrive à rendre compte de l'aspect mouvant de ce personnage (les appartements dans lesquels il ne se fixe jamais) : le seul lieu (au sens large) de ce personnage, ce sont les bals populaires (pas comme lieux en tant que tels mais pris comme diagrammes à la Foucault). J'ai trouvé dommage que le personnage de Cécile de France ne soit pas aussi développé et surtout que l'histoire ne soit peut-être pas plus développée, ça en aurait fait un film assez génial ; tel qu'il est, ça reste un beau film, les acteurices sont très bon(ne)s, c'est aussi très bon d'un point de vue technique et d'un point de vue formel donc c'est pas mal.

Jean-Pierre & Luc Dardenne : L'enfant        2005

 +
Ce film est le sixième long-métrage des frères Dardenne et ils vont obtenir leur deuxième palme d'or à Cannes avec celui-ci (ils avaient obtenu la première en 1999 avec Rosetta). J'avais trouvé Rosetta assez agaçant mais je trouve ce film plus réussi (même si ce n'est à mon avis pas leur meilleur film, je lui préfère des films comme La promesse ou Le gamin au vélo) ; l'histoire commence de manière intéressante : un jeune couple (interprété par Déborah François et Jérémie Renier) vient de voir naître leur premier enfant ; ils ont du mal ne serait-ce qu'à survivre, le personnage de Renier fait des petits trafics et à un moment, il décide carrément de vendre l'enfant pour qu'une famille l'adopte (il dit à sa copine qu'"on en fera un autre") ; voyant que sa copine est très mécontente de cette décision, il décide de racheter l'enfant mais les acheteurs ne sont pas du même avis : ils lui réclament encore de l'argent et c'est le début de la fin pour lui. À mon avis, c'est à partir de ce moment-là que le film se perd un peu : il se focalise sur le personnage de Renier, le personnage de François revient à la fin rapidement pour une fin que je trouve un peu convenue (et cette coupure nette sans musique, etc., bon... c'est un peu le geste filmique équivalent à celui des boomers qui mettent un point précédé d'un espace à la fin de leur phrase pour en signaler la gravité) ; le film glisse également vers quelque chose de plus tendu puisqu'il prend dans sa spirale un gamin qu'il connaît pour faire du vol à la tire : ça raconte beaucoup moins de choses que les deux films que j'ai cités au-dessus, il n'y a pas tellement de dynamiques, le film est assez statique et semble parfois faire un peu du remplissage mais ça reste convenable et la première partie n'est pas si mal et les acteurices sont bien dirigé(e)s.

Fumer fait tousser



Je suis rarement complètement enthousiaste à la fin de la première vision d'un film de Dupieux, mais j'ai toujours envie de revoir ses films et de voir les prochains.
Idem avec celui-là.

Swallow

+

Marion Desseigne-Ravel : Les meilleures        2021


Il me semble que ce film est le premier long-métrage de la réalisatrice Marion Desseigne-Ravel ; je ne sais pas trop par où commencer : le film m'a vraiment agacé. Il veut raconter la vie de deux adolescentes qui s'aiment mais qui n'arrivent pas à vivre leur relation à cause de l'homophobie autour. C'est un sujet nécessaire mais le film met ici les clichés bout à bout : les deux filles sont issues de familles musulmanes et bien sûr, tous les parents et grand-parents vont être homophobes à balle (ça va faire plaisir aux universalistes, ça !) et bien sûr, vu qu'elles vivent dans une cité, bon... vous avez compris... En plus de déployer cet imaginaire raciste/classiste, le film nous ressasse une énième relation impossible où les deux protagonistes sont dans la souffrance, se font harceler parce que leur sexualité ne répond pas aux représentations dominantes ; en plus de cela, j'ai trouvé que tout était articulé à l'aune de ça : les personnages sont pas vraiment intéressants (je ne parle même pas des familles dont on ne sait quasiment rien, si ce n'est qu'elles sont homophobes), rien n'est développé. Je ne comprends franchement pas l'intérêt de faire un tel film, j'espère que son prochain film (une adaptation du Horla de Maupassant, apparemment) sera mieux ; ici, c'est dommage car les actrices (Lina El Arabi, Esther Bernet-Rollande, Mahia Zrouki qui avait joué dans Une histoire d'amour et de désir ou Un vrai bonhomme).

Hélier Cesterne : De nos frères blessés        2020

 /   +
Ce film est le second long-métrage du réalisateur français Hélier Cisterne (qui a également réalisé quelques épisodes de la série Le bureau des légendes) ; ce film est une adaptation (apparemment assez libre) du livre homonyme de Joseph Andras (lui-même reposant sur le livre de Jean-Luc Einaudi Pour l'exemple, l'affaire Fernand Iveton). Le film raconte la vie de Fernand Iveton, militant français communiste anticolonialiste, qui sera guillotiné à la fin des années cinquante pour commis un sabotage matériel dans une usine d'Alger en mettant une bombe dans l'usine en question - avec, bien sûr, le soin que cela ne fasse aucune victime. C'est intéressant et le film prend pas mal de parti-pris qui ne vont pas de soi : tout d'abord, le casting (Iveton et sa femme sont respectivement interprétés par Vincent Lacoste (avec moustache, s'il vous plaît) et Vicky Krieps) puisque ce tandem ne semble d'emblée par aller de soi et j'avoue que je n'ai pas trouvé que les acteurices étaient extrêmement convaincant(e)s sans être complètement mauvais mais vu que je les aime bien/beaucoup, j'ai été un peu déçu ; le second parti-pris un peu étrange (enfin, moyennement), c'est le montage du film : le film essaie de cumuler les affects des différentes trajectoires du personnage principal, ce n'est du coup pas un montage régi par une logique chronologique ; c'est casse-gueule mais ça peut aboutir à de grandes choses ; malheureusement, ici, j'ai trouvé que même si le film arrive à une certaine intensité à la fin (forcément, vu le sujet, ce n'est pas si difficile), les affects issus des différentes trajectoires de Iveton n'arrivent jamais à se cumuler ; j'ai aussi trouvé que le film mettait trop l'accent sur des choses assez banales (son histoire avec sa femme, sans jamais en dire des choses intéressantes) qui l'égarent un peu ; à la fois, on pourrait aussi dire qu'il s'agit plus d'un film sur Iveton que sur la révolte algérienne contre le colonialisme français (même si un peu quand même) ; d'ailleurs, ça aurait été assez compliqué puisque bon... mettre l'accent sur un seul gars, français qui plus est...

Catch me if you can

+

Emeryck a écrit:

Hélier Cesterne : De nos frères blessés        2020

 /   +
Ce film est le second long-métrage du réalisateur français Hélier Cisterne (qui a également réalisé quelques épisodes de la série Le bureau des légendes) ; ce film est une adaptation (apparemment assez libre) du livre homonyme de Joseph Andras (lui-même reposant sur le livre de Jean-Luc Einaudi Pour l'exemple, l'affaire Fernand Iveton). Le film raconte la vie de Fernand Iveton, militant français communiste anticolonialiste, qui sera guillotiné à la fin des années cinquante pour commis un sabotage matériel dans une usine d'Alger en mettant une bombe dans l'usine en question - avec, bien sûr, le soin que cela ne fasse aucune victime. C'est intéressant et le film prend pas mal de parti-pris qui ne vont pas de soi : tout d'abord, le casting (Iveton et sa femme sont respectivement interprétés par Vincent Lacoste (avec moustache, s'il vous plaît) et Vicky Krieps) puisque ce tandem ne semble d'emblée par aller de soi et j'avoue que je n'ai pas trouvé que les acteurices étaient extrêmement convaincant(e)s sans être complètement mauvais mais vu que je les aime bien/beaucoup, j'ai été un peu déçu ; le second parti-pris un peu étrange (enfin, moyennement), c'est le montage du film : le film essaie de cumuler les affects des différentes trajectoires du personnage principal, ce n'est du coup pas un montage régi par une logique chronologique ; c'est casse-gueule mais ça peut aboutir à de grandes choses ; malheureusement, ici, j'ai trouvé que même si le film arrive à une certaine intensité à la fin (forcément, vu le sujet, ce n'est pas si difficile), les affects issus des différentes trajectoires de Iveton n'arrivent jamais à se cumuler ; j'ai aussi trouvé que le film mettait trop l'accent sur des choses assez banales (son histoire avec sa femme, sans jamais en dire des choses intéressantes) qui l'égarent un peu ; à la fois, on pourrait aussi dire qu'il s'agit plus d'un film sur Iveton que sur la révolte algérienne contre le colonialisme français (même si un peu quand même) ; d'ailleurs, ça aurait été assez compliqué puisque bon... mettre l'accent sur un seul gars, français qui plus est...

Visiblement ce film ne t'a pas convaincu ; mais ne l'ayant pas vu, je me garderai d'en dire quoi que ce soit. Si tu as du temps devant toi, Lacoste est, avec Sandrine Kiberlain, l'acteur principal du nouveau film de Nicolas Pariser : Le parfum vert. Ce film sort le 21 décembre mais il était projeté en avant Première le 26 novembre dernier en ouverture du Poitiers Film Festival

luisa miller a écrit:

Emeryck a écrit:

Hélier Cesterne : De nos frères blessés        2020
 /   +
Ce film est le second long-métrage du réalisateur français Hélier Cisterne (qui a également réalisé quelques épisodes de la série Le bureau des légendes) ; ce film est une adaptation (apparemment assez libre) du livre homonyme de Joseph Andras (lui-même reposant sur le livre de Jean-Luc Einaudi Pour l'exemple, l'affaire Fernand Iveton). Le film raconte la vie de Fernand Iveton, militant français communiste anticolonialiste, qui sera guillotiné à la fin des années cinquante pour commis un sabotage matériel dans une usine d'Alger en mettant une bombe dans l'usine en question - avec, bien sûr, le soin que cela ne fasse aucune victime. C'est intéressant et le film prend pas mal de parti-pris qui ne vont pas de soi : tout d'abord, le casting (Iveton et sa femme sont respectivement interprétés par Vincent Lacoste (avec moustache, s'il vous plaît) et Vicky Krieps) puisque ce tandem ne semble d'emblée par aller de soi et j'avoue que je n'ai pas trouvé que les acteurices étaient extrêmement convaincant(e)s sans être complètement mauvais mais vu que je les aime bien/beaucoup, j'ai été un peu déçu ; le second parti-pris un peu étrange (enfin, moyennement), c'est le montage du film : le film essaie de cumuler les affects des différentes trajectoires du personnage principal, ce n'est du coup pas un montage régi par une logique chronologique ; c'est casse-gueule mais ça peut aboutir à de grandes choses ; malheureusement, ici, j'ai trouvé que même si le film arrive à une certaine intensité à la fin (forcément, vu le sujet, ce n'est pas si difficile), les affects issus des différentes trajectoires de Iveton n'arrivent jamais à se cumuler ; j'ai aussi trouvé que le film mettait trop l'accent sur des choses assez banales (son histoire avec sa femme, sans jamais en dire des choses intéressantes) qui l'égarent un peu ; à la fois, on pourrait aussi dire qu'il s'agit plus d'un film sur Iveton que sur la révolte algérienne contre le colonialisme français (même si un peu quand même) ; d'ailleurs, ça aurait été assez compliqué puisque bon... mettre l'accent sur un seul gars, français qui plus est...

Si tu as du temps devant toi, Lacoste est, avec Sandrine Kiberlain, l'acteur principal du nouveau film de Nicolas Pariser : Le parfum vert. Ce film sort le 21 décembre mais il était projeté en avant Première le 26 novembre dernier en ouverture du Poitiers Film Festival

J'aime beaucoup Vincent Lacoste donc j'essaierai de voir ce film lorsqu'il sortira.

Fabienne Berthaud : Tom        2022


Ce film est le premier film de la réalisatrice et écrivaine Fabienne Berthaud que je vois ; si j'ai commencé par celui-ci, c'est certainement parce que l'un des rôles principaux est interprété par Félix Maritaud, un acteur trop rare que j'avais découvert dans Sauvage de Camille Vidal-Naquet dans lequel il était incroyable - je ne sais pas si je l'ai revu dans un film depuis. À la distribution figure également Nadia Tereszkiewicz (que je n'avais vu que dans le mauvais Persona non grata de Zem, hâte de voir ce qu'elle donne dans le dernier Ozon !) et Tanguy Mercier (qui a eu quelques petits rôles chez Dupieux ou Dahan cette année) ; c'est ici un peu difficile de mesurer leur réussite (à part peut-être pour Mercier) parce que le scénario et assez bordélique, je n'ai vraiment pas trop compris où le film voulait en venir : le film commence avec Tom (interprété par Mercier) et sa mère (interprétée par Tereszkiewicz), ils vivent tous deux dans un petit mobile-home à la lisière d'une forêt (les lieux naturels semblent assez omniprésents dans les films de Berthaud) et d'un coup, un gars vient tambouriner à la porte et vient taper l'incruste (interprété par Félix Maritaud), il vient juste de sortir de prison et a l'air un peu violent, quand même - mais bon, à la fin, ils se remettent tous ensemble. Bref, ce que j'ai aimé, c'est que le film prenne autant le point de vue de Tom sans le traiter en tant qu'enfant mais bon, ça aurait été bien de raconter plus de choses, quand même.

Emeryck a écrit:

Marion Desseigne-Ravel : Les meilleures        2021


Il me semble que ce film est le premier long-métrage de la réalisatrice Marion Desseigne-Ravel ; je ne sais pas trop par où commencer : le film m'a vraiment agacé. Il veut raconter la vie de deux adolescentes qui s'aiment mais qui n'arrivent pas à vivre leur relation à cause de l'homophobie autour. C'est un sujet nécessaire mais le film met ici les clichés bout à bout : les deux filles sont issues de familles musulmanes et bien sûr, tous les parents et grand-parents vont être homophobes à balle (ça va faire plaisir aux universalistes, ça !) et bien sûr, vu qu'elles vivent dans une cité, bon... vous avez compris... En plus de déployer cet imaginaire raciste/classiste, le film nous ressasse une énième relation impossible où les deux protagonistes sont dans la souffrance, se font harceler parce que leur sexualité ne répond pas aux représentations dominantes ; en plus de cela, j'ai trouvé que tout était articulé à l'aune de ça : les personnages sont pas vraiment intéressants (je ne parle même pas des familles dont on ne sait quasiment rien, si ce n'est qu'elles sont homophobes), rien n'est développé. Je ne comprends franchement pas l'intérêt de faire un tel film, j'espère que son prochain film (une adaptation du Horla de Maupassant, apparemment) sera mieux ; ici, c'est dommage car les actrices (Lina El Arabi, Esther Bernet-Rollande, Mahia Zrouki qui avait joué dans Une histoire d'amour et de désir ou Un vrai bonhomme).

Oui, bon, cela dit, tu pourrais avoir exactement la même intrigue (d'après ce que je comprends, je n'ai pas vu le film) dans un milieu très catholique et bourgeois, il y aurait les mêmes problèmes et on ne se poserait pas la question que tu poses. Peut-être que le film est intrinsèquement mauvais, mais on ne peut pas lui reprocher de montrer quelque chose qui est difficilement contestable (à savoir l'homophobie dans certains quartiers). Je vois ça, pour le coup, très souvent dans mes classes. Je travaille dans un lycée "républicain", assez représentatif de notre société et le fait est que pour une grande partie des élèves, de mieux en mieux "éduqués", l'homophobie est vue comme une tare et un problème. Mais la résistance est beaucoup plus ancrée du côté des élèves issus des quartiers de la même ville. Donc, pour moi (et en tant qu'homosexuel qui l'a expérimenté aussi, tout simplement dans la rue), ça n'est pas simplement un "imaginaire". Ca ne concerne pas que les quartiers, que les musulmans (comme je disais les catholiques "versaillais" sont au moins aussi durs et intolérants dans leur homophobie - idem, je connais un peu) mais ça n'est pas délirant ou raciste, à mon sens de constater à quel point il est difficile d'assumer d'être LGBT+ dans certains espaces.

François Desagnat : Zaï zaï zaï zaï        2020


Ce film est une adaptation de la bande dessinée homonyme de Fabcaro (pas lue mais j'ai l'impression que je n'aimerais pas trop parce que je n'avais pas non plus aimé Le discours qui était adapté du roman de Fabcaro portant le même nom) et vous allez dire que je force, que je n'arrête pas de dire ça, mais je trouve que ce film remporte, sans véritable hésitation, la palme du film boomer sorti en 2022 - sur Letterboxd, il y a même une critique qui dit "Les darons qui utilisent Letterboxd et qui ont mis 4 étoiles à ce film, on vous voit et il faut partir maintenant." mais à la fois, le film a plusieurs séquences assez drôles et est finalement un peu attachant par moments. Le scénario est assez simple : un acteur comique connu fait ses courses au supermarché et au moment de passer à la caisse, il se rend compte qu'il a oublié sa carte de fidélité, du coup, il tente de fuir et devient le premier fugitif de France à cause de ça. Je trouve le côté axiomatique (qui génère l'absurde) assez drôle mais ensuite, le film part dans tous les sens juxtapose les gags parfois drôles (pas très souvent mais parfois oui), d'autres fois problématiques (par exemple, je crois qu'à un moment, une association manifeste devant un cinéma pour faire interdire le film dans lequel joue le personnage principal du film parce qu'il était scandaleux d'oublier sa carte de fidélité au supermarché) et d'autres fois bien boomer (le plus flagrant étant les fractures du quatrième mur répétées sans aucun intérêt mais il y a des critiques ça et là qu'on pourrait ajouter ici) mais surtout, ça ne va vraiment nulle part, on aurait pu prolonger le film de six heures si on le voulait (ne le faites pas, s'il vous plaît) ; pas sûr qu'il me reste grand-chose de ce film dans ne serait-ce qu'une semaine, le fait que ce soit très très boomer excepté.

Francesco a écrit:

Emeryck a écrit:

Marion Desseigne-Ravel : Les meilleures        2021

Il me semble que ce film est le premier long-métrage de la réalisatrice Marion Desseigne-Ravel ; je ne sais pas trop par où commencer : le film m'a vraiment agacé. Il veut raconter la vie de deux adolescentes qui s'aiment mais qui n'arrivent pas à vivre leur relation à cause de l'homophobie autour. C'est un sujet nécessaire mais le film met ici les clichés bout à bout : les deux filles sont issues de familles musulmanes et bien sûr, tous les parents et grand-parents vont être homophobes à balle (ça va faire plaisir aux universalistes, ça !) et bien sûr, vu qu'elles vivent dans une cité, bon... vous avez compris... En plus de déployer cet imaginaire raciste/classiste, le film nous ressasse une énième relation impossible où les deux protagonistes sont dans la souffrance, se font harceler parce que leur sexualité ne répond pas aux représentations dominantes ; en plus de cela, j'ai trouvé que tout était articulé à l'aune de ça : les personnages sont pas vraiment intéressants (je ne parle même pas des familles dont on ne sait quasiment rien, si ce n'est qu'elles sont homophobes), rien n'est développé. Je ne comprends franchement pas l'intérêt de faire un tel film, j'espère que son prochain film (une adaptation du Horla de Maupassant, apparemment) sera mieux ; ici, c'est dommage car les actrices (Lina El Arabi, Esther Bernet-Rollande, Mahia Zrouki qui avait joué dans Une histoire d'amour et de désir ou Un vrai bonhomme).

Oui, bon, cela dit, tu pourrais avoir exactement la même intrigue (d'après ce que je comprends, je n'ai pas vu le film) dans un milieu très catholique et bourgeois, il y aurait les mêmes problèmes et on ne se poserait pas la question que tu poses. Peut-être que le film est intrinsèquement mauvais, mais on ne peut pas lui reprocher de montrer quelque chose qui est difficilement contestable (à savoir l'homophobie dans certains quartiers). Je vois ça, pour le coup, très souvent dans mes classes. Je travaille dans un lycée "républicain", assez représentatif de notre société et le fait est que pour une grande partie des élèves, de mieux en mieux "éduqués", l'homophobie est vue comme une tare et un problème. Mais la résistance est beaucoup plus ancrée du côté des élèves issus des quartiers de la même ville. Donc, pour moi (et en tant qu'homosexuel qui l'a expérimenté aussi, tout simplement dans la rue), ça n'est pas simplement un "imaginaire". Ca ne concerne pas que les quartiers, que les musulmans (comme je disais les catholiques "versaillais" sont au moins aussi durs et intolérants dans leur homophobie - idem, je connais un peu) mais ça n'est pas délirant ou raciste, à mon sens de constater à quel point il est difficile d'assumer d'être LGBT+ dans certains espaces.

Justement non : pour moi, ce n'est pas symétrique : ça n'aurait pas du tout le même écho. Je faisais surtout allusion à l'imaginaire islamophobe (que l'on retrouve décliné selon plusieurs aspects en général) selon lequel, en gros, les gens de confession musulmane seraient en général plus homophobes que les autres - ou alors, il y a la variante avec le machisme aussi qui est peut-être plus d'actualité quand on voit le retentissement particulier qu'a eu la mobilisation à la suite du meurtre de Mahsa Amini par la police des mœurs en Iran - c'est bien qu'il y ait eu une mobilisation mais la singularité de ce sursaut est à mon avis très claire : lorsqu'il s'agit de féminicides ici ou de gens accusés d'agression sexuelle, on entend beaucoup moins de gens ; le point commun étant de toujours dire "ah bah voilà, les musulmans, ils ont encore trois trains de retard !!!", c'est aussi souvent sous-jacent à travers tous ces gens qui se prétendent universalistes, notamment. Pour moi, ce film va sans cette direction tant les personnages des deux familles sont introduits pour servir de caution à cet imaginaire. Si ç'avait été des catholiques bourgeois, cet imaginaire ne serait pas derrière et c'est là toute la différence. Pour l'aspect classiste, c'est moins clair car le film met moins l'accent dessus : ça vient juste comme une conséquence du premier aspect.

Mais voilà, comme tu le dis (à raison) : la sensation d'insécurité pour les personnes LGBT+ dans certains espaces (?) est très forte et ça ne concerne pas que les quartiers, que les musulmans.

Emeryck a écrit:

François Desagnat : Zaï zaï zaï zaï        2020


Ce film est une adaptation de la bande dessinée homonyme de Fabcaro (pas lue mais j'ai l'impression que je n'aimerais pas trop parce que je n'avais pas non plus aimé Le discours qui était adapté du roman de Fabcaro portant le même nom) et vous allez dire que je force, que je n'arrête pas de dire ça, mais je trouve que ce film remporte, sans véritable hésitation, la palme du film boomer sorti en 2022 - sur Letterboxd, il y a même une critique qui dit "Les darons qui utilisent Letterboxd et qui ont mis 4 étoiles à ce film, on vous voit et il faut partir maintenant." mais à la fois, le film a plusieurs séquences assez drôles et est finalement un peu attachant par moments. Le scénario est assez simple : un acteur comique connu fait ses courses au supermarché et au moment de passer à la caisse, il se rend compte qu'il a oublié sa carte de fidélité, du coup, il tente de fuir et devient le premier fugitif de France à cause de ça. Je trouve le côté axiomatique (qui génère l'absurde) assez drôle mais ensuite, le film part dans tous les sens juxtapose les gags parfois drôles (pas très souvent mais parfois oui), d'autres fois problématiques (par exemple, je crois qu'à un moment, une association manifeste devant un cinéma pour faire interdire le film dans lequel joue le personnage principal du film parce qu'il était scandaleux d'oublier sa carte de fidélité au supermarché) et d'autres fois bien boomer (le plus flagrant étant les fractures du quatrième mur répétées sans aucun intérêt mais il y a des critiques ça et là qu'on pourrait ajouter ici) mais surtout, ça ne va vraiment nulle part, on aurait pu prolonger le film de six heures si on le voulait (ne le faites pas, s'il vous plaît) ; pas sûr qu'il me reste grand-chose de ce film dans ne serait-ce qu'une semaine, le fait que ce soit très très boomer excepté.

J'ai beaucoup rigolé au cinéma avec ma fille, et j'ai beau relire, je ne comprends pas ce que tu veux dire par film boomer.

Axelle Ropert : Petite Solange        2021

 +
J'avais découvert les films de Ropert il y a environ un mois, à travers son premier film (La famille Wolberg) qui m'avait un peu laissé sur le carreau sans être vraiment mauvais ; ici, j'ai trouvé ça nettement mieux, au moins plus touchant - même si thématiquement, on est finalement assez proche : le film parle aussi de liens affectifs dans une famille et de la manière dont ça interagit avec les structures officielles. Dans ce film, on suit une petite famille, principalement du point de vue de la fille d'une dizaine d'années, prénommée Solange, elle fait sa vie et est très affectée par la séparation progressive de ses parents. Ce qui frappe d'emblée, c'est l'interprétation de Jade Springer qui interprète le personnage de Solange ; j'ai également aimé le jeu de Katerine (même s'il ne foule pas énormément mais il n'est pas non plus en pilotage automatique) et le jeu de Léa Drucker passe mais ne m'a pas marqué plus que ça. On pourra trouver le film un peu mielleux ou banal mais j'ai trouvé une certaine intelligence dans l'écriture notamment le petit détail suivant : la manière dont le personnage de Solange interagit avec le système scolaire et notamment son évolution tambour battant ; j'ai également beaucoup aimé la fin. Je regrette toutefois un peu certains dialogues pas des plus intéressants et j'ai globalement trouvé le film un peu sur son quant-à-soi.

Xavier a écrit:

Emeryck a écrit:

François Desagnat : Zaï zaï zaï zaï        2020

Ce film est une adaptation de la bande dessinée homonyme de Fabcaro (pas lue mais j'ai l'impression que je n'aimerais pas trop parce que je n'avais pas non plus aimé Le discours qui était adapté du roman de Fabcaro portant le même nom) et vous allez dire que je force, que je n'arrête pas de dire ça, mais je trouve que ce film remporte, sans véritable hésitation, la palme du film boomer sorti en 2022 - sur Letterboxd, il y a même une critique qui dit "Les darons qui utilisent Letterboxd et qui ont mis 4 étoiles à ce film, on vous voit et il faut partir maintenant." mais à la fois, le film a plusieurs séquences assez drôles et est finalement un peu attachant par moments. Le scénario est assez simple : un acteur comique connu fait ses courses au supermarché et au moment de passer à la caisse, il se rend compte qu'il a oublié sa carte de fidélité, du coup, il tente de fuir et devient le premier fugitif de France à cause de ça. Je trouve le côté axiomatique (qui génère l'absurde) assez drôle mais ensuite, le film part dans tous les sens juxtapose les gags parfois drôles (pas très souvent mais parfois oui), d'autres fois problématiques (par exemple, je crois qu'à un moment, une association manifeste devant un cinéma pour faire interdire le film dans lequel joue le personnage principal du film parce qu'il était scandaleux d'oublier sa carte de fidélité au supermarché) et d'autres fois bien boomer (le plus flagrant étant les fractures du quatrième mur répétées sans aucun intérêt mais il y a des critiques ça et là qu'on pourrait ajouter ici) mais surtout, ça ne va vraiment nulle part, on aurait pu prolonger le film de six heures si on le voulait (ne le faites pas, s'il vous plaît) ; pas sûr qu'il me reste grand-chose de ce film dans ne serait-ce qu'une semaine, le fait que ce soit très très boomer excepté.

J'ai beaucoup rigolé au cinéma avec ma fille, et j'ai beau relire, je ne comprends pas ce que tu veux dire par film boomer.

Oui, je ne détaille pas beaucoup ici, j'utilise cette expression assez souvent, en fait ; je crois que la citation de critique trouvée sur Letterboxd résume assez bien ce que j'entends par là : "Les darons qui utilisent Letterboxd et qui ont mis 4 étoiles à ce film, on vous voit et il faut partir maintenant.". De manière générale, je dirais qu'un film est boomer si, par exemple, pas mal de passages ne feraient pas désordre dans un repas de famille - par exemple, blagues usées jusqu'à la corde, critique à l'emporte-pièce ou totalement évidente ; après, il y a pas mal d'autres aspects et c'est en général plus une catégorie de personnes (par définition, ce sont ceux qui sont nés pendant le baby-boom). Je vais donner des exemples plus précis par rapport au film : tout d'abord, je l'ai déjà mentionné mais ça me semble être le truc le plus flagrant (notamment parce que c'est bien lourd) : les bris à répétition du quatrième mur, c'est du vu et revu, c'est marrant cinq minutes mais bon... il y a un moment un truc (premier degré, en plus...) et hyper boomer : au commissariat, on demande "il a un casier, le type ?" et on lui répond "un casier pour mettre ses affaires de piscine ???" et deux des personnages éclatent de rire et ça y est, on a trente secondes de rire... et ensuite, cerise sur le gâteau (mais là, c'est pas tellement boomer (un peu quand même) mais plus problématique) : le gars répond "tu dis ça parce que j'ai l'air d'un homosexuel refoulé, c'est ça ??", après, on repart sur du boomer "ok, j'ai envoyé le poireau du suspect à la police scientifique. -pas la peine, on sait qui c'est, le suspect" encore vu et revu ; après, par exemple, la journaliste qui dit "précisez pour nos téléspectateurs qui sont majoritairement issus de classes populaires et ne comprennent pas la moitié de ce qu'on dit" ok, on a compris que c'était pour critiquer le mépris de certains présentateurs/journalistes mais c'est vraiment le niveau zéro ; il y a aussi le passage à l'école où on nous fait comprendre qu'on apprend la tolérance, la lutte contre les discriminations etc. mais que c'est du vent ; genre, ok, ouais, bravo, bien observé !! et puis la chanson en mode "les enfoirés", ouais ok... très novateur ça... Bref, je crois vraiment que l'on pourrait aligner les exemples sur des lignes et des lignes ; j'espère que ça rend les choses plus claires en tout cas. Pour moi, c'est vraiment la juxtaposition de plein de trucs qui ne servent finalement pas à grand-chose (certains sont drôles, quand même mais il y a vraiment à boire et à manger) et la réalisation ne suit pas, en plus.

Comme je l'écrivais, le film m'a fait rire par moments, notamment au début lorsque des journalistes interviewent une voisine du fugitif, qu'ils lui soufflent des trucs genre "diriez-vous que c'est l'incompréhension totale/que vous avec un sentiment d'insécurité ?" et qu'elle répond "oh oui, c'est l'incompréhension totale/oui, de l'insécurité" ; j'aime bien aussi le tout petit passage où lorsqu'on demande à un gars ce qu'il pense du personnage principal, il sort "écoutez, c'est un représentant de la branche humour", c'est dit de manière tellement technique/classifiante que c'est drôle.

(Non et puis Jean-Paul Rouve, je crois qu'il a la palme de l'acteur boomer, sans doute ex-aequo avec Gilles Lellouche.)

Honor among lover, Dorothy Arzner

Premier film que je vois de la réalisatrice, et c'est plutôt une bonne pioche! Autant la réalisation n'a rien de particulièrement remarquable (c'est parfois un peu statique) autant le scenario et les acteurs sont vraiment intéressant. Le point de vue féminin est effectivement particulièrement prégnant dans cette histoire qui met quand même en scène les pressions sexuelles d'un patron sur sa secrétaire qui la vire lorsqu'elle lui apprend qu'elle vient de se marier. Le mariage comme un piège pour les femmes sans pour autant que l'héroïne interprété par Claudette Colbert ne cantonnée à un rôle de simple victime. Dans l'ensemble le film reste une comédie assez secondaire par rapport aux grands films de Capra (ça m'y a fait pensé car se déroule dans un milieu assez similaire) mais ça vaut clairement le coup d'être vu:

Merrily we go to hell, toujours Arzner.

La on vole à une tout autre altitude! C'est une très grande réussite, la mise en scène est très belle, jamais statique avec une utilisation récurrente et symbolique des portes et des seuils. Sans doute aussi que le mélodrame invite à une mise en scène plus expressive. Surtout avec deux personnages principaux, magnifiquement incarnés par Frederic March et Sylvia Sidney, qui forment un couple autodestructeur. Sylvia Sidney particulièrement est formidable dans l'expression d'un amour tellement absolu qu'elle est prête à suivre son époux alcoolique dans son abime. J'ai aussi beaucoup aimé l'indifférence cynique de la "garce" blonde interprétée par Adrianne Allen qui me semble dépassé le simple stéréotype.

J'ai très envie de voir Craig's Wife du coup !

Xavier a écrit:

je ne comprends pas ce que tu veux dire par film boomer.

Mon fils (15 ans) à qui je disais que je ne comprenais pas ce qu'il voulait dire par "boomer" m'a rétorqué "si tu ne sais pas ce que veut dire être un boomer, c'est que t'en es un".
S'ensuit une explication sentencieuse au cours de laquelle je me fais traiter de baby boomer. J'ai du lui rappeler que le 20ème siècle avait compté 100 années et plusieurs générations et que si ses grands-parents pouvaient être à bon escient qualifiés de "baby boomers", ce n'était pas mon cas. Ce faisant je n'ai réussi qu'à l'aggraver, mon cas, justement.
Quelques railleries plus loin, j'ai fini par avoir une sorte d'éclair d'illumination: "Ah en fait, ça veut dire ringard: boomer = ringard !". Nuance de condescendance dans ses yeux, comme si j'avais fini par entrevoir une vague lueur de sens à travers la vitre de l'éternité.
Mais je crois que j'ai définitivement sapé tout espoir de retrouver ma dignité, en ajoutant:
"Pourquoi aller chercher un anglicisme, qui en plus est incorrect historiquement, alors que le mot français ringard dit exactement la même chose, voire mieux ?".
Contrairement à moi, mon éventuel.le lecteur.trice aura anticipé ce qui m'a été répondu:
"t'es vraiment un boomer !".
CQFD.

Bonne fin de semaine. Bon week-end.

Padoue a écrit:

Xavier a écrit:

je ne comprends pas ce que tu veux dire par film boomer.

Mon fils (15 ans) à qui je disais que je ne comprenais pas ce qu'il voulait dire par "boomer" m'a rétorqué "si tu ne sais pas ce que veut dire être un boomer, c'est que t'en es un".
S'ensuit une explication sentencieuse au cours de laquelle je me fais traiter de baby boomer. J'ai du lui rappeler que le 20ème siècle avait compté 100 années et plusieurs générations et que si ses grands-parents pouvaient être à bon escient qualifiés de "baby boomers", ce n'était pas mon cas. Ce faisant je n'ai réussi qu'à l'aggraver, mon cas, justement.
Quelques railleries plus loin, j'ai fini par avoir une sorte d'éclair d'illumination: "Ah en fait, ça veut dire ringard: boomer = ringard !". Nuance de condescendance dans ses yeux, comme si j'avais fini par entrevoir une vague lueur de sens à travers la vitre de l'éternité.
Mais je crois que j'ai définitivement sapé tout espoir de retrouver ma dignité, en ajoutant:
"Pourquoi aller chercher un anglicisme, qui en plus est incorrect historiquement, alors que le mot français ringard dit exactement la même chose, voire mieux ?".
Contrairement à moi, mon éventuel.le lecteur.trice aura anticipé ce qui m'a été répondu:
"t'es vraiment un boomer !".
CQFD.

Bonne fin de semaine. Bon week-end.

Pour moi, c'est plus restreint que ringard : un boomer est en général ringard, oui mais il y a des gens qui sont ringards qui ne sont pas boomer (par exemple, le personnage principal du film Guy d'Alex Lutz dont j'ai parlé un peu au-dessus est typiquement un exemple ; pour prendre des exemples de personnes ayant réellement existé, je ne dirais pas que des chanteurs comme Hervé Vilard soient boomers mais je pense qu'ils sont ringards). Après, je suis d'accord avec toi sur le fait qu'au sens strict, la définition de boomer comme personne étant née durant le baby-boom n'est pas bonne mais à mon avis, pas grand-monde l'utilise dans ce sens (très limité).

Parsifal a écrit:

Honor among lover, Dorothy Arzner

Premier film que je vois de la réalisatrice, et c'est plutôt une bonne pioche! Autant la réalisation n'a rien de particulièrement remarquable (c'est parfois un peu statique) autant le scenario et les acteurs sont vraiment intéressant. Le point de vue féminin est effectivement particulièrement prégnant dans cette histoire qui met quand même en scène les pressions sexuelles d'un patron sur sa secrétaire qui la vire lorsqu'elle lui apprend qu'elle vient de se marier. Le mariage comme un piège pour les femmes sans pour autant que l'héroïne interprété par Claudette Colbert ne cantonnée à un rôle de simple victime. Dans l'ensemble le film reste une comédie assez secondaire par rapport aux grands films de Capra (ça m'y a fait pensé car se déroule dans un milieu assez similaire) mais ça vaut clairement le coup d'être vu:

Merrily we go to hell, toujours Arzner.

La on vole à une tout autre altitude! C'est une très grande réussite, la mise en scène est très belle, jamais statique avec une utilisation récurrente et symbolique des portes et des seuils. Sans doute aussi que le mélodrame invite à une mise en scène plus expressive. Surtout avec deux personnages principaux, magnifiquement incarnés par Frederic March et Sylvia Sidney, qui forment un couple autodestructeur. Sylvia Sidney particulièrement est formidable dans l'expression d'un amour tellement absolu qu'elle est prête à suivre son époux alcoolique dans son abime. J'ai aussi beaucoup aimé l'indifférence cynique de la "garce" blonde interprétée par Adrianne Allen qui me semble dépassé le simple stéréotype.

J'ai très envie de voir Craig's Wife du coup !

Ç'a l'air pas mal. En terme de réalisation, ça ressemble à quoi ?