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Walerian Borowczyk : Gavotte        1968


Comme son titre l'indique, ce court-métrage de Borowczyk prend pour base la gavotte et ses doubles de la Suite en la de Rameau (dans une version pas merveilleuse, d'ailleurs - pourtant, ce n'est pas tellement ce qui manque) qui circonscrit l'espace du film. Le court-métrage est pas mal et assez drôle : la caméra est fixe pendant tout le film, on y voit un nain assis sur un fauteuil qui écoute tranquillement cette gavotte de Rameau ; à de multiples reprises, des gens viennent le déranger en prenant du mobilier ; à un moment, il en a marre, il décide de régler son compte à l'un des gars et il l'enferme dans une sorte de malle sur laquelle il s'assoit paisiblement pour poursuivre son écoute. J'ai bien aimé le fait que le film s'appuie sur les différentes variations du thème de la gavotte pour donner de l'assise et du caractère aux différents dérangements (et donc personnages qui passent sur ce qui a des allures de scène de spectacle) ; par contre, je n'ai pas trop compris la manière dont les variations étaient réordonnées.

Benjamin Crotty : Le discours d'acceptation glorieux de Nicolas Chauvin        2018

 +
Je ne connaissais jusque-là Crotty que comme acteur (dans Zombi child de Bonello, notamment) mais en fait il a déjà réalisé cinq courts-métrages avant celui-ci et même un long-métrage (Fort Buchanan). Je ne sais pas à quoi ils ressemblent mais j'avoue que je n'ai pas été complètement emballé par celui-ci : à l'occasion de la remise d'un prix pour "sa loyauté et son dévouement" dans l'armée napoléonienne, Nicolas Chauvin revient à travers un flashback sur sa vie ; le film devient alors une sorte d'épopée pétrie d'ironie moquant (sans surprise) le nationalisme et le racisme. Honnêtement, même s'il y a des moments qui m'ont fait rire (je pense notamment à la fin avec les remerciements aussi improbables qu'interminables - le générique prenant le pas sur ceux-ci) mais je dois dire que j'ai trouvé ça globalement un peu vain, d'autant plus que ce côté ironique fait encore plus ressortir le côté "enfonçage de portes ouvertes" - mais si le contenu suit, ça peut être extraordinaire. En plus, le rythme est assez effréné, le personnage principal est en pleine logorrhée (c'est un peu le principe) et ça devient un peu saoulant ; heureusement que ça ne dure qu'une petite demi-heure.

Mati Diop : Snow canon        2011

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Dans la filmographie de Mati Diop, ce film vient juste après le court-métrage Atlantiques (qui a servi de base pour son long-métrage Atlantique) et j'avoue que la narration de ce court m'a un peu fait penser à Atlantique (dont je dois avouer que j'ai des souvenirs assez vagues), notamment par l'aspect très elliptique et d'ailleurs c'est sans doute ce qui m'a le plus plu dans ce film mais le reste est parfois un peu gênant : ici (ce serait autobiographique), on suit une fille de genre quatorze ou quinze ans qui semble un peu s'ennuyer dans le chalet de ses parents dans les Alpes et elle va petit à petit tomber amoureuse de sa baby-sitter. Au-delà de l'aspect elliptique (plutôt de l'ordre de la gestion de l'espace narratif), j'ai trouvé que le film proposait quelque chose d'intéressant sur les espaces virtuels : il y a quelque chose d'assez littéral (et moins intéressant) avec les messages passés par l'ordinateur ; mais il y a également cette scène de la première (?) rencontre avec la baby-sitter où on voit un bras s'agiter au-dessus des montagnes, on pourrait croire qu'il s'agit d'une sorte de mime mais en fait, c'est la baby-sitter qui nettoie les carreaux ; il y a également cette scène (un peu dérisoire) de bronzage devant le feu de bois ; ça aurait peut-être pu être un peu plus développé mais c'est pas mal, ça m'a aussi donné envie de revoir Atlantique.

Pierre Clémenti : La deuxième femme        1978

 +
Ce film ressemble pas mal au dernier Clémenti que j'avais vu (New old) : une sorte de journal de bord, sans doute d'horizon un peu moins cinématographique que celui de New old où l'on pouvait voir quelques tournages de films sur lesquels Clémenti a tourné. Ici, on voit vraiment sa bande de copains (?) : on peut apercevoir Philippe Garrel, Bulle Ogier, Nico ; un concert de Bob Dylan et un autre de Patti Smith ; entre autres. On pourrait dire que le procédé visuel est toujours le même (un kaléidoscope psychédélique d'images les unes au-dessus des autres avec des associations parfois insolites), ce n'est effectivement pas faux mais je trouve que c'est toujours aussi saisissant, rythmiquement effectif (même si sur la longueur, ça devient peut-être légèrement répétitif).

Hayao Miyazaki : Nausicaä de la vallée du vent        1984


Il me semble que c'est le premier Miyazaki que je vois (si, si !) et ce n'est d'ailleurs que le deuxième long-métrage réalisé par Miyazaki. J'avoue que j'ai été vraiment déçu : les notes sont stratosphériques et on en parle souvent de manière très laudative mais j'ai trouvé que l'adaptation n'était pas bonne du tout, absolument pas cinématographique : les actions s'enchaînent les unes avec les autres mais je trouve qu'aucun fil dramatique n'arrive à émerger et les évènements n'ont quasiment aucune assise cinématographique ; du coup, ça semble vraiment long (le film dure légèrement moins de deux heures) à cause de ces défauts. Malgré tout, il y a un ou deux moments (pas plus) assez jolis (la découverte des strates surtout) et la fin est également un peu moins ennuyeuse mais c'est par la force des choses : à un moment, il faut bien qu'il se passe des trucs. Je pense qu'en manga, ça doit pas mal fonctionner car l'histoire n'est pas mauvaise ; c'est assez frustrant, en somme mais je vais poursuivre sa filmographie avec quelques autres films.

Les films suivants (ceux réalisés sous la bannière du studio Ghibli) sont plus aboutis, mais Nausicaä étant déjà bien représentatif du style de Miyazaki, pas sûr que tu accroches beaucoup plus à ce qui va suivre. Mais il faut quand même tenter les plus grands (Princesse Mononoke en tête en ce qui me concerne, suivi de près par Le Voyage de Chihiro, et bien sûr les bonbons enfantins que sont Totoro et Ponyo qui restent irrésistibles même à 40 ans passés ).

Anna Cazenave Cambet
De l'Or pour les Chiens

Découverte d'Ana Neborac, dommage qu'elle n'ait qu'un rôle, non pas accessoire (la scène de part et d'autre du mur à défaut d'être compréhensible, est émouvante et au cœur du passage par le couvent), mais secondaire. A part ça, pas du tout aimé

xoph a écrit:

Anna Cazenave Cambet
De l'Or pour les Chiens

Découverte d'Ana Neborac, dommage qu'elle n'ait qu'un rôle, non pas accessoire (la scène de part et d'autre du mur à défaut d'être compréhensible, est émouvante et au cœur du passage par le couvent), mais secondaire. A part ça, pas du tout aimé

Ah moi je n'avais pas détesté, même si je n'avais pas trouvé le film hyper convaincant - notamment le passage à la seconde partie. Par contre, quelle photographie. 

Alain Cavalier : Un américain        1958

 +
Ce court-métrage d'une petite quinzaine de minutes est la première réalisation d'Alain Cavalier, qui avait été jusque-là assistant-réalisateur - notamment auprès de Molinaro et de Malle ; d'ailleurs, pour cette première réalisation, il est assisté de Maurice Pialat. Le film est très nouvelle vague : noir et blanc, tournage dans des petits appartements et en extérieur et la cerise sur le gâteau : il nous raconte l'histoire d'un jeune américain qui vient d'arriver à Paris et y vend des journaux. Il est sculpteur et c'est pour ça qu'il est venu à Paris, espérer avoir son atelier à Montmartre, etc. sauf qu'il se fait embarquer dans la vie parisienne et est toujours de sortie ; il se sent alors un peu coupable et son mal-être est accentué par le sentiment de solitude qu'il ressent suite à son arrivée récente. J'ai trouvé le film pas mal réalisé, il est émotionnellement assez crédible (notamment sur ce sentiment de solitude) ; l'approche par jeu de contraires (ce qu'il voulait faire vs. ce qu'il fait, les soirées vs. la solitude) est peut-être un peu systématique mais je trouve que sur un court-métrage comme ça, ça passe. Par contre, je lis que c'est Cavalier qui a fait la voix-off, il s'est vraiment amusé à imiter l'accent américain ?

Emeryck a écrit:

xoph a écrit:

Anna Cazenave Cambet
De l'Or pour les Chiens

Découverte d'Ana Neborac, dommage qu'elle n'ait qu'un rôle, non pas accessoire (la scène de part et d'autre du mur à défaut d'être compréhensible, est émouvante et au cœur du passage par le couvent), mais secondaire. A part ça, pas du tout aimé

Ah moi je n'avais pas détesté, même si je n'avais pas trouvé le film hyper convaincant - notamment le passage à la seconde partie. Par contre, quelle photographie. 

Si tu as compris le titre aguicheur ou ravageur, je suis preneur… (mais comme le meilleur du film en est le plus abscons, peut-être vaut-il mieux laisser ce point dans son obscure clarté). Surtout, je dois être mal luné ces temps-ci

Dominique Cabrera : L'art d'aimer        1985
 + / 
J'avais découvert la réalisatrice Dominique Cabrera sur son joli documentaire sur le bureau de poste de la cité des 4000 à Aubervilliers ; ici, ça n'a à peu près rien à voir : il s'agit d'un court-métrage d'une bonne dizaine de minutes où l'on suit un gars bourgeois genre employé de bureau bien lisse et inintéressant (interprété par Michael Lonsdale) qui rencontre par hasard un photographe dans un parc. Je n'ai pas tout à fait compris les tenants et les aboutissants du film (notamment la raison pour laquelle il veut se faire prendre en photo - pour l'envoyer à son ex ? l'angoisse) mais c'est assez rythmé, les acteurices sont bien et c'est plutôt bien écrit avec cette petite pirouette finale ; de manière générale, c'est tout de même assez drôle avec ces mouvements de caméra ironiquement grandiloquents sur le personnage de Lonsdale.

Jonathan Zaccaï : JC comme Jésus Christ        2012


Ce film est le premier (et le dernier à ce jour) long-métrage de l'acteur Jonathan Zaccaï - on se demande bien pourquoi... Le pitch est assez sommaire : un réalisateur prodige (incarné par Vincent Lacoste - oui, maintenant vous comprenez pourquoi je me suis retrouvé devant ce film) reçoit la palme d'or à quinze ans et la télévision (?) décide de faire une sorte de reportage sur sa vie quotidienne ; en ce moment, il tourne son nouveau film : un biopic sur Marc Dutroux - ah oui, et si vous ne l'aviez pas encore deviné, ce personnage est assez insupportable ; en plus, ils lui ont mis les lunettes de Godard et une coupe à la Justin Bieber, le tout accompagné d'un ego stratosphérique. Le film est épisodiquement drôle (et il arrive même à donner une scène plutôt drôle (et réussie) à Gilles Lellouche, ce qui vaut tout de même le coup d'être relevé) mais ça ne tient pas du tout sur la longueur car ça ne va absolument nulle part ; en fait, il n'y a pas grand-chose à dire (si ce n'est que c'est parfois un peu gênant et que les acteurices sont pas mal) car le film aligne les petits sketches.

Vladimir de Fontenay
Mobile Homes

Beaucoup de belles choses : l'impossibilité de prendre place, ne serait-ce que dans un Mobile Home ; une fille-mère qui se découvre mère (Imogen Poots, formidable) ; une façon de filmer qui m'a fait penser à Andrea Arnold - filmer ce qui est à la marge, sans jugement, avec empathie, et parfois des scènes qui échappent, presque lyriques, où affleure la beauté du monde. Il faut beaucoup de talent pour faire du déroulé d'un lè de papier peint une splendeur, ou du transport d'un Mobile Home un rêve éveillé.
Pas tout à fait conquis néanmoins, notamment, à partir du retour de l'amant charismatique et diabolique, bien que les derniers plans soient très émouvants.
Décontenancé aussi par ce réalisateur, qui d'après ce que vois, fait une œuvre rare, où l'on trouve ce film, un court métrage avec la voix de Chantal Akerman (aussi dans le DVD - What Lies Beneath The Sky), et un film sur Yannick Noah - Le sens de la gagne

Emeryck a écrit:

Jonathan Zaccaï : JC comme Jésus Christ        2012


Ce film est le premier (et le dernier à ce jour) long-métrage de l'acteur Jonathan Zaccaï - on se demande bien pourquoi... Le pitch est assez sommaire : un réalisateur prodige (incarné par Vincent Lacoste - oui, maintenant vous comprenez pourquoi je me suis retrouvé devant ce film) reçoit la palme d'or à quinze ans et la télévision (?) décide de faire une sorte de reportage sur sa vie quotidienne ; en ce moment, il tourne son nouveau film : un biopic sur Marc Dutroux - ah oui, et si vous ne l'aviez pas encore deviné, ce personnage est assez insupportable ; en plus, ils lui ont mis les lunettes de Godard et une coupe à la Justin Bieber, le tout accompagné d'un ego stratosphérique. Le film est épisodiquement drôle (et il arrive même à donner une scène plutôt drôle (et réussie) à Gilles Lellouche, ce qui vaut tout de même le coup d'être relevé) mais ça ne tient pas du tout sur la longueur car ça ne va absolument nulle part ; en fait, il n'y a pas grand-chose à dire (si ce n'est que c'est parfois un peu gênant et que les acteurices sont pas mal) car le film aligne les petits sketches.

J'ai commencé à le regarder il y a 2-3 jours, c'est très rare, mais j'ai coupé après 10-12 minutes.

Roupoil a écrit:

Les films suivants (ceux réalisés sous la bannière du studio Ghibli) sont plus aboutis, mais Nausicaä étant déjà bien représentatif du style de Miyazaki, pas sûr que tu accroches beaucoup plus à ce qui va suivre. Mais il faut quand même tenter les plus grands (Princesse Mononoke en tête en ce qui me concerne, suivi de près par Le Voyage de Chihiro, et bien sûr les bonbons enfantins que sont Totoro et Ponyo qui restent irrésistibles même à 40 ans passés ).

Ponyo 4 ever
(Prosopopus, 12 ans)

xoph a écrit:

Jamais rien qui puisse évoquer un monde araignée, fait d'intelligence, ou au moins d'une altérité* que l'on pourrait considérer (quelle image médiocre que celle de ce décalque humain en cerveau, qui plus est en forme de cerveau - sucé de cerveaux). Debout, les araignées** de la terre !

Désolé, je remets une pièce dans la machine et je partage à peu près tout ce qu'a dit Parsifal, mais juste sur ce point.
Il y ajustement une scène assez symbolique à la fin qui met en lumière le fait que les arachnides soient un peuple conscient et pas bêtement animal, lorsque le personnage du "psychique" (clairement habillé en soldat nazi) place sa main sur la créature et annonce un "Elle a peur" et que tout la troupe de soldats s'en réjouit. A ce moment Verhoeven joue justement avec l'altérité de cette espèce, met en lumière la conscience des arachnides. Elles passent des monstres abjects et violents à des créatures conscientes et organisées, en proie aux mêmes affects que l'humain. A partir du moment où la sauvagerie et l'altérité des créatures sont gommées et que leurs sentiments sont dévoilés comme de véritables humeurs la force armée se réjouit de ce qu'elle va pouvoir lui infliger.

Je trouve ça très réussi.
Ce n'est pas forcément mon Verhoeven préféré (qui serait bien Robocop ou Soldier of orange) mais il y a une chose qui est assez objectivement réussie dans le film ce sont les effets spéciaux, le film a plus de 20 ans et se tient encore très bien à ce niveau.

Patricia Mazuy : Peaux de vaches        1989

 +
Ce film est le premier long-métrage de Patricia Mazuy, longtemps resté (très) difficilement trouvable (légalement) mais ressorti en version restaurée il y a un peu plus d'un an. Au-delà du fait de rendre ce film trouvable, cette restauration n'est pas de trop car la photographie du film (signée Raoul Coutard !) est vraiment superbe. Le film s'ouvre sur une scène dans laquelle deux frères complètement ivres jouent à se balancer des crêpes dans une grange et ont la bonne idée de la faire flamber sauf que, bien sûr, c'est toute la grange qui prend feu, tuant au passage un homme qui passait par là. C'est cette trajectoire de migration qui va régir le film : on part de quelque chose de très spatial(isé) avec un homme qui revient de prison (l'un des frères) après dix ans, il revient voir son frère, les scènes sont principalement filmées en plan large pour les extérieurs et en plan rapproché pour les intérieurs ; il y a une atmosphère assez bizarre, c'est lent et si ç'a tant d'assise, c'est grâce aux acteurices (Jean-François Stévenin dans le rôle du frère qui revient de prison, Jacques Spiesser dans le rôle de l'autre frère et Sandrine Bonnaire dans le rôle de sa copine) tou(te)s trois extrêmement engagé(e)s mais également grâce à la photo très physique - et sans doute la manière de filmer ces paysages terreux de la Somme, on pourrait presque penser à une préfiguration de Dumont ; le film migre petit à petit vers quelque chose de beaucoup plus emporté (la scène de fin !), à chercher du côté d'une sorte de mélodrame. De cette lente migration découle une sorte de persistance où les deux parties se synthétisent et donnent lieu à quelque chose de presque horrifique : c'était comme si cet aspect horrifique (résultante globale de la trajectoire émotionnelle du film) qui cerne le film cernait aussi les personnages : il y a beaucoup de scènes de déplacement véhiculés qui ne sont en général jamais loin de tourner au drame, comme s'il s'agissait de contenir les personnages dans un lieu clos ; je ne sais pas si j'ai réussi à bien l'exprimer mais pour moi, c'est sans doute ça qui fait tenir tout le film et c'est assez fort - surtout pour un premier long-métrage. D'ailleurs, c'est marrant car cette fonction transitionnelle de l'incendie se retrouvera également dans Travolta et moi. J'ai en tout cas beaucoup aimé ce film et je pense qu'il ne fera que se bonifier au fil des revisionnages.

Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu

chouette !

Jean-Pierre & Luc Dardenne : Tori et Lokita        2022

 +
J'ai été un peu déçu par ce film : il reprend la trame de la plupart des films des frères Dardenne (un problème localisé face auquel un duo de personnages essaie tant bien que mal de lutter malgré un personnage intermédiaire lambda qui profite de leur situation) et ça donne une impression assez curieuse puisqu'on a l'impression d'un moule suffisamment générique dans lequel on pourrait à peu près couler n'importe quel problème (ils sont en cela assez loin d'un Ken Loach, par exemple, qui est à mon sens nettement plus inventif et varié) : ils ont un bel avenir devant eux, il reste plein de problèmes ! Plus sérieusement, il n'y a pas trop de doutes sur leur honnêteté (et ils font tout de même ça correctement) mais je peux pas m'empêcher de trouver ça un peu étrange. Le film raconte l'histoire d'un petit garçon prénommé Tori (interprété par Pablo Schils) et d'une fille un peu plus âgée que lui prénommée Lokita (interprétée par Joely Mbundu), ils ont tous deux émigré en Belgique, prétendant être frère et sœur, sans doute pour faciliter les processus administratifs (?) ; Lokita bataille pour avoir ses papiers mais il y a toujours des problèmes, elle décide alors d'acheter des papiers clandestins et travaille pour cela pour le patron d'une pizzeria (?) pour qui elle fait des livraisons de drogue avec Tori. Ce film des Dardenne est peut-être un peu différent par son aspect beaucoup plus frontal mais j'ai trouvé que c'était maladroit : (spoiler) à la fin, Lokita se fait tuer à coup de pistolet et dans la cérémonie funéraire qui clôt (abruptement) le film, Tori déclame un discours dans lequel il dit que si elle avait eu ses papiers, Lokita ne serait pas morte ; c'est effectivement vrai dans le cadre du film mais on dirait que l'obtention des papiers est la panacée et qu'une fois ceux-ci obtenus, ça y est, c'est la belle vie ; je trouve qu'il aurait été pas mal d'introduire un troisième personnage qui aurait obtenu ses papiers - cela dit, ça aurait peut-être fragilisé le duo central qui est vraiment chouette et donne lieu à des scènes assez émouvantes.

Lola Quivoron : Rodeo        2022

 +
Ce film est le premier long-métrage de la réalisatrice Lola Quivoron et je dois dire que c'est vraiment remarquable - j'espère juste que le bashing (particulièrement violent (envers la réalisatrice mais pas seulement : un gars écrit par exemple sur Sens Critique qu'il était à son bureau et qu'une personne faisait un rodéo urbain en bas de son bureau, que ce dernier aurait perdu le contrôle de son véhicule et aurait perdu la vie et que du coup, c'était une belle journée) qu'a subi le film sur internet par les fachos parce que la réalisatrice a dit que les flics favorisaient les accidents dans les rodéos urbains lorsqu'ils poursuivaient les véhicules, affirmation qui me semble assez évidente ; c'est d'autant plus ridicule que le film parle de cross bitume et pas de rodéo urbain, mais bon, pour cela, encore faudrait-il avoir vu le film. Dans ce film, on suit Julia, une passionnée de motos typées cross, elle vit de petites combines et pratique le moto-basket pour se procurer ses motos ; elles rejoint ensuite un groupe de cross bitume (exclusivement composé de gars) et s'entend bien avec un de ceux-ci qui aura malheureusement un accident qui entraînera sa mort ; Julia se fait petit à petit sa place dans le groupe et on lui confie des coups - on ne compte même plus le nombre de remarques sexistes qu'on lui fait. Le film fait un peu western (ou teen movie américain des années soixante) notamment à travers le personnage principal et ses multiples scènes d'embardée à moto (cette idée du véhicule libérateur) et même dans cette idée de quelqu'un qui rejoint un groupe (même si ici, la défiance est sans doute plus d'ordre sexiste qu'autre chose) - j'ai trouvé que Julie Ledru était très convaincante dans le rôle, par ailleurs. L'un des gros points forts du film, c'est sans doute la manière dont il est filmé : la photo de Raphaël Vandenbussche est vraiment très belle, avec beaucoup de grain et j'ai trouvé que tout était filmé de manière très physique avec une transmission assez réussie de l'adrénaline liée à la vitesse et aux hauts régimes moteur ; il y a également des séquences où Julia touche sa moto, elle a un rapport très physique avec la moto. Il y a également les séquences oniriques où elle se remémore son ami/crush mort dans l'accident et cette fin très surprenante : je me suis d'abord dit "ah ok, ça se finit juste comme ça" mais ensuite, il y a une sorte de prologue assez fort d'un point de vue émotionnel. Décrit comme ça, on pourrait croire que ce film est un bordel sans nom mais c'est vraiment bien équilibré et prenant : sans doute pour moi le meilleur film de 2022 après Saint Omer d'Alice Diop.

Charlotte Wells : Aftersun        2022

 +
Là aussi, il s'agit d'un premier long-métrage et on est assez loin de Rodéo (en restant dans la qualité) ; je n'avais vu aucun des courts de Charlotte Wells. La trame est assez simple : une jeune femme se replonge dans les séquences enregistrées par une caméra, l'anniversaire de ses onze ans passé en Turquie en compagnie de son père et ça suffit à décrire ce qu'il se passe à l'image. Ce qui m'a beaucoup touché dans ce film, c'est la subtilité de l'évocation des états émotionnels des personnages et leur(s) réaction(s) à ceux-ci : la dépression du père, remarquée par la fille ; le morceau type récit d'initiation de la fille et il y a des scènes-type employées de manière intéressante (je pense notamment à la scène du karaoké, assez forte et à tiroirs) ; j'ai également beaucoup aimé le retour à la temporalité première, notamment avec la scène transitoire de danse et la scène qui clôt le film, assez ouverte. C'est dingue ce que l'on peut faire avec de bon(ne)s acteurices (Frankie Corio dans le rôle de la fille et Paul Mescal dans le rôle du père) ; le film m'a pas mal touché.

Laurent Junca & AZ : Les gagnants        2022

+
J'avoue que je ne pensais pas vraiment trouver pire que Le monde d'hier de Diastème dans la catégorie du pire film sorti en 2022, eh bien si ! - du coup, je trouve le titre assez ironiquement drôle. Ce film est le premier du binôme, c'est une comédie dont le personnage principal est un humoriste de stand-up (interprété par JoeyStarr) qui, suite à un flop temporaire auprès de sa communauté, décide d'organiser un tirage au sort à l'issue duquel deux personnes seront invitées à passer une semaine (filmée et retransmise sur les réseaux sociaux) chez leur idole ; le tirage au sort a lieu et les deux personnes sélectionnées sont : un amateur de flûte à bec ne vivant que pour les tartes tropéziennes et l'autre est un passionné de tuning et ne connait en fait même pas l'humoriste : c'est sa mère qui l'a envoyé car elle, elle en est fan. Je crois que c'est la première comédie où strictement aucun passage ne me fait rire et bien sûr, les personnages, c'est l'enfer, tout est cliché à un point où ça en devient bien gênant. Bref, je n'ai même pas pris la peine de regarder le film en entier tellement rien n'allait (mais vraiment rien : le scénario est hyper téléphoné et plat, les acteurices sont nul(le)s, la technique est plutôt ok mais ennuyeuse) ; on tombe en tout cas sur de sacrées choses en choisissant les films au hasard.

Thomas Salvador : La montagne        2022


Ce film est le second long-métrage de Salvador, c'est pour ma part le premier que je vois et j'avoue que je l'ai trouvé assez curieux - d'où cette note médiane. Le pitch est vraiment sommaire : un ingénieur (?) décide de partir spontanément de l'entreprise qui l'emploie pour se rendre à la montagne ; lorsqu'il s'agit de partir, il décide au dernier moment de finalement rester à la montagne pour une durée indéterminée. Le film est vraiment tout entier construit sur cet élan très spontané vers la montagne (ne serait-ce que le titre, réduit au strict minimum - "Montagne" aurait été trop générique car il s'agit ici précisément du Mont Blanc) et dont le cap sera maintenu contre vents et marées ; c'est sans doute là qu'il faut chercher le film : dans sa sur-performance du programmatique dont découle presque une sorte de persistance d'idée (au sens d'analogue de la persistance rétinienne pour les idées - qui n'a pas l'aspect très propre de l'idée fixe mais qui est plus quelque chose de baveux et saturé) qui est finalement assez bien déployée à travers cette progression par strates (les strates deviennent carrément littérales lorsque le personnage principal s'enfonce dans la montagne - oui parce qu'en fait, le personnage principal, lors de son ascension, rencontre des sorte de petites créatures informes scintillantes dont le toucher fait devenir ses membres lumineux et à un moment, un petit pan de montagne devient lumineux et lorsqu'il le touche, il parvient à s'y enfoncer) qui ont, du point de vue de la société civile, leur contrepartie : il y a une série de points-étapes (un peu à la manière des pitons que l'on plante : on se constitue une voie) qui donnent vraiment l'impression que le personnage va de plus en plus loin ; en plus, j'ai trouvé que l'ampleur du film (il fait autour de deux heures et absolument rien ne vient perturber la trajectoire) fonctionnait assez bien. Malheureusement, je dois dire que même si j'ai trouvé le film assez beau (la scène d'entrée dans la montagne est assez belle, la photo est en général chouette et la scène d'amour à la fin dans l'obscurité avec les mains lumineuses sur les corps est très jolie) et que j'ai apprécié sa démarche, je n'en retire finalement pas grand-chose - notamment parce que la trajectoire est extrêmement identifiable : de la vie en société (autrement dit, régulée et rationnelle) à la nature (imprévisible et mystérieuse) - mais je dois dire que je suis assez admiratif de la rigueur dans la démarche ; je suis (néanmoins) curieux de voir à quoi ressemblent les autres films de ce réalisateur - qui est par ailleurs alpiniste, je ne le savais pas mais ça semble peu surprenant après ce film.

Annie Ernaux & David Ernaux-Briot : Les années super 8        2022


Ce film, réalisé par l'un des fils de l'écrivaine Annie Ernaux, dont elle a écrit et lu le texte, est un regroupement des différents films en Super 8 filmés dans les années soixante-dix par son ancien mari Philippe Ernaux. Honnêtement, je n'ai pas été véritablement emballé ; je ne sais pas si c'est parce que je parcours en ce moment ses livres, mais ça n'apporte pas tellement de choses en plus ; bien sûr, il y a le recul puisque le texte qu'a écrit Ernaux est récent mais même pas autant qu'on pourrait l'attendre : vu que plusieurs de ses ouvrages sont très axés sur le commentaire, on pourrait s'attendre à un travail particulier de ce côté mais pas vraiment. Du côté des commentaires, rien de très surprenant non plus (même s'il y a quelques passages intéressants) ; en fait, ce qui m'a intéressé dans le film, ce sont les images en elles-mêmes et aussi, éventuellement, les voyages de la famille Ernaux (pas racontés dans les livres), très de leur temps ; mais bon, c'est à peu près tout.

Mia Hansen-Løve : Un beau matin        2022

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Après Maya que je n'avais pas tant aimé que ça (même si ce n'était tout de même pas si mal que ça), Bergman island m'avait agréablement surpris, ému et je l'avais trouvé vraiment intéressant ; mon attente était forcément un peu élevée pour le film qui lui succéderait et je dois dire que j'ai été un peu déçu : l'histoire est en grande partie autobiographique, on y suit une traductrice (interprétée par Léa Seydoux) dont le père (interprété par Pascal Greggory) succombe progressivement à une maladie neurodégénérative qui lui fait perdre la mémoire et la vue, elle doit donc lui trouver une place en EHPAD car il ne se sent plus bien seul ; parallèlement, elle retrouve une vieille connaissance avec qui elle va avoir une relation chancelante - notamment parce que le gars est marié et trompe sa femme. Honnêtement, l'histoire n'est pas extrêmement fournie, on pourra trouver d'ailleurs mieux dans les autres films de la réalisatrice sur les deux pans exposés (L'avenir pour le premier et Un amour de jeunesse pour le second) ; j'exagère peut-être un peu car l'ambivalence affective est sans doute plus forte ici mais bon... Sinon, pour rester sur ce que je n'ai pas trop aimé, parlons de la direction d'acteurices : je ne suis en général pas extrêmement regardant là-dessus mais là, malgré la distribution quatre étoiles, j'ai trouvé que les acteurices récitaient un peu leur texte, ça ne prenait pas tellement ; celui qui s'en sort le mieux, c'est sans doute Pascal Greggory et peut-être Camille Leban dans le rôle de la fille du personnage principal. Un autre point que je n'ai pas trop aimé (sur lequel je suis par contre nettement plus regardant), c'est le montage : je l'ai trouvé beaucoup trop serré, on dirait que la réalisatrice nous dit "bon, c'est bon, vous avez vu ? elle écrit un texto "je t'aime", allez, pas besoin de montrer le texto qui s'envoie, à peine le "e" tapé, on coupe" ; il y a beaucoup de moments sapés comme ça et c'est dommage car le film se prête à une langueur un peu hersienne, un laisser-couler et peut-être que l'aspect récité des acteurs est aussi (en partie, bien sûr) plus visible à cause du montage - c'est pourtant assez curieux car c'est toujours Marion Monnier au montage, c'est elle qui a (par exemple) monté les derniers films de Hansen-Løve et plusieurs films de Hers. Ce que j'ai aimé, c'est de manière générale tout ce qui concerne l'aspect visuelle : superbe photo de Denis Lenoir (mais bon, ça, c'est parce que c'est lui), superbe lumière, superbes couleurs et contre toute attente, j'ai également assez aimé les tenus du père et de la fille dans le film ; sinon, il y a tout de même quelques moments de beauté dans le film mais bon, pas plus - par contre, j'ai pas trop compris si le personnage de Nicole Garcia était ironique ou sérieux : quand elle dit qu'elle a fait des manifestations non violentes pour l'écologie et qu'elle avait été décrocher le portrait de Macron à la mairie du 19ème, personne n'a ri alors que c'est tout de même cocasse.

Contre-enquête

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Manèges

Jerzy Skolimowski : EO        2022

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Comme le suggère l'affiche du film, le personnage principal de ce film est un âne ; du coup, oui, c'est inspiré de Au hasard Balthazar de Bresson mais c'est tout de même assez différent : le film de Bresson se resserre beaucoup plus, que ce soit par le nombre de personnages ou même par les registres que le film mobilise ; je crois que je préfère le film de Bresson mais la variété du film de Skolimowski m'a enchanté. Il a gardé cette idée de l'âne comme témoin/révélateur mais on a ici l'impression qu'il traverse vraiment un monde (et en ce sens, ce statut de révélateur est peut-être davantage exploité) : du cirque dont il est extrait, au stade de football où il assiste à un match et puis, il y a tous ces trajets intermédiaires variés qui donnent lieu à des petites saynètes tantôt tragiques, tantôt amusantes mais toujours surprenantes (et toujours ayant plus ou moins un lien avec le départ et/ou la non permanence) - mention spéciale pour la séquence avant la fin, complètement sortie de nulle part, où on tombe nez à nez avec Isabelle Huppert assistant à une cérémonie religieuse puis se fâchant ensuite avec son fils. Cette multiplicité de caractères et de situations trouve aussi une contrepartie plus concrète : dans le film, on peut entendre tour à tour du polonais, de l'anglais, de l'italien et du français - peut-être d'autres langues que je n'ai pas reconnues. Enfin, le film est extrêmement travaillé sur le plan visuel avec beaucoup de variétés de couleurs, de textures et de mouvements de caméra ; je crois que c'est ce qui cimente tout le film, ça permet vraiment de le découper en petits tableaux (avec l'utilisation de la musique, aussi et de très peu de paroles) et de le dynamiser ; franchement, c'est une belle réussite et quelle créativité !

Albert Serra : Pacifiction        2022


Bon, commençons par les évidences : Pacifiction est le meilleur film sorti en 2022 et Benoît Magimel est extraordinaire dans ce film. De toute façon, j'aimais déjà beaucoup les films d'Albert Serra (à part Liberté qui m'avait tout de même ennuyé mais que j'avais tout de même trouvé intéressant par certains aspects) et celui-ci est typiquement dans cette veine - autrement dit, si vous n'aimez pas ses films, fuyez. J'ai par contre trouvé qu'il allait nettement plus loin dans celui-ci (enfin, je suis loin d'avoir vu tous ses films, d'ailleurs, je ne comprends pas grand-chose à sa filmographie qui semble être un véritable fourre-tout) puisque si l'argument est toujours minimal (un diplomate qui se rend en Polynésie pour prendre un peu la température auprès de la population, sur fond de rumeurs de reprises d'essais nucléaire au large), j'ai trouvé que l'ambiance était beaucoup plus évolutive que dans les autres films de Serra que j'ai pu voir : dans les quatre autres films, tout était donné d'avance et c'était bien sûr évolutif mais ce n'était qu'un crescendo alors qu'ici, c'est quasiment le contraire : on ne comprend jamais véritablement où l'on va et les personnages ne semblent pas plus informé que nous - par exemple, le personnage de Magimel, représentant de l'état français, etc. arrive assez confiant et puis il y a ce point de bascule "bon, tu sais, depuis quelques temps, je commence à me rendre compte que le premier ministre est un connard et le président aussi" et puis il y a ces essais nucléaires qui réapparaissent. Cette ambiance inquiète impalpable est vraiment ce qui m'a plu dans ce film, tout y est complètement lunaire (et Magimel y est pour beaucoup, il est d'un naturel incroyable dans son personnage typiquement post-colonial ; on sent que son personnage ne comprend vraiment rien). J'ai été également assez surpris par la manière dont c'était filmé : je m'attendais à quelque chose de beaucoup plus imposant et démonstratif alors qu'en fait, pas tellement ; la photo d'Arthur Tort est bien sûr extrêmement soignée, les cadres ainsi que les lumières superbes mais ça s'arrête là - mais par ça, je ne veux pas dire que c'est trop basique : au contraire, l'aspect baveux de la photographie correspond vraiment parfaitement à l'ambiance du film ; j'ai également beaucoup aimé le son du film, notamment vers la fin avec les bips qui ajoutent beaucoup à cette ambiance inquiète, sans que ça devienne caricatural. La fin est vraiment superbe, une sorte de prolongement de cette ambiance inquiète : le personnage de Magimel est essentiellement seul, il n'y a quasiment plus de dialogues, les plans sont assez confus et chargés et cette séquence ultime où le capitaine hurle son blabla sur le courage, le sacrifice et autres conneries - et cette transition au rouge pour arriver au générique, superbe. Je suis vraiment déçu de n'avoir pas vu ça en salle, ça devait être extraordinaire car c'est vraiment un film à l'ambiance extraordinaire.

Rainer Werner Fassbinder : Die bitteren Tränen der Petra von Kant        1972

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Je connais assez mal la filmographie (pléthorique) de Fassbinder mais je n'avais jusque-là pas été extrêmement conquis par les films que j'avais pu voir - les deux premiers et le dernier. Celui-ci est cependant d'un tout autre niveau, il s'agit d'une adaptation d'une pièce de théâtre écrite par Fassbinder qui raconte l'histoire de Petra von Kant, une couturière de mode très reconnue, vivant dans son appartement à la décoration assez suffocante avec une femme prénommée Marlene qui est un peu sa souffre-douleur ; un jour, elle rencontre Karin, une jeune femme prolétaire dont elle tombe amoureuse (ou plutôt qu'elle cherche à posséder, comme elle le dit vers la fin) et à qui elle propose d'être son mannequin ; le film va nous montrer la chute de Petra qui était jusque-là présentée comme étant d'une autorité imperturbable. Le film est un huis-clos qui ne se passe que dans la chambre de Petra et la mise-en-scène est vraiment remarquable parce que d'une part, ça ne ressemble pas du tout à du théâtre filmé (à part peut-être à quelques rares endroits lorsque Fassbinder filme la porte d'entrée) et c'est assez fort dans un huis-clos aussi resserré et d'autre part, on ne s'ennuie pas alors que le film dure un peu plus de deux heures et est essentiellement composé de discussions ; ce que j'ai sans doute le plus aimé, c'est la manière dont Fassbinder inscrit ses personnages dans le cadre en jouant sur la profondeur de champ (je pense par exemple à ce plan où figurent Petra, Marlene et Karin ; la caméra filme de telle sorte que Marlene soit cachée derrière Karin et seules Petra et Karin apparaissent à l'image ensuite, lorsque Marlene y apparaît, c'est toute seule grâce à un léger zoom ; j'ai également aimé cette toile immense en fond, ça donne un aspect assez étouffant) ; de manière générale, la gestion de l'espace est vraiment pas mal - je pense par exemple à cette dernière partie où Petra est seule dans sa chambre vide, le sol couvert d'un tapis d'un blanc éclatant où elle est seule avec son téléphone, attendant désespérément l'appel de Karin. J'ai également beaucoup aimé le jeu des deux actrices de tête (Margit Carstensen dans le rôle de Petra, Hanna Schygulla dans le rôle de Karin), j'ai également bien aimé le jeu de Katrin Schaake dans le rôle de Sidonie.

Jean-Daniel Pollet : Méditerranée        1963


C'est ce film qui m'avait donné envie de découvrir le cinéma de Pollet et je ne le vois que maintenant ; j'ai en tout cas été un peu déçu : l'extrait que j'avais vu de ce film était assez séduisant mais le texte (écrit par Philippe Sollers) m'a un peu déçu, je l'ai trouvé assez peu exaltant de manière générale - on est loin des textes des films de Marker ou de Resnais ; à l'image, on a plusieurs séquences (souvent composées de lents travellings) tournées autour de la Méditerranée, arrangées de manières très combinatoire avec la musique : ça donne parfois de beaux moments mais ça ne m'a pas toujours parlé - pourtant, c'est ma came, normalement.

Ah, oui, tiens, étonnant.

Kirill Serebrennikov : La femme de Tchaïkovski        2022

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J'avais découvert Serebrennikov par Leto qui m'avait pas mal enchanté, puis vu que je ne connaissais rien de lui avant ça, je suis allé faire un tour du côté des films qu'il avait réalisés avant celui-ci et j'avais vu Le disciple que j'avais aimé mais que j'avais également trouvé un peu lourdingue ; 'pas encore vu La fièvre de Petrov mais je veux vraiment le voir car c'est apparemment assez fouillis. Ce film raconte la relation entre Antonina Milioukova et Tchaïkovski, une de ses élèves qui étaient amoureuse du compositeur et ce dernier a accepté le mariage pour (semble-t-il) couvrir son homosexualité et aussi gagner un peu d'argent grâce à la dot (ça n'a pas bien marché) ; sans surprise, le mariage ne fonctionnera pas et ils se sépareront, blessant significativement les deux époux ; le film se focalise plus sur Milioukova qui finira dans un hôpital psychiatrique jusqu'à sa mort en 1917. J'ai aimé que le film ne nous fasse pas le coup du génie Tchaïkovski que sa femme empêche de travailler (même si les amis de Tchaïkovski nous font ce coup-là) et qu'il ne soit pas une sorte de biopic du compositeur qui par la même occasion, parlerait de Milioukova. Même si j'ai aimé le film, je l'ai toutefois trouvé un peu long (un peu plus de deux heures vingt) et démonstratif (parfois pour pas grand-chose et parfois également assez attendu dans ses éclats - je pense par exemple à cette scène vers la fin où Milioukova imagine une scène de prise de photo avec le compositeur et ses trois enfants, c'est complètement évident qu'il s'agit d'un rêve et le film va tout de même nous montrer cette résolution) ; cela dit, il y a certains motifs qui m'ont bien plu (le bruit de mouche, l'incendie) et j'ai beaucoup aimé le tandem principal (Alyona Mikhailova dans le rôle de Milioukova en tête puis Odin Lund Biron dans le rôle de Tchaïkovski). En fait, je crois que j'attendais quelque chose de plus débridé et fiévreux et non un peu figé et visuellement/narrativement assez académique.

Jérémie Elkaïm : Ils sont vivants        2021

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Ce film est la toute première réalisation de l'acteur et scénariste Jérémie Elkaïm, je voulais voir un peu ce que ça donnait à la réalisation. Le film est une adaptation (assez fidèle d'après ce que je lis) du roman Calais mon amour de Béatrice Huret dans lequel une femme dont le mari policier et sympathisant FN vient de mourir puis devient bénévole pour aider les migrant(e)s arrivé(e)s à Calais puis se rapproche de l'un d'eux. Je ne sais pas comment est le livre mais le film est assez improbable, tout semble systématiquement se passer en un claquement de doigts. La narration n'est en plus pas aidée par une réalisation assez calamiteuse : les plans sont en général bien trop longs (je pense à la première scène d'amour au lit mais sans doute encore plus à la scène vers la fin où le personnage principal est filmé pendant deux bonnes minutes en train de pleurer pour nous faire comprendre que c'est triste ce qu'il lui arrive), il y a aussi des plans très bizarres (par exemple, cette séquence où le personnage principal est en voiture et décide de se garer dans un petit chemin pour faire l'amour en voiture, du coup, ok la voiture se gare, ils se déshabillent un peu et ensuite on a un plan fixe de vue extérieure de la voiture (alors qu'il n'y a absolument rien et ce n'est pas du tout suggéré) puis retour à l'intérieur) et d'autres assez peu élégants (à un moment, lors d'un baiser, on a le droit à un gros plan sur un filet de bave sans que ça semble vraiment délibéré) ; le fait que ce soit filmé en caméra à l'épaule n'aide pas non plus et les cadres ne sont pas fabuleux. Concernant l'adaptation, j'ai été surpris que ça ne soit pas plus réussi parce qu'Elkaïm a déjà travaillé sur quelques adaptations assez réussies avec la réalisatrice Valérie Donzelli. Bon, sinon, ce n'est pas non plus un film nul, il évite l'écueil du white saviour et n'est pas extrêmement cringe par ailleurs ; sinon Marina Foïs est pas mal dans le rôle principal.

Man-Ray : Les mystères du château de dé        1929

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Ce film est une commande du vicomte Charles de Noailles, son titre est inspiré par le célèbre poème de Mallarmé ; il s'agit d'une sorte de successions de successions de vues de la villa de Noailles, enrobée d'une petite histoire. Après une introduction très brève, le film nous montre deux hommes, la tête couverte de ce qui semble être un collant, jouant aux dés au comptoir d'un bar, un des lancers aboutit au départ de ceux-ci pour la villa de Noailles ; on retrouvera une paire de dés un peu partout, et pas mal de figurant(e)s portant également une sorte de collant sur la tête. Sinon, rien de véritablement marquant visuellement, quelques scènes amusantes mais pas plus.

Benoît Forgeard : Coloscopia        2011

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Derrière ce titre charmant se trouve un court-métrage aussi intéressant que son titre : Jackie Larose, une grande playmate posant pour la revue érotique Beauty, est atteinte d'un cancer du gros colon et doit subir une colostomie et qui se fait par conséquent appeler Coloscopia (ou Colo pour les intimes) ; elle décide de continuer sa carrière et de se tourner vers le porno. L'histoire est assez sommaire et l'opposition entre le charme et le fond scatalogique de l'histoire fait un peu souffler mais il y a quand même quelques moments un peu drôles notamment par leur aspect absurde - je pense notamment à la scène où le médecin de Jackie est invité sur un plateau télé pour parler du cancer de celle-ci et qu'ensuite, on lui demande de frapper le gong, le lien logique est limpide ; les acteurices s'en sortent pas mal, et notamment Darius, celui qui joue le médecin.

Emeryck a écrit:

Kirill Serebrennikov : La femme de Tchaïkovski        2022

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J'avais découvert Serebrennikov par Leto qui m'avait pas mal enchanté, puis vu que je ne connaissais rien de lui avant ça, je suis allé faire un tour du côté des films qu'il avait réalisés avant celui-ci et j'avais vu Le disciple que j'avais aimé mais que j'avais également trouvé un peu lourdingue ; 'pas encore vu La fièvre de Petrov mais je veux vraiment le voir car c'est apparemment assez fouillis. Ce film raconte la relation entre Antonina Milioukova et Tchaïkovski, une de ses élèves qui étaient amoureuse du compositeur et ce dernier a accepté le mariage pour (semble-t-il) couvrir son homosexualité et aussi gagner un peu d'argent grâce à la dot (ça n'a pas bien marché) ; sans surprise, le mariage ne fonctionnera pas et ils se sépareront, blessant significativement les deux époux ; le film se focalise plus sur Milioukova qui finira dans un hôpital psychiatrique jusqu'à sa mort en 1917. J'ai aimé que le film ne nous fasse pas le coup du génie Tchaïkovski que sa femme empêche de travailler (même si les amis de Tchaïkovski nous font ce coup-là) et qu'il ne soit pas une sorte de biopic du compositeur qui par la même occasion, parlerait de Milioukova. Même si j'ai aimé le film, je l'ai toutefois trouvé un peu long (un peu plus de deux heures vingt) et démonstratif (parfois pour pas grand-chose et parfois également assez attendu dans ses éclats - je pense par exemple à cette scène vers la fin où Milioukova imagine une scène de prise de photo avec le compositeur et ses trois enfants, c'est complètement évident qu'il s'agit d'un rêve et le film va tout de même nous montrer cette résolution) ; cela dit, il y a certains motifs qui m'ont bien plu (le bruit de mouche, l'incendie) et j'ai beaucoup aimé le tandem principal (Alyona Mikhailova dans le rôle de Milioukova en tête puis Odin Lund Biron dans le rôle de Tchaïkovski). En fait, je crois que j'attendais quelque chose de plus débridé et fiévreux et non un peu figé et visuellement/narrativement assez académique.

Je suis allé voir le film samedi dernier. Je n'avais jamais vu de film du réalisateur et metteur en scène. J'ai trouvé quelques longueurs au film comme toi mais j'ai aimé que Serebrennikov nous évite un simple remake et Mikhailova éclipse pour moi l'ensemble de la distribution, je l'ai trouvée magnétique. J'ai aimé la musique qui est en partie celle de Tchaikovsky, la photographie et les passages oniriques, notamment la toute fin du film après l'incendie.

aurele a écrit:

Emeryck a écrit:

Kirill Serebrennikov : La femme de Tchaïkovski        2022
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J'avais découvert Serebrennikov par Leto qui m'avait pas mal enchanté, puis vu que je ne connaissais rien de lui avant ça, je suis allé faire un tour du côté des films qu'il avait réalisés avant celui-ci et j'avais vu Le disciple que j'avais aimé mais que j'avais également trouvé un peu lourdingue ; 'pas encore vu La fièvre de Petrov mais je veux vraiment le voir car c'est apparemment assez fouillis. Ce film raconte la relation entre Antonina Milioukova et Tchaïkovski, une de ses élèves qui étaient amoureuse du compositeur et ce dernier a accepté le mariage pour (semble-t-il) couvrir son homosexualité et aussi gagner un peu d'argent grâce à la dot (ça n'a pas bien marché) ; sans surprise, le mariage ne fonctionnera pas et ils se sépareront, blessant significativement les deux époux ; le film se focalise plus sur Milioukova qui finira dans un hôpital psychiatrique jusqu'à sa mort en 1917. J'ai aimé que le film ne nous fasse pas le coup du génie Tchaïkovski que sa femme empêche de travailler (même si les amis de Tchaïkovski nous font ce coup-là) et qu'il ne soit pas une sorte de biopic du compositeur qui par la même occasion, parlerait de Milioukova. Même si j'ai aimé le film, je l'ai toutefois trouvé un peu long (un peu plus de deux heures vingt) et démonstratif (parfois pour pas grand-chose et parfois également assez attendu dans ses éclats - je pense par exemple à cette scène vers la fin où Milioukova imagine une scène de prise de photo avec le compositeur et ses trois enfants, c'est complètement évident qu'il s'agit d'un rêve et le film va tout de même nous montrer cette résolution) ; cela dit, il y a certains motifs qui m'ont bien plu (le bruit de mouche, l'incendie) et j'ai beaucoup aimé le tandem principal (Alyona Mikhailova dans le rôle de Milioukova en tête puis Odin Lund Biron dans le rôle de Tchaïkovski). En fait, je crois que j'attendais quelque chose de plus débridé et fiévreux et non un peu figé et visuellement/narrativement assez académique.

Je suis allé voir le film samedi dernier. Je n'avais jamais vu de film du réalisateur et metteur en scène. J'ai trouvé quelques longueurs au film comme toi mais j'ai aimé que Serebrennikov nous évite un simple remake et Mikhailova éclipse pour moi l'ensemble de la distribution, je l'ai trouvée magnétique. J'ai aimé la musique qui est en partie celle de Tchaikovsky, la photographie et les passages oniriques, notamment la toute fin du film après l'incendie.

Tu veux dire un remake du film de Ken Russell ? Oui, c'est vrai que Mikhaïlova est clairement au-dessus des autres, mais c'est sans doute aussi parce que son rôle est plus fourni.

Lukas Dhont : Close        2022

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J'avais découvert le cinéaste belge Lukas Dhont par son premier long-métrage Girl qui racontait l'histoire d'une jeune femme trans qui veut devenir danseuse étoile et qui a un rapport très compliqué et violent à son corps. Le film m'avait beaucoup plu et vraiment ému à l'époque mais il avait reçu un accueil mitigé et avait essuyé pas mal de critiques de la communauté trans parce qu'effectivement, ce qui prévaut (de loin) sur tout le reste, c'est le rapport du personnage principal à son corps et il n'a pas véritablement d'autres caractérisations que celles liées à cette dysphorie ; c'est d'autant plus douteux que cette dysphorie est l'élément le plus à même de créer une situation extrêmement tragique (jusqu'à cette scène où le personnage principal essaie de couper son pénis à l'aide d'une paire de ciseaux) en usant de moindres efforts. Ce nouveau film repose malheureusement encore sur un évènement d'une extrême violence : dans ce film, on suit deux garçons qui ont entre dix et quinze ans qui sont meilleurs amis et subissent des insinuations sur leur potentielle homosexualité par leurs camarades ; ensuite, après un silence grandissant de la part de l'un deux, ce dernier se suicide. Le suicide scinde bien sûr le film en deux parties, j'ai bien aimé la première, les couleurs sont chouettes, j'ai beaucoup aimé les plans dans les champs de fleurs, le lien entre les deux amis, les personnages sont développés, mais à partir du suicide, le film ne creuse pas du tout les raisons du suicide de l'adolescent : on a seulement le droit aux conséquences dévastatrices (la dévastation (logique) de son meilleur ami puis le sentiment de culpabilité, de ne pas avoir assez veillé sur lui) et à peu près rien d'autre n'est développé - bon, ok, on dit que c'est ok d'exprimer ses sentiments, super ! On a vraiment l'impression que le suicide du garçon n'intéresse pas Dhont plus que ça, je pense que la moindre des choses aurait été de rendre plus explicite ses problèmes, leur répétition, le manque d'accompagnement et le fait que ce ne soit pas toujours pris au sérieux, qui n'est d'ailleurs qu'un corollaire du traitement infantilisant des enfants - cette tournure semble tautologique mais on voit l'idée ; ce ne sont pas les pistes à explorer qui manquent. Enfin bref, on a à nouveau l'impression que les personnages sont utilisés à des fins dramatiques, c'est assez terrible lorsque l'on touche à des choses telles que le harcèlement (en particulier l'homophobie) qui mène des gens (en particulier des enfants) au suicide, dont on parle encore très peu (jamais) dans les films grand public (ce film a eu beaucoup de visibilité) et qui arrivent encore régulièrement - et même sans aller jusqu'au suicide, il y a aussi des choses moins visibles comme certains traumas, etc. J'espère que Dhont arrêtera un jour de faire des films dont la dramaturgie utilise de manière purement fonctionnelle les problèmes des personnes non-cis et/ou non-hétérosexuelles.

Saint Ange

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Emeryck a écrit:

aurele a écrit:

Je suis allé voir le film samedi dernier. Je n'avais jamais vu de film du réalisateur et metteur en scène. J'ai trouvé quelques longueurs au film comme toi mais j'ai aimé que Serebrennikov nous évite un simple remake et Mikhailova éclipse pour moi l'ensemble de la distribution, je l'ai trouvée magnétique. J'ai aimé la musique qui est en partie celle de Tchaikovsky, la photographie et les passages oniriques, notamment la toute fin du film après l'incendie.

Tu veux dire un remake du film de Ken Russell ? Oui, c'est vrai que Mikhaïlova est clairement au-dessus des autres, mais c'est sans doute aussi parce que son rôle est plus fourni.

Ça n'est pas du tout un remake du film de Ken Russell qui est un biopic de Tchaikovski et non de sa femme. J'ai beaucoup aimé le Serebrenikov, c'est un film assez distanciée cependant dans la mesure ou l'on ne nous offre aucun véritable point d'identification Antonia est difficilement sympathique, je ne sais pas dans quel mesure c'est intentionnel.
J'ai trouvé très intéressante la tension entre les scènes hallucinatoires (qui ne deviennent vraiment certaine qu'à la fin du film cependant, mais plusieurs avant semblent entretenir une certaine ambiguïté) et le côté assez rigide, académique comme dit Emeryck, de la réalisation qui semble procéder par imitation de peintures (j'ai pensé tout du long à un tableau de Répine*) la reconstitution est presque excessive, presque une parodie de film d'époque de ce point de vue là (le mot parodie est sans doute un peu fort, mais j'ai vraiment eut l'impression que c'était trop appuyé pour ne pas être intentionnel)

* ce tableau:

Sébastien Marnier : L'origine du mal        2022

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Ce film est le troisième long-métrage de Sébastien Marnier, il creuse toujours un peu le même sillon du thriller bizarre à la Chabrol, j'ai trouvé ce film plus réussi que ses deux autres films. On y suit une jeune femme interprétée par Laure Calamy (assez loin de ses rôles habituels) qui travaille dans une usine fabriquant des produits alimentaires à base de poissons et décide de retrouver son père (qu'elle n'a pas vu depuis plusieurs dizaines d'années), celui-ci est interprété par Jacques Weber (très bon) et est un homme assez âgé, extrêmement riche, se targuant systématiquement d'être un self-made man, etc. ; en arrivant chez lui, elle découvre une maison immense à la décoration suffocante et les gens qui vivent avec son père. J'ai vraiment aimé l'ambiance qu'installe le film : toutes ces opacités et les bizarreries obsessionnelles (caricaturales - je ne dis pas ça négativement, c'est sans doute délibéré) des personnages (les achats compulsifs et absurdes de la nouvelle compagne (?) du personnage de Weber, l'adolescente qui prend toujours des photos) ainsi que la mise-en-scène assez visible (beaucoup de mouvements de caméra et dans un autre registre, usage du split screen) installent un climat vraiment étrange dont les revirements successifs (quelle versatilité parmi les personnages !) vont parvenir à nous maintenir attentifs pendant toute la durée du film. J'ai en plus trouvé qu'avec cette versatilité des personnages (et donc une très bonne directions des acteurices), le film arrivait à jouer constamment sur cette ligne de partage entre d'un côté les retrouvailles sincères pour le personnage de Calamy et la cupidité des autres et de l'autre le contraire ; on a finalement presque un développement dialectique - dont la conclusion m'a d'ailleurs laissé un peu perplexe ; sinon, j'ai trouvé assez habiles les séquences en prison qui permettent de constituer un véritable contrepoint au huis-clos chez les grands bourgeois. Enfin bon, en tout cas, j'ai vraiment apprécié ce film et je ne sais pas si cette fin en queue de poisson préfigure une suite.

Jean-Paul Salomé : La syndicaliste        2022


Après leur collaboration sur le film La daronne, Salomé et Huppert décident de remettre le couvert avec cette adaptation du livre La syndicaliste de Caroline Michel-Aguirre racontant l'histoire de Maureen Kearney, syndicaliste CFDT chez Areva, assez engagée pour les salarié(e)s et appréciée par celleux-ci, qui s'est un jour fait agresser chez elle alors qu'elle travaillait sur un projet de cessation de technologies à un groupe chinois qui serait piloté par EDF (et donc, pour les employé(e)s, sans doute des licenciements à prévoir et/ou une altération des conditions de travail), le tout étant complètement dissimulé à celleux-ci, bien sûr. Au-delà du propos assez immédiat sur les lanceurs d'alerte, le film parle aussi d'autres choses : dans les interrogatoires, le fait que les propos des victimes (surtout des femmes) soient systématiquement remis en question (ici, on a eu le droit à l'insinuation qu'elle a tout inventé et puis bien sûr, l'absence de justification prise d'emblée comme la dissimulation délibérée de quelque chose), les traditionnelles insultes spécifiquement destinées aux femmes dès qu'elles parlent trop (hystérique, cinglée, etc.) et enfin, la condescendance systémique ; rien de très nouveau mais j'avoue que j'ai été agréablement surpris de les voir affirmés aussi nettement dans ce film. Sinon, je dois dire que j'ai tout de même trouvé le film un peu long (il dure un peu plus de deux heures), notamment à cause d'une mise-en-scène qui fait le job mais qui n'est pas vraiment inspirée et assez plan-plan ; cependant, j'ai été assez surpris par certain(e)s acteurices : d'abord Marina Foïs, les cheveux courts, assez différente de ce qu'elle joue d'habitude et enfin, Grégory Gadebois (que j'avais découvert (je crois) dans le nullissime Présidents d'Anne Fontaine) qui est assez plaisant et amusant ici ; Deladonchamps est pas mal non plus dans cet inspecteur de gendarmerie infect.

François Ozon : Peter von Kant        2022


Ce film est une adaptation de la pièce de théâtre Die bitteren Tränen der Petra von Kant écrite par Fassbinder (qu'il a également adaptée pour le cinéma) et c'est à mon sens important de garder en tête qu'il ne s'agit pas d'un remake de l'adaptation de Fassbinder et que Fassbinder n'a pas le monopole de l'adaptation de sa pièce - j'ai l'impression que c'était ce qui était sous-jacent à beaucoup de critiques négatives. Avec cette adaptation, Ozon ne veut pas du tout faire du Fassbinder : du point de vue du caractère (on est ici sur le versant opposé du mélodrame : un mélo assez léger qui ne se prend pas trop au sérieux) mais également du point de vue de la mise-en-scène puisqu'Ozon nous dit dès le premier plan qu'il n'a pas l'intention de reprendre le huis-clos : il s'agit d'un plan filmé à l'extérieur de la maison de Peter von Kant et puis la caméra est beaucoup plus présente) ; d'ailleurs, je pense que le contraire aurait été assez étonnant et bizarre : Fassbinder était un cinéaste assez marginal (à la fois en tant que personne non hétérosexuelle mais aussi dans le milieu du cinéma - il a eu parfois beaucoup de mal à trouver des financements, il me semble, même si après, il a eu les financements de la télé, ce qui est d'ailleurs évoqué dans le film) alors qu'Ozon est bien installé, ça aurait été un peu bizarre. On pourra noter des modifications par rapport à la pièce : le tandem principal est constitué d'hommes et Peter von Kant n'est pas styliste mais cinéaste. Dans la perspective comique, j'ai bien aimé le jeu des comédien(ne)s : Denis Ménochet dans quelque chose de (je crois) jamais vu avec lui, complètement débridé (la ressemblance avec Fassbinder est assez édifiante, notamment dans la scène avec les lunettes de soleil) ; Stefan Crepon complètement mutique et rigide dans le rôle du domestique/assistant ; Isabelle Adjani dans le rôle de Sidonie, d'une bizarrerie glacée, presque lunaire ; Khalil Ben Gharbia très chouette (mais peut-être pas suffisamment exploité) dans le rôle d'Amir (analogue du rôle de Karin) et enfin, sans doute le lien le plus direct avec le film de Fassbinder, Hanna Schygulla (qui jouait le rôle de Karin dans l'adaptation de Fassbinder) qui joue la mère de Peter von Kant. Enfin, d'un point de vue technique, j'ai trouvé ça assez chouette, aussi bien par les couleurs (de ce point de vue, le film m'a pas mal rappelé Une nouvelle amie, qui avait d'ailleurs été, lui aussi, pas bien reçu), les tenues et les mouvements de caméra. Pour moi, ce film est typiquement ozonien par son caractère un peu potache/trivial/léger divertissant et m'a d'ailleurs pas mal rappelé Potiche, que ce soit pour le plan extérieur initial ou même le orange du générique ; en fait, si l'on devait résumer la ligne de conduite de ce film en une expression, on pourrait sans doute dire : tout quitter pour être un film d'Ozon.

Emeryck a écrit:

Sébastien Marnier : L'origine du mal        2022

 +
Ce film est le troisième long-métrage de Sébastien Marnier, il creuse toujours un peu le même sillon du thriller bizarre à la Chabrol, j'ai trouvé ce film plus réussi que ses deux autres films. On y suit une jeune femme interprétée par Laure Calamy (assez loin de ses rôles habituels) qui travaille dans une usine fabriquant des produits alimentaires à base de poissons et décide de retrouver son père (qu'elle n'a pas vu depuis plusieurs dizaines d'années), celui-ci est interprété par Jacques Weber (très bon) et est un homme assez âgé, extrêmement riche, se targuant systématiquement d'être un self-made man, etc. ; en arrivant chez lui, elle découvre une maison immense à la décoration suffocante et les gens qui vivent avec son père. J'ai vraiment aimé l'ambiance qu'installe le film : toutes ces opacités et les bizarreries obsessionnelles (caricaturales - je ne dis pas ça négativement, c'est sans doute délibéré) des personnages (les achats compulsifs et absurdes de la nouvelle compagne (?) du personnage de Weber, l'adolescente qui prend toujours des photos) ainsi que la mise-en-scène assez visible (beaucoup de mouvements de caméra et dans un autre registre, usage du split screen) installent un climat vraiment étrange dont les revirements successifs (quelle versatilité parmi les personnages !) vont parvenir à nous maintenir attentifs pendant toute la durée du film. J'ai en plus trouvé qu'avec cette versatilité des personnages (et donc une très bonne directions des acteurices), le film arrivait à jouer constamment sur cette ligne de partage entre d'un côté les retrouvailles sincères pour le personnage de Calamy et la cupidité des autres et de l'autre le contraire ; on a finalement presque un développement dialectique - dont la conclusion m'a d'ailleurs laissé un peu perplexe ; sinon, j'ai trouvé assez habiles les séquences en prison qui permettent de constituer un véritable contrepoint au huis-clos chez les grands bourgeois. Enfin bon, en tout cas, j'ai vraiment apprécié ce film et je ne sais pas si cette fin en queue de poisson préfigure une suite.

Une fin en queue de poisson ? Pour moi, c'est assez fermé en fait.
J'ai bien aimé le film aussi et je partage tes analyses, merci beaucoup, cela m'a rappelé un bon souvenir de cinéma.
Mon personnage préféré reste celui de Dominique Blanc, mais aussi sans doute parce que l'actrice est extraordinaire, réussissant à en faire une figure à la fois un peu vulgaire et étrange, déjantée, mais sans histrionisme.

Francesco a écrit:

Emeryck a écrit:

Sébastien Marnier : L'origine du mal        2022
 +
Ce film est le troisième long-métrage de Sébastien Marnier, il creuse toujours un peu le même sillon du thriller bizarre à la Chabrol, j'ai trouvé ce film plus réussi que ses deux autres films. On y suit une jeune femme interprétée par Laure Calamy (assez loin de ses rôles habituels) qui travaille dans une usine fabriquant des produits alimentaires à base de poissons et décide de retrouver son père (qu'elle n'a pas vu depuis plusieurs dizaines d'années), celui-ci est interprété par Jacques Weber (très bon) et est un homme assez âgé, extrêmement riche, se targuant systématiquement d'être un self-made man, etc. ; en arrivant chez lui, elle découvre une maison immense à la décoration suffocante et les gens qui vivent avec son père. J'ai vraiment aimé l'ambiance qu'installe le film : toutes ces opacités et les bizarreries obsessionnelles (caricaturales - je ne dis pas ça négativement, c'est sans doute délibéré) des personnages (les achats compulsifs et absurdes de la nouvelle compagne (?) du personnage de Weber, l'adolescente qui prend toujours des photos) ainsi que la mise-en-scène assez visible (beaucoup de mouvements de caméra et dans un autre registre, usage du split screen) installent un climat vraiment étrange dont les revirements successifs (quelle versatilité parmi les personnages !) vont parvenir à nous maintenir attentifs pendant toute la durée du film. J'ai en plus trouvé qu'avec cette versatilité des personnages (et donc une très bonne directions des acteurices), le film arrivait à jouer constamment sur cette ligne de partage entre d'un côté les retrouvailles sincères pour le personnage de Calamy et la cupidité des autres et de l'autre le contraire ; on a finalement presque un développement dialectique - dont la conclusion m'a d'ailleurs laissé un peu perplexe ; sinon, j'ai trouvé assez habiles les séquences en prison qui permettent de constituer un véritable contrepoint au huis-clos chez les grands bourgeois. Enfin bon, en tout cas, j'ai vraiment apprécié ce film et je ne sais pas si cette fin en queue de poisson préfigure une suite.

Une fin en queue de poisson ? Pour moi, c'est assez fermé en fait.
J'ai bien aimé le film aussi et je partage tes analyses, merci beaucoup, cela m'a rappelé un bon souvenir de cinéma.
Mon personnage préféré reste celui de Dominique Blanc, mais aussi sans doute parce que l'actrice est extraordinaire, réussissant à en faire une figure à la fois un peu vulgaire et étrange, déjantée, mais sans histrionisme.

Ah oui ? Pour moi, c'est presque comme si c'était un revirement un peu mal intégré qui voulait maladroitement annoncer une suite. Remarque, on peut aussi le voir comme suit : elle se fait arrêter et fin de l'histoire - peut-être est-ce une contrepartie narrative de la bizarrerie de la famille, comme le coup de ciseaux final pour friser un bolduc.

C'est bien celui qui joue l'autre fille du personnage interprété par Jacques Weber ? Je l'ai aimée (je suis d'accord avec ce que tu en dis) mais comme je l'ai déjà dit plusieurs fois, je ne suis pas tellement intéressé par les acteurices : j'ai tendance à commenter le jeu de celleux que je connais (sans doute par facilité) mais je n'ai généralement pas grand-chose à dire sur la question. 

Non Dominique Blanc, c'est la femme de Jacque Weber, la collectionneuse compulsive. Une légende, je ne sais plus combien de césars, une des muses de Chéreau et actuellement pensionnaire de la comédie française ... sans avoir jamais fait le conservatoire, juste sur la valeur de son nom. Pour moi, avec Huppert, c'est la plus grande actrice française en activité (mais avec une persona moins typée, donc une plus grande liberté ...) dommage qu'elle soit devenue rare à l'écran (je pense que c'est pour ça que tu ne la connais pas).

Le jeu c'est le plus difficile à analyser, en fait, où on est dans l’impressionnisme, ou dans la généralité. C'est pour ça qu'il y en a qui font des thèses là dessus  

Alice Winocour : Revoir Paris        2022


Il s'agit du premier film d'Alice Winocour que je vois (j'ai aussi envie de voir Proxima dont on m'a dit pas mal de bien) et j'avoue que ça ne m'a pas extraordinairement convaincu car le film m'a tout de même un peu ennuyé - sans doute en raison du récit qui s'éparpille parfois un peu et de la réalisation qui nous sert quelques lieux communs un peu lourds. Ce film raconte la trajectoire de reconstruction d'une femme qui a assisté à une attaque terroriste d'une brasserie : elle n'a quasiment plus aucun souvenir de la soirée de l'attentat et essaie de recoller un peu les morceaux, de retrouver des gens de la soirée en question ; de ce côté-là, c'est pas mal, mais la manière de le mettre en scène est assez balourde : rappels assez lourds de la soirée, prolifération (parfois assez superficielle - je pense à la séquence avec le tableau de Monet) de l'esthétique du fragment/bris, musique lourde. Sur la quête de son personnage principal, le film soulève quelques problèmes comme l'emploi non déclaré et à moindres frais de personnes dans les cuisines du restaurant (enfin, pas une grande découverte) mais c'est vraiment en passant comme ça - enfin, ça ne paraît heureusement pas trop mal intégré. Sinon, il y a quelques moments assez beaux (notamment grâce à Efira qui est vraiment très bien) mais pas plus, la mise-en-scène, la musique et certaines scènes entachent vraiment le film, je trouve - et puis c'est tout de même ennuyeux.

Prosopopus a écrit:

xoph a écrit:

Jamais rien qui puisse évoquer un monde araignée, fait d'intelligence, ou au moins d'une altérité* que l'on pourrait considérer (quelle image médiocre que celle de ce décalque humain en cerveau, qui plus est en forme de cerveau - sucé de cerveaux). Debout, les araignées** de la terre !  

Désolé, je remets une pièce dans la machine et je partage à peu près tout ce qu'a dit Parsifal, mais juste sur ce point.
Il y  ajustement une scène assez symbolique à la fin qui met en lumière le fait que les arachnides soient un peuple conscient et pas bêtement animal, lorsque le personnage du "psychique" (clairement habillé en soldat nazi) place sa main sur la créature et annonce un "Elle a peur" et que tout la troupe de soldats s'en réjouit. A ce moment Verhoeven joue justement avec l'altérité de cette espèce, met en lumière la conscience des arachnides. Elles passent des monstres abjects et violents à des créatures conscientes et organisées, en proie aux mêmes affects que l'humain. A partir du moment où la sauvagerie et l'altérité des créatures sont gommées et que leurs sentiments sont dévoilés comme de véritables humeurs la force armée se réjouit de ce qu'elle va pouvoir lui infliger.

J'avais pas vu ton retour  

c'est bien ça qui me dérange, deux versants d'une même pièce :
> Ne pas considérer l'altérité
> Ou ne la considérer qu'à notre image (l'image du cerveau… leur prêter nos sentiments, émotions, croyances), jamais dans une dimension autre justement (c'est pour ça que je faisais référence à Premier Contact, qui aborde intelligemment cette question en SF, ou employais le terme décalque)

Ok, je sors et retourne à l'étude de mes monstres préférés « Physarum polycephalum » (blob)

The Fabelmans

Laurent Micheli : Lola vers la mer        2019

 +
Je ne connaissais pas du tout Laurent Micheli et pour une fois, je dois dire que lancer un film au hasard aura été une belle surprise : je crois qu'il s'agit du premier film dont le personnage principal est trans, qui parle (un peu) de transition mais qui n'est pas constamment dans la souffrance et dont le personnage principal a d'autres qualifications qu'être trans. Il s'agit du second long-métrage du réalisateur belge, il met en scène Lola (interprétée par Mya Bollaers, dont c'est le premier rôle au cinéma), une jeune femme trans dont la mère vient de mourir, ça l'attriste beaucoup parce qu'elle en était particulièrement proche et cette dernière l'avait accompagnée dans son processus de transition ; face au coût de l'opération (plusieurs milliers d'euros) et au manque de moyens, elle décide de trouver un peu d'argent mais face aux dernières volontés de sa mère, elle doit se rendre sur la côte belge afin de disperser les cendres de celle-ci devant la maison côtière familiale ; elle s'y rend avec son père (interprété par Benoît Magimel), qui ne semble rien connaître d'elle, qui la mégenre constamment et qu'elle n'a pas vu depuis deux ans (logique, du coup). Le film devient alors un road movie de facture assez classique avec des lieux-étapes qui permettent de varier les situations et deux personnages qui ne s'entendent a priori pas ; heureusement, Micheli ne va pas prendre l'entente comme objectif (et ne nous servira donc pas une sorte de récit où sa fille aurait le rôle de l'éduquer) : au contraire, il n'y a à terme pas vraiment de jugement sur les personnages. J'ai beaucoup aimé la variété des émotions déployées dans le film : des scènes plus tendues comme la scène au club ou de la cérémonie précédant l'enterrement aux scènes presque extatiques pour certaines (la scène de l'iPod en voiture) ; en fait, ce film est vraiment extrêmement équilibré (je trouve que le film est très juste sur le fait d'avoir quelqu'un qu'on aime (ici, un membre de la famille) tout de même mais qui est insupportable sur d'autres points : Lola semble aimer son père malgré tout, comme en témoigne les scènes de complicité (la scène de l'iPod en voiture, la scène avant le départ de Lola à la gare)) - et puis visuellement, c'est tout de même assez chouette aussi, très coloré.