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The Heartbreak kid

Meandre

Bruno Dumont : France        2021

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Ce film est peut-être le film le plus abordable de Dumont - même si ce n'est pas le meilleur - car il se rapproche à la fois de ses films plus burlesques (Ma loute, P'tit quinquin) mais également de ses films plus habituels : d'un côté, il y a tout cette critique assez frontale des médias et du star-system (mais tellement drôle - notamment grâce à l'excellent cynisme que Blanche Gardin arrive à faire passer), de la mise en scène constante que ce soit dans les reportages (sans limite, aucune) ou dans la vie des personnes de télévision également ; de l'autre côté, il y a tout ce propos sur les icônes (ça, pour le coup, c'est vraiment très Dumont), sur la manière dont elles interagissent avec la société. Ce qui est intéressant, c'est que ces deux pôles interagissent : l'aspect mythologique de France (journaliste adulée - très bien interprétée par Léa Seydoux - sur une chaîne dont la gamme visuelle rappelle très fortement i-télé - l'ancienne cnews ; le choix n'est à mon avis pas innocent quand on voit le dépotoir que c'est devenu) n'existerait pas sans son travail à la télévision et réciproquement, son aspect iconique la place dans un mécanisme auto-compétitif où elle est constamment dans la surenchère - toujours aller plus près de la source, toujours faire plus vrai, plus sensationnel. Ces considérations ne sont toutefois pas simplement théoriques : le film scrute le personnage de France et suit les effets de ses mécanismes sur sa santé mentale - notamment ses burn-out incessants ; d'ailleurs, le film cite (?) un autre film sur les burn-out d'une femme de spectacle/scène, il s'agit de Opening night de Cassavetes : la scène où France sort avec son manteau violet et ses grosses lunettes de soleil rondes, la ressemblance avec Gena Rowlands est très nette ; d'autant plus que les deux films montrent la trajectoire descendante de deux icônes. J'ai beaucoup aimé certains choix de mise-en-scène, notamment l'appartement de France et de son compagnon Fred (interprété par Benjamin Biolay, vêtu de noir de la tête aux pieds) est un immense appartement place des Vosges (?), aux proportions démesurées, comme s'il n'y avait pas de plafond ; c'est également un appartement très figé, aux murs extrêmement sombres, qui ressemble beaucoup à un musée avec des toiles gigantesques. J'ai beaucoup aimé les scènes où France prend la voiture, Dumont a en quelque sorte dématérialisé ces scènes : lorsqu'il film l'habitacle, il n'y a ni porte ni carrosserie et le pare-brise est comme un immense écran. J'ai assez aimé le personnage du journaliste-caché qui apparaît lors de la courte cure thermale de France dont le traitement assez allégorique (il semble être partout et est extrêmement peu caractérisé) est assez envoûtant. En bref, j'ai bien aimé le film, il m'a fait beaucoup rire - et je crois qu'il est difficile de ne pas rire - mais j'ai trouvé qu'il s'éparpillait parfois un peu trop, amenant à quelques longueurs - il est très certainement plus touffu que tous les autres films de Dumont que j'ai pu voir, mais c'est peut-être pour ça qu'il est plus accessible d'une certaine manière.

Josiane Balasko : Sac de nœuds        1985

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Ce film est complètement improbable : déjà parce qu'Isabelle Huppert y joue en blonde platine et plus généralement à cause de tout ce qu'il s'y passe - sans oublier la coupe un peu en moumoute de Coluche, également assez mémorable. Malgré cela, je l'ai assez aimé - même si je crois qu'il est à peu près indéniable qu'il est assez inégal. Son principe de fonctionnement est simple, il s'agit du principe de la réaction en chaîne ; c'est à la fois une des forces du film car ça permet de lui insuffler régulièrement un certain dynamisme, de surprendre mais à la fois, ça ne permet pas de développer une histoire passionnante - même si le film, d'un point de vue global, arrive à raconter des choses notamment sur les violences faites aux femmes. Ce qu'il en reste, ce sont des séquences mémorables notamment le début avec Balasko et Huppert, et surtout la longue séquence avec Jean Carmet (extrêmement drôle) et des dialogues parfois assez drôles également.

AD ASTRA avec Brad Pitt

J'ai beaucoup aimé ce film, des images du cosmos, une musique en douceur. A comparer avec Interstellar, il s'agit d'un film père fils à la place de fille père. Etrange, mais très intéressant, les séquences du test psychologique, j'adore. A ce poser la question, est ce que je passe le test ? Très bien filmé, de belles lumières, et des séquences où l'on peut deviner l'avenir de la conquête spatiale.

Emma Benestan : Fragile        2021

 + / 
Il s'agit du premier long-métrage de la réalisatrice Emma Benestan, il met en scène un jeune homme qui travaille à Sète dans un élevage d'huîtres, il semble un peu perdu sur le plan sentimental : il vient de terminer une relation mais décide de discuter la rupture, épaulé par une de ses amies. Cela peut sembler cringe au premier abord mais en fait, le film est assez critique par rapport à cette dynamique ; plus généralement, son rapport au genre de la comédie romantique est assez intéressant (et distancié). Tout d'abord, comme le titre du film le laisse entendre, il est question de "fragilité" : durant une scène, Az (le personnage principal) annonce à sa bande d'amis - tous très soucieux (par principe) d'être des "vrais hommes" - qu'il avait commencé à pratiquer la danse ; l'un d'eux lui répond que "c'est un truc de fragile, ça ; moi, je suis trop robuste pour ça". Le film interroge les lieux de la comédie romantique (notamment sa distribution assez rigidement genrée) et montre l'aspect très ancré de ces comportements - tous les personnages ont leur part problématique. Outre cela, ce qui m'a beaucoup plus dans ce film, c'est son humour très effectif (notamment grâce aux dialogues et à ses personnages : l'ami d'Az avec sa coupe en piques improbable lors de la soirée ou le personnage de Giaccomo, insupportable mais tellement drôle). Le film a également une très belle photographie, de très belle lumières et une belle colorimétrie qui rendent toute la chaleur des paysages sétois - qui sont véritablement beaux. La bande-originale est également vraiment très bien le tout donne au film une tonalité estivale très prégnante (et très communicative) - dommage qu'il ne soit pas sorti quelques semaines plus tôt.

Serge Bozon : Madame Hyde        2017

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Faire un film sur de la physique liée aux particules lorsque l'on s'appelle Bozon, c'est tout de même une sacrée idée. Plus sérieusement, ce film est une adaptation assez libre (et très originale) du livre de Stevenson ; il est toujours question de transformation mais ici, le réalisateur étudie une forme de transformation (qui n'est pas évidente a priori) : l'enseignement. Isabelle Huppert joue le rôle d'une professeure de physique-chimie dans un lycée de banlieue ; sa classe est plutôt bruyante et peine à faire son cours. Le film interroge la manière dont est fait l'enseignement (la physique se prête ici doublement bien au propos puisque d'une part, c'est très lié à cette notion de transformation - qui est très importante en physique - et d'autre part, c'est la matière emblématique du lycée où se confrontent théorie et expérience) ; il s'interroge notamment sur l'aspect très cloisonné d'exposition du savoir : beaucoup de théorie pour assez peu d'expérience, de manière assez dogmatique - alors que l'expérience est tout de même quelque chose de fondamental (en science de manière général - y compris dans les sciences que l'on qualifierait de plus abstraites : au-delà de donner un contact immédiat/concret aux élèves avec la science, l'expérience est une source de savoir assez impressionnante ; et bien sûr, les programmes de lycée en science sont à rebours de ça - notamment en mathématiques où tout paraît extrêmement dogmatique. Le film parle également de l'aspect dogmatique des critères d'évaluation - notamment à travers la scène où le personnage d'Isabelle Huppert se fait inspecter par l'académie - : notamment parce que (dans la plupart (?) des cas), ils ne procèdent par synthèse de caractéristiques préalablement isolées. Malgré ces points intéressants (mais peut-être pas assez développés et/ou filés) et originaux, je suis un peu resté sur ma faim notamment à cause de quelques scènes (parfois caricaturales ou parfois conçues à l'emporte-pièce dont on ne sait pas trop si elles sont ironiques ou pas - mais qui ne marche pas dans un cas ou dans l'autre) qui m'ont sorties du film ; cela dit, c'est tout de même moins foutraque que Tip top en parvenant à garder des scènes vraiment drôles - notamment l'interpellation à la fin.

Emeryck a écrit:

Faire un film sur de la physique liée aux particules lorsque l'on s'appelle Bozon, c'est tout de même une sacrée idée

Mais ce n’est pas un film Higgs, quand même?

@ Emeryck
Vu il n'y a pas si longtemps.
J'avais trouvé que le côté pédagogie allumée (sans allusion à l'incandescence d'Isabelle Hupert) était très bien vu (la preuve : je crois qu'avec un peu d'effort je pourrais me remémorer la démonstration du chemin le plus court entre deux points passant par un point d'une droite quelconque, et situés du même côté de la droite ). Par contre le lien entre Huppert et cet élève dont le handicap masque des talents de scientifique… vraiment balourd ; de même l'intrusion du surnaturel.

xoph a écrit:

@ Emeryck
Vu il n'y a pas si longtemps.
J'avais trouvé que le côté pédagogie allumée (sans allusion à l'incandescence d'Isabelle Hupert) était très bien vu (la preuve : je crois qu'avec un peu d'effort je pourrais me remémorer la démonstration du chemin le plus court entre deux points passant par un point d'une droite quelconque, et situés du même côté de la droite ). Par contre le lien entre Huppert et cet élève dont le handicap masque des talents de scientifique… vraiment balourd ; de même l'intrusion du surnaturel.

Oui, je suis assez d'accord — c'est notamment ce à quoi je faisais allusion dans les scènes caricaturales du genre "Ah mais ils ne sont pas tous comme ça" sans développer. Concernant l'intrusion du surnaturel, j'imagine que ça répond à une sorte de principe d'équilibre — elle transmet quelque chose aux élèves et en retour, ils/elles lui transmettent quelque chose — mais j'avoue que ce n'est ni très convaincant, ni très abouti.

Bertrand Tavernier : Coup de torchon        1981

 +
J'ai vraiment bien aimé ce Tavernier, pourtant le contexte était assez glissant puisque le film se passe au Sénégal durant l'époque coloniale - à la fin des années trente plus précisément. En fait, le film échappe à ça en étant assez cynique : le personnage principal, le seul policier d'un petit village du Sénégal est dans le plan d'ouverture du film, il est un peu en mode "white saviour" puisqu'il allume le feu pour les enfants ; on apprend progressivement que c'est en fait un personnage assez fade et timoré qui se fait marcher sur les pieds par tout le monde. L'évolution de ce personnage est vraiment remarquable (pas pour le personnage lui-même, évidemment !) et la grande performance de Philippe Noiret y est à mon avis pour quelque chose (je ne l'ai jamais vu aussi bon que dans ce film, son plaisir est vraiment communicatif) : en fait, il règle ses comptes avec les gens qui lui ont marché sur les pieds (ou d'autres comme un mari violent). Le film n'est toutefois pas dans l'idéalisation (il pourrait dériver vers "ah bah maintenant, ça y est, il va faire le bien et tuer tous les méchants"), il y a notamment ce plan de fin qui fait écho à celui du début (tous deux assez en dehors du film, presque abstraits) où le personnage de Noiret fait feu sur les gens : l'évolution est nette. Outre cela, le film offre des dialogues vraiment très plaisants et drôles avec des répliques vraiment cinglantes mais aussi des belles performances de grand(e)s acteurs/trices comme Isabelle Huppert et Jean-Pierre Marielle qui m'ont fait beaucoup rire.

Luc Bondy : Les fausses confidences        2016


Ce téléfilm est issu de la mise-en-scène des Fausses confidences de Marivaux par Bondy au théâtre de l'Odéon avec notamment Huppert, Garrel et Ogier. Il me semble que le réalisateur reprend ici la même distribution et le théâtre de l'Odéon comme lieu où se déroule le film. Je me demande si la mise-en-scène de la pièce par Bondy était assez lisse car tout ce que j'ai trouvé intéressant dans ce téléfilm est de nature proprement cinématographique : il y a notamment - et c'est à mon avis la plus grande trouvaille du film - ce parallèle entre le couple caché Huppert/Garrel et le couple théâtre/cinéma dont les dynamiques coïncident ; il y a des élans réciproques, toujours un peu sous-entendus et presque réprimés pour un couple ou pour l'autre. Le téléfilm garde quelque chose du théâtre (son lieu qui reste comme un vestige), comme s'il s'agissait d'une symbiose : la manière de penser les différents lieux est très théâtrale (les lieux sont vraiment pensés comme des espèces de scènes assez distinctes les unes des autres) mais à la fois, on sent que le film veut être partout sauf sur la scène du théâtre. Le résultat est vraiment singulier - et donne beaucoup de force à la fin du film (que l'on peut aisément deviner mais qui a du sens). En revanche, au-delà de ça, je n'ai pas été plus touché que ça, le tout m'a semblé un peu lisse et uniforme - d'autant plus que j'ai l'impression que certains acteurs n'articulent pas toujours beaucoup (notamment Garrel) et que la prise de son n'aide pas ; malgré tout, ça reste un film intéressant.

Emeryck a écrit:

Bertrand Tavernier : Coup de torchon        1981

 +
J'ai vraiment bien aimé ce Tavernier, pourtant le contexte était assez glissant puisque le film se passe au Sénégal durant l'époque coloniale - à la fin des années trente plus précisément. En fait, le film échappe à ça en étant assez cynique : le personnage principal, le seul policier d'un petit village du Sénégal est dans le plan d'ouverture du film, il est un peu en mode "white saviour" puisqu'il allume le feu pour les enfants ; on apprend progressivement que c'est en fait un personnage assez fade et timoré qui se fait marcher sur les pieds par tout le monde. L'évolution de ce personnage est vraiment remarquable (pas pour le personnage lui-même, évidemment !) et la grande performance de Philippe Noiret y est à mon avis pour quelque chose (je ne l'ai jamais vu aussi bon que dans ce film, son plaisir est vraiment communicatif) : en fait, il règle ses comptes avec les gens qui lui ont marché sur les pieds (ou d'autres comme un mari violent). Le film n'est toutefois pas dans l'idéalisation (il pourrait dériver vers "ah bah maintenant, ça y est, il va faire le bien et tuer tous les méchants"), il y a notamment ce plan de fin qui fait écho à celui du début (tous deux assez en dehors du film, presque abstraits) où le personnage de Noiret fait feu sur les gens : l'évolution est nette. Outre cela, le film offre des dialogues vraiment très plaisants et drôles avec des répliques vraiment cinglantes mais aussi des belles performances de grand(e)s acteurs/trices comme Isabelle Huppert et Jean-Pierre Marielle qui m'ont fait beaucoup rire.

Et ... on l'attend toujours en BR ...

Emeryck a écrit:

Bertrand Tavernier : Coup de torchon        1981

 +
J'ai vraiment bien aimé ce Tavernier, pourtant le contexte était assez glissant puisque le film se passe au Sénégal durant l'époque coloniale - à la fin des années trente plus précisément. En fait, le film échappe à ça en étant assez cynique : le personnage principal, le seul policier d'un petit village du Sénégal est dans le plan d'ouverture du film, il est un peu en mode "white saviour" puisqu'il allume le feu pour les enfants ; on apprend progressivement que c'est en fait un personnage assez fade et timoré qui se fait marcher sur les pieds par tout le monde. L'évolution de ce personnage est vraiment remarquable (pas pour le personnage lui-même, évidemment !) et la grande performance de Philippe Noiret y est à mon avis pour quelque chose (je ne l'ai jamais vu aussi bon que dans ce film, son plaisir est vraiment communicatif) : en fait, il règle ses comptes avec les gens qui lui ont marché sur les pieds (ou d'autres comme un mari violent). Le film n'est toutefois pas dans l'idéalisation (il pourrait dériver vers "ah bah maintenant, ça y est, il va faire le bien et tuer tous les méchants"), il y a notamment ce plan de fin qui fait écho à celui du début (tous deux assez en dehors du film, presque abstraits) où le personnage de Noiret fait feu sur les gens : l'évolution est nette. Outre cela, le film offre des dialogues vraiment très plaisants et drôles avec des répliques vraiment cinglantes mais aussi des belles performances de grand(e)s acteurs/trices comme Isabelle Huppert et Jean-Pierre Marielle qui m'ont fait beaucoup rire.

On retrouve ce plaisir dans Alexandre la bienheureux, plus léger mais tout aussi exaltant.

Joseph Losey : La truite        1982

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Il s'agit du dernier film terminé par Joseph Losey, toujours assez typique de sa veine de films un peu étranges, contemplatifs et psychologisants à n'en plus finir ; cependant, j'ai trouvé que ça marchait moins bien avec celui-ci : il est peut-être trop normal, il bouge trop, je n'y ai pas véritablement retrouvé cet aspect envoûtant que j'avais trouvé dans Accident et surtout (par surprise, de surcroît) dans Secret ceremony qui m'avait fait découvrir l'univers de Losey. L'histoire est en plus ici assez curieuse (et assez mal gérée) : d'un côté, il y a des éléments qui peinent à tenir ensemble et de l'autre, on a cette toile de fond de la femme fatale qui mène des hommes par le bout du nez, qui n'est pas extrêmement passionnante dans cette approche conventionnelle. En plus de cela, la photographie (à mon avis délibérément - et ce n'est d'ailleurs pas totalement dépourvu de sens) terne du film ne retient pas forcément l'œil.

Patrice Chéreau : Gabrielle        2005


C'est le premier film de Patrice Chéreau que je vois (mais également son avant-dernier film réalisé) et c'est assez conforme à l'image que je m'en faisais (en un peu plus aventureux par moments, tout de même). Il s'agit ici d'un film à costumes qui se passe au début du siècle, ambiance extrêmement proustienne : le film raconte l'évolution de l'amour dans un couple (très bourgeois) et notamment le fait qu'en dépit du mariage (vieux de dix ans, de surcroît), il n'y avait en fait pas véritablement d'amour entre eux. La comparaison avec La séparation de Christian Vincent est assez naturelle et malgré la similarité des thèmes, le traitement est en quelque sorte opposé : chez Vincent, les personnages délimitent l'espace du film alors que chez Chéreau, l'accent est mis sur les interactions avec et entre les personnages (notamment à l'aide de la musique, utilisée avec précision) et il y est notamment question de la posture - le personnage principal voit sa femme comme "la plus belle pièce de sa collection" ou quelque chose d'approchant de ça. C'est à mon avis ici que réside la différence majeure entre les deux films : Vincent reste dans quelque chose de très simple (mais efficace), alors que chez Chéreau, c'est beaucoup plus noueux, très contextualisé ; en fait, Chéreau n'a pas peur de livrer quelque chose d'extrêmement travaillé dans les nuances d'expression des personnages, certain(e)s diront peut-être que c'est chichiteux ou artificiel mais, au contraire, je trouve qu'il en ressort des sortes de plis expressifs, des pics d'expressivité très locaux et je trouve que ça a du sens en regard du contexte du film - en fait, je trouve ça même assez viscontien. J'ai été assez surpris par la prestation de Pascal Greggory qui ne m'a jamais particulièrement frappé dans d'autres films - et bien sûr, pas déçu par celle de Huppert. Je n'ai en revanche pas trouvé très convaincant l'espèce de brouillage temporel que le film met en place (alternance assez  erratique du noir et blanc et de la couleur, utilisation d'intertitres).

Claude Pinoteau : Les palmes de M. Schutz        1997


Ce film est une adaptation de la pièce de théâtre homonyme de Jean-Noël Fenwick créée quelques années auparavant ; il s'agit aussi de l'ultime film de Claude Pinoteau. Je ne connais pas du tout la pièce mais j'ai trouvé que le film vulgarisait plutôt bien les problèmes scientifiques auxquels ont fait face Marie et Pierre Curie notamment la difficulté à admettre qu'un élément puisse créer de l'énergie sans aucune intervention de l'homme ; le film parle aussi assez bien (sans aller trop loin) de quelque chose qui avait disparu puis qui a réapparu, c'est les contraintes administratives de la science : à la fois l'idée d'être "rentable" mais également la scénarisation de l'impact des publications ; la dichotomie entre Marie et Pierre Curie qui sont un peu vus comme les "génies" et le professeur Schulz qui est une caricature du directeur très réglé, moyen (dans ce que ça peut avoir de péjoratif) et avide de reconnaissance - d'ailleurs, Noiret s'en donne un peu à cœur joie dans le cabotinage parfois. Il y a par contre (surtout au début en fait) des moments vraiment lourdingues et beauf : notamment lorsque Marie Curie(interprétée par Isabelle Huppert qui s'en donne aussi à cœur joie dans le cabotinage pour l'accent polonais) monte sur un escabeau pour laver les vitres et qu'il y a un gros plan sur ses fesses... c'est vraiment d'une subtilité sans égal. Malgré ces quelques scènes, le film se laisse regarder plutôt agréablement mais est finalement plutôt quelconque, il ne me laissera pas un souvenir impérissable.

Otto Preminger : Rosebud        1975


Il s'agit de l'avant-dernier film de Preminger et heureusement qu'il n'a pas terminé sa filmographie avec ça parce que ça aurait fait sacrément tache : je crois qu'il y a assez longtemps que je ne m'étais pas autant ennuyé devant un film. Le film raconte la prise de jeunes filles de familles fortunées sur leur yacht, le Rosebud, jusque-là, ça va mais le problème et la lourdeur surgissent dès lors que l'on sait que les assaillants sont des membres de l'Organisation pour la Libération de la Palestine : et là, bien sûr, on a le droit à un petit film extrêmement polarisé, assez raciste dans le fond où les membres de l'OLP sont les grands méchants et les américains pro-Israël sont les très gentils qui vont sauver les jeunes filles sans défense. J'ai l'impression que tout est raté dans ce film : les acteurs/trices sont assez mauvais(es) et mal dirigé(e)s, les dialogues sont calamiteux et lourdingues, la manière de filmer est assez lisse... et en plus, il faut se farcir ça pendant deux heures dix : j'ai coupé au bout d'une heure trente - ce qui est vraiment rare mais là, c'était beaucoup trop pénible et ennuyeux.

Marco Ferreri : Storia di Piera        1983


Le film est une sorte d'adaptation de l'autobiographie de l'actrice de théâtre italienne Piera Degli Espoti ; c'est vraiment une choix très étrange d'adaptation car (j'imagine que c'est dans le livre - ou alors c'est une extrapolation (très douteuse) de Ferreri ?) il y est question d'inceste et de folie (entre autres). Le film n'est pas extrêmement intéressant, on voit la fille grandir (toujours interprétée par Huppert - doublée...) et devenir une actrice tandis que ses deux parents sombres dans la folie ; comme c'est subtil, elle joue une pièce en lien avec Médée et qui semble suivre une logique très cathartique et visuellement inspirée du théâtre antique grec. Toute cette histoire de folie et d'inceste, ça fait assez grotesque, comme s'il s'agissait de vouloir absolument choquer : ça ne raconte pas grand-chose pour moi ; assez déçu par ce film.

Claude Chabrol : La cérémonie        1995


Librement adapté du roman A judgment in stone de Ruth Renell - et donc de l'affaire des sœurs Papin -, ce Chabrol raconte la vie d'une bonne secrètement analphabète récemment employée par une famille bourgeoise afin qu'elle s'occupe de leur maison. Elle va ensuite rencontrer une postière (superbement interprétée par Isabelle Huppert, d'un naturel incroyable) dont les relations avec la famille sont assez obscures mais en tout cas, elle est un peu remontée contre cette dernière ; les deux vont se lier d'amitié. Le film est très simple (contrairement à d'autres Chabrol beaucoup plus ramifiés) et m'a beaucoup plu : malgré le fait qu'il repose sur une dynamique très continue et très linéaire (tension croissante et climax pour la fin), le film est très pointilliste dans la manière de présenter ses idées, il y a en fait assez peu d'idées marquantes qui sont filées durant tout le film (sans que ce soit péjoratif !) mais il y a des idées (très plaisantes et bien vues) qui apparaissent ponctuellement : il y a notamment cette idée du Don Giovanni, tout le tropisme bourgeois caricatural autour de Mozart et l'enregistrement de fin ; de manière générale, la critique de la famille bourgeoise est ici particulièrement drôle. Ce film est également intéressant parce qu'il est assez multivoque : on peut le voir bien sûr comme une révolution, très cathartique - notamment du point du point de vue de la postière - mais on peut aussi le voir (les deux visions se complètent, bien sûr) comme un film sur les luttes puisque le personnage de la bonne et celui de la postière sont tous deux essentiels à l'aboutissement final : l'une remet l'autre en contact avec la famille et l'autre lui donne la force d'aller contre eux et de se révolter, elle qui leur était si dévouée ; le film montre d'ailleurs assez bien ce qu'implique le mécanisme de honte. Pour moi, c'est un grand Chabrol et sans doute un des plus drôles - et c'est aussi un grand rôle pour Huppert qui (on le sent) se donne à fond et y prend du plaisir.

C'est aussi un de mes Chabrol préféré!

Si tu fais la filmo d'Huppert ... il y a peu j'ai vu Eaux profondes de Deville, qui est vraiment pas mal.

Sinon je voudrais faire de la pub pour certains films vus, plus ou moins récemment :

La trilogie du milieu de Di Leo ! (Milan Calibre 9 / L'Empire du crime / Le boss). Du policier italien des années 70 ... mais pas giallo. C'est purement du cinéma de genre ... mais avec de la mise en scène bourrée d'idées géniales. C'est violent, rythmé, coloré ... à voir.

L'Espion qui venait du froid de Martin Ritt. Une espèce d'anti-james bond total, froid glacial, en pleine guerre froide, avec une histoire d'amour ... mais le tout extrêmement sobre, froid et réaliste (et le génial Richard Burton).

Bon sinon j'ai découvert Desplechin avec Trois souvenirs de ma jeunesse ... reculant depuis longtemps ayant peur que ses films ne soient des films ... par la petite bourgeoisie intellectuelle parisienne ... sur la petite bourgeoisie intellectuelle parisienne ... pour ... la ... bref vous avez compris.
En fait ... non, c'est vraiment génial. Rarement eu l'impression de qq ch d'aussi important dans le cinéma français récent ...

Je rajoute que je refais de al pub pour Guy Gilles : les 3 films sortis chez Lobster en HD ... sont de pures merveilles ... montrant un réalisateur très important dans le sillage de la Nouvelle Vague. Vraiment ... je vous encourage très fortement à voir ça.

Cololi a écrit:

Bon sinon j'ai découvert Desplechin avec Trois souvenirs de ma jeunesse ... reculant depuis longtemps ayant peur que ses films ne soient des films ... par la petite bourgeoisie intellectuelle parisienne ... sur la petite bourgeoisie intellectuelle parisienne ... pour ... la ... bref vous avez compris.
En fait ... non, c'est vraiment génial. Rarement eu l'impression de qq ch d'aussi important dans le cinéma français récent ...

...  ... très ... étonné ... (...) ... de lire ça ...

Sinon, concernant le Deville, oui, c'est pas si mal, je l'ai vu il y a assez longtemps.

Cololi a écrit:

L'Espion qui venait du froid de Martin Ritt. Une espèce d'anti-james bond total, froid glacial, en pleine guerre froide, avec une histoire d'amour ... mais le tout extrêmement sobre, froid et réaliste (et le génial Richard Burton).

Tiens ça fait longtemps que je l'ai vu celui là, il faudrait que je le regarde a nouveau, en plus j'ai prévu de me mettre a John Le Carré que je n'ai jamais lu!

J'ai oublié de faire de la pub pour 2 autres trilogies, à ne surtout pas manquer (car là ... c'est chef d'oeuvre absolu) ... que je n'ai pas vu passer ici :

-> La trilogie de Koker de Kiarostami. J'ai vu que les 2 premiers volets pour le moment.
Le 1° est un modèle de "comment faire un film génial avec un scénario simplissime". Le scénario est simple : un gamin veut rendre à son ami d'école son cahier qu'il a oublié (pour lui éviter une punition le lendemain). Tout ce périple du gamin, va nous permettre de voir l'Iran rurale de ces années là, dans un écrin sublime, avec des personnages hauts en couleur.
Le 2° est là aussi un modèle d'idée géniale sur la forme : comment rendre compte du tremblement de terre de ce début des années 90 ... meurtrier, dévastateur ... cinématographiquement. Le réalisateur choisit d'en faire une espèce de road movie, ce qui va nous permettre de façon très libre de rencontrer plein de situations, de personnages ... C'est vraiment génial. La encore la photographie

-> La trilogie Taisho de Suzuki. Vu qu'un seul volet pour le moment. C'est une période bien postérieure à l'époque nouvelle vague ... qui a mal finie pour le réalisateur. J'ai vu Yumeji. Je ne me souviens même plus du scénar  Mais esthétiquement ... c'est une claque intersidérale.

Parsifal a écrit:

Cololi a écrit:

L'Espion qui venait du froid de Martin Ritt. Une espèce d'anti-james bond total, froid glacial, en pleine guerre froide, avec une histoire d'amour ... mais le tout extrêmement sobre, froid et réaliste (et le génial Richard Burton).

Tiens ça fait longtemps que je l'ai vu celui là, il faudrait que je le regarde a nouveau, en plus j'ai prévu de me mettre a John Le Carré que je n'ai jamais lu!

L'Espion qui venait du froid, j'en garde un souvenir positif mais pas ébloui non plus. D'ailleurs (si je me souviens bien), le scénario simplifie assez drastiquement le roman de Le Carré.

Cela dit, il est possible que ce soit un problème structurel avec ce romancier: si l'on veut tout faire tenir dans un format de long-métrage, ça peut devenir très compliqué... En revoyant récemment La Taupe (un film que j'aime beaucoup, pour sa restitution des atmosphères et son «grain d'époque» - et puis ces acteurs!), qui est très fidèle au récit, je me suis demandé si quelqu'un qui n'aurait pas déjà lu le roman ne risquait pas de se retrouver vite paumé par le scénario.

Sinon, pour Le Carré, commence par la trilogie de Smiley / Karla (Tinker, Tailor, Soldier, Spy / La Taupe; The Honourable Schoolboy / Comme un collégien; Smiley's People / Les Gens de Smiley), de préférence en anglais (il me semble me souvenir que certaines traductions françaises sont assez maladroites.)

Benedictus a écrit:

Parsifal a écrit:

Cololi a écrit:

L'Espion qui venait du froid de Martin Ritt. Une espèce d'anti-james bond total, froid glacial, en pleine guerre froide, avec une histoire d'amour ... mais le tout extrêmement sobre, froid et réaliste (et le génial Richard Burton).

Tiens ça fait longtemps que je l'ai vu celui là, il faudrait que je le regarde a nouveau, en plus j'ai prévu de me mettre a John Le Carré que je n'ai jamais lu!

L'Espion qui venait du froid, j'en garde un souvenir positif mais pas ébloui non plus. D'ailleurs (si je me souviens bien), le scénario simplifie assez drastiquement le roman de Le Carré.

Cela dit, il est possible que ce soit un problème structurel avec ce romancier: si l'on veut tout faire tenir dans un format de long-métrage, ça peut devenir très compliqué... En revoyant récemment La Taupe (un film que j'aime beaucoup, pour sa restitution des atmosphères et son «grain d'époque» - et puis ces acteurs!), qui est très fidèle au récit, je me suis demandé si quelqu'un qui n'aurait pas déjà lu le roman ne risquait pas de se retrouver vite paumé par le scénario.

J'aime beaucoup ce film aussi, mais effectivement le scènario est pour le moins embrouillé, c'est vraiment l'atmosphère et les acteurs (et cette mise en scène!) qui capte l'attention.
C'est prévu, j'ai justement acheté La Taupe (en français mais je note ta remarque pour la traduction, si jamais je peut les récupérer en anglais)
tu as vu la mini-série avec Alec Guiness?

Non, je ne l'ai pas vue (après vérification, ça se trouve sur le tube), mais a priori le format de la mini-série devrait permettre de mieux développer le récit sans donner l'impression d'embrouillamini aux articulations un peu floues.

Pour le film, la mise en scène d'Alfredson est très bien mais déjà un peu académique pour moi (et l'est même trop les scènes tchécoslovaques), mais j'ai vraiment adoré les atmosphères et les acteurs (non seulement Gary Oldman, Colin Firth, John Hurt, qui sont prévisiblement extraordinaires, mais même des acteurs que d'habitude je n'aime pas trop comme Benedict Cumberbatch ou Toby Jones m'ont épaté.)

Diane Kurys : Coup de foudre        1983

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J'avais récemment été déçu par Après l'amour, ce film rattrape bien le tir et renoue avec l'originalité et la pertinence qui m'avaient tant séduites dans Diabolo menthe. Le film est ici tiré de l'histoire de ses propres parents : pendant la seconde guerre mondiale, sa mère se marie avec un légionnaire qui lui promet de passer la frontière sans encombres et de la libérer ; par la suite, elle rencontre une autre femme qui devient rapidement son amie, plus le film avance et plus elles se rendent compte que finalement, elles n'aiment plus les hommes qu'elles ont jadis épousés souvent pour des raisons pratiques. En 1983, ce film montre déjà la violence et le malaise présents dans certaines relations de couple ; il montre également (c'est là à mon avis sa plus grande justesse) la violence et l'homophobie du mari du personnage de Huppert lorsqu'il apprend qu'elle est amoureuse : il se pose d'emblée en victime, se plaignant que la femme que sa femme aime machine quelque chose contre lui parce qu'elle est jalouse, etc. ; ce n'est en plus pas sa seule réaction violente : quand il réalise à la fin du film (spoil) que son ex-femme et sa nouvelle copine ont monté une boutique ensemble, il saccage complètement leur boutique avec acharnement. En fait, le film montre exactement son égoïsme puisqu'il n'accordait aucune attention à sa femme lorsqu'ils étaient en relation, dès qu'elle le quittait pour sa copine, il ne s'est jamais remis en question et là, une fois qu'elle est bien installée avec elle (avec des perspectives de vies très saines - qui tranchent nettement avec les combines foireuses de ce dernier), il n'est pas heureux pour elle mais au contraire, devient fou de rage. Outre cela, j'ai trouvé le film agréable à suivre, l'histoire fonctionne bien d'un point de vue dramatique - même si elle est un peu longue à se lancer - et les acteurs/trices sont tous/tes très bon(ne)s : Huppert évidemment, Bacri aussi, vraiment insupportable mais j'ai été surpris par Miou-miou qui est vraiment très touchante - les mouvements de caméra de Kurys aident aussi. En tout cas, c'est encore une belle découverte dans la filmographie de Kurys.

Cololi a écrit:

-> La trilogie de Koker de Kiarostami. J'ai vu que les 2 premiers volets pour le moment.
Le 1° est un modèle de "comment faire un film génial avec un scénario simplissime". Le scénario est simple : un gamin veut rendre à son ami d'école son cahier qu'il a oublié (pour lui éviter une punition le lendemain). Tout ce périple du gamin, va nous permettre de voir l'Iran rurale de ces années là, dans un écrin sublime, avec des personnages hauts en couleur.
Le 2° est là aussi un modèle d'idée géniale sur la forme : comment rendre compte du tremblement de terre de ce début des années 90 ... meurtrier, dévastateur ... cinématographiquement. Le réalisateur choisit d'en faire une espèce de road movie, ce qui va nous permettre de façon très libre de rencontrer plein de situations, de personnages ... C'est vraiment génial. La encore la photographie  

Oui, c'est très bien, cette trilogie. 

Benedictus a écrit:

En revoyant récemment La Taupe (un film que j'aime beaucoup, pour sa restitution des atmosphères et son «grain d'époque» - et puis ces acteurs!), qui est très fidèle au récit, je me suis demandé si quelqu'un qui n'aurait pas déjà lu le roman ne risquait pas de se retrouver vite paumé par le scénario.

Sinon, pour Le Carré, commence par la trilogie de Smiley / Karla (Tinker, Tailor, Soldier, Spy / La Taupe; The Honourable Schoolboy / Comme un collégien; Smiley's People / Les Gens de Smiley), de préférence en anglais (il me semble me souvenir que certaines traductions françaises sont assez maladroites.)

Je peux témoigner: j'avais emmené ma compagne voir ce film et elle n'en garde pas un très bon souvenir.

Sinon, je trouve qu'il y a tout de même un gros trou d'air avec Comme un collégien.
Je conseillerai bien de commencer justement par l'Espion qui venait du froid et de compléter par le tardif L'héritage des espions, qui revisite les blancs de l'intrigue.

Curtis Hanson : The bedroom window        1987


C'est le premier film de Curtis Hanson que je vois et je dois dire que j'ai trouvé ça un peu quelconque: dans une veine très américaine, entre Hitchcock et Sirk, peut-être un peu dans le sillage de de Palma mais avec une histoire moins intéressante et sans cette jouissance technique que l'on peut trouver chez de Palma. Le film raconte l'histoire de personnes qui assistent à un meurtre depuis leur fenêtre, le souci c'est que la femme qui voit le meurtre depuis la fenêtre est chez son amant qui n'est autre qu'un employé de son mari ; l'amant va donc témoigner à la police prétextant que c'est lui qui a vu le meurtre - et en fait, spoiler, au bout d'une heure de film, ils vont juste lui dire "bah en fait, tu es myope, donc non". J'ai trouvé que le premier revirement mettait beaucoup de temps à venir, en plus de cela, le film ne raconte pas grand-chose exceptée peut-être une vague discussion autour de la notion de vérité (l'homme ne raconte pas la vérité au sens strict puisqu'il n'a pas été témoin de la scène mais on sait qu'il dit la vérité quand même). Malgré ce net manque au scénario, j'ai trouvé qu'on ne s'ennuyait pas pour autant (même si le film traîne tout de même un peu en longueur) car l'atmosphère est plutôt prenante - et c'est tout de même très bien filmé.

Peter's Friends, Kenneth Brannagh

J'aime beaucoup Kenneth Brannagh. Son cinéma n'est pas sans maladresse, il n'est certainement pas subtil mais il est totalement et absolument sincère! Et il ne manque pas d'un certain panache visuel. Ses films depuis le début des années 2000 ont plutôt montré ses mauvais côtés (j'aime cependant beaucoup son Peines d'amour perdues que je trouve extrêmement attachant), sans doute son châtiment pour avoir divorcé d'Emma Thompson. All is true, son dernier film en date sur les dernières années de Shakespeare était cependant plutôt sympathique (avec plein de belles scènes, malgré pas mal de défaut). La bande annonce de son prochain opus autobiographique, Belfast, promet une très belle œuvre romanesque et nostalgique a la manière de Hope and Glory de Boorman (qui est un chef d'oeuvre) du coup j'ai envie de me replonger dans les années fastes du cinéaste, en commençant par les films que je n'ai jamais vu.
Peter's Friends a tout pour me plaire, très anglais et avec la génération  brillantissime des acteurs british des années 80-90: Stephen Fry, Hugh Laurie, Imelda Staunton, Kenneth Branagh lui même, et surtout la toujours formidable Emma Thompson, pour les plus connus (Alphonsia Emmanuel qui compléte le groupe d'amis est aussi une excellente actrice mais beaucoup moins célèbre). Le scenario n'est pas d'une folle originalité: un groupe d'amis qui se sont connus à l'université se retrouvent tous ensemble dix ans plus tard à l'occasion d'une fête organisée par l'un d'entre eux (Peter Morton interprété par Stephen Fry), ils ont tous changés, font tous face à des problèmes plus ou moins graves (ça va de la mort d'un enfant, au célibat mal vécu) dont ils ne sont pas forcément capable de se détacher. Quand à Peter s'il souhaite réunir tous ses amis c'est qu'il vient d'apprendre sa séropositivité.
Le film est donc pleinement de son temps: avec la peur du sida, une bo émaillée par les tubes des années 80, et un générique constitués d'archives passant en revue les moments marquants de la décennie qui vient de s'achever (le film date de 1992), et surtout comme je le disais cette génération d'acteurs extraordinaires. Si le scenario  est un peu prévisible, les performance et la réalisation alerte de Branagh donne une grande vitalité a cette comédie dramatique qui réussit parfaitement l'équilibre entre l'humour et la gravité attendues dans certaines situations. Hugh Laurie et Imelda Staunton sont particulièrement émouvants lorsqu'il s'agit d'exprimer la détresse de parents qui viennent de perdre l'un de leurs très très jeunes enfants. Côté comédie, Emma Thompson est excellente, mais c'est surtout Rita Rudner qui interprète Carol Benson, l'épouse de Kenneth Branagh (enfin de son personnage) une actrice américaine narcissique et insupportable qui récolte les meilleurs dialogues, heureusement cependant la caricature est tempéré par des moments plutôt bien amené qui révèle l'humanité du personnage. Une belle oeuvre donc, drôle et nostalgique qui n'est pas si éloigné des comédies shakespearienne de Branagh comme Beaucoup de bruit pour rien et Peine d'amour perdues. On y retrouve la même tendresse pour les personnages, le même plaisir très communicatif de jouer ensemble (parce que tout le monde a vraiment l'air de s'amuser)!

Oui, j'adhère à tout ce que tu dis - en plus, un film qui, en plus de vraiment saisir un certain air du temps, reste pour moi un marqueur très fort - quand j'étais allé le voir à sa sortie, c'était la dernière sortie faite avec mes copains de lycée après un premier trimestre dans le supérieur, et le contenu de ce film trouvait un écho singulier dans ce que nous vivions (des souvenirs communs très forts, encore récents mais déjà nettement séparés par la césure du bac, la joie de retrouver des amis qui avaient accompagné notre adolescence doublé de l'intuition mélancolique que nous allions bientôt nous perdre de vue, nos premiers pas dans notre vie de jeunes adultes, avec son lot d'exaltations et de déconvenues, de bouleversements intimes...)

J'ai dû le voir au même moment que toi, mais avec mes nouveaux amis de prépa, ce qui projetait nos jeune amitiés dans une possible désillusion (bon, plus de vingt-cinq ans après, je revois encore régulièrement deux des trois qui m'accompagnaient, ce qui n'est pas si mal).

Benoît Jacquot : Villa Amalia        2009

 +
Ce film est une adaptation du roman homonyme de Pascal Quignard, je ne sais pas trop ce que ça vaut mais ce Jacquot est plutôt pas mal. Il raconte l'histoire d'une femme qui, en voyant son mari la trompe, décide d'effacer sa vie d'avant et de renouer avec un ami de longue date. Ce que j'ai trouvé bien dans ce film, c'est le jusquauboutisme du personnage de Huppert pour supprimer toute trace de sa vie d'avant, y compris sur le plan administratif, il y a quelque chose de très acharné ; la manière  dont Jacquot la filme et monte le film est pertinente : au fur et à mesure de ses voyages incessants, le montage du film se raccourcit et la caméra semble se rapprocher d'elle (allant jusqu'à la caméra portée à l'épaule avant l'arrivée à la villa), comme si le personnage de Huppert devenait une pure allégorie du mouvement et s'extrayait d'une existence physique ; j'ai assez aimé la partie après, dans la Villa, comme si le personnage principal avait dépassé tout cela, était enfin arrivé à son but. J'ai été étonné de voir que de très nombreux plans préfigurent déjà son dernier film en date (Suzanna Andler), notamment tous ces plans depuis le balcon où l'on voit la mer.

Adieu Gary

À présent, le Mort d'un pourri ou le Remorques de lulu :


Joachim Lafosse : Nue propriété        2006

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Il s'agit du deuxième film du réalisateur belge Joachim Lafosse (dont le dernier film, Les intranquilles sera à l'affiche à la fin de ce mois-ci) et c'est personnellement le premier de ses films que je vois. Le film montre (ou plutôt constate) le délitement d'une petite cellule familiale composée d'une mère (interprétée par Isabelle Huppert) et de ses deux fils jumeaux (interprétés par les frères Renier) ; le film commence in medias res (même si l'ambiance est encore plutôt bonne entre la mère et ses fils) puisque le père a déjà quitté la maison. Ce que j'ai aimé dans ce film, c'est son rapports aux lieux (cinématographiques) de la famille : d'abord la maison familiale dont les gens peinent à s'émanciper mais également les scènes de repas, presque emblématiques du règlement de compte familial - et elles sont extrêmement nombreuses ; d'ailleurs, à cet égard, le titre est assez parlant puisqu'une nue-propriété, c'est une propriété dont on ne peut pas jouir et c'est le cas ici : il y a cette maison qui enferme tous les personnages et qui attise les tensions - et dont on peine à se séparer : lorsque la mère veut la mettre en vente, les fils refusent (en même temps, elle ne les a pas vraiment prévenus). Cet aspect pris en cours de route m'a fait beaucoup penser au cinéma de Pialat - et d'ailleurs, la très belle scène finale, décompressante, après cette réplique désabusée et cinglante du père à son fils : "bon bah nous quatre, ça n'a pas marché" semble être une citation de la fin de La gueule ouverte de Pialat puisque depuis l'arrière d'un véhicule, on s'éloigne de la maison - d'ailleurs, dans le film de Pialat, les personnages sont également retenus entre eux par la mère et il y a aussi cette réplique de rupture complètement lapidaire "c'est fini" (ou quelque chose de ce genre, lorsque la mère meurt) ; malgré tout, il y a des différences de caractère : le film de Lafosse est tout de même drôle à certains instants. Découverte sympathique (dont les thèmes ne me sont pas extrêmement proches, cela dit) qui me donne envie de creuser sa filmographie.

Emeryck a écrit:

À présent, le Mort d'un pourri ou le Remorques de lulu :

tss, j’ai juste dit que je l’avais vu et que c’était pas mal.

Emeryck a écrit:

(dont les thèmes ne me sont pas extrêmement proches, cela dit)

j’ai bien une idée...

Ursula Meier : Home        2008


J'ai été très déçu par ce film, il y avait tout pour faire un très bon film : un décor très original (une maison isolée au bord d'une autoroute désertée), deux (très) bons acteurs (Isabelle Huppert et Olivier Gourmet) mais en fait, non, ça ne marche pas. Le film présente l'évolution d'une famille vivant dans cette maison isolée au bord de l'autoroute, cette dernière doit être (re)mise en service depuis plusieurs années déjà mais rien n'a été fait ; brusquement, quelques travaux commencent et elle est remise en service ; bien sûr, la famille va évoluer avec ce changement majeur. En fait, au lieu de déployer quelque chose d'assez fin, le film fait juste sombrer ses personnages dans la folie (chacun y sombre de manière différente, cela dit, ils sont très nettement caractérisés - et c'est d'ailleurs parfois un peu pénible : Huppert huppérise, l'une des deux filles est vraiment dépeinte comme une adolescente-cliché-contestataire (bah oui, elle écoute du metal - en plus, les morceaux passés sont vraiment une caricature du genre (enfin, pas en eux-mêmes mais leur emploi ici signifie ça)) et sans surprise, ils vont être isolés du monde puisque le chemin pour aller chez eux se trouvent de l'autre côté de l'autoroute (mais du coup, ça donne des scènes de traversée assez épiques, notamment lorsqu'ils achètent un congélateur) et (subtilité extrême), ils vont s'emmurer... La fin est vraiment un raté total, comme s'il fallait greffer une happy end artificiellement : en fait, ils décident de sortir de leur maison et de marcher vers la lumière. Vraiment, ce film ne raconte rien d'intéressant - peut-être que je force un peu le trait parce qu'il m'a beaucoup déçu, aussi.

Raoul Ruiz : Comédie de l'innocence        2000

 + / 
Un Ruiz qui n'est pas mauvais mais toutefois un peu en-dessous de ceux que j'ai pus voir précédemment : il semble parler de moins de choses que les autres et l'intrigue (toujours absolument labyrinthique chez Ruiz) est à mon avis ici trop simple et lisible, sans être complètement normale : elle stagne entre deux eaux et ça ne sert pas le film. Le film raconte l'histoire d'un garçon qui est obsédé par l'idée de tout filmer avec sa petite caméra ; il communique avec une sorte de double qui est dans le monde de la vidéo ; un jour, il emmène la gouvernante dans une maison et prétend qu'il s'agit de sa vraie maison et qu'on y trouve sa vraie mère, s'ensuivent des circonvolutions autour de ce revirement - pas extrêmement passionnante d'autant qu'elles se résolvent en grande majorité. Il y a tout de même quelque chose d'intéressant du côté de ce monde parallèle fictif (dont Ruiz est assez coutumier) : il y a vraiment cette idée de soliloque et cela prend un caractère un peu différent au fur et à mesure que le film avance - il y est davantage question de l'impact du cinéma (sur les gens et sur le réel, notamment) ; mais globalement, tout cela n'est exposé qu'au stade de germes, c'est dommage mais, malgré tout, l'ambiance du film est assez sympathique et il y a de grand(e)s acteurs/trices : Huppert, Balibar, Podalydès et dans une moindre mesure Berling.

Mauro Bolognini : La storia vera della signora dalle camelie        1981

 + / 
Ce film est d'abord sorti dans une version pour la télévision (qui dure un peu plus de trois heures) et ça se sent assez bien dans la version pour le cinéma - celle que j'ai regardée - qui dure une heure cinquante : le rythme n'est pas très bien géré, par exemple, le début est vraiment très très brusqué, on sent qu'il est juste là pour la mise en contexte mais qu'il gêne, du coup, il n'a qu'un intérêt limité car rien ne prend dans cette partie. Le film est bien sûr une adaptation du roman d'Alexandre Dumas (fils) ; enfin, ce n'est pas une adaptation au sens propre puisqu'en fait, le film suit l'auteur à travers son aventure avec cette femme tuberculeuse et, au début et à la fin, le film montre une mise-en-scène (sans doute la première) du roman au théâtre ; ce basculement est intéressant car il permet d'asseoir davantage l'épisode central (aux élans biographiques, donc) dans une sorte de "vérité" - enfin, dans quelque chose qui ne serait pas de la mise-en-scène - dommage (encore une fois) que ce soit si vite expédié. L'épisode central est par contre assez bien géré (même s'il y a quelques longueurs), le caractère tragique fonctionne très bien notamment grâce à la manière de filmer, qui, par ses mouvements assez court, renforce l'aspect intimiste du récit ; les acteurs/trices y sont aussi convaincant(e)s - notamment, bien sûr, Huppert très intense. Je suis curieux de voir ce que donne la version pour la télévision.

Ah mais non! Alors là pas du tout! Isabelle Huppert n'a pas, mais alors absolument pas la voix du rôle, elle n'a ni les aigus, ni l'ampleur, ni la morbidezza d'une vraie drammatico d'agilità! C'est n'importe quoi! C'est l'anti-belcantisme absolu, elle ne sait même pas vocaliser! Elle ne passe ni le contre-ut ni le contre-ré bémol dans Sempre libera, c'est factuel!

Toute ressemblance...

Guillaume Nicloux : La religieuse        2013

 +
Cette adaptation du roman homonyme de Diderot est bien différente de celle réalisée par Jacques Rivette quarante-sept ans auparavant : dans mon souvenir (lointain), Rivette est beaucoup plus littéral et les acteurs/trices moins convaincant(e)s ; je crois que si je le revoyais, je préférerais l'adaptation de Nicloux. En fait, l'adaptation de Nicloux me semble moins porter sur la religion en soi mais plutôt sur la carcéralité même, c'est en tout cas comme ça que j'ai compris la présence des épisodes aux caractères différents. Nicloux me semble également plus malin dans la manière de construire son adaptation, notamment en utilisant le journal de Suzanne comme espèce de centre narratif qui lui permet de construire un récit moins linéaire - ce qui me semble plus coller avec l'esprit de l'époque. Ce que j'ai beaucoup aimé, aussi, dans ce film, c'est la rigueur de l'adaptation : simplicité de la mise en scène, lumières naturelles mais qui offrent pas mal de beaux (parfois très beaux) plans ; cette rigueur me semble apporter une certaine beauté au film. Les actrices sont également très convaincantes : Pauline Étienne en sobriété mais remarquable, Isabelle Huppert en nonne un peu folle à la sexualité réprimée (et pas en sobriété) et des prestations plus inattendues comme celle de Françoise Lebrun que j'ai été surpris de retrouver ici.

Les mariés de l'an II, Jean Paul Rappeneau

C'est peut être mon Belmondo (avec Le Magnifique de Philippe de Broca), et sans aucun doute mon Rappeneau, préféré! J'aime tout: le cadre historique (le film reste politiquement très consensuel le cynisme de Philibert condamnant les enthousiasmes politiques trop naïf tandis que le film se moque aussi bien des révolutionnaires que des royalistes), les acteurs (Belmondo bien sur, mais aussi Marléne Jobert, et dans les seconds rôles Michel Auclair, Sami Frey, Charles Denner, Laura Antonelli et Julien Guiomar excellent en Robespierre au rabais), la musique de Michel Legrand (j'aime beaucoup son pastiche/parodie de cantate révolutionaire hymne a la République) et surtout le sens du rythme propre Rappeneau, avec ses ellipses et cette action virevoltante qui ne s’interrompt jamais (sans que ça deviennent lourd). Un très grand film!

Parsifal a écrit:

C'est peut être mon Belmondo (avec Le Magnifique de Philippe de Broca), et sans aucun doute mon Rappeneau, préféré!

Pour Rappeneau, je serais d'accord (enfin, je garde quand même aussi d'excellents souvenirs du Cyrano avec Depardieu, de La Vie de château et de Tout feu tout flamme.)

Mais comme Belmondo préféré, difficile à dire: il y a quand même aussi les trois Godard (on parle toujours d'À bout de souffle et de Pierrot le Fou, mais Une femme est une femme est un de mes Godard préférés), Le Doulos, La Sirène du Mississippi, L'Homme de Rio. Et même dans ceux que je ne placerais pas aussi haut dans mon panthéon personnel, les bons Verneuil (Un singe en hiver, 100 000 Dollars au soleil et Week-End à Zuydcoote), les bons Philippe de Broca (Cartouche, Les Tribulations d'un Chinois en Chine, Le Magnifique), Classe tous risques, La Ciociara, Moderato cantabile, L'Aîné des Ferchaux, Stavisky... et puis des films que j'aimerais bien revoir (j'en ai un souvenir trop lointain, mais positif) comme Ho! ou Le Voleur...

(Je passe la main à Cololi pour les années 80...   )

Filmographie impressionnante, quand même!

Hum, c'est vrai que je ne mettrai peut-être pas les mariés de l'an II dans la série "films cultes". C'est un film honnête, oui, mais pas forcément indispensable. Comme "grands" Belmondo, je citerais, un peu comme benedictus, l'as des as, le professionnel, le magnifique, Cartouche, entre autres films.