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16 mm ???
Mais c'est un film en cinémascope, ultra technicolor, avec des plans larges sans arrêt  A la base ... étant donné la qualité éblouissante du blu ray sorti il y a 1 an ... ça fait plutôt penser à un original en 70 mm qu'autre chose !

Des moyens de tournage qui semblent pharaoniques et une science du cadrage de Walsh qui tend au génie.

Cololi a écrit:

16 mm ???
Mais c'est un film en cinémascope, ultra technicolor, avec des plans larges sans arrêt

Oui, c'était dégueu, les bords étaient rognés, l'image paraissait toute petite sur l'écran.

Benedictus a écrit:

Cololi a écrit:

16 mm ???
Mais c'est un film en cinémascope, ultra technicolor, avec des plans larges sans arrêt

Oui, c'était dégueu, les bords étaient rognés, l'image paraissait toute petite sur l'écran.

Alors revisionnage obligatoire ! C'est justement une photographie complètement jubilatoire. Jamais vu une chose pareille ... à part peut être La Prisonnière du désert ...
Niveau couleurs déjà (c'est le technicolor poussé à son maximum), définition aussi évidemment ... et la majesté jamais atteinte ailleurs du cadrage.

Cololi a écrit:

Alors revisionnage obligatoire !

Ah mais heureusement, j'ai revu ça depuis.

Oui, j'ai vu The Hanging Tree (j'ai même pas mal pleuré ). J'aime beaucoup Daves, en particulier pour les grands mélodrames Warner, évidemment (ah ... A Summer Place ... et ce score de Steiner). Et je suis un grand fan de Maria Schell (pas de surprise, de ce côté).

Benedictus a écrit:

(génial Jean-François Balmer en mafioso glottophile)

Clairement mon double maléfique...

Il est extraordinaire dans ce rôle et j’ai un peu l’impression qu’il a toujours été sous-exploité au cinéma ; à part Polar de Jacques Bral (très chouette film d’ailleurs), dans quel film tient-il un rôle principal ?

P.S. : Je découvre en relisant sa filmographie qu’il a joué dans un autre Rien ne va plus, réalisé par Jean-Michel Ribes...

Tu oublies ceci:
https://www.youtube.com/watch?v=ZjLmzP27W1g&ab_channel=Unifrance
(Alors qu'il y a quand même aussi Roberto Alagna, Stéphane Bern et Arielle Dombasle dans ce chef-d'œuvre!)

Cololi a écrit:

Les Implacables (Walsh) - c'est un peu le western américain tel que je le l'avais rêvé !, / She Wore a Yellow Ribbon de Ford - pas du tout le western dont je rêvais, mais un chef d'oeuvre absolu malgré tout et un peu en dessous mais à voir Rio Grande de Ford là encore. Je rajoute Bravados d'Henry King, génial !

Benedictus a écrit:

En tout cas les Randolph Scott: Comanche Station, Ride Lonesome / La Chevauchée de la vengeance et Sept Homme à abattre en priorité, Decision at Sundown et The Tall T / L'Homme de l'Arizona ensuite (il font un peu plus série B cheap mais sont quand même épatants); j'aime un peu moins Westbound / Le Courrier de l'or, mais je ne le déconseille pas pour autant. Hors western, il faut absolument (j'insiste) voir le surprenant Bullfighter and the Lady / La Dame et le Toréador (surprenant mélo tauromachique néoréaliste) et le brillant The Rise and Fall of Legs Diamond / La Chute d'un caïd - ou comment réinterpréter le film de gangster des années 30 dans le langage de la série B des années 50. The Cimarron Kid / À feu et à sang et A Time for Dying / Qui tire le premier? (Seminole / L'Expédition du Fort King et Horizons West / Le Traître du Texas) The Man from the Alamo / Le Déserteur de Fort Alamo

Et puis sinon, beaucoup de choses que je n'ai jamais vues et qui font super envie!

Merci de vos conseils, j'ai du pain sur la planche ! Pas vu Les Implacables, mais ce que vous en dites m'intéresse vivement. She Wore a Yellow Ribbon, oui : vive Ford, quelle diversité et quelle richesse dans son corpus de westerns, c'est impressionnant.

Benedictus a écrit:

[Seminole / L'Expédition du Fort King et Horizons West / Le Traître du Texas) sont très chouettes aussi, avec leurs thématiques wokistes «progressistes» traitées sans chichis.

Digression : je trouve la programmation de la Cinémathèque beaucoup trop figée et rigide, fondée très majoritairement sur des rétrospectives monographiques. Elle ne parvient plus à attirer que les quelques douzaines de mêmes sempiternels habitués vieillissants (dont moi). Les jeunes ne semblent venir en nombre que pour quelques grands noms, Kubrick par exemple, et pour des films plus marqués politiquement ou plus expérimentaux, et pour des cycles plus thématisés. Il faudrait une programmation qui prenne plus parti, et qui soit plus woke, pour animer un peu les choses (tout en continuant à montrer beaucoup des mêmes films).

FAtalité ... alors que je regardais paisiblement Le Fils Prodigue avec Lana Turner en prêtresse d'Asarté aux costumes mirobolants ... arrêt sur image ... et arrêt définitif. Tous ces DVDs achetés dans les années 2000 et sortis aux USA par la Warner meurent lentement. Mes précieux (et désormais introuvables) Davis, Stanwyck, Katharine Hepburn ou Lucille Ball ...

Benedictus a écrit:

Tu oublies ceci:
https://www.youtube.com/watch?v=ZjLmzP27W1g&ab_channel=Unifrance
(Alors qu'il y a quand même aussi Roberto Alagna, Stéphane Bern et Arielle Dombasle dans ce chef-d'œuvre!)

Tu ne connais pas tes classiques, Arielle n'est malheureusement pas de la partie dans ce chef d'oeuvre.

http://www.slate.fr/story/46241/cinema-wagner-biopic

Alors il faut corriger la page Wikipédia consacrée à ce chef-d'œuvre!

Oui, l'erreur est aussi sur Allociné.

Ils n'ont finalement pas pu se payer de grands acteurs sur ce film, hormis Stéphane Bern.

Et c'est la grande Armande Altaï qu'on voit à 0'03: https://www.purepeople.com/article/stephane-bern-ses-premiers-pas-au-cinema-en-souverain-fou-et-passionne_a89307/1

(et non, ça n'existe pas en DVD, j'ai déjà cherché... il fallait aller le voir au moment de sa sortie!)

https://www.allocine.fr/film/fichefilm-192344/box-office/

1338 entrées.

Francesco a écrit:

FAtalité ... alors que je regardais paisiblement Le Fils Prodigue avec Lana Turner en prêtresse d'Asarté aux costumes mirobolants ... arrêt sur image ... et arrêt définitif. Tous ces DVDs achetés dans les années 2000 et sortis aux USA par la Warner meurt lentement. Mes précieux (et désormais introuvables) Davis, Stanwyck, Katharine Hepburn ou Lucille Ball ...

J'espère que ça ne concerne que ceux-là

Oui, c'est vraiment caractéristique de cette salve. Le problème, c'est qu'à la limite, beaucoup d'autres se retrouvent aujourd'hui, dvd ou en Blue Ray. Mais la Warner n'éditant plus rien en France, ceux-là sont en fait les plus précieux (sans compter qu'une partie n'a jamais été édité chez nous en fait). Racheter les éditions qui restent ne sert à rien, dans la mesure où rien ne prouve que les DVDs encore disponibles fonctionnent (de l'extérieur, ils ont l'air comme neufs). Restent les éditions italiennes ou espagnoles.

Heureusement les Fox zone 1 (idem, souvent jamais sortis en France) tiennent bien le coup.

Je sais bien, ils n'éditent rien en France Mais parfois ils cèdent les droits à des indépendants non ?

François Ozon : 5×2        2004


J'avoue que je reste un peu dubitatif à propos de ce film ; son principe est simple : le film nous présente cinq moments de la vie d'un couple dans l'ordre anti-chronologique (le divorce, une soirée, la naissance de leur premier enfant, le mariage puis la rencontre) ; le film nous présente aussi le personnage le plus antipathique que le cinéma ait connu : Gilles, un gars lambda qui passe son temps à détester tout le monde, à critiquer leur bonheur, réactionnaire, égo-centré et puis l'une des premières scènes du film, c'est quand même le viol de son ex-femme (deux fois, en plus). C'est là que je ne comprends pas trop : quel est l'intérêt de nous montrer un personnage pareil et surtout de mettre une scène pareille au bout de dix minutes de films sachant qu'on va ensuite voir sa tête au beau milieu de l'écran pendant 1h20? De tels personnes existent, et bien plus qu'on ne le pense ; peut-être Ozon voulait-il couper court à toute possibilité de sympathie envers ce personnage ; après, on pourrait juste dire "ce sont des choses qui arrivent et qui ne quasiment jamais représentées donc ç'a sa place ici" mais bon, sa femme/ex-femme est condamnée et bloquée dès le début en adaptant ce mode de narration, ce qui n'est pas incroyable. Sinon, d'un point de vue technique, que ce soient les cadres, la lumière et la direction d'acteurs, c'est vraiment remarquable. Cette narration anti-chronologique aboutit à quelque chose d'assez curieux à la fin puisque les deux futurs divorcés se rencontrent sur la plage, ils décident d'aller se baigner, le soleil et en train de se coucher, ils disparaissent au loin dans la mer ; j'ai trouvé la contradiction avec les représentations du cinéma assez amusantes : il semble signaler la fin (soleil couchant, personnages disparaissant dans le loin, fin littérale du film) mais en fait, il s'agit du début de leur histoire ; ça peut sembler insignifiant mais j'ai beaucoup aimé cette dissonance, comme s'il s'agissait d'affirmer par-dessus tout la force du montage (si c'était encore nécessaire, ce film montre à nouveau que le montage est primordial) et de la narration - bon, qui est tout de même un peu à relativiser : le film ne se forme pas dans une atmosphère inerte. Malgré le terrible rôle qu'elle endosse, j'ai beaucoup aimé le jeu de Valeria Bruni-Tedeschi mais aussi celui de ses parents (Françoise Lebrun et Michael Lonsdale).

Cololi a écrit:

Je sais bien, ils n'éditent rien en France  Mais parfois ils cèdent les droits à des indépendants non ?

Oui, mais pas les women's pictures, il n'y a pas de marché assez considérable pour qu'un indépendant achète les droits de films avec Bette Davis ou Barbara Stanwyck. Les films de genre, les films noirs, les westerns, ça se vent un peu, mais les reste ...

PS : bon, ce ne sont pas des films introuvables, ça passait sur TCM dans les années 90 et 2000, j'ai assez d'amis collectionneurs pour les récupérer, mais c'est une question de principe.

Tu vas être sauvé par Netflix et compagnie alors ! Puisque c'est l'argument des défenseurs du streaming ! (et il faut maintenir son abo !)

mickt a écrit:

Benedictus a écrit:

[Seminole / L'Expédition du Fort King et Horizons West / Le Traître du Texas) sont très chouettes aussi, avec leurs thématiques wokistes «progressistes» traitées sans chichis.

Digression : je trouve la programmation de la Cinémathèque beaucoup trop figée et rigide, fondée très majoritairement sur des rétrospectives monographiques. Elle ne parvient plus à attirer que les quelques douzaines de mêmes sempiternels habitués vieillissants (dont moi). Les jeunes ne semblent venir en nombre que pour quelques grands noms, Kubrick par exemple, et pour des films plus marqués politiquement ou plus expérimentaux, et pour des cycles plus thématisés. Il faudrait une programmation qui prenne plus parti, et qui soit plus woke, pour animer un peu les choses (tout en continuant à montrer beaucoup des mêmes films).

Je ne sais pas, les rétrospectives monographiques tiennent une part importantes du programme de la cinémathèque mais il y a pas que ça : il y a les séances "Jeune public", il y a des ateliers, il y a des rétrospectives consacrées aux acteurices, il y a des cycles consacrés au cinéma d'aujourd'hui (je pense notamment à "aujourd'hui le cinéma"), il y a parfois des cycles thématiques (néoréalisme, cinéma bis) mais aussi beaucoup de rencontres, de discussions, etc. Après, c'est sûr qu'on ne peut pas dire que la programmation soit spécifiquement progressiste, beaucoup de rétrospectives sont consacrées aux hommes - quand on voit le nom de certains présidents, on est pas très surpris... -, etc. 
C'est en tout cas une question très intéressante que tu soulèves.

Cololi a écrit:

Tu vas être sauvé par Netflix et compagnie alors ! Puisque c'est l'argument des défenseurs du streaming !  (et il faut maintenir son abo !)

Oh, là non, , ça ne passe pas sur les plateformes, ce genre de choses (et puis je suis un fétichiste de l'objet). Je suis sauvé par le fait que, moi le premier, on a beaucoup enregistré à une période. Mais quand je trouvais un film en DVD j'avais tendance à l'acheter (pour le pérenniser, j'avais peur que les DVD gravés ne durent pas ... ironie), donc je ne gardais pas toujours mes versions gravées, contrairement à des copains ... bref.

Non, les plateformes tuent le cinéma classique, c'est pour ça qu'il faut continuer à acheter du support physique. Tavernier le disait très bien.

Francesco a écrit:

Cololi a écrit:

Tu vas être sauvé par Netflix et compagnie alors ! Puisque c'est l'argument des défenseurs du streaming !  (et il faut maintenir son abo !)

Oh, là non, , ça ne passe pas sur les plateformes, ce genre de choses (et puis je suis un fétichiste de l'objet). Je suis sauvé par le fait que, moi le premier, on a beaucoup enregistré à une période. Mais quand je trouvais un film en DVD j'avais tendance à l'acheter (pour le pérenniser, j'avais peur que les DVD gravés ne durent pas ... ironie), donc je ne gardais pas toujours mes versions gravées, contrairement à des copains ... bref.

Non, les plateformes tuent le cinéma classique, c'est pour ça qu'il faut continuer à acheter du support physique. Tavernier le disait très bien.  

C'était ironique bien sûr

Accident - Joseph Losey - 1967



J'ai adoré. Les acteurs sont tous excellents, les plans sont beaux et d'une justesse incroyable et la construction est ingénieuse et diaboliquement efficace.
J'avais déjà beaucoup apprécié la collaboration Losey/Pinter avec The Servant.

Julien Duvivier : Haceldama ou le prix du sang        1919

 +
Il s'agit du premier film réalisé par Duvivier et il me semble que ce sera son unique tentative du côté du western - si si, un western corrézien, ça existe, et ça n'a rien à voir avec la politique. On sent que ce film est un premier film car Duvivier a voulu y mettre tout son petit monde : pour le générique, on a le droit à une citation de The great train robbery de Porter ; on a également le droit à du western, bien sûr, avec des noms bien américains (qui côtoient des surnoms du genre "le loup") et des parties plus mélodramatiques. Comme d'habitude, j'ai beaucoup aimé les paysages (très bien filmés) et l'histoire ne m'a pas tellement intéressé, j'ai même trouvé que la manière de la raconter était assez brouillonne et il y a également tout un réseau de références assez chrétien - bon, déjà, Haceldama - à côté duquel je suis peut-être un peu passé. Par contre, si brouillon soit-il, le film nous offre, en dehors des beaux plans de paysages, une sacrée ambiance (les deux plans d'ouvertures qui reviendront dans le milieu du film).

L'ennemi public, Wellman (1931)

Jayro Bustamante : Ixcanul        2015


Il s'agit du premier long-métrage du réalisateur guatémaltèque Jayro Bustamante ; je l'avais découvert en salle avec La llorona que je n'avais pas beaucoup aimé et qui m'avait pas mal ennuyé : il faut dire que le cinéma de Bustamante n'a pas l'air d'être très expansif. Ici, j'ai trouvé l'histoire un peu plus intéressante, sans que ce soit toutefois complètement passionnant : on suit une famille de paysans guatémaltèque visiblement assez traditionnelle dont la fille de dix-sept ans allait subit un mariage arrangé avec un employé trentenaire ; sauf qu'elle, elle aime un garçon qui veut se partir vers les États-Unis ; un jour, il part sans elle, mais elle est enceinte ; en gros, tout se passe mal, on croit que l'enfant est mort mais il semblerait qu'il ait été vendu par le père de la fille et l'employé-mari-prédésigné était dans le coup pour ne pas traduire ce que disaient les policiers (ils parlent espagnol et la fille étant dans les vapes, elle ne pouvait pas écouter/traduire). De manière générale, le film n'est pas très bavard, il se contente de montrer (même si, bien sûr, montrer c'est déjà dire quelque chose mais il ne commente que très très peu) et c'est peut-être ça qui me laisse parfois un peu sur le carreau - enfin, pas exactement puisqu'il y a des films peu loquaces comme ça que j'aime beaucoup. Sinon, ce que j'ai aimé, c'est le rapport de nature très topographique avec les États-Unis : la manière dont ils sont invoqués me rappelle la manière dont le sud est invoqué dans El sur d'Erice, quelque chose d'asymptotique, idéel et ce "derrière le volcan" traduit élégamment (et de manière concise) la bipartition à l'œuvre dans le film entre les jeunes qui veulent partir et les familles plutôt traditionnelles.

Light of my life - Casey Affleck - 2019



Malgré les réguliers quasi monologue (parfois long) du père, je ne me suis pas ennuyé. La mise scène est plutôt sage mais Casey Affleck arrive à maintenir un bon équilibre entre ses questionnements et le déroulement de l'action.

Ah oui j'avais bien aimé ce film
Casey Affleck est souvent assez minimaliste dans ses différents rôles : je le compare à un Bill Murray dramatique Je le préfère de loin à son frangin.

La Lutte des classes



After the thin man (Nick, gentleman détective)



Deux super films.

mickt a écrit:

Merci de vos conseils, j'ai du pain sur la planche !

Salut Mickt !
Pour les Walsh, il faut absolument voir la trilogie 1947-1948 (Pursued, Colorado Territory, Silver River), ne pas écouter Cololi (*) et regarder les 5 chefs d'oeuvre d'Anthony Mann avec James Stewart (de 1950 à 1955), et revoir les Ford où tout est bon.
En rajoutant de-ci de-là "The gunfighter" d'Henry King, le crépusculaire "Seuls sont les indomptés" de David Miller (avec Kirk Douglas), les westerns d'André De Toth ("La rivière des amours", "La chevauchée des bannis"), ceux de Wellman ("Yellow sky", "Track of the cat"), "Fureur apache" d'Aldrich, "La flèche brisée" de Delmer Daves, "L'aventurier du Rio Grande" de Parrish, et si tu veux te marrer, "La diablesse en collants roses" de Cukor.



(*) Cololi est sujet à caution: il raffole du western spaghetti; ça part sans doute d'un bon sentiment, mais c'est louche...


(*) Salut Col !! Depuis quand tu aimes ces films réalisés dans l'antre du capitalisme US le plus échevelé ?

Friedrich Wilhelm Murnau : Schloß Vogelöd        1921


J'ai été assez déçu par ce film : il n'est pas mauvais mais la gestion des intertitres est particulièrement calamiteuse, il y en a vraiment des tonnes avec des gros blocs de texte ; c'est peut-être assez peu surprenant quand on sait qu'il s'agit de l'adaptation d'un roman dont la trame n'est ni très succincte ni très surprenante ; alors certes, on passe par de belles scènes mais on est loin des trouvailles des autres films de Murnau et loin de son audace habituelle : ici, on enfile ses chaussons et c'est bien plan-plan. Peut-être que si on suit l'histoire plus attentivement que je ne l'ai fait, il y a une espèce de rigueur et de littéralité enivrante comme on peut la trouver dans certains films de Dreyer, qui interfère positivement avec ce soupçon qui se diffuse lentement, mais honnêtement, je n'en suis pas si sûr ; en tout cas, ce sont je suis sûr (et certain), c'est qu'il s'agit du moins bon film de Murnau que j'ai vu jusqu'à présent.

néthou a écrit:

mickt a écrit:

Merci de vos conseils, j'ai du pain sur la planche !

Salut Mickt !
Pour les Walsh, il faut absolument voir la trilogie 1947-1948 (Pursued, Colorado Territory, Silver River), ne pas écouter Cololi (*) et regarder les 5 chefs d'oeuvre d'Anthony Mann avec James Stewart (de 1950 à 1955).

Sans oublier de lire le texte Quelques choses à faire : poétique d'Anthony Mann de Jacques Rancière ; je crois que je n'ai vu qu'un seul film d'Anthony Mann (Raw deal) mais le texte de Rancière (même s'il traîne un peu, surtout quand on n'a pas vu les films) m'a donné envie de voir ceux avec Stewart. Le texte se trouve dans La fable cinématographique, si jamais.

Quand on a vu les films, le texte de Rancière se révèle même d'une très grande justesse.

Sinon pour Anthony Mann, outre les cinq westerns chefs-d'œuvresques avec James Stewart, il faut aussi regarder The Furies et surtout Devil's Doorway (juste avant), ainsi que les trois westerns suivants - The Last Frontier avec Victor Mature, The Tin Star avec Fonda et Perkins et par-dessus tout l'immense Man of the West avec Coop.

(D'une manière générale, il faut voir les films d'Anthony Mann - aussi bien ses superproductions historiques des années 60 que ses films noirs de série B des années 40 - et puis Men in War, un des plus géniaux films de guerre qui soient.)

Benedictus a écrit:

mickt a écrit:

J'imagine qu'il faut voir les westerns en priorité ?

En tout cas les Randolph Scott: Comanche Station, Ride Lonesome / La Chevauchée de la vengeance et Sept Homme à abattre en priorité, Decision at Sundown et The Tall T / L'Homme de l'Arizona ensuite (il font un peu plus série B cheap mais sont quand même épatants); j'aime un peu moins Westbound / Le Courrier de l'or, mais je ne le déconseille pas pour autant.

Hors western, il faut absolument (j'insiste) voir le surprenant Bullfighter and the Lady / La Dame et le Toréador (surprenant mélo tauromachique néoréaliste) et le brillant The Rise and Fall of Legs Diamond / La Chute d'un caïd - ou comment réinterpréter le film de gangster des années 30 dans le langage de la série B des années 50.

Sinon, côté western, si on supporte Audie Murphy, The Cimarron Kid / À feu et à sang et A Time for Dying / Qui tire le premier? sont vraiment intéressant par leurs thématiques et leur façon de les aborder; ceux avec Rock Hudson (Seminole / L'Expédition du Fort King et Horizons West / Le Traître du Texas) sont très chouettes aussi, avec leurs thématiques wokistes «progressistes» traitées sans chichis. Et The Man from the Alamo / Le Déserteur de Fort Alamo est assez étonnant, par sa manière décontractée voire désinvolte de traiter un sujet très dramatique (Glenn Ford y est pour beaucoup.)  

Et puis sinon, beaucoup de choses que je n'ai jamais vues et qui font super envie!

Dans les moins connus mais très recommandables, il y a The Killer is loose / Le tueur s'est évadé très bon polar avec Joseph Cotten et Wendell Corey, un habitué des seconds rôles qui joue ici un tueur psychotique. Le film est bien rythmé et certaines trouvailles visuelles sont plutôt marquantes.

Benedictus a écrit:

(D'une manière générale, il faut voir les films d'Anthony Mann - aussi bien ses superproductions historiques des années 60 que ses films noirs de série B des années 40 - et puis Men in War, un des plus géniaux films de guerre qui soient.)

Alors oui mais pas tout non plus.
Je garde un souvenir très douloureux de Strangers in the night vu à la cinémathèque, qui est un nanard assez consternant. J'étais même étonné d'un tel raté dans la carrière de Mann même pour un film de début de carrière.

Jean Renoir : Toni        1935

 +
Il y avait un certain temps que je n'avais pas vu un film de Renoir et même si ç'avait été le cas, ça ne l'aurait pas été : ce film me semble assez à part au sein de la filmographie de Renoir puisqu'il ressemble beaucoup à un film de Pagnol, on retrouve d'ailleurs certains habitués de la filmographie de ce dernier, notamment Blavette qui joue le rôle principal ; d'ailleurs, Pagnol a produit ce film. J'ai bien aimé ce film, notamment la manière dont les personnages s'inscrivent dans les paysages (dans plusieurs scènes un peu dramatiquement fortes, les personnages se dissimulent un peu derrière la flore ou son séparés par des branchages) et la beauté de ces mêmes paysages ; j'ai également bien aimé le jeu des acteurs et les intermèdes musicaux. J'ai par contre trouvé que le rythme du film était complètement délirant : absolument tout se passe dans le dernier quart d'heure (tension puis résolution) alors que le film dure une heure vingt ; j'ai malgré tout beaucoup aimé la partie où il ne se passe pas grand-chose, un peu de la même manière dont j'aime les westerns rêveurs où il ne se passe pas grand-chose et où l'on regarde. Dans ce film, on suit Toni, un homme qui vient d'Italie et qui arrive dans le sud de la France, il tombe amoureux d'une femme espagnole prénommée Josépha mariée avec un homme de Paris, ce dernier n'ayant qu'en ligne de mire la fortune de l'oncle de Josépha et la bat ; lorsque l'oncle meurt, Josépha décide de mettre les voiles avec l'héritage mais son mari la surprend et elle l'abat précipitamment d'un coup de revolver. Cette scène est d'ailleurs absolument fulgurante (toujours ce rythme terriblement hétérogène) avec les gros plans sur les visages, qui semble presque venir d'un film muet ; en y réfléchissant, je pense que j'aime bien que le film soit lancé avec ce coup de pistolet : l'impulsion du pistolet lance la balle mais à la fois le film et ça peut aussi faire écho à ces départs de course que l'on annonce d'un coup de pistolet.

Jean-Luc Godard : JLG/JLG, autoportrait de décembre        1994

 /   +
J'ai assez aimé ce moyen-métrage ; comme son nom l'indique, ce film est une sorte d'autoportrait (enfin, en quoi serait-il plus un autoportrait qu'un film comme Prénom Carmen, par exemple) ; peut-être est-ce un autoportrait dans le sens où c'est presque axiomatiquement godardien : de l'écrit, du dit, des images, assemblés selon une logique très combinatoire ; parfois, ça se fait plus continu mais pas toujours extrêmement pertinent - en tout cas pour moi ; mais bon, j'imagine que ça fait partie du jeu godardien. En tout cas, je retiens les lectures, la lecture du scénario de Je vous salue Sarajevo, les paysages très bruegeliens et quelques moments épars, ce qui n'est pas si mal. Il faudrait que je revoie les films de Godard, ça fait un bout de temps que j'ai vu ça.

Francis Veber : Le dîner de cons        1998


J'avais récemment essuyé plusieurs fermes déconvenues avec Veber (Le placard, Tais-toi !) ; ce film a été réalisé juste avant les deux précédemment mentionnés et on n'est pas encore passé de l'autre côté. Pour ce film, Veber adapte et rabote sa pièce de théâtre du même nom ; le pitch en est plutôt simple : des bourgeois organisent ce qu'iels appellent des "dîners de cons" où l'on amène un con qui devient une attraction ambulante ; on suit un éditeur qui peine à trouver son con mais son ami le met sur un bon coup, il les met en relation mais à cause d'un tour de reins, ils ne peuvent se rendre au fameux dîner : une sorte de huis-clos-vortex s'ouvre. J'ai aimé la manière dont le dîner était en quelque sorte déplacé dans l'appartement de l'éditeur : tout le monde s'y croise, tour à tour et l'efficacité du scénario permet de donner l'illusion du dynamisme des discussions que l'on pourrait trouver dans un dîner. Malgré le fait que ce soit adapté d'une pièce de théâtre, j'ai trouvé que le traitement était assez naturel, les très bon(ne)s acteurices y sont pour quelque chose (Villeret en tête mais aussi Prévost). Le film ne raconte sans doute pas grand-chose d'incroyable ni de très intéressant (en gros, tout le monde exerce sa condescendance à son échelle - l'éditeur avec Pignon mais également Pignon avec son collègue - donc bon, avec un tel relativisme et une telle généralité, difficile de dire des trucs intéressants) mais les situations sont suffisamment variées (l'appel du soi-disant producteur belge, la visite du contrôleur des impôts, etc.), les dialogues et le rythme suffisamment vifs pour que ça soit bien agréable et divertissant ; par contre, j'ai trouvé la fin vraiment curieuse : à la fois assez convenue (pour dire qu'enfin on va passer au fait) mais en queue de poisson car ça ne termine au milieu de nulle part, c'est dommage. Je ne vais pas être très original mais c'est en tout cas pour moi un des meilleurs films de Veber et vu ce qu'il me reste à voir, je pense que ça le restera...

Guy Gilles
au pan coupé

Cololi en avait dit beaucoup de bien (j'avais retrouvé, noté, puis perdu, puis j'ai eu la flemme). Suis pour ma part un peu plus réservé. De très belles choses, mais le sentiment d'un film parfois "posé" (on fait quelquefois* le reproche aux films de Guy Gilles, dont je ne connais que celui-ci, d'être des films de photographe - une succession de photos). Mais histoire touchante d'une disparition annoncée, et un usage du noir et blanc et de la couleur sous son angle émotif, et non pas temporel, qui porte ; et bien sûr une très belle photographie (comme la symétrie en écho de la pochette).



* Jean-Christophe Bouvet (de mémoire) dans le bonus (éd. Lobster) "Guy Gilles, d'un café l'autre" : moyen métrage de Mélanie Forret et Prosper Hillairet

PS :
https://www.dvdclassik.com/critique/au-pan-coupe-gilles

xoph a écrit:

Guy Gilles
au pan coupé

Cololi en avait dit beaucoup de bien (j'avais retrouvé, noté, puis perdu, puis j'ai eu la flemme). Suis pour ma part un peu plus réservé. De très belles choses, mais le sentiment d'un film parfois "posé" (on fait quelquefois* le reproche aux films de Guy Gilles, dont je ne connais que celui-ci, d'être des films de photographe - une succession de photos). Mais histoire touchante d'une disparition annoncée, et un usage du noir et blanc et de la couleur sous son angle émotif, et non pas temporel, qui porte ; et bien sûr une très belle photographie (comme la symétrie en écho de la pochette).

J'aime énormément ce film - et tous les films de Gilles que j'ai vus, même si j'aime un peu moins L'amour à la mer qui est un peu moins intéressant mais tout de même bien. Pour moi, il y a bien au prime abord un aspect discret (en sens de opposé à continu) notamment en raison du rythme du montage particulièrement rapide (qui culminera dans Le clair de terre) mais je ne suis pas du tout d'accord avec la qualification de film de photographe : peut-être cette terminologie conviendrait à une liste assez restreinte de films comme La jetée de Marker (et encore, je n'en suis même pas sûr puisque la fréquence d'apparition des photos est un paramètre qui rentre dans le complexe expressif du film) ; pour moi, dans ces deux films, on retrouve une sorte de mise en question (une sorte d'expérience plus que d'expérimentation), d'identification du phénomène limite entre le discret et le continu (image-temps, etc.) et c'est ce mouvement ambivalent que je trouve fascinant dans les films de Gilles ainsi que dans certains films de Marker : il y a souvent des trajectoires très continues (le retour dans Le clair de terre, le départ dans Au pan coupé, la course sur la jetée dans La jetée) d'un point de vue expressif (accumulation/synthèse) qui sont souvent, je ne sais pas trop comment le dire précisément, déployées dans le temps (ça prend souvent la forme d'un souvenir et d'une quête) ; pour moi, ce sont des interrogations/développements vraiment cinématographiques.

Keisuke Kinoshita : Father        1988

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Il s'agit du premier film de Kinoshita que je vois (et du dernier film de sa filmographie), il semblerait que j'ai fait assez mauvaise pioche (je l'espère) car le film m'a beaucoup ennuyé : j'ai vraiment eu l'impression d'être convié à un dîner peuplé où je ne connais personne : tout le monde y va de sa petite discussion, en mentionnant bien sûr beaucoup d'autres personnes qu'on ne connaît pas et on est là, on regarde, on sourit parfois car on saisir une bribe de discussion. Ici, c'est pareil : on a une famille principal dont le père est un looser du genre le personnage de L'été de Kikujiro mais en beaucoup moins creusé et intéressant, problème de couple, il ne parvient pas à s'occuper de son enfant, les réunions avec les autres familles, etc. et les scènes sont en général assez longues ; épisodiquement, il y a quelques moments drôles et quelques belles images ou passages très bien mis en scène mais de manière général, c'est vraiment l'ennui total.

Emeryck a écrit:

xoph a écrit:

Guy Gilles
au pan coupé

Cololi en avait dit beaucoup de bien (j'avais retrouvé, noté, puis perdu, puis j'ai eu la flemme). Suis pour ma part un peu plus réservé. De très belles choses, mais le sentiment d'un film parfois "posé" (on fait quelquefois* le reproche aux films de Guy Gilles, dont je ne connais que celui-ci, d'être des films de photographe - une succession de photos). […]

J'aime énormément ce film - et tous les films de Gilles que j'ai vus, même si j'aime un peu moins L'amour à la mer qui est un peu moins intéressant mais tout de même bien. Pour moi, il y a bien au prime abord un aspect discret (en sens de opposé à continu) notamment en raison du rythme du montage particulièrement rapide (qui culminera dans Le clair de terre) mais je ne suis pas du tout d'accord avec la qualification de film de photographe : peut-être cette terminologie conviendrait à une liste assez restreinte de films comme La jetée de Marker (et encore, je n'en suis même pas sûr puisque la fréquence d'apparition des photos est un paramètre qui rentre dans le complexe expressif du film) ; pour moi, dans ces deux films, on retrouve une sorte de mise en question (une sorte d'expérience plus que d'expérimentation), d'identification du phénomène limite entre le discret et le continu (image-temps, etc.) et c'est ce mouvement ambivalent que je trouve fascinant dans les films de Gilles ainsi que dans certains films de Marker : il y a souvent des trajectoires très continues (le retour dans Le clair de terre, le départ dans Au pan coupé, la course sur la jetée dans La jetée) d'un point de vue expressif (accumulation/synthèse) qui sont souvent, je ne sais pas trop comment le dire précisément, déployées dans le temps (ça prend souvent la forme d'un souvenir et d'une quête) ; pour moi, ce sont des interrogations/développements vraiment cinématographiques.

Tu abordes la question avec plus de finesse (et de savoir) que je ne l'ai fait. Et une seconde vision, ou la vision d'autres films de Guy Gilles me rapprocheraient sans doute de ta perception. Néanmoins si je me suis approprié cette phrase, qui n'est pas de moi et qui n'est qu'une réserve par rapport à ce film qui m'a plu malgré cela, c'est qu'elle correspondait à mon sentiment à vif.
Je n'y entendais pas tant, l’absence de rythme (ce discret en regard du continu, si je te comprends), ou un film fait de montage de photos, mais plutôt une forme d'accentuation du geste photographique. Je pense que c'est un peu la fascination de Guy Gilles devant ses sujets (Macha Méril, dont le regard est à proprement parler sidérant) qui provoque cet effet, un peu comme Bylsma II avec son violoncelle Servais dans les suites de Bach, qui semble s'arrêter parfois pour nous dire : écoutez comme ça sonne ! C'est peut-être les quarts de seconde en trop sur certains plans fixes (le visage de Macha Méril étant récurrent) qui m'ont donné cette impression.
A revoir donc…

xoph a écrit:

Emeryck a écrit:

xoph a écrit:

Guy Gilles
au pan coupé

Cololi en avait dit beaucoup de bien (j'avais retrouvé, noté, puis perdu, puis j'ai eu la flemme). Suis pour ma part un peu plus réservé. De très belles choses, mais le sentiment d'un film parfois "posé" (on fait quelquefois* le reproche aux films de Guy Gilles, dont je ne connais que celui-ci, d'être des films de photographe - une succession de photos). […]

J'aime énormément ce film - et tous les films de Gilles que j'ai vus, même si j'aime un peu moins L'amour à la mer qui est un peu moins intéressant mais tout de même bien. Pour moi, il y a bien au prime abord un aspect discret (en sens de opposé à continu) notamment en raison du rythme du montage particulièrement rapide (qui culminera dans Le clair de terre) mais je ne suis pas du tout d'accord avec la qualification de film de photographe : peut-être cette terminologie conviendrait à une liste assez restreinte de films comme La jetée de Marker (et encore, je n'en suis même pas sûr puisque la fréquence d'apparition des photos est un paramètre qui rentre dans le complexe expressif du film) ; pour moi, dans ces deux films, on retrouve une sorte de mise en question (une sorte d'expérience plus que d'expérimentation), d'identification du phénomène limite entre le discret et le continu (image-temps, etc.) et c'est ce mouvement ambivalent que je trouve fascinant dans les films de Gilles ainsi que dans certains films de Marker : il y a souvent des trajectoires très continues (le retour dans Le clair de terre, le départ dans Au pan coupé, la course sur la jetée dans La jetée) d'un point de vue expressif (accumulation/synthèse) qui sont souvent, je ne sais pas trop comment le dire précisément, déployées dans le temps (ça prend souvent la forme d'un souvenir et d'une quête) ; pour moi, ce sont des interrogations/développements vraiment cinématographiques.

Tu abordes la question avec plus de finesse (et de savoir) que je ne l'ai fait. Et une seconde vision, ou la vision d'autres films de Guy Gilles me rapprocheraient sans doute de ta perception. Néanmoins si je me suis approprié cette phrase, qui n'est pas de moi et qui n'est qu'une réserve par rapport à ce film qui m'a plu malgré cela, c'est qu'elle correspondait à mon sentiment à vif.
Je n'y entendais pas tant, l’absence de rythme (ce discret en regard du continu, si je te comprends), ou un film fait de montage de photos, mais plutôt une forme d'accentuation du geste photographique. Je pense que c'est un peu la fascination de Guy Gilles devant ses sujets (Macha Méril, dont le regard est à proprement parler sidérant) qui provoque cet effet, un peu comme Bylsma II avec son violoncelle Servais dans les suites de Bach, qui semble s'arrêter parfois pour nous dire : écoutez comme ça sonne ! C'est peut-être les quarts de seconde en trop sur certains plans fixes (le visage de Macha Méril étant récurrent) qui m'ont donné cette impression.
A revoir donc…

Je te recommande vraiment ses autres films (qui sont parfois un peu différent de celui-ci ; par exemple Absences répétées est sans doute plus proche d'un Le diable probablement, très 70's désabusé), je ne les ai pas tous vus (car ils ne sont pas tous facilement trouvables) mais ça me semble être un cinéaste terriblement méconnu.

Oui, c'est vrai que Gilles semble souvent fasciné par ses acteurs (ici, Méril mais aussi par Jouané qu'il fait jouer dans plusieurs films).

C'est noté, et puis Bylsma II, je fais la fine bouche, mais c'est très beau

L'école buissonnière

Sur une (ancienne) recommandation de Benedictus :

Paul Vecchiali : En haut des marches        1983

 + / 
Il s'agit du deuxième long-métrage de Vecchiali que je vois, toujours aussi stimulant et original que le premier (L'étrangleur) mais qui pousse les curseurs encore plus loin : le film est à la fois beaucoup plus personnel (ce film est dédié à sa mère et le personnage principal est construit sur l'histoire de sa mère) et sans doute beaucoup plus expérimental. Le personnage principal est interprété par Danielle Darrieux (un petit rêve pour Vecchiali, sans doute ; il l'avait déjà faite tourner dans son premier film Les petits drames, film aujourd'hui perdu) ; elle est veuve et décide de se rendre au début des années 60 (on peut voir des mentions de l'OAS) dans la ville de Toulon où elle a apparemment habité ; tout cela est également très lié à son défunt mari, accusé d'être un pétainiste et sans doute fusillé. Le mot d'ordre du film n'est pas de savoir (a-t-il vraiment été pétainiste ?, etc.) mais plutôt de rendre compte ou de faire sentir : le film procède par synthèse de strates, il procède vraiment par touches qui se maintiennent en équilibre les unes les autres, qui n'ont pas vraiment d'intérêt narratif en soi : tout se passe comme s'il s'agissait de former une seule image, le paysage mental de sa mère et peut-être plus généralement de cette génération du début du siècle à l'issue de seconde guerre mondiale. Le personnage de Darrieux est véritablement confronté au changement (sa première interaction avec Toulon, c'est l'épisode des trams ; il y a aussi cette séquence où une jeune femme traîne sur la plage avec des photos fournies par ses parents, en essayant de retrouver les lieux et peine, Darrieux la guide, lui explique ce qui a changé) mais ce n'est pas un changement total puisqu'il y a toujours une petite bande qui semble la connaître et elle essaie de s'y soustraire. Le film parle aussi de cinéma : de la carrière de Darrieux (son personnage vient de Nantes, on parle de Lola - Darrieux a tourné plusieurs fois chez Demy) et j'ai l'impression que la disjonction temporelle du personnage de Darrieux a des échos dans la situation de cinéaste de Vecchali : certains éléments rappellent beaucoup le cinéma français des années trente (notamment l'utilisation des chansons, Darrieux aussi ! et sans doute d'autres choses mais je connais pas encore suffisamment le cinéma de Vecchiali) mais à la fois, il y a quelque chose de post-60's dans la manière de concevoir le film. Pour en venir aux réserves, je dois avouer que le systématisme du procédé laisse à la longue peut-être un peu sur le carreau et le fait que le film ne veuille rien savoir n'aide pas toujours mais j'ai quand même aimé le film.

Jean Epstein : Le tempestaire        1947

 + / 
Ce court-métrage d'environ vingt-cinq minutes est l'avant-dernière réalisation de Jean Epstein (la dernière sera un court-métrage documentaire intitulé Les feux de la mer, je ne sais pas du tout à quoi ça ressemble) et sans doute, d'une certaine manière, l'aboutissement du pan marin de son cinéma (déjà très présent dans des films comme Finis terrae, L'or des mers, Mor'vran, etc.) : ici, un homme part en mer pour aller à la pêche, le vent souffle et la mer est un peu agitée ; sa copine l'attend assez inquiète, elle consulte alors un tempestaire, c'est-à-dire un vieil homme capable de dompter les éléments maritimes. J'avoue que je m'attendais à un film un peu plus radical (disons aussi chargé que La chute de la maison Usher), mais en fait pas vraiment ; bien sûr, il s'agit d'un film très à part, mais je ne me l'imaginais pas comme ça. Ce qui frappe d'emblée, c'est l'omniprésence de la mer : à la fois à l'image mais surtout dans la bande sonore ; comme souvent chez Epstein, une attention particulière est portée à la bande-son qui n'est pas simplement fonctionnelle mais véritablement expressive et a une véritable épaisseur (les voix semblent vraiment peu épaisses alors que la mer et le vent sonnent au contraire très amplement) ; je crois que la partie que j'ai préférée, c'est la séquence où le tempestaire intervient, avec sa boule de cristal où l'on peut voir la mer et l'utilisation par Epstein du déroulement à l'envers de la pellicule qui donne vraiment une consistance au ressac ; il y a également un peu le débat usuel sur la question du signe : au début du film, la jeune femme dit "ma porte s'est refermée, c'est un signe" et l'homme lui répond "non, c'est le vent". C'est en tout cas une belle pièce dans la filmographie d'Epstein, ça doit être génial avec un installation sonore digne de ce nom - notamment en salle.

René Clair : La tour        1928


Ce court-métrage de René Clair n'est pas follement intéressant, ça ressemble même à un film de commande tellement c'est quelconque - à part la première minute qui semble s'être perdue - mais il me semble que ça n'en est pas un ; d'ailleurs, chose (assez) amusante, parmi les assistants à la réalisation, on trouve Georges Lacombe (qui a été assistant à la réalisation sur pas mal de films des années vingt de René Clair), qui deviendra ensuite réalisateur. Le film ne dure qu'une quinzaine de minutes mais parvient tout de même à être lassant : on a le droit à une série de vues un peu quelconques (mais variées et parfois (rarement) humoristiques) de la tour Eiffel et à quelques fragments de son histoire, quelques plans et autres documents sont notamment montrés ; on a fait plus passionnant.

The Blues Brothers - John Landis - 1980


Une fois de plus .

Another thin man