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Emeryck a écrit:

Je ne vais pas être très original mais c'est en tout cas pour moi un des meilleurs films de Veber et vu ce qu'il me reste à voir, je pense que ça le restera...

Je n'aime pas trop les films de Veber (plus lorsqu'il est juste scénariste), et pas trop justement ce Diner de cons, mais j'ai été agréablement surpris par son premier film Le jouet, comédie sociale lorgnant un peu plus vers le cinéma italien, avec une galerie d'acteurs habitués du cinéma français des années 70 (Michel Bouquet, Jacques François, Michel Aumont, Charles Gérard, Eva Darlan).
Le personnage de PDG intransigeant et tortionnaire joué par Michel Bouquet est absolument génial.

Prosopopus a écrit:

Emeryck a écrit:

Je ne vais pas être très original mais c'est en tout cas pour moi un des meilleurs films de Veber et vu ce qu'il me reste à voir, je pense que ça le restera...

Je n'aime pas trop les films de Veber (plus lorsqu'il est juste scénariste), et pas trop justement ce Diner de cons, mais j'ai été agréablement surpris par son premier film Le jouet, comédie sociale lorgnant un peu plus vers le cinéma italien, avec une galerie d'acteurs habitués du cinéma français des années 70 (Michel Bouquet, Jacques François, Michel Aumont, Charles Gérard, Eva Darlan).
Le personnage de PDG intransigeant et tortionnaire joué par Michel Bouquet est absolument génial.

Oui, j'aime bien celui-ci et Les fugitifs.

To Kill a Dead Man
Portishead / Alexander Hemming

Spoiler:

Pour la petite histoire, la photo de couverture de Dummy, le premier Portishead, est issue du film

Miranda July : The future        2011

 +
J'avais découvert Miranda July par Kajilionaire que j'avais bien aimé ; ici, il s'agit de son film précédent, je ne dirais pas que je l'ai autant aimé mais je l'ai tout de même trouvé bien ; ce que j'ai principalement aimé dans ce film, c'est sa conception particulière du temps (savoir que Miranda July vient du monde de la performance artistique n'est du coup pas très étonnant) : on dirait vraiment que la temporalité du film est exactement celle des personnages, si les personnages ont envie de ralentir, on ralentit, etc. - je pense notamment aux intermèdes de danse. Le film raconte l'histoire d'un jeune couple (interprété par Miranda July et Hamish Linklater) qui décide d'adopter un chat ; finalement, la rencontre est repoussée d'un mois et le couple décide de profiter de sa vie entre temps : chacun va faire un peu ce qu'il veut. La trajectoire du personnage de Miranda July m'a davantage touché : elle est professeure de danse et suite à la découverte des vidéos (populaires) de sa collègue postées sur YouTube, elle décide de faire la même chose (notamment pour s'exprimer), mais ça la rend vraiment anxieuse et elle n'y arrive pas. Le film parle également de beaucoup d'autres choses qui peuvent sembler un peu banale mais qui sonnent assez justement : la solitude (le personnage du chat, terrible), le temps qui passe (le dessin de la petite fille), le manque de confiance en soi et ça n'apporte pas de jugement là-dessus, ça ne nous dit pas "c'est pas bien, il faut aller mieux !!". J'ai également bien aimé la bande-originale du film ; paradoxalement, je crois que c'est un film qui fait du bien, qui dit un peu autre chose ou, au moins, qui le dit autrement.

Jean-Paul Rappeneau : La vie de château        1966


Il s'agit du premier film réalisé par Jean-Paul Rappeneau et on trouve déjà une distribution assez remarquable (entre autres Catherine Deneuve, Philippe Noiret, Pierre Brasseur) ; le pitch est en gros assez simple : le film se passe pendant la seconde guerre mondiale, dans un château qui tombe un peu en lambeaux (c'est d'ailleurs un running gag assez amusant du film), Philippe Noiret joue le rôle d'un gars qui semble cultiver (?) des pommes et qui y semble particulièrement attaché ; en fait, c'est un gars qui semble complètement ennuyeux et du coup, sa femme (interprétée par Deneuve) s'ennuie très ferme mais heureusement, un jour, un résistant atterrit avec son parachute dans un arbre et il se passe quelques trucs ; ensuite, les nazis réquisitionnent le château et puis le résistant ainsi qu'un chef nazi s'entichent du personnage de Deneuve. Ce film est assez curieux dans sa manière de se déployer : d'abord, ça semble très normal voire pas passionnant (notamment à cause de la lissité du personnage du mari) et ensuite, ça devient de plus en plus délirant et amusant (j'aime beaucoup la scène de la fin où le château est éventré de toute part et la mère du mari hurle après le père de la fille (?) parce qu'il abime un le revêtement de la table de billard lors d'un coup) ; je crois rarement avoir vu quelque chose d'aussi graduel. Cet aspect graduel gouverne tout le film puisqu'au départ, il ne me semble pas évident qu'on est durant la seconde guerre mondiale et tout ça prend forme petit à petit ; ensuite, j'ai trouvé assez étonnant qu'un film français des années soixante sur la seconde guerre mondiale aboutisse à quelque chose d'aussi comique - bon, par contre, chez les américains, ça se trouve, mais bon, ils ont une posture un peu différente par rapport à la seconde guerre mondiale. Malgré tout, je dois avouer que comme tous les films de Rappeneau que j'aime bien (c'est-à-dire que je ne trouve pas anecdotiques ; par exemple : Cyrano de Bergerac, Le sauvage), il y a un aspect trop bien fait, trop policé qui m'empêche de trouver le film vraiment jouissif - même si pour Cyrano de Bergerac, il y a le plaisir du texte de Rostand qui me permet d'accéder un peu à cette jouissance.

Pierre Jolivet : Fred        1997

 +
C'est le premier film de Pierre Jolivet que je vois, j'avoue que ça m'a laissé assez indifférent : d'un côté, ça parle de choses assez vraies, peut-être un peu laissées de côté par le cinéma français (la précarité dans les petites villes), mais pas non plus très fouillées - et bien sûr, personnage principal prolo joué par Vincent Lindon... mais de l'autre côté, il faut reconnaître que l'histoire est quand même assez mal ficelée : on sent qu'elle veut virer vers le thriller mais le pas n'est pas tellement bien emboîté, du coup, on nage un peu constamment entre deux eaux ; du côté de la réalisation, rien d'absolument incroyable, tout est essentiellement fonctionnel ; j'ai par contre assez aimé la musique qui m'a pas mal rappelé celle de Paris Texas de Wenders.

Jean Rouch & Jean-Luc Godard & Jean-Daniel Pollet & Jean Douchet & Éric Rohmer & Claude Chabrol : Paris vu par...        1965

 +
Comme on peut le deviner, ce film est un film à sketches en six parties, chacune d'entre-elles étant consacrée à un quartier de Paris (Étoile, Saint-Germain, Gare du Nord, Montparnasse+Levallois, Rue Saint-Denis, La Muette) ; le groupe de réalisation est un peu atypique, notamment puisqu'on y retrouve Jean Douchet qui a assez peu réalisé de la fiction, étant principalement connu comme critique de cinéma, ayant animé jusqu'à sa mort divers ciné-club et ayant également enseigné à la FÉMIS (et avant à l'IDHEC). Les différents segments sont d'intérêt et de qualité assez divers : je dirais que celui qui se démarque nettement, c'est celui de Rouch qui est d'une concision remarquable et qui démontre un sens infaillible du tragique ; en plus de ça, j'ai trouvé que les personnages avaient immédiatement de l'épaisseur, notamment parce qu'ils étaient d'emblée inscrits dans l'environnement dans lequel ils évoluaient ; cette impression est sans doute renforcée par le fait que ce segment vient juste après celui réalisé par Douchet qui est sans doute le plus faible de tous : l'histoire est somme toute assez banale, tout semble assez artificiel. Celui de Pollet est assez amusant, avec Melki dans le rôle principal, en gars timide face à une prostituée ; plus étonnant : le film de Rohmer est assez drôle, nous prévenant contre les dangers des parapluies tueurs - et on peut d'ailleurs y trouver Philippe Sollers en client particulièrement désinvolte. Celui de Godard est assez intéressant, particulièrement godardien : une femme a deux hommes, elle envoie une lettre à chacun d'eux ; l'un est carrossier à Levallois et l'autre est sculpteur sur métal à Montparnasse ; ces dualismes assez triviaux (théorie vs. pratique, artisan vs. artiste) sont ici assez brouillés dans la fiction (on ne sait pas qui recevra quelle lettre, leur avenir dans le cadre de la fiction est donc indéterminé) ; c'est étonnant que Rancière n'ait pas écrit sur ce petit segment, tant c'est dans ses préoccupations - enfin, peut-être qu'il n'y a pas tellement de choses à dire. Enfin, le segment de Chabrol est assez marrant, on peut y voir Chabrol un peu en roue libre, assez amusant, et qui donne même une leçon d'algèbre à son enfant!

Je suis en train de revoir All This and Heaven Too (Litvak) et Jane Eyre (Stevenson) pour comparer le jeu de Davis et Fontaine en gouvernante amoureuse du maître du château, les deux films sont vraiment réussis, chacun dans leur genre. Le premier était prévu comme un Autant en Emporte le Vent à la Warner, mais c'est surtout dans le domaine intime, la violence feutrée domestique qu'il impressionne (il est très long, mais je trouve que ça passe plutôt vite), le deuxième est un splendide film gothique et à ce jour, à mon sens, la plus belle version du roman.

Le Solitaire de Fort Humboldt - Tom Gries - 1974



Le problème est que quand je vois Bronson à l'affiche je craque. Je suis régulièrement déçu .
L'intigue est plutôt sympa et originale pour un western, mais le scénario et la réalisation sont limites catastrophiques.

Abdellatif Kechiche
Mektoub My Love - Canto Uno

John M. Grissmer : Blood rage        1987

 /   +
Je ne sais même pas comment je suis tombé sur ce film ; le réalisateur n'est pas connu, il n'a réalisé que deux films (celui-ci étant le deuxième) et le film n'est pas particulièrement marquant. Le film est un slasher assez classique qui commence par le meurtre complètement arbitraire d'un gars sur un parking par un enfant, qui est alors mis en hôpital psychiatrique et son jumeau rentre tranquillement chez lui, il y a ensuite un flashback d'une dizaine d'années et quelques temps après, on apprend que l'enfant (qui est maintenant un jeune homme) s'est évadé ; du coup, il commet tranquillement ses meurtres pendant que tout le monde le cherche ; bon, il y a un spoil mais il ne surprendra personne et n'est franchement pas très intéressant, même si l'histoire fonctionne. Ce que j'ai aimé, c'est la qualité de conception du film : les synthés sont très eighties, ensuite la photographie est assez belle, avec beaucoup de grain, très physique ; en plus, le film se fait vraiment plaisir, les acteurices sont à fond, ils se font plaisir sur le sang et il y a des moments assez drôles, conscients d'eux-mêmes, "this is not cranberry sauce, Hardy". J'aurai peut-être oublié ce film dans quelques mois mais c'est assez plaisant à regarder.

Crimes of the future

Qu'est-ce qui fait courir les crocodiles?

Robert Hossein : Le jeu de la vérité        1961


Il s'agit du second film de Hossein que je vois ; le premier (Toi, le venin) ne m'avait pas complètement emballé mais n'était pas non plus vraiment mauvais ; ici, par contre, on est sur un raté : le film est tellement guindé et la mise-en-scène est d'une monotonie abominable. En fait, le film est un huis-clos se passant dans une soirée à laquelle un auteur a invité une bonne vingtaine de personnes, tout est très millimétré, jusqu'au moment où un gars qui jouait au maître-chanteur se fasse abattre ; entre temps, les invité(e)s avaient entamé le jeu de la vérité (dont le principe est assez évident), du coup, tout le reste du film va être un whodunit bien balisé à la résolution aimable. Ce qui mine complètement ce film, c'est le fait que ce soit un huis-clos et que j'ai l'impression que ce genre ne pardonne absolument pas une mauvaise mise-en-scène (même une mise-en-scène fonctionnelle ne passerait pas forcément bien) et là, la mise-en-scène est d'une monotonie : lents travellings latéraux, plan rapprochés et gros plans, tous très similaires et qui semblent nous hurler dessus "vous avez vu ? c'est tendu hein ? et lui, au fond, est-ce qu'il serait pas un peu... bizarre..? hmm... et elle, elle se gratte l'œil, étrange..." ; en plus, à la fois, il y a un côté un peu ironique (les personnages sont détestables et semblent complètement dévitalisés) mais qui ne marche pas très bien car le décalage ironique n'est pas suffisamment important ; en fait, on dirait vraiment du sous-sous-Resnais, d'une certaine manière ; c'est dommage car il y avait de bons acteurs qui correspondaient au rôle notamment Paul Meurisse dans le rôle du maître-chanteur, on trouve également Jean-Louis Trintignant - la raison pour laquelle j'ai lancé ce film.

John Waters
Serial Mother

et acidement mené

Il y a longtemps que je t'aime

Emir Kusturica
Underground

Pourtant j'aime les fanfares, mais de cette grande fresque historico-burlesque, je ne retiens rien de drôle, ni qui m'éclaire sur cette période (l'ex-Yougoslavie entre  1941 et 1990 environ)

Emeryck a écrit:

John M. Grissmer : Blood rage        1987

 /   +
Je ne sais même pas comment je suis tombé sur ce film ; le réalisateur n'est pas connu, il n'a réalisé que deux films (celui-ci étant le deuxième) et le film n'est pas particulièrement marquant. Le film est un slasher assez classique qui commence par le meurtre complètement arbitraire d'un gars sur un parking par un enfant, qui est alors mis en hôpital psychiatrique et son jumeau rentre tranquillement chez lui, il y a ensuite un flashback d'une dizaine d'années et quelques temps après, on apprend que l'enfant (qui est maintenant un jeune homme) s'est évadé ; du coup, il commet tranquillement ses meurtres pendant que tout le monde le cherche ; bon, il y a un spoil mais il ne surprendra personne et n'est franchement pas très intéressant, même si l'histoire fonctionne. Ce que j'ai aimé, c'est la qualité de conception du film : les synthés sont très eighties, ensuite la photographie est assez belle, avec beaucoup de grain, très physique ; en plus, le film se fait vraiment plaisir, les acteurices sont à fond, ils se font plaisir sur le sang et il y a des moments assez drôles, conscients d'eux-mêmes, "this is not cranberry sauce, Hardy". J'aurai peut-être oublié ce film dans quelques mois mais c'est assez plaisant à regarder.

wow !!

Agnès Varda : Ô saisons, ô châteaux        1958

 +
Ce court-métrage vient juste après La pointe courte dans la filmographie de Varda, c'est une commande de l'office national du tourisme, il raconte un peu l'histoire de différents châteaux de la Loire en la mettant en rapport avec des personnes, des besoins et des envies. A priori, je n'avais pas d'affinité particulière avec le thème mais je l'ai finalement beaucoup aimé : comme souvent chez Varda, c'est toujours très malin, très dynamique (les médiums se croisent : image, panneaux kilométriques, poème lus, voix-off) et avec parfois une pointe d'humour. Ce qui est sans doute le plus saisissant, c'est la beauté de la photographie, l'intensité des couleurs - presque semblable à celle de l'Ektachrome des Nus masculins de Reichenbach ; belle découverte.

Serge Leroy : Les passagers        1977


Il s'agit du quatrième film de Serge Leroy ; je ne connaissais ce réalisateur que de nom, j'ai l'impression que son cinéma ressemble un peu à celui de Boisset en étant toutefois moins à fond sur l'aspect naturaliste et sans doute moins directement politique. Ici, on trouve une distribution sympathique : Jean-Louis Trintignant dans le rôle principal, suivi (!) de Bernard Fresson et Mireille Darc (qui a encore une fois un rôle vraiment inintéressant, essentiellement pour créer une rivalité amoureuse - super !) ; le pitch est assez sommaire : le personnage de Trintignant va récupérer son fils chez sa femme à Rome puis le ramène à Paris, sur le trajet, ils sont suivis par un homme qui est assez violent avec eux. Ce n'est pas extrêmement passionnant mais j'ai trouvé que le film se suivait plutôt bien, les scènes les plus tendues sont assez bien montées et filmées ; j'ai aussi assez aimé la musique de Claude Bolling ; après, c'est sûr que le film ne se renouvelle pas énormément et ne parle pas de grand-chose - la relation entre le père et le fils (qui semblent ne jamais se voir) est un peu touchante mais on a fait mieux. Malgré tout, je suis curieux de voir ce qu'a pu réaliser Leroy par ailleurs, j'en ai quelques-uns qui traînent : La traque et Contrainte par corps.

Louis Feuillade : La tare        1911

 +
Ce moyen-métrage d'une quarantaine de minutes fait partie d'une série intitulée "La vie telle qu'elle est" dont l'esprit est assez loin des séries autour d'un personnage dont j'avais déjà parlé lorsque j'avais écrit sur Bout de Zan vole un éléphant ou même des sérials lents et à rallonge : comme le titre l'indique, il s'agit plutôt de filmer des personnages ordinaires avec un scénario plutôt simple. Cela dit, ce film est assez étonnant puisqu'il dénonce explicitement le slut-shaming et la misogynie : le film met en scène une femme qui travaille dans un hôtel de passe qui rencontre un docteur qui lui propose un travail dans une clinique dédiée aux pauvres ; il meurt puis elle en reprend la tête, sauf que bien sûr, ça ne va pas plaire à certains et ils vont révéler le fait qu'elle ait été prostituée auparavant. Bon, après, du point de vue de la réalisation, c'est vraiment très plan-plan donc on s'ennuie quand même pas mal.

Un invité va venir (Det kom en gäst…) - Arne Mattsson - 1947

Clarisse Gabus : Melancoly baby        1979


Il s'agit de l'unique film de Clarisse Gabus, ça n'a vraiment pas très bien vieilli, que ce soit l'affiche ou le film en lui-même, ça me rappelle pas mal Baxter, Vera Baxter de Duras (sorti deux ans auparavant) : le personnage principal étant également une femme bourgeoise qui s'ennuie, il y a aussi des histoires d'amour avec des hommes au centre de l'intrigue et le rythme est très lent ; après, bien sûr, cette comparaison atteint assez vite ses limites puisque dans le film de Gabus, on n'est pas du tout dans l'amour absolu durassien, la blessure. Sinon, pas grand-chose à dire sur le film, il faut dire qu'il ne m'a vraiment pas intéressé et que je me suis ennuyé ferme : la distribution est bien (Jean-Louis Trintignant, Jane Birkin, Jean-Luc Bideau) mais c'est à peu près la seule chose qui est bien dans ce film ; on est vraiment dans les tréfonds de la filmographie de Trintignant, là.

Umberto Lenzi : Così dolce... così perversa        1969


Trintignant a pas mal tourné en Italie à l'époque où les collaborations franco-italiennes étaient monnaie courante : il a bien sûr tourné Il conformista avec Bertolucci mais aussi un giallo assez improbable de Questi, un western mutique de Corbucci, un Comencini, un Zurlini, quelques autres et ce Lenzi qui est vraiment inégal. En fait, le scénario est vraiment très mal écrit : le rythme est catastrophique (il se passe des trucs au début, ensuite il ne se passe rien pendant cinquante minutes ; ensuite, on dirait que les scénaristes se sont dit "eh Michel !!! réveille-toi, une heure est déjà passée !! il faut écrire des trucs" et du coup, la fin n'est pas si mal, même si ce qu'il se passe est assez balisé. Bon, après, on part sur du Lenzi donc je n'attendais pas grand-chose du scénario et j'ai trouvé qu'il y avait quand même des belles images, c'était vraiment pas mal filmé, avec des scènes vraiment réussies, des belles couleurs ; mais bon, de là à dire que je vais en garder un souvenir impérissable, c'est peut-être pousser un peu.

Miloš Forman
Les Amours d'une blonde

Pierre Granier-Deferre : L'homme aux yeux d'argent        1985

 +
Bon, ce n'est pas peu dire mais je crois que c'est le film le plus raté de Granier-Deferre que j'ai vu ; c'est simple : rien ne va, à peu près. Le film est une sorte d'anti-thriller : un ancien braqueur est fraîchement sorti de prison ; il décide de se venger d'un vieux policier qui a tué l'un de ses coéquipiers et de retrouver son butin sauf qu'entre temps, des pavillons ont été construits sur le lieu où avait été enterré son butin. Bon, déjà, là, on retrouve le petit fond réac de Granier-Deferre avec sa subtilité inexistante (cf. le début du Chat mais surtout La horse) ; ensuite, vous allez comprendre le premier problème : Alain Souchon est censé jouer le rôle d'un ancien braqueur, autant dire que ce n'est pas du tout crédible et il n'y met pas beaucoup d'entrain ; ensuite, le vieux policier qui veut à tout prix remettre le personnage de Souchon sous les verrous est joué par un Trintignant qui est en roue libre totale, je n'ai jamais vu ça, c'est n'importe quoi par moments. On pourrait croire qu'il s'agit un peu, comme je le disais d'un anti-thrilleur où le fil est tellement générique, les personnages tellement dévitalisés presque des types purs dont l'incarnation n'est même plus nécessaire tant ils sont localisés ; la photo absolument fade et plate (pourtant signée Renato Berta !) va dans cette direction mais même si on voit tout sous cet angle, ça ne marche pas parce que ça s'arrête-là, tout simplement. Bref, du coup, c'est un film moche, les acteurs sont à côté, la musique de Philippe Sarde est pénible et trop présente et en plus, on s'ennuie sacrément. En fait, je réalise que Trintignant a tourné dans pas mal de daubes (et pas mal de chefs d'œuvre aussi, bien sûr), quand même ; je me demande comment ils choisissait ses films...

Incroyable mais vrai

Enki Bilal : Bunker palace hôtel        1989


Il s'agit de la première réalisation du dessinateur Enki Bilal ; c'est sans doute un peu facile mais le domaine de prédilection de Bilal : le film est essentiellement graphique (et aussi très palpable) mais ça va plus loin que ça puisque j'ai trouvé que les angles de caméra (qui est assez fixe) et la manière de filmer était assez particulière et semble un peu découler de la contrainte de la case - après, je ne sais pas la manière dont Bilal utilise les cases dans ses bandes dessinées, si ça se trouve, il s'en affranchit complètement et fait des doubles pages pleines et ma remarque est éclatée mais en tout cas, les prises de vue m'ont intrigué. Ce n'est pas la seule particularité du film : parmi celles-ci, on trouve le fait que Trintignant se soit rasé le crâne pour jouer son rôle (je ne sais pas s'il a déjà joué dans d'autres films de SF à part le deuxième film de Bilal) ; on y trouve aussi Léaud presque aussi en roue libre que dans Alien crystal palace de Dombasle mais aussi Carole Bouquet teinte en rousse. Concernant l'histoire, j'ai trouvé ça moins réussi et plus générique : en gros, on est dans une dictature et face à une révolte des opprimé(e)s, les plus fortuné(e)s rejoignent ce bunker très luxueux qui semble avoir été pensé pour exister durablement et le film se passe quasi-complètement dans celui-ci ; on y fait des procès invraisemblables, on y exécute parfois des gens, on y parle de langues interdites, on attend un président qui ne vient pas, bref, j'imagine qu'on n'est (en terme d'histoire) pas si loin de ce que pouvait déjà proposer Orwell ; la fin n'est pas si mal et moins balisée que ce à quoi l'on pourrait s'attendre ; enfin, de toute manière, je pense que le point fort de ce film n'est clairement pas l'histoire et il vaut à coup sûr le coup d'œil.

Tiphaine Raffier : La chanson        2018

 +
Ce court-métrage est assez original : il commence par nous parler de ce que l'on a appelé les "villes nouvelles" autour de Paris (Cergy-Pontoise et Marne-la-Vallée dont nous parle le film) ; le film nous dit que pas mal d'entre elles ont été construites dans l'est parisien pour que ce soit équilibré ; le film nous parle ensuite de l'installation de Disneyland (en nous mettant un extrait de Chirac qui parle avec son merveilleux accent anglais et qui nous raconte que ce contrat signé est merveilleux) ; vient ensuite la construction de Val d'Europe où l'on peut retrouver plein de styles de maisons. Après cette introduction plutôt documentaire, le film part sur a priori totalement autre chose : une bande de trois copines qui se préparent pour participer à un concours de sosie puis l'une d'entre elles en a marre et décide de se mettre à la chanson. Le message du film est à peu près clair : il semble vouloir dénoncer ce triomphe de la copie dont la seule issue semble visiblement la catastrophe (l'explosion au sens propre ou figuré) ; à défaut d'être très intéressant ou très original (cette antienne de l'impureté de la copie face à l'aspect presque transcendant de l'orignal/originel, on connaît) mais j'ai trouvé que la manière de convoquer à la fois des éléments documentaires et des éléments fictionnels (sans vraiment les penser selon cette dichotomie - même si j'imagine que cette logique de "la petite histoire dans la grande", la grande étant celle du documentaire, de l'objectivité, etc. est très sous-jacente), avec une pointe de drôlerie n'est pas si déplaisant.

Robert Enrico : Le secret        1974

 + / 
Ce film vient juste avant Le vieux fusil dans la filmographie de Robert Enrico, on y trouve déjà Philippe Noiret dans un des rôles principaux mais l'ambiance est assez différente : il est du côté de ces "films inquiets" qui peuplent le cinéma français (et américain) dans les années soixante-dix. Ce film n'est cependant pas un chef-d'œuvre du genre, tout en restant pas mauvais, notamment parce qu'il est trop explicite (la scène de réminiscence de fusillade était sans doute de trop et la voix-off à la fin, quelle lourdeur ! en plus, ça fait vraiment à l'emporte-pièce) et la mise-en-scène ne suit pas trop - à part dans la première partie du film qui est assez saisissante. Sinon, j'ai beaucoup aimé les acteurs : Trintignant en tête mais aussi Noiret et Jobert.

Philippe Pollet-Villard : Le Mozart des pickpockets        2006


J'avoue que je n'ai pas trop saisi ce que ce court-métrage essayait de nous raconter : le film s'ouvre sur une séquence de vol à la tire, des hommes qui s'apparentent à des policiers vont voir la victime et vérifier que rien n'a été dérobé, il s'agit de nos protagonistes ; on comprend ensuite qu'il s'agit de faux policiers, qui étaient en fait les vrais pickpockets. Ils sont accompagnés par un petit enfant roumain, sourd et muet ; malgré l'absence de compréhension, il parvient à mettre en place un stratagème pour dérober des effets personnels dans les cinémas. J'ai trouvé le film assez maladroit sur ce point : prendre les clichés pour dire "ah mais finalement, ils sont gentils !" ? je n'ai pas trop compris pourquoi ils étaient pickpockets, qu'est-ce que ça apporte au film ? Sinon, le film est assez plaisant, plutôt léger et finalement assez bien construit : le tandem principal essaie sans cesse d'incarner des personnages (par exemple, les policiers) et c'est parfois plus explicitement cinématographique (il y a une citation littérale de la scène du bowling avec le Dude issue de The big Lebowski des frères Coen) et le fait qu'ils volent dans des cinémas n'est à mon avis pas anodin - d'ailleurs, ça nous fait apercevoir quelques cinémas parisiens ; et ça, ça me plait toujours.

Yann Gonzalez : Land of my dreams        2012

 +
Il s'agit du second film de Gonzalez que je vois et j'en ai pensé à peu près la même chose (à ceci près que l'autre réalisation était un long métrage et la thématique était plus riche) : visuellement, c'est assez beau (même si moins intéressant et plus impersonnel que dans Un couteau dans le cœur) mais je trouve les thématiques parfois un peu cringe (ou en tout cas, on n'en fait pas grand-chose d'intéressant) : puissance du désir, fantasme comme moteur ; des aspirations très romantiques, qui sont ici tellement mises au centre que ça me dérange parfois un peu mais ça pourrait donner quelque chose d'intéressant dans la mesure où ça va à l'opposé à l'antienne "désir comme simulacre, etc." et à la fois, ça ne tombe pas vraiment dans le versant cis-hétéro-masculin de cette pratique/dynamique - qu'on a déjà vu et revu. Bref, là encore, Gonzalez fait un cinéma de passionné : les références à Mulholland drive sont assez claires (une blonde, une brune, le spectacle, le bleu et le rouge, etc.) et on peut penser un peu à Jodorowsky ; cela dit, je n'ai pas trouvé que ça menait vraiment quelque part, c'est juste visuellement plaisant et techniquement pas mal mais pas plus.

• Denis Villeneuve: Dune

Sans être un mauvais film (je l’ai regardé jusqu’au bout), c’est quand même un film très ennuyeux.

Déjà, c’est un produit totalement lisse et aseptisé - que ce soit au niveau de l’image (on est dans l’archétype de la photographie à la mode: numérique, esthétisante, hyper-léchée et assombrie, avec effets spéciaux sophistiqués et plein de plans de drones, un peu comme dans les derniers James Bond ou les séries fantastiques sur Netflix), dans l’imagerie (c’est très frappant par rapport au film de Lynch: tout le baroquisme steampunk un peu kitsch comme les images mentales «organiques» sont soigneusement évitées), le casting (ça ressemble vraiment à une galerie de mannequins-chanteurs-acteurs avec des quotas à respecter, là où Lynch avait réuni une galerie hétéroclite de formidables acteurs à gueules - et qui collaient si bien aux personnages!) ou même du scénario dont beaucoup d’aspects ont été édulcorés (les Hakonen sont juste de sombres méchants, mais sans leur monstruosité; les Bene Gesserit manquent d’ambivalence; les références à l’islam sont précautionneusement minimisées…)

Et les lecteurs de Frank Herbert regretteront que l’univers ait été considérablement simplifié (il n’est jamais question de la Guilde des Navigateurs, il me semble que le nom de Kwisatz Haderach n’est même pas prononcé, l’empereur n’apparaît pas, les rôles des mentats est réduit à la portion congrue…)

Le problème, c’est que cette simplification pourrait se justifier si c’était pour ne pas surcharger ou ralentir le récit - or, c’est tout le contraire qui se passe: le récit est assez lent, avec beaucoup de délayage (chaque micro-suspense est étiré au maximum, les scènes de rêves sont très répétitives et très longues.) Résultat: on en est quand même déjà à deux heures et demie de film pour le seul premier volume, malgré tout l’élagage qu’on a dit (alors que Lynch arrivait à faire tenir les deux tomes en deux heure et quart, et en élaguant au minimum.)

Benedictus a écrit:

• Denis Villeneuve: Dune

Sans être un mauvais film (je l’ai regardé jusqu’au bout), c’est quand même un film très ennuyeux.

Déjà, c’est un produit totalement lisse et aseptisé - que ce soit au niveau de l’image (on est dans l’archétype de la photographie à la mode: numérique, esthétisante, hyper-léchée et assombrie, avec effets spéciaux sophistiqués et plein de plans de drones, un peu comme dans les derniers James Bond ou les séries fantastiques sur Netflix), dans l’imagerie (c’est très frappant par rapport au film de Lynch: tout le baroquisme steampunk un peu kitsch comme les images mentales «organiques» sont soigneusement évitées), le casting (ça ressemble vraiment à une galerie de mannequins-chanteurs-acteurs avec des quotas à respecter, là où Lynch avait réuni une galerie hétéroclite de formidables acteurs à gueules - et qui collaient si bien aux personnages!) ou même du scénario dont beaucoup d’aspects ont été édulcorés (les Hakonen sont juste de sombres méchants, mais sans leur monstruosité; les Bene Gesserit manquent d’ambivalence; les références à l’islam sont précautionneusement minimisées…)

Et les lecteurs de Frank Herbert regretteront que l’univers ait été considérablement simplifié (il n’est jamais question de la Guilde des Navigateurs, il me semble que le nom de Kwisatz Haderach n’est même pas prononcé, l’empereur n’apparaît pas, les rôles des mentats est réduit à la portion congrue…)

Le problème, c’est que cette simplification pourrait se justifier si c’était pour ne pas surcharger ou ralentir le récit - or, c’est tout le contraire qui se passe: le récit est assez lent, avec beaucoup de délayage (chaque micro-suspense est étiré au maximum, les scènes de rêves sont très répétitives et très longues.) Résultat: on en est quand même déjà à deux heures et demie de film pour le seul premier volume, malgré tout l’élagage qu’on a dit (alors que Lynch arrivait à faire tenir les deux tomes en deux heure et quart, et en élaguant au minimum.)

Pas encore vu mais l'univers ne semble pas trop me parler a priori ; j'avais vu celui de Lynch à la cinémathèque mais comme beaucoup de gens, j'avais trouvé ça raté - mais je suis d'accord avec ce que tu en dis. Sinon, oui, Villeneuve n'est pas le champion de la subtilité... Et sinon, ce film n'est que la première partie, une deuxième partie va être tournée (est en tournage ?) ; j'ai cru comprendre que de nouvelles personnes rejoindraient le casting - j'ai lu récemment que c'était le cas de Léa Seydoux, notamment.

Benedictus a écrit:

• Denis Villeneuve: Dune

Sans être un mauvais film (je l’ai regardé jusqu’au bout), c’est quand même un film très ennuyeux.

Déjà, c’est un produit totalement lisse et aseptisé - que ce soit au niveau de l’image (on est dans l’archétype de la photographie à la mode: numérique, esthétisante, hyper-léchée et assombrie, avec effets spéciaux sophistiqués et plein de plans de drones, un peu comme dans les derniers James Bond ou les séries fantastiques sur Netflix), dans l’imagerie (c’est très frappant par rapport au film de Lynch: tout le baroquisme steampunk un peu kitsch comme les images mentales «organiques» sont soigneusement évitées), le casting (ça ressemble vraiment à une galerie de mannequins-chanteurs-acteurs avec des quotas à respecter, là où Lynch avait réuni une galerie hétéroclite de formidables acteurs à gueules - et qui collaient si bien aux personnages!) ou même du scénario dont beaucoup d’aspects ont été édulcorés (les Hakonen sont juste de sombres méchants, mais sans leur monstruosité; les Bene Gesserit manquent d’ambivalence; les références à l’islam sont précautionneusement minimisées…)

Et les lecteurs de Frank Herbert regretteront que l’univers ait été considérablement simplifié (il n’est jamais question de la Guilde des Navigateurs, il me semble que le nom de Kwisatz Haderach n’est même pas prononcé, l’empereur n’apparaît pas, les rôles des mentats est réduit à la portion congrue…)

Le problème, c’est que cette simplification pourrait se justifier si c’était pour ne pas surcharger ou ralentir le récit - or, c’est tout le contraire qui se passe: le récit est assez lent, avec beaucoup de délayage (chaque micro-suspense est étiré au maximum, les scènes de rêves sont très répétitives et très longues.) Résultat: on en est quand même déjà à deux heures et demie de film pour le seul premier volume, malgré tout l’élagage qu’on a dit (alors que Lynch arrivait à faire tenir les deux tomes en deux heure et quart, et en élaguant au minimum.)

Assez d'accord avec tout ça! j'ai trouvé que c'était un bon film, je ne me suis pas ennuyé d'ailleurs et j'ai envi de voir comment ils vont gérer la suite, mais c'est très lisse et très très simplifié (voire simpliste). Le Lynch est peut être raté mais son baroquisme un peu fou avait quelques chose de fascinant, on peut regretter les aspects homophobes de l'imagerie des Harkonen (l'un des aspects déplaisants du roman) mais leur première apparition est impressionnante dans son sadisme fou, c'est une vision cauchemardesque et malsaine qui reste en tête longtemps après, là c'est vraiment très propret et conventionnel.
Le Lynch pour tous ses défauts méritent quand même le coup d’œil pour ces moments de délires impensables dans un blockbuster aujourd'hui.

On annonce aussi Christopher Walken dans le rôle de l’empereur pour le second film.

Je trouve le Lynch franchement chouette - j’en aime en particulier tous les côtés un peu naïfs (les voix off, les trucages de série B Universal, la musique kitsch de Toto) et surtout la dimension pas-tout-à-fait-sérieuse (les gags visuels comme la vache chez les Hakonen, les sourcils des mentats, et l'espèce de fantaisie pince-sans-rire qui affleure toujours dans le jeu de MacLachlan) alors que Villeneuve semble avoir du mal à ne pas se prendre très au sérieux (tout comme son acteur principal, d'ailleurs.)

Parsifal a écrit:

on peut regretter les aspects homophobes de l'imagerie des Harkonen (l'un des aspects déplaisants du roman) mais leur première apparition est impressionnante dans son sadisme fou, c'est une vision cauchemardesque et malsaine qui reste en tête longtemps après, là c'est vraiment très propret et conventionnel

Oui, d'une manière générale, le film semble fait pour donner du grain à moudre aux pourfendeurs du wokisme - comme le personnage de Liet Kynes (joué par Max von Sydow chez Lynch) qui semble ici dévolu à la représentation positive de minorités visibles (femmes racisées de plus de 40 ans, en l'occurrence); mais bon, comme c'est un personnage secondaire qui se sacrifiera pour sauver le jeune héros blanc, ça reste du wokisme raisonnable, hein.

Claude Berri : Je vous aime        1980


Dans la filmographie de Claude Berri, ce film vient juste après Un moment d'égarement tourné trois ans avant que je n'avais vraiment pas aimé ; ici, il a dû se dire que vu qu'il se prénommait Claude, il pouvait faire du Lelouch mais le résultat n'est vraiment pas terrible. L'histoire est très simple : au cours d'une soirée de Noël, une femme invite ses anciens maris et se remémore les différents épisodes de sa vie avec chacun de ses anciens maris ; bon, alors, bien sûr, les histoires sont mélangées (de manière assez peu intéressante) : on dirait vraiment que cette chronologie est très gadget et ne sert (éventuellement) qu'à réaliser l'état émotionnel du personnage principal mais bon... Sinon, casting assez remarquable : Catherine Deneuve, Jean-Louis Trintignant, Gérard Depardieu, Alain Souchon et Serge Gainsbourg ; ils jouent en général des personnages assez caractéristiques (d'ailleurs, celui de Gainsbourg semble vraiment lui ressembler bien qu'apparemment, cette relation soit inspirée de la relation éphémère entre Deneuve et Truffaut). Ce n'est pas nul mais on sent que Berri n'a clairement pas la maîtrise formelle et n'a surtout pas grand-chose d'intéressant à dire...

Benedictus a écrit:

Parsifal a écrit:

on peut regretter les aspects homophobes de l'imagerie des Harkonen (l'un des aspects déplaisants du roman) mais leur première apparition est impressionnante dans son sadisme fou, c'est une vision cauchemardesque et malsaine qui reste en tête longtemps après, là c'est vraiment très propret et conventionnel

Oui, d'une manière générale, le film semble fait pour donner du grain à moudre aux pourfendeurs du wokisme - comme le personnage de Liet Kynes (joué par Max von Sydow chez Lynch) qui semble ici dévolu à la représentation positive de minorités visibles (femmes racisées de plus de 40 ans, en l'occurrence); mais bon, comme c'est un personnage secondaire qui se sacrifiera pour sauver le jeune héros blanc, ça reste du wokisme raisonnable, hein.

C'est ça c'est du vrai "wokisme" du coup, une opération marketing superficiellement progressiste mais politiquement c'est creux (non parce que le personnage noir qui meurt en sacrifiant pour sauver le héros blanc dans le genre cliché problématique ça se pose là...)

Emeryck a écrit:

Sinon, oui, Villeneuve n'est pas le champion de la subtilité...

Je suis loin de tout connaître : il est vrai qu'Incendies, c'est au lance-flammes ; Premier Contact, par contre, j'aime beaucoup

Jean-Louis Trintignant : Une journée bien remplie        1973

 + / 
Jean-Louis Trintignant est bien sûr avant tout connu en tant qu'acteur mais il a aussi réalisé deux longs-métrages : celui-ci est le premier des deux, le second (intitulé Le maître nageur) sortira six ans plus tard. Ce film m'a pas mal surpris, je m'attendais à un truc assez conventionnel, un peu plan-plan mais en fait pas du tout : le film est vraiment drôle - un humour du genre pince-sans-rire, j'adore - et assez insolent parce qu'il s'en fout, en fait. Le pitch de ce film est très simple : on y suit un boulanger tout à fait lambda qui décide de se venger des neufs jurés qui ont fait condamner son fils (à mort, j'imagine ?) ; du coup, comme toute personne raisonnable : il prépare un carnet de bord (avec le nom des futures victimes, le lieu, la date, l'heure et le mode d'assassinat) et enfourche son side-car avec sa mère à ses côtés ; raconté comme ça, on pourrait, voyant l'époque, se dire "ohlàlà, encore un revenge movie où le film va glorifier à fond le personnage principal" mais en fait, pas du tout : ce qui fait sans doute la force du film, c'est que tout est régi par un arbitraire que l'on suit axiomatiquement, comme si c'était d'une logique implacable et le personnage principal est d'une rigueur exemplaire : lorsqu'il est en retard de deux minutes ou qu'il n'a pas pu tuer sa victime d'une certaine manière, il le note méticuleusement d'une autre couleur - et à chaque victime, il raye le nom correspondant en rouge. Si le film marche aussi bien, c'est aussi parce que Jacques Dufilho est remarquable dans ce rôle : il est extrêmement sérieux et ne parle presque pas ; du coup, même si le procédé est assez systématique, ça ne devient jamais ennuyeux et la fin est vraiment un énième pied-de-nez et semble être là par pure formalité ; en plus, en passant, il y a parfois de la belle musique (classique) et une autre musique, très amusant et très très très 70's. Franchement, même si en terme de réalisation, ce n'est pas hyper réjouissant, j'ai trouvé que ce film était une bonne surprise et j'espère que Le maître nageur en sera une aussi bonne !

Emeryck a écrit:

le film est vraiment drôle - un humour du genre pince-sans-rire, j'adore - et assez insolent parce qu'il s'en fout, en fait. [...] Si le film marche aussi bien, c'est aussi parce que Jacques Dufilho est remarquable dans ce rôle

À nos amours (1982, Maurice Pialat)

Le troisième Pialat que j'ai regardé récemment. Je l'ai vu sur Arte. Ce film est presque un modèle parfaite du «film français» classique. Une famille un peu bourgeoise qui vivent dans une maison apparemment trop grande. Les parents sont complètement dysfonctionnels : la mère au bord de la folie et le père (joué par Pialat lui-même) parle comme un philosophe stoïcien qui pourrait exploser en violence à tout moment. Le fils est un cinglé et la fille (le rôle principal) est une Lolita en classique; se faire bourrer par une grande partie du casting masculin.

Donc, tous les ingrédients là-bas. Sans aucun doute, la meilleure scène est la scène finale d'un petit dîner. Pialat laisse ses acteurs faire d'improvisation, on peut le voir, et cela fonctionne bien. Il y a une scène où le fils dit le mot «moment» et sa femme (qui apparaît de nulle part pour cette scène finale) se moque de lui pour sonner impeccablement français et un peu comme une dame, en disant «mo-moh!» Et leur façon de rire semble plutôt inattendue.

Ce fils bizarre est joué par le directeur de casting. Un jour, Pialat vient de lui confier ce rôle. Et le rôle principal était à l'origine pour quelqu'un d'autre, mais Sandrine Bonnaire qui a auditionné pour jouer un peu plus qu'un rôle secondaire, a été choisie pour le rôle principal. La femme du fils est aussi la costumière... donc c'est une affaire de famille.

Ce qu'on a essentiellement, c'est une fille qui est une casse-pied absolue, qui baise des hommes trop vieux pour elle et qui se bat physiquement avec sa mère fragile et son frère qui la bat, bien qu'il gifle comme une fille. Il est aussi un peu sinistre, en disant lors de ce dîner qu'elle «a le parfum de l'adolescence». Le problème de la fille est son incapacité à ressentir de l'amour ou à être aimée.

En fait, j'ai aimé bien ce film, car il brosse un tableau fidèle du vide d'une grande partie de la vie sociale, même si c'est un peu exagéré. Peut-être que le caractère humain échoue constamment à obtenir toute satisfaction de quoi que ce soit de physique, de mental ou de «spirituel» la plupart du temps.

Kapurush (Le lâche) 1965, Satyajit Ray.

Il n'y a pas de plans perdus dans ce film; la mise en scène est superbe et le scénario est presque parfait. J'avoue avoir été ensorcelé par Madhabi Mukherjee, oh! ces yeux ! J'adore les films en noir et blanc, même si je pense qu'il aurait été agréable en couleur pour voir le paysage autour de la plantation de thé.

À un moment donné, lorsque le propriétaire de la plantation de thé est sorti de la jeep pour chercher de l'eau pour le radiateur, il a sifflé quelques lignes d'Auld Lang Syne. Il y a beaucoup d'anglais parsemé généreusement dans le dialogue, même s'il s'estompe lorsque la tension dramatique monte. Sauf pour le mot 'please'.

J'ai vraiment aimé ce film et j'ai hâte de voir Charulata.

Baron Méduse a écrit:

j'ai hâte de voir Charulata

Dans mon souvenir (lointain) auquel je me promets de revenir : un des plus beaux Satyajit Ray (ce qui met la barre très très haut)

Gérard Pirès : L'ordinateur des pompes funèbres        1976


Trintignant avait déjà tourné un (ou deux, suivant les sources) an(s) avant avec Pirès (oui, le réalisateur du premier volet de Taxi) dans L'agression qui n'est pas merveilleux mais qui se regarde ; ici, c'est une autre question et notamment parce que la misogynie est vraiment au centre du film ; et puis en plus, la réalisation est assez nulle, mais bon, ça, c'est autre chose. Dans ce film, Trintignant joue le rôle d'un statisticien travaillant pour le compte d'une compagnie d'assurance : il étudie notamment les circonstances de mort les plus communes parmi les client(e)s de la compagnie ; cela lui donne des idées car sa femme (quasi-uniquement caractérisée par le fait d'être chiante et perverse) l'emmerde pas mal et utilise les données à sa disposition pour maximiser les risques d'accident (mortel, bien sûr) ; ensuite, il rencontre une autre femme puis lorsqu'il en rencontre une autre qui lui convient encore mieux, il décide de remettre le couvert avec l'autre femme ; je crois que la misogynie du film est suffisamment claire : le film aurait pu être intéressant s'il dénonçait ça - et encore, je n'en suis même pas convaincu parce que qu'est-ce que cela signifierait ? ça parlerait certainement de la réification des femmes (que l'on jette à la manière d'un objet obsolète dans le film) mais en terme de féminicide, ça serait assez vague ; bon, qu'importe, on ne peut vraiment pas sauver ce film, il est condamné à être merdique et bien problématique, je crois.

Emeryck a écrit:

Jean-Louis Trintignant : Une journée bien remplie        1973

 + / 
Jean-Louis Trintignant est bien sûr avant tout connu en tant qu'acteur mais il a aussi réalisé deux longs-métrages : celui-ci est le premier des deux, le second (intitulé Le maître nageur) sortira six ans plus tard. Ce film m'a pas mal surpris, je m'attendais à un truc assez conventionnel, un peu plan-plan mais en fait pas du tout : le film est vraiment drôle - un humour du genre pince-sans-rire, j'adore - et assez insolent parce qu'il s'en fout, en fait. Le pitch de ce film est très simple : on y suit un boulanger tout à fait lambda qui décide de se venger des neufs jurés qui ont fait condamner son fils (à mort, j'imagine ?) ; du coup, comme toute personne raisonnable : il prépare un carnet de bord (avec le nom des futures victimes, le lieu, la date, l'heure et le mode d'assassinat) et enfourche son side-car avec sa mère à ses côtés ; raconté comme ça, on pourrait, voyant l'époque, se dire "ohlàlà, encore un revenge movie où le film va glorifier à fond le personnage principal" mais en fait, pas du tout : ce qui fait sans doute la force du film, c'est que tout est régi par un arbitraire que l'on suit axiomatiquement, comme si c'était d'une logique implacable et le personnage principal est d'une rigueur exemplaire : lorsqu'il est en retard de deux minutes ou qu'il n'a pas pu tuer sa victime d'une certaine manière, il le note méticuleusement d'une autre couleur - et à chaque victime, il raye le nom correspondant en rouge. Si le film marche aussi bien, c'est aussi parce que Jacques Dufilho est remarquable dans ce rôle : il est extrêmement sérieux et ne parle presque pas ; du coup, même si le procédé est assez systématique, ça ne devient jamais ennuyeux et la fin est vraiment un énième pied-de-nez et semble être là par pure formalité ; en plus, en passant, il y a parfois de la belle musique (classique) et une autre musique, très amusant et très très très 70's. Franchement, même si en terme de réalisation, ce n'est pas hyper réjouissant, j'ai trouvé que ce film était une bonne surprise et j'espère que Le maître nageur en sera une aussi bonne !

J'adore la scène où la grand-mère sort une arme et où Jacques Dufilho lui dit "Non maman, on n'est pas des gangsters."
J'allais te dire que Le maître nageur est aussi très bien mais je viens de me rendre compte que je confonds avec le film Le Plongeon avec Burt Lancaster (qui n'a rien à voir à part le fait d'être un film de piscine).

Prosopopus a écrit:

Emeryck a écrit:

Jean-Louis Trintignant : Une journée bien remplie        1973
 + / 
Jean-Louis Trintignant est bien sûr avant tout connu en tant qu'acteur mais il a aussi réalisé deux longs-métrages : celui-ci est le premier des deux, le second (intitulé Le maître nageur) sortira six ans plus tard. Ce film m'a pas mal surpris, je m'attendais à un truc assez conventionnel, un peu plan-plan mais en fait pas du tout : le film est vraiment drôle - un humour du genre pince-sans-rire, j'adore - et assez insolent parce qu'il s'en fout, en fait. Le pitch de ce film est très simple : on y suit un boulanger tout à fait lambda qui décide de se venger des neufs jurés qui ont fait condamner son fils (à mort, j'imagine ?) ; du coup, comme toute personne raisonnable : il prépare un carnet de bord (avec le nom des futures victimes, le lieu, la date, l'heure et le mode d'assassinat) et enfourche son side-car avec sa mère à ses côtés ; raconté comme ça, on pourrait, voyant l'époque, se dire "ohlàlà, encore un revenge movie où le film va glorifier à fond le personnage principal" mais en fait, pas du tout : ce qui fait sans doute la force du film, c'est que tout est régi par un arbitraire que l'on suit axiomatiquement, comme si c'était d'une logique implacable et le personnage principal est d'une rigueur exemplaire : lorsqu'il est en retard de deux minutes ou qu'il n'a pas pu tuer sa victime d'une certaine manière, il le note méticuleusement d'une autre couleur - et à chaque victime, il raye le nom correspondant en rouge. Si le film marche aussi bien, c'est aussi parce que Jacques Dufilho est remarquable dans ce rôle : il est extrêmement sérieux et ne parle presque pas ; du coup, même si le procédé est assez systématique, ça ne devient jamais ennuyeux et la fin est vraiment un énième pied-de-nez et semble être là par pure formalité ; en plus, en passant, il y a parfois de la belle musique (classique) et une autre musique, très amusant et très très très 70's. Franchement, même si en terme de réalisation, ce n'est pas hyper réjouissant, j'ai trouvé que ce film était une bonne surprise et j'espère que Le maître nageur en sera une aussi bonne !

J'adore la scène où la grand-mère sort une arme et où Jacques Dufilho lui dit "Non maman, on n'est pas des gangsters."
J'allais te dire que Le maître nageur est aussi très bien mais je viens de me rendre compte que je confonds avec le film Le Plongeon avec Burt Lancaster (qui n'a rien à voir à part le fait d'être un film de piscine).

En fait, c'est aussi original mais c'est moins réussi, beaucoup plus bordélique et la dernière partie fait beaucoup de sur-place.

Agnès Varda : Cléo de 5 à 7        1962

 +
C'est la première fois que je revois ce film ; il me semble que c'est sans doute l'un des premiers films de Varda que j'ai vu et c'est sans doute celui que j'aime le plus, sans doute parce que c'est celui le plus proche des thèmes qui me parlent. Le pitch du film est très simple : une chanteuse attend le résultat de son examen médical (pour savoir si elle a un cancer ou non) ; l'heure et demi d'attente sera l'objet du film. J'ai vraiment beaucoup aimé (à nouveau) le film ; ne serait-ce que la scène d'ouverture, la seule qui soit en couleur : une scène chez une voyante, elle lui tire les cartes et lui confirme ce qu'elle redoute ; cette scène préliminaire plane au-dessus du film, elle le borde : à la fois parce qu'elle s'en différencie (lorsque la voyante n'arrive plus très bien à expliquer le tirage global, elle dit que  "le jeu est difficile et compliqué, il faudrait en faire un autre" et c'est là qu'apparaît "scénario et réalisation : Agnès Varda") mais Cléo ne cesse de s'y référer : comme si la contrainte temporelle fixée par le résultat de l'examen trouvait une contrainte des possible dictée par les tirages de cartes ; d'ailleurs, ça amène une couleur assez étonnante car ce sont des choses assez en général assez opposées, deux logiques très différentes. Ensuite, bien sûr, il y a toutes les scènes de déplacement/errance dans Paris, beaucoup de transports différents (marche surtout, bus, voiture, taxi) qui donne corps au paysage émotionnel de Cléo - j'aime particulièrement la scène où elle prend le taxi avec son amie et après qu'il l'a déposée, le chauffeur demande à Cléo où elle veut aller et elle répond spontanément "tout droit, tout droit !!" - et ça permet aussi de donner corps à l'insécurité de Cléo par rapport au regard des autres : il y a cette scène où le style Varda est déjà très affirmé : on voit une suite de visages assez divers et qui semblent indépendant de tout effet dramatique. Le film parle assez bien de la solitude : en dépit de tous les personnages qui gravitent autour de Cléo, elle semble toujours seule - il y a d'ailleurs une scène que je trouve merveilleuse : Cléo est dans un café bondé, un couple parle à côté mais le miroir derrière elle produit un effet de split-screen, on entend la discussion mais à cause du fond différent induit par la réflexion dans le miroir (un objet qui peuple le film, qu'il soit brisé, initialement morcelé ou complet), c'est comme si Cléo était extraite du lieu : c'est vraiment emblématique de cette solitude peuplée qui parcourt le film. Le film est bien sûr aussi assez singulier (au moins au sein du cinéma français) notamment parce que l'on suit principalement des femmes qui parlent de leur rapport aux relations, à l'amour, etc. ; le film aborde également (bien sûr) la guerre d'Algérie (notamment à travers le premier trajet en taxi où l'on peut entendre longuement la radio). J'ai été content de revoir ce film - et de revoir la scène de la chanson Sans toi -, j'avais oublié que la réalisation était aussi sophistiquée.

Jean-Louis Trintignant : Le maître-nageur        1978


Il s'agit du second film de Trintignant, même s'il est tout aussi original que le précédent, il est tout de même bien moins réussi - sa seule réussite notable est de donner un rôle quasiment de premier plan à Moustache, je l'ai trouvé très drôle. J'ai trouvé que le film voulait trop mettre en avant le côté décalé et absurde de sa trame : une femme arrive à réaliser ses rêves, rencontre un homme et comme ils veulent de l'argent, le gars décide de se faire engager comme maître-nageur chez un milliardaire (interprété par Moustache, justement !) mais en fait, c'est le triomphe de l'absurde dans cette propriété : tous les employées sont complètement cinglés. Le début est assez amusant mais ça devient vite n'importe quoi puisque le milliardaire en question leur demande tout et n'importe quoi ; du coup, même si c'est amusant et finalement assez original, j'ai trouvé que ça devenait lassant assez rapidement ; je préférais de loin l'efficacité de son premier film.